Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Rick Wakeman

Rick Wakeman – The Myths and Legends of King Arthur and the Knights of the Round Table (1975)

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Rick Wakeman - The Myths and Legends of King Arthur and the Knights of the Round Table (1975)

Puntaje del Disco: 8

  1. Arthur: 8
  2. Lady of the Lake: –
  3. Guinevere: 8
  4. Sir Lancelot and the Black Knight: 9
  5. Merlin the Magician: 7,5
  6. Sir Galahad: 7,5
  7. The Last Battle: 8,5

Luego del éxito que significó Journey to the Centre of the Earth, el mítico tecladista progresivo Rick Wakeman volvería un año más tarde en 1975 con otro magnífico disco conceptual: The Myths and Legends of King Arthur and the Knights of the Round Table, donde describe y presenta a los personajes principales de la historia del reino del Rey Arturo.

Con orquestas y coros menos protagonistas que en Journey, Wakeman prioriza más a los sintetizadores y teclados para ofrecernos algunas de sus composiciones más encantadoras en toda su carrera como “Sir Lancelot and the Black Knight” y “The Last Battle”.

Rick compuso la mayor parte de esta joyita temática en un hospital, mientras se recuperaba de severos ataques cardíacos a la temprana edad de veinticinco años, desoyendo los consejos médicos de dejar de tocar y retirarse de la música.

Por suerte Wakeman ignoró a los facultativos y a la fecha The Myths and Legends of King Arthur and the Knights of the Round Table vendió más de doce millones de copias y se convirtió en número dos en los rankings británicos de la época.

F.V.

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The Pretty Things

The Pretty Things – Emotions (1967)

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The Pretty Things – Emotions (1967)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Death of a Socialite: 7,5
  2. Children: 7,5
  3. The Sun: 8,5
  4. There Will Never Be Another Day: 8,5
  5. House of Ten: 8
  6. Out in the Night: 7,5
  7. One Long Glance: 7
  8. Growing in My Mind: 8
  9. Photographer: 7
  10. Bright Lights of the City: 7,5
  11. Tripping: 7
  12. My Time: 8

1967; el año en que la psicodelia se transformó en la corriente dominante en la música, fue un año en que muchas agrupaciones psicodélicas se dieron a nacer. Por otro lado las bandas de más antigüedad evolucionaron de acuerdo a esa nueva moda, generándose así obras maestras que han perdurado hasta el día de hoy.

Para The Pretty Things ese año marcó una evolución importante en su estilo, el inicio de un cambio bueno que les llevaría a entrar en su época dorada y si bien Emotions no es un disco que pueda competir contra las obras maestras de The Beatles, Love, Pink Floyd, The Doors, Cream y Jimi Hendrix, es una de las más grandes muestras de avance en comparación de los trabajos pasados.

Para empezar la banda de Phil May dejan de pretender ser los otros Rolling Stones, se perciben más autónomos y propios. A un lado queda aquel salvajismo descontrolado y el R&B mal hecho con el que se presentaron en el 65’ y es cambiando por Britpop clásico. Los instrumentos de viento y de cuerda le dan un toque distinto (aunque se dice que ellos no pidieron la orquesta les hacen bien)  y hay temas suaves como “House of Ten” y el magnánimo clásico “The Sun” donde May se escucha bien al bajar las revoluciones, mientras que en temas como “My Time” se aprecia la psicodelia de la cual les he mencionado al principio.

Ya con una base de la cual partir, mas concisos y adentrándose en influencias orientales, The Pretty Thins procederían a lanzar una verdadera obra maestra un año después con el ampliamente reconocido S.F Sorrow, un disco legendario y de los más importantes de los finales de los 60s por razones que explicaré más adelante en la siguiente reseña.

Gera Ramos

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Grimes

Grimes – Geidi Primes (2010)

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Grimes - Geidi Primes (2010)

Puntaje del Disco: 8

  1. Caladan: 8
  2. Sardaukar Levenbrech: 8
  3. Zoal, Face Dancer: 8
  4. Rosa: 9
  5. Avi: 8
  6. Feyd Rautha Dark Heart: 8
  7. Gambang: 8
  8. Venus in Fleurs: 7,5
  9. Grisgris: 8,5
  10. Shadout Mapes: 7
  11. Beast Infection: 7

La cantante canadiense Claire Elise Boucher, mejor conocida como Grimes, antes de alcanzar el estrellato y la aclamación de la crítica con el lanzamiento de Visions y luego de Art Angels, fue una artista que la tuvo que remar desde el under con sus primeros discos.

