Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

The Kinks – Soap Opera (1975)

The Kinks - Soap Opera (1975)

Puntaje del Disco: 5

  1. Everybody’s A Star (Starmaker): 6,5
  2. Ordinary People: 6,5
  3. Rush Hour Blues: 4,5
  4. Nine To Five: 6
  5. When Work Is Over: 4,5
  6. Have Another Drink: 5
  7. Underneath The Neon Sign: 5
  8. Holiday Romance: 5,5
  9. You Make It All Worthwhile: 5
  10. Ducks On The Wall: 3
  11. (A) Face In The Crowd: 6
  12. You Can’t Stop The Music: 7,5

Otro álbum conceptual. Otra Opera Rock. Otra vez sopa. Este tipo de discos se estaba tornando un hábito obsesivo de Ray Davies en los setenta. Si a eso le sumamos el mediocre nivel compositivo que ofrecía el líder de los Kinks, todo hace de Soap Opera uno de sus trabajos más denigrados por la crítica.

Conceptualmente, Soap Opera nos relata la historia de un músico llamado “Starmaker”, que cambia su lugar con un muchacho ordinario llamado Norman, para entender mejor la vida. Ray relata la historia con bastante humor. Podría ser considerado un disco cómico. Pero los Kinks en su ímpetu de ser graciosos, terminan cruzando esa línea ubicada entre lo divertido, para terminar siendo estúpido. Y en donde más se nota es desde lo musical. No ofrecen algo particularmente innovador, es pop rock con toques de jazz y también teatrales. Pero las melodías no son las mejores. No solo no hay canciones que puedan quedar en la memoria de los  oyentes, sino que muchas son ridículas y tontas. Es como si hubieran tratado de replicar Muswell Hillbillies, pero sin gracia.

¿Qué se puede rescatar? Poco. “Everybody’s A Star” tal vez, si no resultada tan genérica. “Ordinary People” por el tono burlón a lo Zappa. La balada “Face In The Crowd” es digerible (con un buen té boldo). Y “You Can’t Stop The Music” se realza por tener la mejor melodia del disco.

De lo malo mejor no hablar mucho. Pero el que más resalta en la mediocridad como lo más perturbante es “Ducks On The Wall”, que incluye sonidos de pato como el pato Donald que lo hacen tétrico.

A favor del disco, hay que decir que no es horrible como pintaron muchos críticos. Aunque si es de lo más flojo que escuché de los Kinks. O mejor dicho, de lo más flojo de Ray Davies, porque es prácticamente considerado como un álbum solista suyo que no fue.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 3 Promedio: 4)

Buddy Guy – I Left My Blues in San Francisco (1967)

Buddy Guy - I Left My Blues in San Francisco (1967)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Keep It to Myself: 8,5
  2. Crazy Love: 7
  3. I Suffer With the Blues: 9
  4. When My Left Eye Jumps: 8
  5. Buddy’s Groove: 9
  6. Goin’ Home: 8,5
  7. She Suits Me to a Tee: 8,5
  8. Leave My Girl Alone: 9
  9. Too Many Ways: 7,5
  10. Mother-in-Law Blues: 8
  11. Every Girl I See: 8

Admirado por grandes, como Eric Clapton que alguna vez dijo: “Para mi es por lejos y sin dudas es el mejor guitarrista vivo. Significó para mi lo que Elvis para otros”, Buddy Guy es una leyenda viviente y un icono del blues. Sin su influencia muchos de los solos de guitarra que luego escuchamos en Clapton, Hendrix, Stevie Ray Vaughan, entre otros no hubiesen existido.

George “Buddy” Guy nació y se crió en Lettsworth, Louisiana. Aprendió a tocar la guitarra gracias a un “Diddley Bow”, que es un instrumento de cuerda estadounidense originario de África construido en su caseramente en su hogar.

A comienzos de los cincuenta comenzó a grabar demos y se mudaría a Chicago persiguiendo su sueño, donde llegó a tocar con Muddy Waters y gracias a su estilo único para tocar la guitarra lograría fichar para “Chess Records”, que contaba en su catálogo a los mejores artistas de blues y rock and roll.

Lo curioso es que solo después de diez años de grabar para este sello como sesionista, saldría a la venta su primer registro de estudio individual, I Left My Blues in San Francisco (1967), debido a que los hermanos Chess, propietarios de la discográfico, consideraban su trabajo demasiado crudo y ruidoso y según ellos nadie quería escuchar ese ruido, algo que lo frustraba demasiado.

