Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Collective Soul – Blender (2000)

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Puntaje del Disco: 5

  1. Skin: 5
  2. Vent: 6
  3. Why, Pt. 2: 6
  4. 10 Years Later: 5
  5. Boast: 5
  6. Turn: 5
  7. You Speak My Language: 4
  8. Perfect Day: 5
  9. After All: 5
  10. Over Tokyo: 5
  11. Happiness: 5

Blender, el quinto disco de estudio de Collective Soul no sólo fue el último que el grupo grabó con Atlantic Records sino también su álbum con mayor orientación pop.

De entrada llama la atención la foto seleccionada como tapa de disco, muy similar a cualquier boy band que inundó la escena musical durante fines de la década de los noventa. Musicalmente el disco presenta canciones artificialmente armadas, con lindas letras pero con sonidos que no terminan de convencer.

A excepción del segundo y el tercer tema, el resto del disco sencillamante pasa casi desapercibido, y ni la intervención de Elton Jhon ayuda a levantar este material que claramente no fue lo más destacado en la carrera del grupo.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4)

The Kills – Ash & Ice (2016)

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. Doing It to Death: 9
  2. Heart of a Dog: 8
  3. Hard Habit to Break: 8
  4. Bitter Fruit: 7,5
  5. Days of Why and How: 7,5
  6. Let It Drop: 7,5
  7. Hum for Your Buzz: 7
  8. Siberian Nights: 7,5
  9. That Love: 8
  10. Impossible Tracks: 6,5
  11. Black Tar: 7,5
  12. Echo Home: 8,5
  13. Whirling Eye: 6,5

El retorno de The Kills se podría decir que fue traumático. Nada menos que 5 años tendríamos que esperar para volver a escuchar un disco de ellos. En el medio Jamie Hince tendría las dificultades de afrontar su divorcio y una lesión en la mano que lo mantendrían marginado de su guitarra. Mientras que Alison Mosshart estaba demasiado ocupada en otros proyectos como The Dead Weather. Finalmente, llegaría Ash & Ice reflejando un poco las dificultades de por medio.

Ash & Ice es su disco menos lucido. Es un trabajo que se parece más a Blood Pressures que a Midnight Boom. Porque es oscuro y no es muy jovial. Tenemos algunos buenos riffs de garage rock de Hince pero compositivamente ofrecen las canciones menos logradas que hizo de Kills en su carrera. Algunos cortes son inmemorables y otros simplemente están lejos de lo mejor que puede hacer e hizo The Kills.

Tampoco ayuda la duración del álbum. Mientras Midnight Boom era un manjar festivo de poco más de 30 minutos, en este disco The Kills se sobre esfuerza por poner más canciones en el álbum, estirándolo innecesariamente y haciendo notar más sus baches.

Es una versión más apagada de ellos incluso en los arreglos que usan, que a veces resultan menos acertados, menos divertidos y hasta desubicados. ¿Pero saben qué? No deja de ser un buen disco.

Ningún tema de Ash & Ice puede ser tomado como malo.  Y de hecho tenemos canciones para destacar como “Doing It to Death”, con su muy buen riff, y “Echo Home”, con su ritmo sutil, lento y convincente. La balada “That Love” también es agradable. Mientras que “Heart of a Dog” y “Hard Habit to Break” con ritmos y esos arreglos minimalistas rememoran a otros discos del dúo.

Ash & Ice es un producto más que aceptable y llega a ser incluso más entretenido que muchas de las canciones de The Dead Weather. Y pese a ser el más endeble de los discos de The Kills, es una muy buena noticia tenerlos de vuelta.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

Eminem – Relapse (2009)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Dr. West:
  2. 3 a.m.: 8
  3. My Mom: 7
  4. Insane: 7,5
  5. Bagpipes from Baghdad: 7,5
  6. Hello: 6
  7. Tonya:
  8. Same Song & Dance: 8,5
  9. We Made You: 7
  10. Medicine Ball: 7
  11. Paul:
  12. Stay Wide Awake: 6,5
  13. Old Time’s Sake: 8
  14. Must Be the Ganja: 6,5
  15. Mr. Mathers
  16. Déjà Vu: 7
  17. Beautiful: 6
  18. Crack a Bottle: 7,5
  19. Steve Berman:
  20. Underground: 7,5

Con su primer álbum en cinco años, Relapse (2009), Eminem se asomaría de las tiñeblas y el olvido, volviendo al hip hop y haciendo lo imposible para llamar la atención y demostrar que todavía estaba vigente y con mucho para dar.

