Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

New Order – Republic (1993)

New Order - Republic (1993)

Puntaje del Disco: 7

  1. Regret: 9,5
  2. World: 7,5
  3. Ruined in a Day: 8
  4. Spooky: 8
  5. Everyone Everywhere: 7,5
  6. Young Offender: 6,5
  7. Liar: 7
  8. Chemical: 7
  9. Times Change: 7,5
  10. Special: 6
  11. Avalanche: 7

Así como el emblemático sello Factory Records entro en decadencia, con el final de su apogeo de la década del ochenta, el mismo camino seguirían sus dos bandas más exitosas Happy Mondays y New Order. New Order ya había comenzado a grabar Republic (1993), su sexto lanzamiento de estudio, pero tuvo que finalizar grabándolo con London Records por los problemas financieros de Factory.

En Republic parecería que el parate de cuatro años que la banda se tomo no le vino muy bien. “Regret”, uno de los clásicos del grupo de Manchester que abre el disco, es solo una ilusión, el resto deambula en un pop electrónico directo sin demasiadas innovaciones, en definitiva no esta mal pero tampoco estamos ante nada imperdible de su carrera con excepción de “Regret”, el resto es su colección de temas menos inspirados desde que comenzaron a tocar juntos con Joy Division.

En Agosto de 1993, luego de un show en el Festival de Reading, la banda decidió tomarse un tiempo, más largo de cinco años sin reunirse ni tocar juntos de nuevo y ocho si se cuenta hasta la edición de su siguiente CD de estudio donde se los ve con energías renovadas, Get Ready (2001).

F.V.

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(Votos: 2 Promedio: 4)

The Shins – Port of Morrow (2012)

The Shins - Port of Morrow (2012)

Puntaje del Disco: 8

  1. The Rifle’s Spiral: 8,5
  2. Simple Song: 8,5
  3. It’s Only Life: 8
  4. Bait and Switch: 7,5
  5. September: 7,5
  6. No Way Down: 8
  7. For a Fool: 7,5
  8. Fall of ’82: 8
  9. 40 Mark Strasse: 8
  10. Port of Morrow: 7

Cuatro años transcurrieron entre Chutes to Narrow y Wincing the Night Away y de este al más reciente trabajo de The Shins Port of Morrow fueron ya cinco, en parte debido a otros intereses de James Mercer, tales como el cine y su proyecto Broken Bells. Lo que si es que en este álbum no nos encontramos con The Shins como se les conoció, ya que Mercer decidió despedirse de todos ellos y crear un disco que se siente más de solista al apoyarse en músicos de soporte.

Inspirado en actos alemanes como Can y Faust y valiéndose de efectos electrónicos y layers de música, Port of Morrow es el disco más directo de The Shins, un Indie Pop alegre y sin rodeos. Es bastante diferente a los anteriores discos, es evidente que es más un disco de solitario de Mercer que de The Shins como tales. Líricamente cuenta con algunas de las mejores narraciones de James, lo cual es un plus para la valoración del trabajo y encima de ello su producción es excelente, por otro lado en cuanto a instrumentación se percibe más plano, menos sorpresivo; en lo general es el disco menos inspirado de la banda Indie.

Pero si realmente te gustan The Shins no te desanimes, si bien el encanto de los primeros años de la banda no está presente, el álbum en si es un trabajo escuchable en el que podrás encontrar destellos de tu agrado, tales como “The Rifle’s Spiral” y “Simple Song” y otros temas decentes. En este actual 2016 James Mercer ha estado trabajando en un trabajo más de The Shins, habrá que esperar para ver si puede resurgir de regreso a su época dorada.

Gera Ramos

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(Votos: 1 Promedio: 3)

The Apples in Stereo – Tone Soul Evolution (1997)

The Apples in the Stereo - Tone Soul Evolution (1997)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Seems So: 8,5
  2. What’s The #?: 8
  3. About Your Fame: 8,5
  4. Shine A Light: 8,5
  5. Silver Chain: 8,5
  6. Get There Fine: 9
  7. The Silvery Light Of A Dream:
  8. The Silvery Light Of A Dream (Part II): 9
  9. We’ll Come To Be: 8,5
  10. Tin Pan Alley: 8
  11. You Said That Last Night: 8
  12. Try To Remember: 7,5
  13. Find Our Way: 8,5
  14. Coda:

Tone Soul Evolution es el segundo disco de estudio de The Apples in Stereo. En esta entrega de Robert Schneider y sus manzanas no difirieron mucho de lo que ya habían hecho en su debut. Así nos  vuelven a transportar hacia una experiencia que resulta similar a escuchar un compendió de grupos de los sesenta pero con el sonido y producción de los noventa.