I Left My Blues in San Francisco fue un disco de puro blues con cosas de soul y orquestaciones, donde lógicamente sus particulares y agresivos riffs son los principales protagonistas, incluyendo grandes temas como “Keep It to Myself”, “I Suffer With the Blues”, “Buddy’s Groove”, “Goin’ Home”, “She Suits Me to a Tee” y “Leave My Girl Alone”.

Este virtuoso guitarrista lideró la segunda generación de bluseros de Chicago y es uno de los pocos sobrevivientes de aquellos años de gloria, donde el blues se sentía en la sangre y generaba todo tipo de pasiones, sobre su primer contacto con el blues Buddy explicaría esta curiosa historia en una entrevista hace unos años: “Nací en el campo y mis padres se dedicaban a plantar granos. No supe qué era una radio hasta que tuve entre 14 y 16 años. Antes de eso, me dedicaba a deshacer la tela metálica de la ventana de mi mamá. Dígase de paso que esa ventana era el único acondicionador de aire que podíamos tener en Louisiana, ya que no había electricidad como para poner un ventilador. Y allá hay mosquitos tan grandes que pueden llevarte en andas. Así que, como te decía, sacaba el alambre e intentaba hacerme una guitarra con eso. Y mi hermana me decía: «Ya que estás haciendo que nos coman vivos los mosquitos, saca algún provecho de eso.» Lo intenté, y finalmente logré ayudarlos.”

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Travis – The Boy With No Name (2007)

 

travis-the-boy-with-no-name-2007-2

Puntaje del Disco: 7

  1. 3 Times and You Lose: 7
  2. Selfish Jean: 7.5
  3. Closer: 8
  4. Big Chair: 7
  5. Battleships: 7
  6. Eyes Wide Open: 7.5
  7. My Eyes: 8
  8. One Night: 7.5
  9. Under the Moonlight: 7
  10. Out in Space: 7
  11. Colder: 7
  12. New Amsterdam: 7
  13. Sailing Away: 7

Travis había arrancado como una prometedora banda post pop británico con buenos augurios tras el lanzamiento de The Man Who, continuando con The Invisible Band en 2001. Sin embargo por aquellos años la escena musical inglesa del estilo pop melancólico había pasado a manos de Coldplay, que en 2002 había editado A Rush of Blood to the Head, un verdadero éxito comercial.

Esta situación de vivir bajo la sombra de otras renombradas bandas pudo haber afectado en cierto modo a Travis, que recién en 2007 y luego de cuatro años desde 12 Memories, editó nuevamente un disco.

“Closer”, elegido como primer corte del disco y “Selfish Jean” son dos de los temas destacados, que si bien lograron notoriedad en los charts, el álbum completo muestra al grupo mucho más enfocado en lograr un sonido y estilo propio. Con sonidos precisos y muy amigables, el disco genera momentos de buena armonía que se esparcen por cada letra.

Para finalizar “My Eyes”, es desde una perspectiva particular, un tema que bien define a esta banda que con The Boy With No Name alcanzaba el sonido que precisaba.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Rod Stewart – Gasoline Alley (1970)

Rod Stewart - Gasoline Alley (1970)

Puntaje del Disco: 9

  1. Gasoline Alley: 9,5
  2. It’s All Over Now: 8,5
  3. Only A Hobo: 9
  4. My Way Of Giving: 9
  5. Country Comforts: 8,5
  6. Cut Across Shorty: 9
  7. Lady Day: 9
  8. Jo’s Lament: 9,5
  9. You’re My Girl: 9

Qué lejos estaba este Rod Stewart del que conocemos de hoy en día. El primer disco de estudio de Rod había sido bastante bueno, pero se autosuperaría para su siguiente trabajo, Gasoline Alley.

Gasoline Alley tiene la particularidad de ser reconocido por un lado como uno de los mejores discos de Stewart y por otra parte, porque no son todas composiciones suyas, sino que más de la mitad de las canciones son covers.

Lo que hace tan genial a este álbum es el buen gusto que transmite (algo que perdería irremediablemente en los ochenta). Rod nos ofrece canciones de Rock and Roll y Folk Rock con predominancia acústica. En ese sentido, Ronnie Wood (y los compañeros de Faces que colaboraron) merece gran parte del reconocimiento por su excelente labor en guitarra. Podría decir incluso que sobresale más que Rod.

