Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Linkin Park – A Thousand Suns (2010)

Linkin Park - A Thousand Suns (2010)

Puntaje del Disco: 2,5

  1. The Requiem:
  2. The Radiance:
  3. Burning In the Skies: 6,5
  4. Empty Spaces:
  5. When They Come for Me: 5
  6. Robot Boy: 6,5
  7. Jornada del Muerto:
  8. Waiting for the End: 4
  9. Blackout: 3,5
  10. Wretches and Kings: 2,5
  11. Wisdom, Justice, and Love:
  12. Iridescent: 2
  13. Fallout:
  14. The Catalyst: 3
  15. The Messenger: 0

Linkin Park de nuevo, a pedido de sus fans Park (o tal vez de quienes lo odian y disfrutan que los destruyamos en estas críticas). Debo confesar que tal vez fui un poco exagerado en las palabras que elegí para describir su música, aunque no me arrepiento de la valoración que les di en las primeras reseñas que hice de ellos. Trataré de todas formas que se me vaya la cadena un poco menos en esta oportunidad con el disco que hoy nos toca, A Thousand Suns.

A Thousand Suns es un álbum llamativo, porque sorpresivamente la banda intenta abordar un nuevo rumbo definitivamente. Se podría decir que intentan «crecer artisticamente» y para ello se alejan de su formula del éxito: no hay más estribillos violentos, guitarras estridentes, gritos de Chester Bennington, ni Rap de Shinoda. No hay más Nu Metal. Da ganas de aplaudirlos por la iniciativa. Pero al desarticularse de lo que saben hacer, Linkin Park se queda «en bolas». Y con esto me refiero a que reemplazan sus cualidades que los hicieron famosos con una vaga idea de lo que para ellos es madurar como músicos. Así que reemplazan casi íntegramente el Rap y las guitarras eléctricas con arreglos electrónicos y sintetizadores.

Como resultado A Thousand Suns es un álbum de un andar lento y carente de emociones, donde florece una cantidad excesiva de viñetas que son puro relleno y canciones de un nivel compositivo muy pobre como es común en ellos.

Los mejores temas del álbum son «Burning In the Skies» y «Robot Boy», donde su rock alternativo está bien dentro de los parámetros de su nuevo estilo, pero sin ofrecer algo innovador o de un nivel brillante y memorable. Sin embargo, a medida que escuchamos A Thousand Suns es una experiencia que nos sumerge de a poco en los defectos de Linkin Park.

Para empezar los momentos de Rap de Shinoda son escasos. Y en su participación aparecen números con arreglos no muy acertados como «When They Come for Me» y otros que suenan a experimentos paupérrimos como «Wretches and Kings» y «The Catalyst».

Sin embargo, el principal responsable de los momentos más bajos del álbum es Chester Bennington, quien profundiza su estilo de cantante como si estuviera en NSYNC o Simple Plan de manera tan peligrosa como lamentable. «Waiting for the End», «Iridescent» y «Blackout» son ejemplos terribles de lo que hace. Pero con la pésima balada acústica «The Messenger», ofrece su peor cara como vocalista, lanzando gritos completamente desubicados y molestos que son prácticamente de cantante amateur que está improvisando. Me atrevo a decir que «The Messenger» es el peor tema que haya escuchado de Linkin Park.

A Thousand Suns es otro álbum muy malo de la banda, porque se queda a mitad de camino en su iniciativa por cambiar, y por otro lado porque no hacen algo que los Fans de Linkin Park puedan disfrutar íntegramente. Aún así, pese a pobrisimo nivel es el mejor disco que escuché de ellos por intentar madurar.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 3)

Unknown Mortal Orchestra – Multi-love (2015)

Unknown Mortal Orchestra – Multi-love (2015)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. Multi-love: 7,5
  2. Like Acid Rain: 7
  3. Ur Life One Night: 5,5
  4. Can’t Keep Checking my Phone: 8
  5. Extreme Wealth and Casual Cruelty: 6
  6. The World is Crowded: 6,5
  7. Stage or Screen: 7,5
  8. Necessary Evil: 7
  9. Puzzles: 5

La banda Neozelandesa más popular de la actualidad, Unknown Mortal Orchestra, dieron un giro significativo en su tercer álbum, al valerse de la tecnología para cambiar su sonido. Cambiando ese Lo-Fi que caracterizó sus primeros dos álbum, por un entorno Super High Fi. Resultando así en una calidad sonora muy diferente.