La influencia de grupos como los Beatles, los Beach Boys, los Kinks y hasta los Byrds es fácil de reconocer en cada uno de los cortes de este álbum. En ese sentido la principal cualidad son sus melodías Pop. Es innegable que ofrecen melodías y también armonías vocales a las que es que es imposible redimirse. Schneider en ese sentido parece tener un don para replicar el sonido de otra época. Ya lo había hecho en Fun Trick Noisemaker y lo vuelve a repetir ahora como si fuera una continuación.

Las referencias son instantáneas desde “Seems So” (con esos “Uhlalala” atemporales) y la verdad que en esta comodidad de repetir una formula, hay que decirlo: lo hacen bastante bien. Aunque nuevamente reaparece el problema de no hacer canciones que puedan considerarse «clásicas». De todas formas, tiene sus picos en la hermosa melodía acústica de “The Silvery Light Of A Dream” (Parte 2) y en como encaran “Get There Fine”, combinando su estilo Pop con una onda un poco más oscura.

Así que Tone Soul Evolution pese a no ser un producto superador que lo diferencie de su debut, es otro muy buen disco de este grupo, que se mostraba como una propuesta fresca aunque no enteramente original.

Persy

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(Votos: 0 Promedio: 0)

Cryptopsy – None So Vile (1996)

Cryptopsy - None So Vile (1996)

Puntaje del Disco: 9,5

  1. Crown of Horns: 8,5
  2. Slit Your Guts: 9,5
  3. Graves of the Fathers: 9
  4. Dead And Dripping: 8
  5. Benedictine Convulsions: 9
  6. Phobophile: 10
  7. Lichmistress: 9
  8. Orgiastic Disembowelment: 9

Brutalidad.

Brutalidad es aquella palabra repugnante que descifra a la violencia de un modo vil, loco y desequilibrado.

Brutalidad es agarrar el micrófono para cantar pero con gusanos en la boca.

Brutalidad es gritar de un modo abrupto y sin conciencia de lo que puede llegar a hacer al espectador en un momento que no esté atendiendo a nada.

Brutalidad es este disco.

Hacia el final de “Orgiastic Disembowelment” uno se da cuenta de que el álbum cobra un título bastante poderoso de sentido. No va a haber nada tan vil como esto, ni siquiera la brutalidad (Si, otra vez esta palabra, y quizás la repita a lo largo de toda la reseña) de portada, porque es como si te dieran mil martillazos en la cara y no quedara nada de tu existencia.

Es así como se puede describir un disco como este, tan avanzado para su época como para los que recién tienen un oído de león puesto a prueba de todo. Ni siquiera su producción en su época era algo escuchado por aquel entonces.

Cryptopsy es una banda canadiense formada en Montreal en 1988. Desde aquel año, surgiría algo descomunal que tardaría años en crecer su semilla, una semilla negra llena de brutalidad. A lo largo de los años, Cryptopsy fue una de esas bandas que han sufrido cambios de formación constantísimos, quedando ahora solo Flo Mounier (Baterista) como el que más ha durado en la banda (que ni siquiera es miembro original).

Cryptopsy ha plantado una semilla bastante importante en el terreno de la música extrema, juntos con otros monstruos como Immolation, Suffocation, Atheist, y entre otros tantos. Quién lo niegue merece ser expulsado dentro del terreno de la música extrema, pero cualquiera que sepa la artística sonoridad de la música extrema sabe que Cryptopsy otorgó demasiado.

El debut, Blasphemy Made Flesh, lanzado en un inocente 1994, ya fue brutal. Fue una base sonora que rebalsaría la música extrema. Pero None So Vile utilizó esa base y la plasmó en algo mucho más técnico y llevado a la perfección, definiendo hasta ahora uno de los géneros más desquiciantes, atrevidos y enfermos de la música: el Brutal Death Metal.