En su contra hay que decirlo, no es un disco innovador ni particularmente revelador. Pero sí es una producción muy consistente y realmente bien hecha donde hay puntos altos para destacar en todo momento. Ya desde la homónima “Gasoline Alley”, nos ofrece una excelente melodía por la interacción de guitarras. Lo bueno del álbum es que también es versátil y nunca pierde el foco ni el nivel. Rod por ejemplo nos regala una extraordinaria balada como “Jo’s Lament”, que supera a todas las porquerías que hizo en los últimos 30 años. Y para cerrar el disco está “You’re My Girl”, un Hard Rocker auténtico que combina con Funk, que resulta tan sorpresivo como atractivo.

Gasoline Alley es la cara que como oyentes tienen que conocer de Rod Stewart y la que deberían transmitir en radios en lugar de sus inmundicias comerciales más conocidas.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

The Monks – Black Monk Time (1966)

The Monks - Black Monk Time (1966)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Monk Time: 9,5
  2. Shut Up!: 9,5
  3. Boys are Boys and Girls are Choice: 8
  4. Higgle-Dy-Piggle-Dy: 8,5
  5. I Hate You: 8
  6. Oh, How to Do Now: 8,5
  7. Complication: 8,5
  8. We Do Wie Du: 8
  9. Drunken Maria: 8
  10. Love Came Tumblin’ Down: 8
  11. Blast Off: 8,5
  12. That’s My Girl: 8

The Monks fueron una de las bandas más inusuales de los sesentas y a la vez una alineación adelantada a su época en varios sentidos que les explicaré a continuación. Si bien únicamente produjeron un disco en su efímera existencia, hoy por hoy son una banda de culto y su existencia es considerada un punto esencial en el nacimiento del Punk Rock.

Los controversiales monjes estuvieron compuestos por cinco ex militares Norteamericanos estacionados en Alemania, quienes aprovechaban su tiempo tocando covers del popular rock británico que dominaba en aquellos inicios de los sesentas. Pero las ambiciones de Gary Burger (guitarra), Larry Clark (órgano), Eddie Shaw (bajo), Dave Day (banjo eléctrico) y Roger Johnston (batería) iban más allá de interpretar temas de Chuck Berry y con el tiempo se harían de su propio estilo, uno salvaje, insolente y divertido a la vez. Para acompañar su propuesta musical se hicieron una imagen que por sí misma generaba controversia; ropas negras, lazos de horcas atados a sus cuellos y calvas de monjes rapadas en sus cabezas.

Black Monk Time, su producción de debut se presentó como un estruendoso disco de Proto-Punk como nunca antes se había escuchado. En este los cinco americanos radicales se expresan con ira y descontrol condenando a su propio país de origen por su participación en la guerra de Vietnam, cantando sobre el amor de una manera tan atrevida que mucha audiencia les encontró groseros. Pero no fue solo su vocabulario lo que les hizo escandalosos, sino también su rudimentaria y repetitiva música centrada en la inusitada combinación de un Banjo Eléctrico (preparado a mano) y un demencial órgano, ambos acompañados del salvaje sonido de la batería y el feedback de la guitarra, toda la combinación en conjunto dio resultado una música intensa, punkera como se le conocería años más adelante.

Para muchos la primera banda de Punk de la historia. Una banda antiestética que iba contra todo lo que se consideraba propio en el mundo del rock de aquella primera mitad de los sesentas, unos totales transgresores de la música. Por su papel en la historia es obligatorio darles una escucha.

Gera Ramos

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Dr. Feelgood – Malpractice (1975)

Dr. Feelgood - Malpractice (1975)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. I Can Tell: 8
  2. Going Back Home: 9
  3. Back in the Night: 7,5
  4. Another Man: 8
  5. Rolling and Tumbling: 7
  6. Don’t Let Your Daddy Know: 7,5
  7. Watch Your Step: 7,5
  8. Don’t You Just Know It: 7
  9. Riot in Cell Block No. 9: 8,5
  10. Because You’re Mine: 7,5
  11. You Shouldn’t Call the Doctor (If You Can’t Afford the Bills): 7

El rock directo y efervescente de la banda de pub rock inglesa, Dr. Feelgood, no se tomaría respiro y lanzaría su segundo trabajo, Malpractice (1975), a nueve meses de su antecesor.