Multi-love es un trabajo brilloso, exuberante y milimétricamente detallado en cuanto a las instrumentaciones y con muchos efectos vocales artificiales en la voz de Ruban Nielson. Pero no solo es la producción lo que cambia, sino que en cuanto a género musical se aleja poco de su Indie Pop para influenciarse por la música bailable de los 70s como la música Disco, así como toques de Funk.

A pesar de todos los recursos utilizados, el disco queda mucho a deber, siendo el más débil de la banda hasta el momento. Los experimentación en exceso y la inclusión de temas flojos como “Ur Life One Night”, “Extreme Wealth and Casual Cruelty” y la definición de irrelevancia que es “Puzzles” lastiman mucho al disco e incluso el sencillo “Multi-love” es el más débil de la banda al momento. Únicamente “Can’t Keep Checking my Phone” y” Stage or Screen” se salvan de caer en el olvido. Se espera más de Nielsen y los suyos para el próximo lanzamiento que gesten.

Gera Ramos

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(Votos: 0 Promedio: 0)

Alice Cooper – Muscle of Love (1973)

Alice Cooper - Muscle of Love (1973)

Puntaje del Disco: 7

  1. Big Apple Dreamin’ (Hippo): 7,5
  2. Never Been Sold Before: 8
  3. Hard Hearted Alice: 7
  4. Crazy Little Child: 8,5
  5. Working Up a Sweat: 6,5
  6. Muscle of Love: 8,5
  7. Man with the Golden Gun: 7
  8. Teenage Lament ’74: 7
  9. Woman Machine: 6,5

Para principios de los años setenta Alice Cooper, era todo lo que estaba bien en la industria musical, crecía en popularidad, vendía bien, lanzaba discos de calidad uno tras otro, era transgresor en sus presentaciones en vivo, pero las cosas comenzaron a fallar cuando una pelea interna separo a la banda de su clásico productor Bob Ezrin, quien venía cumpliendo esa tarea impecáblemente desde su despegue, Love It to Death (1971).

Muscle of Love, editado en Noviembre de 1973, fue un intento a volver a las bases de rock clásico y directo, pero desde las conflictivas sesiones de grabación las cosas no empezaron a funcionar. El resultado estaría por debajo de las expectativas y significaría la última grabación de la formación original del grupo.

Con este lanzamiento Alice Cooper parece perder el foco y demuestra lo dura que fue la perdida de Ezrin, sin embargo tampoco estamos ante un desastre ni algo irrecuperable, algunos temas como “Crazy Little Child “ y “Muscle of Love “ sacan la cara por el resto y con todo lo bueno que conocimos de ellos en el pasado contaban con suficiente crédito disponible para esperar con ansias sus futuros lanzamientos.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)

The Cranberries – Bury the Hatchet (1999)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Animal Instinct: 8
  2. Loud and Clear: 7
  3. Promises: 8
  4. You and Me: 7.5
  5. Just My Imagination:
  6. Shattered: 7
  7. Desperate Andy: 7
  8. Saving Grace: 7.5
  9. Copycat: 7
  10. What’s on My Mind: 7.5
  11. Delilah: 7
  12. Fee Fi Fo: 7
  13. Dying in the Sun: 6
  14. Sorry Son: 6

El cuarto álbum de estudio de The Cranberries, editado en 1999, concluyó con un intervalo de tres años que se tomó el grupo; tiempo durante el cual Dolores, la cantante, terminó de curar una enfermedad por stress y tuvo a su primer hijo.

Este material se enfoca en temas como la maternidad, el divorcio y el abuso infantil, tal como queda reflejado en canciones como “Animal Instinct” y “You and Me”. Dejando de lado el plano artístico con un arte de tapa verdaderamente feo, el disco encuentra buenos sonidos mezclando lo que el grupo venía haciendo con un poco de folk y baladas pop bien logradas.

Piro

 

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(Votos: 1 Promedio: 4)

Roger Waters – The Pros and Cons of Hitch Hiking (1984)

Roger Waters - The Pros and Cons of Hitch Hiking (1984)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. 4:30 AM (Apparently They Were Travelling Abroad): 8
  2. 4:33 AM (Running Shoes): 8
  3. 4:37 AM (Arabs With Knives And West German Skies): 8
  4. 4:39 AM (For The First Time Today, Part 2): 8
  5. 4:41 AM (Sexual Revolution): 8,5
  6. 4:47 AM (The Remains Of Our Love): 7
  7. 4:50 AM (Go Fishing): 7
  8. 4:56 AM (For The First Time Today, Part 1): 7
  9. 4:58 AM (Dunroamin, Duncarin, Dunlivin): 7
  10. 5:01 AM (The Pros And Cons Of Hitch Hiking Part 10): 8,5
  11. 5:06 AM (Every Strangers Eyes): 7
  12. 5:11 AM (The Moment Of Clarity): 7

La carrera de Roger Waters como solista no se puede describir como que fue particularmente prolífica. Si bien su partida de Pink Floyd se dio luego de The Final Cut a principios de los ochenta, no fueron muchos los discos que editó en solitario. Pero tuvo sus trabajos discográficos al fin. El primero de ellos fue The Pros and Cons of Hitch Hiking.