Sin embargo, como otras bandas del género (mencionando a Atheist o a Death, aunque parezca poco creíble) Cryptopsy tomó muchísimas influencias del jazz, con la única gran diferencia de que no las llevo a tintes progresivos, sino que lo hicieron a su manera. Resultaría lógico que el guitarrista Jon Levasseur tocara en una banda Free Jazz durante los años que se fue del mundo del Metal Extremo. Eso sin contar al presunto líder de la banda, Flo Mounier, una bestia total, de los mejores bateristas del género sin dudarlo, proveniente de las ramas jazzísticas a tope con una coordinación de batería rapidísima, realmente casi imposible de hacer, casi inhumano (sobre todo en la canción «Phobophile», una canción plagada de muchísimos Blast Beats como si estuviese muy mal de la cabeza). Acompañado de brutales slappings de bajo por parte de Eric Langois (una bestia en las 6 cuerdas) hasta ese entonces no implementados en el género.

¿Y qué decir del cantante? Lord Worm. Ojala que vuelva a la banda. Sin él, Cryptopsy ahora no es lo mismo. Letras realmente vomitivas pero su voz todavía más brutal y alienígena. Es la figura de la banda, sobre todo en sus conciertos cuando les daba de comer gusanos a la gente. La voz de Lord Worm realmente asusta, por ser única y a la vez enferma y perversa. No hay otro cantante del género que se pueda igualarlo.

En None So Vile cada elemento de cada miembro es plasmado en su total talento. Por más corto que sea el disco, representan cada técnica brillante y brutal de una manera atroz y descomunal. Este álbum otorga violencia en su máxima perversión y brutalidad, como si te estuviesen dando 30 martillazos en la cara, haciendo parecer a Cannibal Corpse como música de pop.

En conclusión, 32 minutos para hacerte polvo (similares a los 29 históricos minutos del Reign In Blood de Slayer). Un disco que realmente se te va a hacer difícil de olvidar si es que has entrado sin haber sido advertido antes al mundo del Metal más extremo. Pero realmente Cryptopsy es la mejor forma de hacerlo, una banda que realmente ha otorgado frutos imprescindibles a esta escena. Y esta es su mejor obra y uno de los mejores discos del Death de todos los tiempos. Brillante álbum, un 9,5 y súper recomendado pero hay que darle mucho tiempo, sobre todo a esta página, que no llegamos ni a tocar ni la cuarta parte del talón de este tipo de música. Así que, entrenen sus oídos, vale mucho la pena.

Toto

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(Votos: 0 Promedio: 0)

Regina Spektor – What We Saw from the Cheap Seats (2012)

Regina Spektor - What We Saw from the Cheap Seats (2012)

Puntaje del Disco: 8

  1. Small Town Moon: 8,5
  2. Oh Marcello: 8,5
  3. Don’t Leave Me (Ne Me Quitte Pas): 7,5
  4. Firewood: 8
  5. Patron Saint: 8
  6. How: 7
  7. All the Rowboats: 8,5
  8. Ballad of a Politician: 7,5
  9. Open: 8
  10. The Party: 7,5
  11. Jessica: 8

Regina Spektor lo hizo otra vez. Grabado junto al productor Mike Elizondo en Los Angeles en 2011, la cantante de origen neoyorquino y rusa de nacimiento nos ofrece otra gran obra en su repertorio su sexto lanzamiento What We Saw from the Cheap Seats (2012).

Canciones poco convencionales, sonidos alternativos, intensos y refinados son los que deleitan desde el comienzo con el tandem “Small Town Moon”, “Oh Marcello”, “Firewood” y “Patron Saint”.

A pesar de amesetarse por momentos el resto del trabajo está a la misma altura gracias a otros pasajes inspirados como “All the Rowboats”, “Open” y “Jessica”.

La “Joni Mitchell de la Generación Y”, como muchos la denominan, no daría a conocer ningún álbum nuevo después de What We Saw from the Cheap Seats hasta la fecha. Lo que sabemos es que tiene algunos sueños por cumplir todavía como el que relataría en una entrevista reciente: “Crecí con mucha música rusa, por lo que la amo con toda mi alma. Bulat es uno de sus grandes referentes, al igual que uno de mis exponentes favoritos, y, como siempre traté de hacer algo en mi idioma nativo, pero no lo logré todavía, elegí dos temas suyos. Comencé con estas versiones para ver si más adelante finalmente me animo a registrar algo de mi autoría en ruso. Es uno de mis sueños, y una deuda pendiente.”