Las composiciones de Wilko Johnson se consolidarían en este segundo trabajo, aunque en lineas generales es más flojo que su debut, estamos ante una confirmación de lo que sería su sonido de aquí en adelante para esta banda legendaria en el Reino Unido, en especial.

Las guitarras crujientes de Wilko y las voz de Lee Brilleaux se lucen en algunos momentos del álbum como “I Can Tell”, “Going Back Home”, “Another Man” y “Riot in Cell Block No. 9”.

A pesar de la repercusión conseguida, las altas ventas y las buenas revisiones en su país natal, por aquellos años la banda no podía pegar en el anhelado mercado Norteamericano, algo que perseguirían sin demasiado éxito en toda su trayectoria y los convertiría en un símbolo y un producto identificado cien por ciento a las islas británicas.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Conspiraciones del Rock: La misteriosa muerte de Prince

 

El pasado 21 de abril el mundo artístico amaneció con la triste noticia sobre el fallecimiento de Prince. A la edad de 57 años el músico fue encontrado sin vida en su casa de Minnesota en circunstancias extrañas, que pronto dieron lugar a infinidad de teorías. En un escueto comunicado su publicista declaraba: «Con profunda tristeza, confirmo que el legendario e icónico artista Prince Rogers Nelson ha fallecido esta mañana en su residencia de Paisley Park a los 57 años», sin dar más explicaciones. Mientras los resultados de la autopsia demorarán semanas, dedicamos una nueva entrega de Conspiraciones del Rock para tratar de dilucidar los motivos por los cuales Prince pudo haber sido víctima de un asesinato.

Uno de las principales razones que dan forma a la teoría del homicidio encuentra su origen en una entrevista que Prince había dado en el año 2009 en el programa televisivo de Travis Smiley, en el cual el músico contó que para su canción “Dreamer” se había inspirado el activista de derechos civiles estadounidense Dick Gregory, que había denunciado la existencia de las estelas químicas (también conocidos como Chemtrails).

https://www.youtube.com/watch?v=MBzx_3eOyZA

Parece que Prince algo debía saber sobre los siniestros planes de las elites gobernantes, porque por estas horas de incertidumbre, reflotó un presunto fragmento de un concierto que el estadounidense brindó en los Países Bajos en 1998, cantando las siguientes estrofas:

“Tengo que volver a América.

Me tengo que preparar para la bomba.

Osama bin Laden preparándose para bombardear.

Osama bin Laden preparándose para bombardear.

América, es mejor que tenga cuidado

¡2001, Pégame!”

Prince había donado 50.000 dólares a la “Marcha del Millón de Familias”, organizada por la Nación del Islam en octubre de 2015, siendo una de las manifestaciones de mayor impacto con el fin de esclarecer los verdades hechos del trágico 11 de septiembre de 2001.

¿Acaso Prince sabía años antes lo que ocurriría en Nueva York?. ¿Se estaría convirtiendo en una amenaza palpable para los intereses espurios de las clases gobernantes y era necesario eliminarlo para acallar sus denuncias?.

 

Como haya sido, lo cierto es que hoy el mundo de la música llora la partida de un nuevo Príncipe y se pregunta cuántas muertes de talentosos artistas seguirán ocurriendo en circunstancias misteriosas?.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 5)

Lana del Rey – Honeymoon (2015)

Lana del Rey - Honeymoon (2015)

Puntaje del Disco: 7

  1. Honeymoon: 9
  2. Music to Watch Boys To: 8,5
  3. Terrence Loves You: 7,5
  4. God Knows I Tried: 7,5
  5. High by the Beach: 7,5
  6. Freak: 6
  7. Art Deco: 6
  8. Burnt Norton (Interlude):
  9. Religion: 6,5
  10. Salvatore: 6,5
  11. The Blackest Day: 6
  12. 24: 8
  13. Swan Song: 7,5
  14. Don’t Let Me Be Misunderstood: 7,5

Lana del Rey tiene un ritmo frenético lanzando discos. Desde su aparición tiene un promedio de prácticamente un álbum por año. Sin embargo, tengo que decir que esta vez no pudo prolongar lo bueno que había logrado en su último trabajo, Ultraviolence. Es una lástima, todo lo que había conseguido se ve interrumpido por su ímpetu de retomar el estilo no tan exitoso que abordó en Born to Die y Paradise.