Relapse es un típico álbum de Eminem producido por Dr. Dre con sus beats contundentes que lógicamente suenan bien, su talento para las rimas y tanto su ingenio como sus obsesiones y provocaciones continúan intactas. El problema es la calidad de los temas. Pocos de ellos hubieran superado el corte en su apogéo una década atrás y la mayoría hubieran quedado guardados o en su mejor suerte editados como un Lado B.

Se esperaba más después de tantos años de reclusión y el tiempo que tuvo para hacer algo novedoso. Entre los momentos más lúcidos de la placa y que recomendamos escuchar podemos citar “3 a.m.”, “Bagpipes from Baghdad “, “Same Song & Dance”, “Old Time’s Sake” y “Crack a Bottle” esta última junto a Dr. Dre y 50 Cent.

Relapse le sirvió para volver de su exilio musical. Sin ser un triunfo definitivo fue necesario y ya no siendo la última moda le posibilitó abrir el camino para el futuro, que lo encontrarían más vital y con nuevas ideas volviendo a subir las acciones del rapero blanco más famoso.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

Our Lady Peace – Spiritual Machines (2000)

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Puntaje del Disco: 9

  1. R.K. Intro:
  2. Right Behind You (Mafia): 10
  3. R.K. 2029:
  4. In Repair: 9,5
  5. Life: 8
  6. Middle of Yesterday: 7,5
  7. Are You Sad?: 9
  8. R.K. 2029 (Part 2):
  9. Made To Heal: 9
  10. R.K. 1949:
  11. Everyone Is A Junkie: 8,5
  12. R.K. On Death:
  13. All My Friends: 8
  14. If You Believe: 8,5
  15. The Wonderful Future: 9,5
  16. R.K. Molly:

Si hablamos de calidad musical, o de algún género en específico con artistas que marcaron eras y generaciones, el Post-Grunge no es el género más destacado de ellos. No hay muchos artistas destacados, de hecho, comercialmente es un género un poco detestable para algunos, hay bandas como Creed, Puddle of Mudd, Nickelback, entre otras… Bandas que no son demasiado agradables sobre todo para algunos «Elitistas musicales». Nació como para hacerse una copia descarada de las bandas de la escena de Seattle y para meterse en el mundo del mainstream, hasta ganandose el odio de algunos de los exponentes del predecesor del género, el Grunge.

Sin embargo, hay una de esas bandas que son la excepción total, y es sin duda una de mis bandas favoritas de los 90’s (una lástima que hicieron cosas grandes hasta este disco) y también una de las más infravaloradas. Our Lady Peace es una banda canadiense, formada en 1992 por el guitarrista Mike Turner y por el único y carismático Raine Maida.

Sus primeros 4 trabajos discográficos son totalmente impresionantes y recomendables discos de Rock Alternativo. Definitivamente, no sé con cual quedarme. Cada disco tiene su estilo y se difieren bastante entre sí. El debut, Naveed (1994) tiene un sonido mucho más grunge y agresivo que los otros discos de la banda, haciendo homenaje a las bandas de Seattle. El segundo, Clumsy (1997) y hasta ahora, comercialmente, el disco más exitoso de la banda, tiene un sonido más maduro y mucho más oscuro, sombrío y hasta depresivo en algunos casos. El tercero, Happiness Is Not A Fish That You Can Catch (1999) tiene un estilo totalmente alejado de los 2 anteriores trabajos, con toques más experimentales, y con un sonido original y muy agridulce. Éste sin duda fue el disco que me metió de lleno a la banda y es mi favorito.

Y Spiritual Machines, el que vamos a comentar ahora, tiene una mezcla de todos los discos anteriores y para muchos, es el mejor y más logrado disco de la banda y del Post-Grunge.