Pros and Cons es un disco muy controversial, que divide aguas de la misma manera que cuando le preguntas a un fanático de Pink Floyd si prefiere a Waters o a Gilmour. De la misma forma en que divide aguas The Final Cut. De hecho, Pros and Cons tiene muchas similitudes con The Final Cut y con The Wall. Sin ir más lejos, era un proyecto que Roger ya venía preparando desde fines de los setenta y que había presentado junto a The Wall a sus antiguos compañeros de banda, pero el grupo prefirió la propuesta de The Wall y mal no les fue.

Separado de Floyd, Roger tenía el camino libre para hacer lo que se le plazca dándose el gusto de retomar este proyecto que se caracteriza por ser un álbum conceptual que nos cuenta la historia de un hombre viajando en la carretera desde la perspectiva de sus temores y miedos, centrándose en la crisis de la mediana edad y sus pensamientos de cometer adulterio con una persona que recogió en el camino. Y todo transcurre entre las 4:30AM y 5:11AM.

Sin embargo, como comentaba Pros and Cons no conquistó a todos por igual. Waters se encarga de que el álbum tenga un sonido floydeano contando con la colaboración de Eric Clapton en guitarra y David Sanborn en saxofón. Pero al mismo tiempo ofrece algo que no tiene grandes melodías al igual que The Final Cut y que además plagia melodías de The Wall.

Por otro lado, es un álbum, que pese a mostrarse como 12 cortes, suena a una sola canción en su conjunto que nunca termina de despegar y que tampoco ofrece grandes variaciones en su secuencia. Aun así lo que ofrece Waters es llevadero para escuchar y tiene sus puntos destacables en “4:41 AM (Sexual Revolution)”, donde Clapton se desata con su solo de guitarra, y “5:01 AM (The Pros And Cons Of Hitch Hiking Part 10)”, que tiene una melodía totalmente distinta al resto del álbum y que inclusive suena a Bowie.

Es tan comprensible quienes aman este disco así como quienes lo odian. Porque al fin de cuentas es en fiel reflejo de esta doble cara de Roger Waters, un genio que por un lado te presenta su faceta de músico oscuro con muchas ideas interesantes para crear un disco conceptual de la nada y por otro lado es un tipo cuyas melodías tampoco son de las más brillantes.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Thee Oh Sees – Mutilator Defeated at Last (2015)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Web: 8,5
  2. Withered Hand: 8
  3. Poor Queen: 8,5
  4. Turned Out Light: 9,5
  5. Lupine Ossuary: 7,5
  6. Sticky Hulks: 9
  7. Holy Smoke: 8
  8. Rogue Planet: 7,5
  9. Palace Doctor: 8,5

Iba a reseñar la discografía de Thee Oh Sees en orden cronológico (un gran reto en vista de lo prolífica que es esta banda), pero lo último de ellos es tan, pero tan espectacular que no pude resistir la necesidad de dar a conocer que Mutilator Defeated at Last es un discazo que hay que escuchar y que vuelve a reiterar que Thee Oh Sees son los reyes del movimiento del Garage Psicodélico.

Tras una época en que se rumoraba que la banda rompería tras desprenderse de varios miembros clave, incluyendo la salida de la segunda voz Brigid Dawson, Thee Oh Sees se restructuraron, se probaron con el lanzamiento de Drop (2014) y entonces soltaron este disco, con nuevo bajista y baterista, además de convencer a Dawson de que participara en el estudio. Todos los movimientos parecieron traer frescura a la banda.

Este es disco más detallado que algunos de sus antecesores, pero sin perder el toque guitarrero, la energía del incansable John Dwyer y aun manteniendo sus toques psicodélicos con algunas canciones acidas y de ricas estructuras. Pero lo más brillante es la consistencia del disco, que no para de desplegar cosas interesantes desde su principio hasta el final. Fieles a su tradición de poner openers de lujo, abren con “Web” donde los clásicos falsetes de Dwyer y sus riffs psych vuelven a hacer de las suyas. Enseguida está una de las más punkeras de la banda, “Withered Hand” y la frenetica “Poor Queen”, pero la mejor es “Turned Out Light” con aires de Garage sesentero y unos riffs insuperables que la pueden colocar fácilmente como uno de los  clásicos de la banda.

