Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

The Rolling Stones – Blue & Lonesome (2016)

 

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Puntaje del Disco: 8.5

  1. Just Your Fool: 9
  2. Commit A Crime: 8.5
  3. Blue And Lonesome: 8
  4. All Of Your Love: 9
  5. I Gotta Go: 8
  6. Everybody Knows About My Good Thing: 8
  7. Ride ‘Em On Down: 8
  8. Hate To See You Go: 8.5
  9. Hoo Doo Blues: 8.5
  10. Little Rain: 8.5
  11. Just Like I Treat You: 8
  12. I Can’t Quit You Baby: 8

Tras más de una década desde el lanzamiento del  último disco de estudio, A Bigger Bang, The Rolling Stones editaron a principios de diciembre de 2016 Blue & Lonesome, uno de los trabajos más esperados del año.

Con este nuevo material la legendaria banda británica vuelve a sus orígenes demostrando su pasión por el blues, cumpliendo además con la promesa de Keith Richards que había adelantado que el álbum tendría mucho del Blues de Chicago. Además de la particularidad del género elegido, el disco es el primero en la extensa trayectoria del grupo en contar exclusivamente con covers y tener como invitado a otro blusero de raza como Eric Clapton colaborando con su guitarra en un par de canciones.

“Just Your Fool” de Buddy Johnson que abre el disco fue también la pieza elegida para promocionar este ansiado material de sus majestades satánicas. Howlin’ Wolf, Little Walter y Willie Dixon son algunos de los artistas que la banda seleccionó para honrarlos a través de este muy bien logrado disco.

Aunque podría parecer más un deseo de Richards de hacer un disco de blues, lo cierto es que otro de los motivos por los cuales Blue & Lonesome funciona es porque Jagger toma protagonismo de un modo audaz y tal vez inesperado para el estilo elegido.

Una vez más los Stones demuestran su versatilidad y sobre todo que las raíces del blues están bien arraigadas en sus entrañas y que los años parecen no pasar para esto cuatro grandes que no dejan de ser noticia.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Emma Pollock – In Search of Harperfield (2016)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Cannot Keep a Secret: 9
  2. Don’t Make Me Wait: 9
  3. Alabaster: 8,5
  4. Clemency: 8
  5. Intermission: 8,5
  6. Parks and Recreation: 8
  7. Vacant Stare: 7,5
  8. In the Company of the Damned: 6,5
  9. Dark Skies: 9
  10. Monster in the Pack: 7,5
  11. Old Ghosts: 8

Las cantantes femeninas se vienen destacando mucho en los últimos años. El 2016 tampoco sería excepción, Emma Pollock sería una de las representantes en demostrar que las chicas la siguen rockeando. En el caso de Emma, estamos ante su tercer disco de estudio como solista, que tuvo un perfil más bien bajo a la hora de ser señalado en los “listados de mejores discos del año”. Sin embargo, desde su lanzamiento cosechó críticas muy positivas.

Lo destacable de In Search of Harperfield es que la ex integrante de The Delgados desarrolla un indie Pop en el que saca a relucir su talento como vocalista. Pollock tiene una voz con un poder cautivante. Y a eso le suma su predilección de embellecer sus canciones de tonos personales con arreglos orquestales.

Así logra producir un disco bastante consistente. Pero tenemos tres canciones que claramente sobresalen sobre el resto. Primero con “Cannot Keep a Secret” donde Emma comienza a seducirte con su voz en una apertura algo oscura y con cierto dejo melancólico. Inmediatamente tenemos a “Don’t Make Me Wait”, una canción Pop que te ametralla con una cantidad de ganchos y puentes melódicos que te enganchan inmediatamente (y pueden rozar lo comercial). Es un hit potencial de un encanto innegable. Y por último, más avanzado el disco, se encuentra “Dark Skies”, un hermoso tema acústico que sobresale por evocar nada menos que a Nick Drake.

El resto de las canciones de In Search of Harperfield también son bastante buenas y diversas, siempre con la fantástica voz de Emma como eje central. Canciones más oscuras como “Alabaster” e “Intermission” son algunas de las que más resaltan entre ellas. Así como el Pop Rock “Parks and Recreation” con su melodía.