Se lo puede tomar como un álbum conceptual, ya que habla y hasta tiene interludios del libro «La Era de las Maquinas Espirituales» de Ray Kurzweill, quién es el que presta la voz y que incluso le dió el título al disco y las ideas para su arte conceptual (raro y vanguardista).

Sin embargo, lo más interesante del disco es la música. Está repleto de canciones excelentes y totalmente enganchables una por una. Y abren de una manera brutal, con el tema «Right Behind You (Mafia)», sin duda la mejor canción de la banda y para mí de las mejores canciones de los 2000’s, porque tiene un estribillo muy pegadizo y la letra es excelente. No quedan dudas, una lástima que sea una canción poco conocida, porque podría haber sonado en todas las radios.

El resto del disco es sencillamente sublime, el trabajo más logrado de la banda. Los riffs, las melodías y los acordes de Mike Turner a las guitarras son simples, pero a la vez te enganchan. La voz de Raine Maida es única e inigualable, caracterizada por su falseto nasal, que le da un toque más único a la música de la banda. Un excelente cantante sin duda.

Y pues bueno, no hay mucho más que decir del disco, es una lástima que después de este, el guitarrista y encima líder, Mike Turner, deje la banda. Quizás fue por el fracaso comercial de este disco, teniendo en cuenta que se lanzó repentinamente, un año después de haber publicado Happiness…. Fue tan poca la atención que recibió que vendieron poquísimas copias.

A partir de ahí, todo fue cuesta abajo, la banda publica luego su disco Gravity en 2002, que los llevo al éxito comercial, pero a la ruina musical, puesto que trabajaron con Bob Rock. No fue un mal disco, pero si los fueron los 3 siguientes, que son espantosos comparados a los primeros trabajos de la banda, ya que son intentos descarados por sonar en la radio, pero que fallaron increíblemente. Es una pena como cayó la banda así. Pero bueno, ojalá que vuelva Mike… No creo que esta banda tenga mucho futuro sin él.

Sin embargo, realmente los recomiendo para aquellos que andan buscando una buena banda de Rock Alternativo. Acá la tienen, empiecen escuchandola por este disco.

Toto

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Marvin Gaye – In Our Lifetime (1981)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Ego Tripping Out: 8
  2. Praise: 7
  3. Life Is for Learning: 7.5
  4. Love Party: 8
  5. Funk Me: 8
  6. Far Cry: 8
  7. Love Me Now or Love Me Later: 8.5
  8. Heavy Love Affair:
  9. In Our Lifetime: 8

Escrito, producido y arreglado íntegramente por Marvin Gaye, In Our Lifetime, el decimosexto álbum de estudio del músico fue lanzado en Enero de 1981 y sería el último que grabaría con Motown.

Concebido originalmente como un disco de fiesta, finalmente Gaye reconsideró la idea e incorporó parte de su repertorio religioso, aunque sin dejar de lado el lado paródico como en “Ego Tripping Out”.

“Love Party” y “Heavy Affair” son dos de los temas que más se destacan en este material, que sin ser brillante, supo condensar muy bien y retratar a un multifacético Gaye.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4.5)

Savages – Adore Life (2016)

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Puntaje del Disco: 8

  1. The Answer: 8,5
  2. Evil: 8
  3. Sad Person: 8,5
  4. Adore: 9,5
  5. Slowing Down the World: 8
  6. I Need Something New: 6
  7. When in Love: 7,5
  8. Surrender: 8
  9. I.W.Y.G.: 8
  10. Mechanics: 7

Savages, las chicas súper poderosas y supertormentosas, vuelven al ruedo con su segundo disco de estudio, Adore Life. En esta nueva entrega su sonido oscuro se mantiene pero encontramos diferencias respecto de lo que fue Silence Yourself.

Con letras en donde tratan su perspectiva del amor y las relaciones, transmitiéndolo  desde su costado  turbio y visceral, Adore Life es un álbum en el que intentan madurar, hacer evolucionar su sonido. Es un trabajo en el que muestran otras variables de lo que son capaces. Y esto lo hacen moderando su actitud enérgica en varios pasajes del disco, haciendo florecer más sus texturas y su costado más siniestro, e incluso dándole más lugar al bajo (sino escuchen “Evil” y Sad Person”) por sobre sus desgarradoras guitarras.