De hecho, sus primeros dos trabajos de estudio fueron lanzados en el mismo año, el 2010. Geidi Primes es el debut entre ellos. El nombre del disco hace referencia a su saga de libros favorita, Dune de Frank Herbert. De hecho varias de las canciones también lo homenajean (“Caraban”, «Sardaukar Levenbrech”, “Feyd Rautha Dark Heart”, “Shadout Mapes”, “Beast Infection”).

En Geidi Primes Grimes se presenta demostrando su influencia en su propio nombre. Boucher adoptó el nombre de “Grimes” por un género inglés conocido como “Grime Music”, que es una especie de derivado del dubstep. En ese sentido Grimes desarrolla un estilo experimental, no solo aborda el dubstep, sino también la electrónica y también el Dream Pop desde su voz. Así ofrece muy buenas melodías, con arreglos diversos y juegos de voces que demuestran su cualidad como cantante.

Sin embargo, está es una versión de Grimes más tímida y contenida que todavía no explotaba su aspecto más excitante y comercial. De todas formas, Geidi Primes no deja de ser un muy buen álbum, en el que con simpleza y humildad pudo mostrar el talento que tiene.

Persy

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New York Dolls

New York Dolls – ‘Cause I Sez So (2009)

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New York Dolls - Cause I Sez So (2009)

Puntaje del Disco: 7

  1. ‘Cause I Sez So: 8
  2. Muddy Bones: 7,5
  3. Better Than You: 7
  4. Lonely So Long: 7,5
  5. My World: 7
  6. This Is Ridiculous: 7
  7. Temptation to Exist: 6,5
  8. Making Rain: 7
  9. Drowning: 7,5
  10. Nobody Got No Bizness: 7
  11. Trash: 6
  12. Exorcism of Despair: 6,5
  13. Lipstick, Powder & Paint: 6,5

Tres años después de su sorpresivo regreso a la actividad, los New York Dolls ratificarían sus intenciones de continuar vigentes con un nuevo trabajo, ‘Cause I Sez So (2009), con el agregado de contar con el apoyo de su histórico productor Todd Rundgren, quien ya trabajo con los Dolls en su excelente disco debut en 1973.

El sonido propuesto por la banda y Rundgren para esta oportunidad se aproxima a su sonido setentoso tradicional pero algo alejadas de ese rock and roll alborotado, ya que por el contrario, son bastantes relajadas, inclusive se dan el lujo de versionar uno de sus clásicos más potentes como “Trash” en versión reggae.

Los aportes de los miembros originales David Johansen y Syl Sylvain, que demuestran la pasión por la música a pesar del avance del calendario, continúan siendo de los puntos altos del álbum, pero en líneas generales estamos ante un trabajo más flojo que su antecesor que significó el regreso de una banda que había marcado un legado en los años setenta y que con esta reunión inesperada duplicaría su catálogo, aunque ello no signifique un mérito en sí mismo y además, se podría cuestionar si realmente se trató de una reunión ya que tres de sus miembros originales no se encontraban más entre nosotros.

F.V.

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Creedence Clearwater Revival, Novedades de la pagina

Creedence Clearwather Revival – Pendulum (1970)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Pagan Baby: 8
  2. Sailor’s Lament: 7
  3. Chameleon: 8
  4. Have You Ever Seen the Rain?: 10
  5. (Wish I Could) Hideaway: 8
  6. Born to Move: 8
  7. Hey Tonight: 8
  8. It’s Just a Thought: 8
  9. Molina: 9
  10. Rude Awakening #2: 8

En 1970 Creedence volvía al ruedo con la edición de su sexto disco de estudio y el segundo lanzado aquel año, Pendulum. Este sería no sólo un álbum distinto en términos de los sonidos que el grupo venía haciendo hasta entonces, sino que además sería el último con Tom Fogerty en las filas.

Pendulum se caracterizó, en principio, en ser único disco de Creedence que no contenía covers, por lo que todos los temas llevaron el sello de John Fogerty e incluyó además una gran variedad de instrumentos, especialmente de viento y teclados, cuyos arreglos pudieron haber sido motivo del inusual tiempo utilizado por el grupo en la grabación de este material.

Si bien “Have Your Ever Seen The Rain?” se consagra como el gran éxito y enorme clásico inconfundible de Creedence, “Molina” es también otro muy buen tema que junto a otros tracks no tan conocidos como “Pegan Baby” y “Born to Move”, consagran un muy interesante disco.