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Al Stewart – The Year of the Cat (1976)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Lord Grenville: 9
  2. On the Border: 9
  3. Midas Shadow: 8.5
  4. Sand in Your Shoes: 8.5
  5. If it Doesn’t Come Naturally, Leave It: 8.5
  6. Flying Sorcery: 8.5
  7. Broadway Hotel: 8.5
  8. One Stage Before: 8.5
  9. Year of the Cat: 10

Lanzado en Julio de 1976, el séptimo disco de estudio de Al Stewart, The Year of the Cat, es considero por la prensa especializada como su pieza maestra y mucho tuvieron que ver para ese éxito en los trabajos anteriores. Con Past, Present and Future y Modern Times, el músico había encontrado su estilo que terminó de materializar con el álbum este nuevo material que también contó con la producción de Alan Parsons.

En la tapa, diseñada por el ilustrador Collin Elgie, se aprecia a una mujer mirándose en el espejo vistiéndose de gato para una fiesta de disfraces. “On the Border”, uno de los temas más destacados fue uno de los temas lanzados como single. Con melodías agradables y canciones que evocan al popular americano y europeo, el disco mantiene un ritmo constante y entretenido a lo largo de sus composiciones.

En el final el tema que da nombre al álbum es una fantástica pieza que se alza como uno de los más emblemáticos temas de Stewart.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Bachman-Turner Overdrive – Bachman-Turner Overdrive II (1973)

Bachman-Turner Overdrive - Bachman-Turner Overdrive II (1973)

Puntaje del Disco: 8

  1. Blown: 7,5
  2. Welcome Home: 8,5
  3. Stonegates: 7,5
  4. Let It Ride: 8
  5. Give It Time: 8
  6. Tramp: 7
  7. I Don’t Have to Hide: 8
  8. Takin’ Care of Business: 9

A unos meses de su debut y también en el año 1973 la banda canadiense de Hard Rock  Bachman–Turner Overdrive editaría su segundo trabajo que significaría un enorme crecimiento musical.

Bachman–Turner Overdrive II incluye dos de sus más reconocibles hits a lo largo de su extensa trayectoria, “Takin’ Care of Business” y “Let It Ride”, que se convirtieron en himnos roqueros e incluso versionados por otras bandas años más tarde.

Sonando mucho más aceitados una de las características de BTO es la variedad de voces, tenemos temas interpretados por Randy Bachman, Tim Bachman y C.F. Turner con igual efectividad , ofreciendo otros grandes tracks ademas de los anteriormente citados como “Welcome Home”, “Give It Time” y “I Don’t Have to Hide”.

Sin haber llegado a descollar en su época Bachman–Turner Overdrive II es un disco de puro rock and roll que hoy en día se merece reivindicar, se valora mucho más y que confirma la decisión acertada que tomaría Randy Bachman luego de dejar su anterior banda The Guess Who.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Anathema – A Natural Disaster (2003)

Anathema - A Natural Disaster (2003)

Puntaje del Disco: 9

  1. Harmonium: 9
  2. Balance: 9
  3. Closer: 9
  4. Are You There?: 8,5
  5. Childhood Dream:
  6. Pulled At 2000 Meters A Second: 8
  7. A Natural Disaster: 10
  8. Flying: 8
  9. Electricity: 8,5
  10. Violence: 8,5

Encontrar realmente grupos como este es como si fuese un milagro. Anathema es uno de esos grupos que mejor ejemplifica como evoluciona una banda definiendo su sonido disco tras disco.

Anathema se formó en Liverpool en 1990. Sin embargo, por aquel entonces su sonido era totalmente diferente, ya que formaban parte del movimiento extremo del Death/Doom, un género que fue fundado una banda llamada Paradise Lost con su disco Lost Paradise en 1990 y que fue popular con otros grupos no por menos conocidos como Katatonia, My Dying Bride, Disembowelment, y por supuesto Anathema. Este género consiste en una fusión de los elementos del Doom Metal más clásico, combinados con la música extrema y los riffs pesados pero lentos del Death Metal, con letras sumamente orientadas a lo gótico y emocional, creando así una atmósfera única.