In Search of Harperfield es un álbum agradable, que silva bajito a la hora de destacarse. Ten es así que las canciones más “vendibles” del disco solo tienen algún video de alguna presentación en un café, que cuentan con alrededor de 300 reproducciones cada uno.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Slade – Old New Borrowed And Blue (1974)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Just Want A Little Bit: 7
  2. When The Lights Are Out: 8
  3. My Town: 7
  4. Find Yourself A Rainbow7.5
  5. Miles Out To Sea: 7
  6. We’re Really Gonna Raise The Roof: 7
  7. Do We Still Do It: 7.5
  8. How Can It Be: 7
  9. Don’t Blame Me: 7.5
  10. My Friend Stan: 7
  11. Everyday: 8
  12. Good Time Gals: 7

Concebido durante las giras promocionales que Slade realizaba durante 1973, en febrero del año siguiente se editó el cuarto álbum de estudio de la banda británica bajo el título de Old New Borrowed And Blue.

“Just Want a Little Bit”, en tono metalero, abre este disco que llegó a convertirse en uno de los más aclamados de 1974 y que encontró en temas como “When The Lights Are Out”, “Miles Out to Sea” y “Everyday” a las piezas más destacadas.

Tanto “Everyday” como “Far Far Awaya” y la bella “Miles Out to Sea” maracaban un poco el cambio que el grupo había tomado por aquellos años desde sus inicios, pero que le permitiría continuar creciendo.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Lenny Kravitz – Lenny (2001)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Battlefield of Love: 8,5
  2. If I Could Fall in Love: 8
  3. Yesterday Is Gone (My Dear Kay): 8
  4. Stillness of Heart: 8
  5. Believe in Me: 6
  6. Pay to Play: 5,5
  7. A Million Miles Away: 7,5
  8. God Save Us All: 8
  9. Dig In: 8,5
  10. You Were in My Heart: 6
  11. Bank Robber Man: 7,5
  12. Let’s Get High: 8,5

En los albores del nuevo milenio el simpático y extravagante Lenny Kravitz se encontraba en su mejor momento, no solo musical también como icono de la moda y celebridad. 5 (1998) había revivido su carrera y los hits caían uno tras otro, a “Fly Away”, “I Belong To You”, “American Woman” de esa recordada placa le seguiría la adictiva balada “Again”, el single lanzamiento con el que presentaría su Greatest Hits (2000), con la que vendió más de 3 millones de copias a nivel mundial (Si, el mundo necesitaba un grandes éxitos de el).

En este contexto se despacharía con su sexto material, Lenny, de 2001 donde el mismo se encarga de la producción, del bajo, batería, piano, arreglos de cuerdas, la percusión, y por supuesto de cantar y tocar la guitarra con su particular estilo “hendrixiano”.

Por esos años Kravitz escupía clásicos roqueros y desgarradoras baladas con melodías pop seductoras. “Battlefield of Love”, “If I Could Fall in Love”, “Yesterday Is Gone (My Dear Kay)”, “Stillness of Heart” es un comienzo de placa redondo para cualquiera y luego de unas canciones del montón continuaría en ritmo con otros tracks de alto nivel como “God Save Us All” y “Dig In” hasta llegar al final ideal con “Let’s Get High”.

Gracias a Lenny se ganaría su cuarto Grammy consecutivo a “Mejor Performance Vocal Masculina” y no serían los únicos reconocimientos, respeto y elogios, básicamente casi todos amábamos a Lenny Kravitz por aquellos tiempos, hasta que con el correr de los años empezó a decepcionar, y ser una parodia de si mismo, algo que está intentando dejar atrás en sus últimos intentos de volver a ser lo que en algún momento fue.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

Mastodon – Leviathan (2004)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Blood and Thunder: 8,5
  2. I Am Ahab: 7
  3. Seabeast: 9
  4. Ísland: 8,5
  5. Iron Tusk: 7,5
  6. Megalodon: 8,5
  7. Naked Burn: 8
  8. Aqua Dementia: 7,5
  9. Hearts Alive: 8
  10. Joseph Merrick: 8,5

Cuando se comenzó a saber de Mastodon a principios del 2000, los sabios del metal tomaron nota que se trataba de una promesa. Lo confirmarían con su excitante y variado debut Remission (2002) y terminarían de explotar y consolidarse como una banda capaz de amalgamar todas las variantes dentro del género con Leviathan (2004).