Tras la tremendamente explosiva “Lupine Ossuary” (la continuación de “Lupine Dominus”, tema lanzado tres años antes), la cosa se pone interesante con la inclusión de sintetizadores, órganos guitaras acústicas, se bajan las revoluciones y el disco se torna mas down-tempo, acido y complejo; “Sticky Hulks” suena siniestra con sus pasajes de sintetizador y mellotrón y su cierre de densos solos de guitarra. “Holy Smoke” cambia la dinámica siendo un raro instrumental de guitarra acústica. “Rogue Palace” es de lo flojo del álbum, ya que suena muy crudo, pero por suerte el cierre es perfecto con “Palace Doctor”, un cierre plenamente psicodélico con vocales susurradas, un bajeo hipnótico y más solos enganchantes. Si este tema es un adelanto del camino que la banda tomará en su próximo disco próximo a salir, entonces esperémoslo con ansias.

Para mi Multilator Defeated at Last entra en el top 3 de los mejores discos de Thee Oh Sees junto a Carrion Crawler/The Dream (2011) y Floating Coffin (2013). Con una discografía tan extensa y su costumbre de sacar discos anuales y temas inéditos a cada momento, estos californianos se mantienen vigentes y plenamente activos sin indicios de querer parar.

Gera Ramos

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(Votos: 0 Promedio: 0)

Tame Impala – Currents (2015)

Tame Impala - Currents (2015)

Puntaje del Disco: 7

  1. Let It Happen: 8,5
  2. Nangs: 6,5
  3. The Moment: 7,5
  4. Yes I’m Changing: 7
  5. Eventually: 7,5
  6. Gossip: 6
  7. The Less I Know the Better: 7,5
  8. Past Life: 6,5
  9. Disciples: 7
  10. ‘Cause I’m a Man: 7,5
  11. Reality in Motion: 6
  12. Love/Paranoia: 7
  13. New Person, Same Old Mistakes: 7,5

De todos los viajes psicodélicos que nos propusieron Kevin Parker y los suyos en su corta carrera, Currents (2015), es el que menos convincente por lejos.

Luego de una interrupción de tres años se esperaba más de esta banda australiana. En Mayo de 2013 Parker explicaría su estado de poca inspiración: “Ahora mismo, hacer otro álbum no me emociona. Es algo cerrado pensar que un álbum es la única forma en la que se puede sacar música, especialmente en el mundo que estamos actualmente. Todo es posible. Hay tanta gente haciendo cosas interesantes con el internet y la tecnología, podría haber tantas maneras de crear música y escucharla. Es 2013 y se puede hacer música donde sea… Hay tantas posibilidades que mi cerebro se está sobrecargando con todas ellas. Solo necesito esperar, pensar un poco más las cosas. Luego sabré qué hacer después.”

Al parecer su cerebro se sobrecargo con el correr de los días y para Julio de 2015 conocimos Currrents, un disco más pop y electrónico con ausencia de guitarras en comparación a los anteriores, que si bien comienza bien con “Let It Happen” y algunos pasajes como “The Moment” y “Eventually”, se va desinflando a medida que pasan los temas.

Tame Impala parecía haber llegado para revolucionar al rock actual, en especial desde la salida del su genial segunda placa, Lonerism (2012), y cualquiera que se haya maravillado con ellos estará al menos algo decepcionado luego de escuchar este, su tercer material.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Tim Buckley – Happy Sad (1969)

Tim Buckley - Happy Sad (1969)

Puntaje del Disco: 8

  1. Strange Feelin’9
  2. Buzzin’ Fly8,5
  3. Love from Room 109 at the Islander (On Pacific Coast Highway)7,5
  4. Dream Letter7
  5. Gypsy Woman7,5
  6. Sing a Song for You8

Tim Buckley fue otra de las personalidades notables de Folk de los años sesenta. Sin embargo, era un tipo inquieto en lo que hacía. No se caracterizaba por hacer un Folk Rock bien básico sino que trataba de llevarlo a un nivel más interesante. Goodbye and Hello fue su disco psicodélico, pero su siguiente trabajo Happy Sad nos mostraría su cara más experimental y exótica.

Happy Sad no deja de ser un disco Folk en su esencia, la predominancia acústica sigue allí al igual que su gran voz. Sin embargo, Buckley empieza a combinarlo con nuevos arreglos y le da más importancia secciones instrumentales de las canciones. Así aparecen temas más largos de lo habitual como “Gypsy Woman” (el más representativo del costado de improvisación instrumental y experimental) y «Love from Room 109 at the Islander» (caracterizado por ser más apacible que el anterior), que si bien son interesantes también resultan un poco excesivos. Son canciones que duran entre 10 y 12 minutos cada una, pero que podrían tener una duración de 3 minutos tranquilamente por su falta de variación.