Así que Honeymoon es un paso hacia atrás. De todas formas no es un mal álbum. Lana explota de manera insistente canciones que se caracterizan por ser orquestadas, deambulando en el Trip Hop, Pop Barroco y hasta Jazz. Los temas son profundos con un dejo melancólico, con una onda más bien lenta y oscura. En ellos se nota un poco lo bueno que había hecho Lana junto Dan Auerbach en su anterior trabajo.

Sin embargo, las canciones de Honeymoon son honestamente más aburridas que entretenidas. Por un lado, por repetir falencias de Born to Die, como ser reiterativa. Por otro lado, por ser composiciones muchas veces estiradas. Por eso Honeymoon es un álbum innecesariamente largo y con sus baches soperos. Aun así, sin muchas luces, es el segundo mejor disco que Lana del Rey hizo hasta el momento.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4)

Devendra Banhart – Smokey Rolls Down Thunder Canyon (2007)

Devendra Banhart - Smokey Rolls Down Thunder Canyon (2007)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Cristobal: 7,5
  2. So Long Old Bean: 7,5
  3. Samba Vexillographica: 8,5
  4. Seahorse: 9
  5. Bad Girl: 8
  6. Seaside: 8,5
  7. Shabop Shalom: 7,5
  8. Tonada Yanomaminista: 8
  9. Rosa: 9
  10. Saved: 8,5
  11. Lover: 7,5
  12. Carmensita: 8,5
  13. The Other Woman: 7
  14. Freely: 8,5
  15. I Remember: 7,5
  16. My Dearest Friend: 8

El querible Devendra Banhart nos entrega, dos años después del popular Cripple Crow (2005), Smokey Rolls Down Thunder Canyon una especie de continuación con todas las virtudes que le conocimos en aquel gran álbum.

Este nuevo trabajo es un éxito para el carismático artista con raíces venezolanas desde el punta de vista musical, continúa mejorando su estilo tan especial, introspectivo, melancólico, hippie, retro, reflectivo y cálido a la vez.

Nuevamente mecha grandiosos temas en castellano como “Samba Vexillographica”, “Carmensita” y “Rosa” con otros igual de buenos en ingles “Seahorse”, “Saved” y “Freely”. A su vez cuenta con invitados estelares como Nick Valensi de The Strokes en «Shabop Shalom», Chris Robinson de The Black Crowes en «Samba Vexillographic», Gael García Bernal en «Hermanos», entre otros.

A pesar de que los críticos no se enamoran de su particular sonido y que con cada nuevo trabajo sume nuevos detractores, él sigue siendo fiel a su propia ley, ajeno a las modas pasajeras y a lo establecido por la industria con una gran personalidad y talento.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

The Darkness – One Way Ticket to Hell…And Back (2005)

 

the-darkness-one-way-ticket-to-helland-back-2005-2

Puntaje del Disco: 7

  1. One Way Ticket: 8
  2. Knockers: 7
  3. Is It Just Me?: 7
  4. Dinner Lady Arms: 8
  5. Seemed Like a Good Idea at the Time: 7  
  6. Hazel Eyes: 8
  7. Bald: 7
  8. Girlfriend: 7
  9. English Country Garden: 7.5
  10. Blind Man: 7

Tras el reconocimiento obtenido en Gran Bretaña con Permission to Land, The Darkness editó en 2005 su segundo material de estudio bajo el título One Way Ticket to Hell…And Back, que logró el disco de platino en la tierras inglesas.

Ayudados por el productor Roy Thomas Baker, en este segundo disco el grupo orienta sus letras a las relaciones duraderas y a la búsqueda de la sobriedad, luego de los celebrados excesos de estrellas de rock del primer álbum, cuyos últimos vestigios quedan evidenciados en “One Way Ticket”.

El disco cuenta con muy buenos pasajes como en “Is It Just Me?”, la balada “Dinner Lady Arms” y “Hazel Eyes”, ayudados por los buenos riffs y falsetes del cantante Justin Hawkin. Sin embargo, hay momentos en el disco en los cuales el grupo no termina de convencer, haciendo de éste un buen material pero no uno brillante.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)