Anathema sacó 2 discos de este género: Serenades en el año 1993, con una formación un poco distinta a la de ahora, Darren White en las vocales, Duncan Patterson en el bajo (que se fue en 1998), y los actuales John Douglas en la batería junto con los hermanos Vincent y Daniel Cavanagh en las guitarras; y The Silent Enigma de 1995, considerado un clásico del género que tuvo más repercusión que el anterior con Vincent reemplazando a como vocalista principal a Darren White.

No sé cómo es el sonido del siguiente álbum, Eternity, ni siquiera me apetecería escucharlo, pero sé que el grupo tomó un drástico cambio al alejarse del Death Doom para acercarse al Gothic Metal con su discazo, Alternative 4, acercándose a un Rock mucho más original, más acústico, por momentos progresivo, excluyendo algo de la distorsión de guitarras y voces guturales definiendo de a poco su sonido.

Así Anathema lanzaría otro álbum llamado A Natural Disaster, que debe ser el primer disco de en el cual es total la ausencia de guitarras distorsionadas dando paso a caminos evolutivos que la banda tomaría muchos años más tarde con los álbumes We Are Here Because We Are Here (Vaya título, xD) y Weather Systems.

A Natural Disaster podría considerase como el más tranquilo de la banda. Es un grandisimo trabajo, realmente es bello, melancólico y tan relajante que te atrapa hasta el final, con la presencia de teclados hipnóticos y ciertas referencias electrónicas que la banda nunca antes había tocado, rebalsando sonido por sonido en excelentes cortes como «Balance» y «Closer». Además consta de bastantes melodías progresivas y atrapantes muy cuidadas por su magnífica producción.

Además A Natural Disaster es el primer trabajo que incluye a Lee Douglas como cantante líder, cuya presencia es más que importante ahora en la carrera de la banda. Es la que mantiene el espíritu de la banda. Lo demuestra en la canción homónima del disco, con una espectacular performance.

Líricamente es como los otros discos de Anathema. Siempre se caracterizaron por ser líricamente deslumbrantes. Muchas de sus letras son una luz, llenas de poesía y melancolía pura que tocan el alma. Tomemos como principal referencia sobre todo a «One Last Goodbye» del disco Judgement, una canción que me hizo hasta llorar. Realmente es muy difícil llegar a algo emocional como lo otorga este grupo sin importar la música que hagan, porque tampoco hay diferencias entre la época más extrema del grupo y la de ahora. Su espíritu se sigue escuchando y hasta oliendo.

Por eso este álbum es tan importante reseñarlo primero. Hay un par de guiños y coqueteos con la época más vieja de la banda, y son presentados en las canciones «Pulled At 2000 Meters A Second», una sorpresa ya que este es el único corte metalero de la banda en mucho tiempo, y también en parte de la canción «Violence». Es importante reseñarlo primero porque marca un antes y un después en la carrera de la banda. Es un espacio intermedio entre la época más metalera hasta Judgement y además es el que le otorgará frutos a sus brutales últimos tres discos.

A pesar de que Anathema haya cambiado mucho, siguen siendo parte de la escena metalera más pura y sobre todo extrema, ya que de allí nacieron. Muchos seguidores del Metal Extremo consideran a Anathema como una de sus bandas favoritas, además de que es un descanso para sus oídos (incluyéndome).

Anathema ha creado un estilo único realmente difícil de catalogar, pasando por Rock Alternativo, progresivo, acústico pero siempre sonando a ellos mismos de una forma única y difícil de alcanzar. Grandioso trabajo, muy recomendable, no es el mejor de ellos tampoco pero si es imprescindible publicarlo primero.