Como resultado Adore Life tiene un sonido más medido y más versátil. En ese aspecto, “Adore” resalta como un manifiesto excelente de como bajando un cambio logran matices siniestros que logran capturarte por completo.

Pero en contrapartida es menos rebelde y menos excitante. Es menos Punk en general. De todas formas, hay pasajes donde Savages rockea con mucha actitud como en “The Answer”, con ese demoledor y arrollador Riff, así como hay otros momentos como “I Need Something New” en donde su sonido es más agobiante que disfrutable.

Adore Life tal vez no sea superior a su predecesor, pero no deja de ser un muy buen disco del 2016, que vale la pena escuchar para seguir disfrutando lo que hace Savages y la evolución de su sonido.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Blue Öyster Cult – Blue Öyster Cult (1972)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Transmaniacon MC: 8
  2. I’m on the Lamb but I Ain’t No Sheep: 8
  3. Then Came the Last Days of May: 8,5
  4. Stairway to the Stars: 7
  5. Before the Kiss, a Redcap: 9
  6. Screams: 7,5
  7. She’s as Beautiful as a Foot: 8,5
  8. Cities on Flame with Rock and Roll: 7,5
  9. Workshop of the Telescopes: 8
  10. Redeemed: 8,5

Injustamente no reconocidos como otros de sus contemporáneos, los neoyorquinos Blue Öyster Cult comenzaron a deslumbrar con sus temas que mezclan el hard rock y el heavy metal a comienzos de la década del setenta, con el dúo de guitarristas y cantantes Eric Bloom y Donald “Buck Dharma” Roeser como principales figuras.

En sus inicios se ganaron su reputación como “la banda más violenta de Nueva York” por sus conciertos arrolladores y su homónimo debut discográfico se concretaría finalmente el 16 de Enero de 1972 con su álbum más directo y de rock tradicional en su larga carrera.

Su rock duro se combinaba con una temática esotérica, excéntrica y enigmática. En sus primeros momentos se los acusó de nazis por un símbolo que se veía la portada (que recordaba vagamente a una esvástica). Aunque la famosa cruz de Blue Öyster Cult fue creado en 1972 por el artista Bill Gawlik, y adoptado por la banda como logo oficial. Dicha cruz es una adaptación modificada del símbolo que representaba al Titán Cronos en la Mitología griega.

Volviendo a lo estrictamente musical estamos ante una sólida carta de presentación para una nueva banda con numerosas canciones roqueras dignas de los mejores momentos de la era del hard rock, tal es el caso de “Before the Kiss, a Redcap”, “She’s as Beautiful as a Foot” y “Cities on Flame with Rock and Roll”.

Blue Öyster Cult tendría su gira promocional por los Estados Unidos junto a artistas de la talla de Alice Cooper y The Byrds, y continuarían se crecimiento musical y en repercusión a lo largo de sus años de esplendor, hasta que llegarían los ochenta que los arruinaría como a tantas otros grandes conjuntos.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Lou Reed – Ecstasy (2000)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Paranoia Key Of E: 6
  2. Mystic Child: 6
  3. Mad: 8
  4. Ecstasy: 8
  5. Modern Dance: 8,5
  6. Tatters: 7,5
  7. Future Farmers Of America: 6,5
  8. Turning Time Around: 8
  9. Rock Minuet: 8,5
  10. Baton Rouge: 7,5
  11. Like a Possum: 9,5
  12. Rouge:
  13. Big Sky: 6,5

Ecstasy es el décimo octavo disco de Lou Reed como solista. Con sus casi 80 minutos de duración es uno de los álbumes más largos del rey de New York.

Es un disco escuchable, donde la poesía de Reed brilla igual que siempre. Sin embargo, el principal problema que tiene es que muchos de los temas son olvidables. Como dije antes, son escuchables, pero no tienen nada de especial. No hay buenos ganchos, tienen riffs mediocres o demasiado simples. Son poco interesantes.

Otro punto en contra que tiene el LP es lo largo de su duración. Esto, junto a la preocupante cantidad de temas tan poco interesantes, lo hacen interminable.