Piro

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Jose González

Jose Gonzalez – Vestiges & Claws (2015)

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Jose Gonzalez - Vestiges & Claws (2015)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. With the Ink of a Ghost: 8
  2. Let It Carry You: 8,5
  3. Stories We Build, Stories We Tell: 8
  4. The Forest: 7,5
  5. Leaf Off/The Cave: 8
  6. Every Age: 8,5
  7. What Will: 9
  8. Vissel: 7
  9. Afterglow: 8
  10. Open Book: 9

A pocos días de iniciar el 2015 en materia musical el del sueco de origen argentino Jose Gonzalez nos entrego uno de los lanzamientos musicales más interesantes de aquel año: Vestiges & Claws.

Grabado casi en su totalidad en su estudio casero de Gotenburgo, Gonzalez nos ofrece (tras siete años de “stand by” y reflexión que evidentemente dieron sus frutos) un disco más completo que sus antecesores. Simple, conmovedor, hermoso y poético ratificando su estilo personal y difícil de imitar.

Puliendo su propio estilo introspectivo Jose nos deleita con algunos de sus mejores temas en su repetorio hasta la fecha como “Let It Carry You”, “Every Age”, “What Will” y “Open Book”.

Sobre sus motivaciones a la hora de componer para este nuevo y genial material Gonzalez lo explicaría con la simpleza de sus canciones: “Estuve juntando durante años grabaciones e ideas y cuando llegó el momento de escribir decidí hacer foco en las canciones que eran más parecidas a los dos discos anteriores. Eso fue lo que al comenzar quise hacer desde lo musical, todo el disco con sólo una guitarra, pero una vez que empecé a producirlo me fui inspirando con las grabaciones que había hecho con Junip y las de la película, y eso me llevó a meter un poco más de guitarras, percusión y voz.”, y tendría más que agregar sobre la similitud entre sus trabajos: “Sé que podría hacer un estilo muy diferente si quisiera, pero siento que lo que conozco bien es tocar guitarra y cantar en un estilo que, si bien hay otros que lo hacen…   Es ahí donde siento que encontré algo único…   Si saliera a hacer rap seguramente no saldría tan bien ni sería tan interesante. Bah, interesante sería, no sé si bueno.”

F.V.

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The Black Keys

The Black Keys – Magic Potion (2006)

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The Black Keys - Magic Potion (2008)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Just Got To Be: 8
  2. Your Touch: 8,5
  3. You’re The One: 9
  4. Just A Little Heat: 8
  5. Give Your Heart Away: 7,5
  6. Strange Desire: 7,5
  7. Modern Times: 7,5
  8. The Flame: 7,5
  9. Goodbye Babylon: 7,5
  10. Black Door: 7,5
  11. Elevator: 7

Luego de Rubber Factory, The Black Keys empezaría a asentarse como un dúo notable del nuevo milenio aunque todavía no había alcanzado su máxima popularidad. Tampoco la alcanzaría con su siguiente trabajo, Magic Potion. De hecho sería un leve declive de lo que venían haciendo.

Este álbum grabado desde el sótano de Patrick Carney, parece desprovisto de urgencias, pero tampoco ofrece algo innovador o que señale un crecimiento de la banda. El problema del disco es que puede resultar genérico en algunos tramos. O por lo menos varios de los temas de Magic Potion no son memorables. Son canciones de Garage Rock y Blues Rock con buenos riffs como mayor cualidad, que no suenan nada mal, pero que no superan el test de ser recordables en el tiempo.

En ese punto el dúo puede tornarse un poco repetitivo en su fórmula. Dan y Peter se sienten cómodos con lo que hacen y en esa comodidad de hacer lo que más les gusta aparecen buenos cortes como “You’re The One”, una balada blusera que suena realmente bien. También me gusta “Your Touch”, que me recuerda a los mejores momentos de sus primeros años. Sin embargo, Magic Potion pese a ser un producto más que potable y el que menos resalta de sus primeros trabajos.

Persy

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Snoop Dogg

Snoop Dogg – Da Game Is to Be Sold, Not to Be Told (1998)

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Snoop Dogg - Da Game Is to Be Sold, Not to Be Told (1998)

Puntaje del Disco: 6

  1. Snoop World: 7
  2. Slow Down: 5
  3. Woof!: 7,5
  4. Gin & Juice II: 6
  5. Show Me Love: 7,5
  6. Hustle & Ball: 6,5
  7. Don’t Let Go: 5,5
  8. Tru Tank Doggs: 7
  9. Whatcha Gon Do?: 6,5
  10. Still a G Thang: 7
  11. 20 Dollars to My Name: 6
  12. D.O.G.’s Get Lonely 2: 4,5
  13. Ain’t Nut’in Personal: 6,5
  14. Dogg Pound Gangsta: 7,5
  15. Game of Life: 8
  16. See Ya When I Get There: 6
  17. Pay for Pussy: 5
  18. Picture This: 6
  19. Doggz Gonna Get Ya: 6,5
  20. Hoes, Money & Clout: 5
  21. Get Bout It & Rowdy: 6

Luego de dos exitosos dos primeros discos, Snoop Dogg tomó la decisión, alentado por la partida de Dr. Dre, de abandonar el sello Death Row, en una jugada arriesgada dejando expirar su contrato sin producir más para ellos hasta su finalización.