En lo personal me gustaron los cortes de menor duración. “Strange Feelin’” y “Buzzin’ Fly” son los más placenteros en ese sentido, combinando bien guitarra acústica con eléctrica, más la marimba. Si de la marimba hablamos es un instrumento que se presenta a lo largo de todo el disco dándole un toque distintivo.

Happy Sad si bien no es su mejor trabajo por resultar excesivo en su faceta experimental, es un disco para destacar por sus intenciones de ofrecer un tipo de Folk diferente.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)

Joni Mitchell – Blue (1971)

Joni Mitchell - Blue (1971)

Puntaje del Disco: 9

  1. All I Want: 8
  2. My Old Man: 9
  3. Little Green: 8,5
  4. Carey: 8,5
  5. Blue: 8
  6. California: 9,5
  7. This Flight Tonight: 8
  8. River: 9
  9. A Case of You: 8,5
  10. The Last Time I Saw Richard: 9

Dentro de cualquier ranking de las principales cantautoras de la música moderna es imposible dejar afuera a la canadiense Joni Mitchell. Su talento, versatilidad, lírica, capacidad de introspección y principalmente su voz la convierten en una de las figuras principales e influyentes en la historia de la composición femenina.

Nacida el 7 de Diciembre de 1943 en Fort McLeod, Canadá bajo el nombre de Roberta Joan Anderson, comenzó a relacionarse con la música desde muy pequeña cuando aprendió a tocar guitarra y cantar mientras se hallaba recuperándose de una polio. Comenzó a tocar música folk en la ciudad de Calgary donde se mudó luego de completar sus estudios secundarios para luego mudarse a Toronto donde conoció y se casó con el cantante Chuck Mitchell en 1965, adoptando el apellido de su marido como artístico. La pareja se separaría al año siguiente pero desde ese momento se la conocería como Joni Mitchell.

Comenzaría grabando discos puramente de folk bajo el sello Reprise: Song to a Seagull (1968) y Clouds (1969) con colaboradores estelares como David Crosby y Stephen Stills. Ya para su tercer LP, Ladies of the Canyon (1970), se empezó a vislumbrar un progreso matizando al folk con elementos de jazz y arreglos complejos, pero sería con el indispensable Blue (1971) que confirmaría esta tendencia y fusionaría su género predilecto con rock, jazz, pop y world music.

Blue es un trabajo melancólico, confesional y hasta triste donde Joni explora varias facetas de las relaciones humanas como la inseguridad, la perdida, la soberbia, la soledad, entre otros. Mitchell logra deleitar con composiciones y arreglos complejos con un equipo de colaboradores de primera en algunos temas como James Taylor en la guitarra y otra vez Stills en el bajo.

Estos cuentos de amor y perdida a cargo de la canadiense, que le valió innumerable cantidad de honores, la confirmarían como una estrella ascendente no solo en el territorio del folk sino también para la música moderna en general, abriéndose caminos diversos e intrincados para el futuro de esta notable artista.

F.V.

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Paul Simon – Paul Simon (1972)

PaulSimon-Front

Puntaje del Disco: 9

  1. Mother and Child Reunion: 9
  2. Duncan: 9
  3. Everything Put Together Falls Apart: 8
  4. Run That Body Down: 8.5
  5. Armistice Day: 8
  6. Me and Julio Down by the Schoolyard: 9
  7. Peace Like a River: 9
  8. Papa Hobo: 9
  9. Hobo’s Blues: 8.5
  10. Paranoia Blues: 8
  11. Congratulations: 8.5

Poco tiempo después de la separación de Simon & Garfunkel, Paul Simon comenzó su carrera solista editando en 1972 un disco homónimo. Este material no fue, sin embargo, el debut de Simon como solista, sino que en 1965 se había lanzado en el Reino Unido The Paul Simon Songbook.

Aunque el disco arranca con el tema “Mother and Child Reunion” que podría considerarse uno de los primeros de reggae de un músico blanco, el resto del disco mantiene la impronta del estilo que Simon había conseguido durante los sesenta con su compañero Art Garfunkel.

Si bien ara la realización de este disco, el músico contó con la participación de diversos artistas, sería su guitarra uno de los principales sonidos que se desprenden del material. Además de temas destacados como “Duncan” y “Me and Julio Down by the Schoolyard”, lo más atractivo del disco es la versatilidad que demuestra Simon y que logró plasmar en este gran álbum.

Piro

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