El LP arranca con dos canciones de estas características: “Paranoia Key of E” y “Mystic Child”. Son temas con muy poco para ofrecer. Se podría decir que empieza bastante flojo.

Después, el álbum empieza a agarrar buen camino con la seguidilla de los temas “Mad”, “Ecstasy” (simple pero increíblemente seductora) y “Modern Dance” (lo más cercano a un tema comercial que se puede encontrar en el disco).

“Turning Time Around” es una muy linda balada que habla sobre el amor y su significado, brilla por su letra. El bajo de Fernando Saunders resalta en “Tatters”. “Rock Minuet” y la acústica “Baton Rouge” son otros de los cortes más destacables.

“Like a Possum” es el punto más alto al que llega el disco en cuanto a calidad. Una hermosa canción de alrededor de 18 minutos de duración que, a pesar de ser siempre igual, no aburre en ningún momento. Es increíble como esa combinación entre gritos furiosos y ruidosas guitarras distorsionadas al mango puede transmitir tanta paz. Lejos, el mejor tema del álbum.

El álbum cierra finalmente con “Big Sky”, otra canción que pasa sin penas ni gloria.

Ecstasy, si bien no es de lo más destacado de Lou Reed, no es malo (a pesar de sus defectos), y merece alguna que otra escucha.

Juanse el Mono

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Regina Spektor – Remember Us To Life (2016)

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. Bleeding Heart: 7
  2. Older and Taller: 7
  3. Grand Hotel: 7
  4. Small Bill$: 9
  5. Black and White: 8
  6. The Light: 8
  7. The Trapper and the Furrier: 8
  8. Tornadoland: 8
  9. Obsolete: 7,5
  10. Sellers of Flowers: 8
  11. The Visit: 8
  12. New Year: 6
  13. The One Who Stayed and the One Who Left: 6,5
  14. End of Thought: 7

Regina Spektor irrumpió en la escena musical mainstream hace ya una década con un disco adecuadamente titulado Begin to Hope (‘Empezá a esperanzarte’). Si bien ya tenía tres álbumes en su haber (11.11, Songs y Soviet Kitsch), fue este trabajo, de la mano del single «Fidelity», el que logró que el público general le prestara atención. No parecía haber mejor momento, dado que la cultura pop se saturaba de un arquetipo femenino bautizado «Manic Pixie Dreamgirl»: Chicas jóvenes, bonitas, obsesivamente positivas, que iban a contramano de la moda, recuperando estilos, música y actitudes de épocas más inocentes. Su génesis fue la francesa «Amelie» (2001) y a partir de ahí, Kirsten Dunst en el film «Elizabethtown» (2005) y Zooey Deschanel en prácticamente toda su carrera terminaron de definir a estas proto-hipsters. En medio de esta nueva tendencia, apareció Regina Spektor, una rusa exiliada en Estados Unidos, con voz delicada, rostro angelical y sonrisa luminosa, que tocaba en el piano sus propias canciones de letras optimistas y cotidianas, sin llegar a la cursilería ni a la ridiculez, convirtiéndose rápidamente en la banda de sonido de estas jovenzuelas que enfrentaban la vida con más ganas que ideas.

Posteriormente, Spektor se superó a sí misma con el excelente Far (2009), estiró el buen momento con un DVD en vivo, y dio su primer paso en falso con What We Saw From the Cheap Seats, un disco correcto pero desprolijo, donde la cantante echó mano a viejas composiciones para rellenar un álbum evidentemente poco inspirado.

Diez años después de Begin to Hope, el mundo es distinto. Las corrientes feministas barrieron con ese ideal de ser una babieca dedicada a mostrar a un hombre el lado romántico y sencillo de la vida. Las mujeres, pues, desecharon ese modelo y los hombres, que en realidad nunca habían estado interesados, no protestaron. ¿Queda lugar para Regina Spektor y su pop sofisticado e intimista de tintes positivos? La respuesta es «Sí, siempre que nos centremos en su costado más oscuro».