Leviathan es una obra conceptual basado en la popular novela de Herman Melville Moby Dick. Algunos puristas del metal esgrimieron que la banda de Atlanta permitió muchas concesiones para expandir su audiencia, una producción muy pulida y voces melódicas en comparación con su anterior trabajo, aunque nunca abandonaría la brutalidad y las guitarras pesadas como una de sus cartas ganadoras.

Metal progresivo, harcorde punk, death metal y hasta un tema relajado como cierre que oficia como la calma después de la tormenta forman parte de Leviathan, moviéndose en territorios complejos con facilidad como pocas bandas de heavy metal contemporáneas son capaces.

Numerosas publicaciones especializadas lo consideraron como el álbum del año en 2004, Kerrang!, Revolver, Metal Hammer y Terrorizer, logrando su cometido de expandir su audiencia y también ganándose prestigio dentro del mundo del metal. Para promocionarse formaron parte de la The Unholy Alliance Tour, compartiendo escenario con Slayer, Lamb of God, Slipknot, entre otros.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Gong – You (Radio Gnome Invisible, Vol. 3) (1974)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Thoughts for Naught:
  2. A P.H.P.’s Advice: 7,5
  3. Magick Mother Invocation:
  4. Master Builder: 9
  5. A Sprinkling of Clouds: 9
  6. Perfect Mystery: 7,5
  7. The Isle of Everywhere: 8,5
  8. You Never Blow Yr Trip Forever: 9,5

You es la tercera y última parte de la trilogía de Gong conocida como “Radio Gnome Invisible”. En este final de trilogía, la banda anglo-francesa profundiza más en el Space Rock en base a sintetizadores. En ese sentido,  la principal diferencia respecto de los otros discos de la trilogía es que este es un Gong menos bufonesco, menos gracioso y hasta más serio.

En su estructura, You se nos presenta como un álbum en el que por un lado hay canciones cortas, que sinceramente son lo que menos valen la pena del disco. Son más bien viñetas que tomando la influencia de Zappa buscan ser graciosas. Pero francamente no pasan de ser viñetas que pueden resultar puro relleno. Pero por otro lado, tenemos a los largos pasajes instrumentales del disco que son justamente lo más rico de You.

Estos últimos son muy buenos por las atmósferas que generan, por hacerte entrar en trance y por ser muy espaciales. Y lo mejor es que tampoco abandonan el Jazz Rock en el disco. Entre ellos, “You Never Blow Yr Trip Forever” es el más divertido por sumarle una interpretación vocal más graciosa. Es la combinación perfecta entre el Gong hilarante y el Gong con ganas de experimentar desde su costado instrumental con sintetizadores de base.

You es un disco muy bueno, algunos lo destacan  como el mejor de la trilogía, aunque puede también haber detractores que prefieran la onda que Gong tenía en sus primeros años.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

David Bowie – David Bowie (1967)

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Puntaje del Disco: 6

  1. Uncle Arthur: 7
  2. Sell Me A Coat: 9
  3. Rubber Band: 5
  4. Love You Till Tuesday: 7
  5. There Is A Happy Land: 4
  6. We Are Hungry Men: 6
  7. When I Live My Dream: 4
  8. Little Bombardier: 5
  9. Silly Boy Blue: 8
  10. Come And Buy My Toys: 8
  11. Join The Gang: 4
  12. She’s Got Medals: 5
  13. Maid Of Bond Street: 3
  14. Please Mr. Gravedigger: 6

Descubrir en algún cajón un viejo poema o cuento olvidado hace muchos años siempre produce un poco de nostalgia y bastante de vergüenza. Con el pasar de los años y los cinceles de la experiencia, revisitar obras primarias nos hace dar cuenta que aquello que considerábamos algo digno de conservar era en realidad algo digno de destruir. Lo mismo sucede con las fotos de otras temporadas, donde los cortes de pelo y la moda que nos hacía sentir modelos de pasarela ahora nos asemeja a payasos de circo.