En este lapso muchas discográficas se disputarían sus servicios hasta que finalmente Snoop ficharía para No Limit Records, propiedad del productor Master P.

Da Game Is to Be Sold, Not to Be Told (1998) fue su esperado primer trabajo con No Limit, vendiéndose muy bien debido a la expectativa generada pero fallando en cuanto a lo artístico. Muchos artistas de la escudería No Limit, participarían del mismo como el propio Master P, C-Murder, Mia X, Mystikal, entre otros, aunque se extraña la presencia de Dre como guía.

Encontramos poco del estilo “G-funk” que lo volvió popular a comienzos de los noventa volcándose más hacia rap bailable y sonido de sintetizadores careciendo de la originalidad y confianza de su mejor momento.

A pesar de todas las críticas que cosecho y de ser de aceptable o menos Da Game Is to Be Sold, Not to Be Told, Snoop Dogg demostraría que su ángel y carisma seguían intactos, ya que continuó siendo uno de los favoritos del público vendiendo a la fecha más de cuatro millones de copias solo en los Estados Unidos.

F.V.

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Festivales de Discos, John Coltrane

John Coltrane – A Love Supreme (1965)

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Puntaje del Disco: 10

  1. A Love Supreme, Pt. 1: Acknowledgement: 10
  2. A Love Supreme, Pt. 2: Resolution: 10
  3. A Love Supreme, Pt. 3: Pursuance/Pt. 4: Psalm: 10

A pesar de su corta carrera musical, John Coltrane se convirtió en uno de los más importantes y controvertidos íconos del jazz. Dueño de un estilo particular que calaría hondo en artistas contemporáneos y en generaciones futuras, “Trane”, según era conocido en el ambiente, editó, entre sus numerosas contribuciones al género, uno de los discos más consagrados de su trayectoria en 1965.

A Love Supreme es una perfecta combinación entre la sensibilidad del “hard bop” de los primeros tiempos y un estilo más “libre” de jazz, de la última época. Grabado en una sólo sesión en New Jersey en 1964 contó con las participaciones de Elvin Jones, McCoy Tyner y Jimmy Garrison, quienes lograron plasmar todo su talento en un memorable álbum.

Dividido en cuatro partes, “Acnoweledgement” es el despertar hacia la vida espiritual desde la oscuridad, mientras que “Resolution” describe el tumultuoso camino en búsqueda de ese entendimiento espiritual. “Pursuance” rastrea en el interior esa experiencia y “Psalm” encuentra finalmente la realización de dicha meta. Todo ese camino es acompañado por las magníficas melodías que sólo un grande como Coltrane puede lograr.

Piro

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Keith Jarrett

Keith Jarrett – Facing You (1972)

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Keith Jarret - Facing You (1972)

Puntaje del Disco: 9

  1. In Front: 9
  2. Ritooria: 9,5
  3. Lalene: 9,5
  4. My Lady, My Child: 8
  5. Landscape for Future Earth: 8,5
  6. Starbright: 9
  7. Vapallia: 8,5
  8. Semblence: 9

El virtuoso y majestuoso pianista de Jazz Keith Jarrett dio un giro en su carrera a comienzos de los setenta, más precisamente en el año 1972, cuando grabaría su primer trabajo en forma solista, Facing You.

Facing You a su vez, representó también el inicio de su amistad con el visionario Manfred Eicher, creador del legendario sello alemán de Jazz ECM, con el que Jarrett ha continuado grabando hasta el día de hoy casi en forma exclusiva, sin haber firmado contrato alguno de exclusividad.

Este trabajo significó el inicio de una seguidilla de trabajos notables, cuyo pico fue el famoso Köln Concert, disco que popularizó a Keith en todo el mundo, inclusive por afuera de su género.

Facing You es un álbum magníficamente ejecutado, a pesar de ser grabado en estudio también cuenta con improvisación, cargada de gran energía e innovación para su época, creando melodías únicas y brillantes composiciones desde el comienzo al final con solo un instrumento como protagonista.

Para muchos este material es de los más importantes de su trayectoria e inclusive de los más significativos dentro del jazz contemporáneo, que desafía el paso del tiempo y crece más y más con cada escucha.

F.V.

 

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