«Bleeding Heart», primer single de este nuevo CD titulado Remember Us To Life, es Spektor en su envase clásico y destaca con un estribillo de lo más pop. Efectivo, pero no demasiado interesante. Al clásico piano, se suman algunos efectos de sintetizador vintage. Este rumbo continúa en «Older and taller», que tiene una linda melodía y un fino trabajo de cuerdas. Sólo faltaría un gancho pegadizo en el medio.

Las cosas se ponen más atrayentes con «Grand Hotel», una balada in crescendo con un pseudo rapeo que no pierde su sabor pop. El piano siempre es protagonista, a pesar de otro buen arreglo de cuerdas. Y hablando de rapeos, Spektor se lo toma en serio en «Small Bill$», que marca una gran diferencia con lo que veníamos escuchando hasta ahora. Batería hip-hop, cuerdas cinematográficas y amenazantes, y un rap sin pretensiones que desemboca en coros de tinte oriental con desenfado infantil, a modo de estribillo. De lo mejor del disco.

«Black and white» suena a una balada de los años ochenta, aunque sin las producciones grandilocuentes de esa época. Dulce por todas partes, casi al borde de empalagar, pero sin llegar a hacerlo. El siguiente tema, «The Light», es más Spektor clásica, con un tono intimista que va creciendo a medida que la letra se vuelve más profunda.

Todo se vuelve oscuridad con «The trapper and the furrier», que empieza inquietantemente acapella  hasta que estalla en cuerdas y las teclas más graves del piano. A lo largo de la canción, la voz de la protagonista se irá enojando y desatará un furioso trabajo de percusión. Otro punto alto.

«Tornadoland» es un acto pop calmo para tratar problemas jodidos, como la depresión y la ansiedad. Los toques amenazantes de dichos demonios aparecen en forma de cuerdas y sintetizadores. En medio de esa oscuridad, es la siempre frágil y balsámica voz de Spektor la que nos rescata. «Obsolete» es pura melancolía ante el tiempo que pasa y el hecho de no saber todavía qué somos. «Seller of flowers» continúa por el camino de la tristeza con una orquestación fílmica, mientras que «The Visit» viene a cuestionar, de una manera un poco más alegre, sobre los constantes cambios de la vida.

Poco más puede decirse de «New Year» y «The one who stayed», dado que insisten en la fórmula más pop de Spektor. «End of thought», el final del disco, agrega arreglos que hacen las veces de ejercicios de potencia y presenta algunas de las estructuras irregulares que caracterizaron a Regina en sus primeros trabajos. No por nada estos últimos tres temas son meramente bonus tracks, ya que suenan a relleno por todas partes.

Remember Us To Life es un disco que presenta cierta inconsistencia y demuestra que poco queda de la atrevida Regina Spektor de los tres primeros álbumes (sólo «Small Bill$» recupera esos experimentos), si bien sus canciones pop siguen siendo de lo mejor que puede escucharse actualmente. Huelga decir que, más allá de su hermosa voz y su destreza en el piano, un punto fuerte de Spektor son las letras, por lo que si el oyente no sabe inglés o no se molesta en prestarles atención, se está perdiendo la mitad del talento de esta artista.

La edad de la madurez le llegó a Regina Spektor y aunque quede poco lugar para el optimismo, siempre habrá espacio para sus buenas canciones.

Camilo Alves

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Eagles – The Long Run (1979)

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Puntaje del Disco: 6.5

  1. The Long Run: 7
  2. I Can’t Tell You Why: 6
  3. In the City: 6
  4. The Disco Strangler: 7
  5. King of Hollywood: 7
  6. Heartache Tonight: 8
  7. Those Shoes: 7
  8. Teenage Jail: 6
  9. The Greeks Don’t Want No Freaks: 6
  10. The Sad Café: 7

Como le sucede a muchas bandas, Eagles no fue la excepción al síndrome del disco después del éxito. Editado en 1979, tres años después del gran suceso que significó Hotel California, The Long Run, el sexto álbum de estudio no recibió las mejores críticas, a pesar de haber alcanzado importantes lugares en los rankings.

Este fue el primer material en contar con Thimothy Schmit, que había reemplazado a Randy Meisner. Los temas son pegadizos aunque no logran el efecto de discos anteriores. “The Long Run” y el clásico “Heartache Tonight” fueron las piezas más notorias de un material aceptable pero no descollante.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)