Toto

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(Votos: 0 Promedio: 0)

R.E.M. – Out of Time (1991)

R.E.M. - Out of Time (1991)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Radio Song: 5
  2. Losing My Religion: 9,5
  3. Low: 8
  4. Near Wild Heaven: 6,5
  5. Endgame: 7
  6. Shiny Happy People: 8,5
  7. Belong: 7,5
  8. Half a World Away: 7,5
  9. Texarkana: 7
  10. Country Feedback: 8
  11. Me in Honey: 7,5

En el año 1991, cuando el Grunge se apoderaba de la escena musical, uno de los paladines del Rock Alternativo de los ochenta como R.E.M. no tomaría exactamente la misma vertiente. Al contrario, con Out of Time ofrecería un producto de cualidades que chocan entre sí.

Como aspecto positivo Out of Time se destaca por la diversidad de instrumentación en cada canción. El ejemplo más distintivo sin ir más lejos es la mandolina de “Losing My Religion”. Así que desde ese aspecto tiene su cuota experimental. Por otra parte, los cortes son en general de Folk Rock y Pop Rock, con melodías que están bastante bien pero que simultáneamente son convencionales y en algunos puntos comerciales. R.E.M. con cortes como el hit “Shiny Happy People” y el ya mencionado “Losing My Religion” definitivamente abandona las sombras del under para ofrecer algo más cercano al mainstream. “Losing My Religion” debe ser el tema de R.E.M. más difundido en radios, en MTV y liderando charts como pocos.

Pero el inconveniente del álbum por el cual no es grandioso, es que resulta bastante desparejo. Muchas de las canciones de Out of Time pese a tener melodías en general potables y una instrumentación interesante, no por ello son grandes composiciones. El caso más ejemplar es “Radio Song” en donde formulan una especie de hibrido de Funk con Rap, donde colabora KRS-One, que resulta chocante.

Entre otros experimentos que no son tan habituales en ellos está el popy “Near Wild Heaven”, con armonías vocales a la Beach Boys que no son tan atractivas. También combinan Pop con Spoken Word en “Belong”. Además tenemos tenemos a “Low” y “Country Feedback” con un estilo más oscuro y alternativo que llega a capturarte.

Pero sin dudas sus dos singles “Shiny Happy People” (con Kate Pierson, cantante del grupo The B-52’s, realzando la melodía con su voz) y “Losing My Religion” son los que acaparan la principal atención. Especialmente este último que, con su riff de mandolina, terminarían armando un folk rock que sería el clásico definitivo de la banda de Michael Stipe, aunque no por eso el mejor  en la historia del grupo.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Clap Your Hands Say Yeah – Some Loud Thunder (2007)

Clap Your Hands Say Yeah - Some Loud Thunder (2007)

Puntaje del Disco: 8

  1. Some Loud Thunder: 7,5
  2. Emily Jean Stock: 8,5
  3. Mama, Won’t You Keep Them Castles in the Air and Burning?8
  4. Love Song No. 7: 7,5
  5. Satan Said Dance: 9
  6. Upon Encountering the Crippled Elephant: 7
  7. Goodbye to Mother and the Cove: 8
  8. Arm and Hammer: 8
  9. Yankee Go Home: 7,5
  10. Underwater (You and Me): 8,5
  11. Five Easy Pieces: 7

El proyecto de indie electrónico Clap Your Hands Say Yeah conseguiría lo que pocos que llaman la atención y se ponen de “onda” en su debut consiguen, mejorar su performance inicial en su segundo material, Some Loud Thunder, distribuido desde principios de 2007.

Clap Your Hands Say Yeah (2005) fue un buen disco, ideal para presentar a esta banda desconocida de Philadelphia, pero que dejaba en claro que dada sus condiciones podían mejorar y mucho. En este su segundo esfuerzo consolidaron su sonido y lo expandieron, cosa que pocas bandas de esta era pueden conseguir y dejan de esta de moda.

Con un sonido mucho más sofisticados, distorsionado, visceral y creativos, gracias al trabajo mancomunado de Alec Ounsworth con su productor estelar Dave Friedmann (The Flaming Lips, Mercury Rev, etc), CYHSY brilla en varios inspirados pasajes como “Emily Jean Stock”, “Mama, Won’t You Keep Them Castles in the Air and Burning?”, “Goodbye to Mother and the Cove”, “Underwater (You and Me)” y el single “Satan Said Dance”.

CYHSY ya no sorprenderá a nadie por sus buenas intenciones y a partir de este inspirado segundo trabajo, se les exigirá mucho para estar a su propia altura, esperemos que les dure.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)