Una combinación de estos dos sentimientos debe haberse apoderado de David Bowie cuando se enfrentó, vaya a saber después de cuánto tiempo, a su primer LP, sencillamente titulado ‘David Bowie‘, compuesto y grabado en 1967, cuando apenas contaba con 19 años de edad y una personalidad todavía por desarrollarse. Tal es la vergüenza que sintió que el disco es aún hoy considerado apócrifo y, si no fuera porque los derechos siguen en manos del sello Deram, quienes capitalizaron cada lanzamiento del Duque Blanco reeditando estas canciones, sería actualmente un ítem de coleccionista extremadamente difícil de conseguir.

Sin embargo, el oído objetivo de quien nada tuvo que ver con la creación de este álbum encontrará que las críticas negativas son bastante exageradas. Desde luego, el disco no está a la altura de nada de lo que hizo Bowie posteriormente, pero visto en su contexto, es un trabajo digno y entretenido, donde, si se escucha detenidamente, se pueden avizorar algunas puntas de lo que Bowie finalmente llegó a ser.

Con una fuerte influencia del cabaret, el music hall y ante todo el cantante Anthony Newley, el jovenzuelo David presentó 14 canciones, algunas buenas, otras no tanto. Entre lo más rescatable tenemos la divertida «Uncle Arthur» (el típico tío pendeviejo solterón que vive con su madre y sigue leyendo historietas), la hermosa balada invernal «Sell me a coat», el himno de influencias tibetanas «Silly Boy Blue» y la sensibilidad folk despojada de «Come and buy my toys». El single del disco, «Love you till tuesday», es lo suficientemente pegadizo y cursi para haber sido un éxito en su año de lanzamiento. Quién sabe qué hubiese sido de David Bowie si esto efectivamente hubiese sucedido. ¿Habría continuado su meteórico ascenso artístico o se hubiese desvanecido como un one hit wonder de los 60? Nunca lo sabremos, y quizás sea lo mejor.

El resto del disco se debate en tonadas de inspiración circense (‘Rubber band’, ‘We are hungry man’ ‘Join the gang’), cursilerías que evocan la infancia (‘There is a happy land’ ‘Little Bombardier’), y baladas edulcoradas (‘When I live my dream’). «She’s got medals», si bien olvidable musicalmente, tiene una interesante letra que narra la historia de una mujer inglesa que se hace pasar por hombre para combatir en la guerra, donde se cansa de seducir chicas. El germen de la androginia y la ambiguedad sexual que tanto aprovechó Bowie en la década siguiente aparece por primera vez en esta canción. En tanto, el cierre del disco, ‘Please Mr. Gravedigger (‘Por favor, señor Sepulturero’), es sorprendentemente una extrañísima y oscura canción que Bowie canta acapella y resfriado. Una inusual manera de terminar una placa de una alegría boba y un sentimentalismo barato, lo que hace adivinar el gusto del músico por experimentar, inquietar y descolocar al oyente.

Un disco irregular, hijo de su tiempo, que no ha envejecido bien, pero que hará las delicias de los completistas o, aunque sea, los curiosos.

Camilo Alves

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 2)

Elton John – Don’t Shoot Me I’m Only the Piano Player (1973)

 

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Puntaje del Disco: 8

  1. Daniel: 9
  2. Teacher I Need You: 7
  3. Elderberry Wine: 8
  4. Blues for My Baby and Me: 7.5
  5. Midnight Creeper: 8
  6. Have Mercy on the Criminal: 8
  7. I’m Gonna Be a Teenage Idol: 8
  8. Texan Love Song: 8
  9. Crocodile Rock: 9
  10. High Flying Bird: 8

Tras el exitosísimo álbum Honky Château de 1972, la dupla compositora conformada por Elton John y Bernie Taupin estaba lista para grabar nuevo material. En Enero de 1973 se lanzó el que sería el sexto disco de estudio del británico bajo el nombre de Don’t Shoot Me I’m Only the Piano Player.

 El álbum se convirtió inmediatamente en otro suceso comercial alcanzando los primeros lugares en los rankings a ambos lados del Atlántico, impulsado especialmente por la hermosa balada “Daniel”, que de acuerdo a Taupin, fue una de las canciones más mal interpretadas que hayan escrito jamás.

En un tono más pop que las producciones anteriores, John y Taupin buscaban demostrar que su talento podía atravesar diversos géneros musicales. “Eldeberry Wine” y la rockera cincuentona “Cocodrile Rock” podría ser las excepciones, que con buenos resultados permitieron que este disco sea añadido a lo mejor de la carrera de Sir Elton John.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

King Crimson – Discipline (1981)

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Puntaje del Disco: 9,5

  1. Elephant Talk: 9,5
  2. Frame by Frame: 9,5
  3. Matte Kudasai: 8
  4. Indiscipline: 10
  5. Thela Hun Ginjeet: 9
  6. The Sheltering Sky: 9
  7. Discipline: 9

Después de Red (1974) y con Robert Fripp abocado a su carrera solista, todo hacía indicar que King Crimson había dejado de existir, pero solo sería el final de una étapa en la vida del grupo.

Para comienzos de 1981 Fripp y el baterista Bll Bruford comenzaron a formar un nuevo grupo, Discipline, el bajista elegido sería el virtuoso y excentrico Tony Levin, quien era conocido en el ambiente y no paso desapercibido en colaboraciones con John Lennon y Peter Gabriel. El siguiente convocado sería el guitarrista y vocalista Adrian Belew, quien estaba de gira con Talking Heads pero ante el llamado de Robert inmediatamente después de la gira se uniría a esta nueva “super banda”.

Cuando comenzó la grabación del disco cristalizando el nuevo proyecto, Fripp notó que el sonido de King Crimson se encontraba allí mismo y cambiaría de opinión y reviviría a King Crimson y el álbum se denominaría, Discipline.

El resultado sería una mezcla de rock progresivo, experimental y de new wave de alta calidad, una obra de tal magnitud que forma parte de los puntos más encumbrados en la historia de la mítica banda. Era de esperarse que cuatro enormes músicos podían producir algo especial. Las guitarras de Belew y Fripp se complementarían en forma mágica, a su vez el mago del bajo Tony Levin y el eximio baterista Bll Bruford estuvieron sólidos y precisos como de costumbre, creando una verdadera reinvención en el sonido de la banda dejando varios temas memorables como “Indiscipline”, “Frame by Frame”, “Elephant Talk”, “Thela Hun Ginjeet” y “The Sheltering Sky”.

Discipline presenta un estilo innovador y perfectamente ejecutado. Su experimento con el new wave no pudo ser más acertado. Claramente de comercial tenía poco, fue una mezcla de sonidos y experimentación que incorporaron este estilo y lo hicieron único. Simplemente, era King Crimson.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 5)

Sting – Sacred Love (2003)

 

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Puntaje del Disco: 6

  1. Inside: 7.5
  2. Send Your Love: 7
  3. Whenever I Say Your Name: 6
  4. Dead Man’s Rope: 6
  5. Never Coming Home: 6
  6. Stolen Car (Take Me Dancing): 7
  7. Forget About the Future: 6
  8. This War:
  9. The Book of My Life: 7
  10. Sacred Love: 6.5

Para el séptimo álbum de estudio como solista, Sting decidió recurrir nuevamente a la ayuda de otros reconocidos vocalistas como había hecho con el tema “Desert Rose” de Brand New Day en el cual contó con la participación de Farhat Bouallagui.

En esta oportunidad, en ocasión del lanzamiento de Sacred Love, el ex líder de The Police tuvo la colaboración de artistas como compositor español Vicente Amigo (“Send Your Love”), la cantante Mary Jane Blige (“Whenever You Say Your Name”) y Anoushka Shankar (“The Book of My Life”).

El disco toca diversos estilos desde el R&B, pop, sonidos experimentales y algunas influencias de rock, dando como resultado un disco entretenido de escuchar, pero que sin embargo, a pesar de las colaboraciones de los artistas mencionados anteriormente, no logra acercarse a Brand New Day, que había significado casi como un resurgir de Sting.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)