Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Miles Davis – Miles Ahead (1957)

Miles Davis - Miles Ahead (1957)

Puntaje del Disco: 9

  1. Springsville: 8,5
  2. The Maids of Cadiz: 9
  3. The Duke: 8,5
  4. My Ship: 8,5
  5. Miles Ahead: 9
  6. Blues for Pablo: 9
  7. New Rhumba: 9
  8. The Meaning of the Blues: 9
  9. Lament: 9
  10. I Don’t Wanna Be Kissed (By Anyone But You): 9

El año 1957 fue muy prolífico para Miles Davis. Editó nada menos que seis discos. Uno de ellos fue Miles Ahead. Este álbum sería el primero en el que contaría con la colaboración de Gil Evans en los arreglos de sus canciones, con quien también trabajaría en Birth of the Cool.

Miles Ahead tiene varias cualidades. En primer lugar es reconocido por desarrollar un género que se conoce como Third Stream, que se caracteriza por combinar Jazz con música clásica. Así que cuando lo escuchen parecerá un soundtrack de película de los cincuenta. Otra particularidad es que Davis se despacha tocando el fiscorno, mostrándose como eje central de cada tema. Ahora bien, a pesar de que Miles es el principal protagonista, su rol es más que nada como interpretador, ya que casi ninguna de estas canciones fueron compuestas por él.

Miles Ahead desde el género que explora tiene improvisación en su aspecto instrumental. Aunque lo interesante es que no son canciones que suenen exactamente iguales, exploran distintas emociones. Miles junto a su banda intercalan ritmos movidos y lentos. Por eso la calidad del álbum es bastante homogénea, aunque sinceramente lo van a disfrutar más aquellos con un oído más entrenado en este estilo de generaciones pasadas.

Persy

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Sonny Rollins – Saxophone Colossus (1956)

 

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Puntaje del Disco: 10

  1. St. Thomas: 10
  2. You Don’t Know What Love Is: 9
  3. Strode Rode: 9
  4. Moritat: 10
  5. Blue 7: 10

Nacido en la Ciudad de Nueva York en 1930 Theodore Walter Rollins comenzó su camino en la música a corta edad tomando clases de piano y luego de saxofón en la escuela secundaria. En 1948, junto con los vocalistas Babs Gonzales, Bud Powell y Fats Navarro grabó “Audubon”, su primera composición. Pronto Rollins estaría haciendo grabaciones con artistas como Miles Davis y Thelonious Monk. Hacia 1956 el estadounidense ya había formado su propia formación y tras recibir algunos reconocimientos del mundo del jazz, en aquel año, editó uno de sus más brillantes trabajos: Saxophone Colossus.

Acompañado del pianista Tommy Flanagan, el bajista Doug Watkins y el baterista Max Roach, este disco expresa lo más destacado que Rollins venía haciendo desde entonces. La excelente versión de “St. Thomas”  y la suave “You Don’t Know What Love Is” dan lugar a “Strode Road” y a “Moritat” que utiliza la base de “Mack the Knife”. En el final “Blue 7” cierra un disco fantástico, de un artista que supo ser influencia para las generaciones futuras del jazz.

Piro

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Medeski Martin and Wood – Combustication (1998)

Medeski, Martin and Wood - Combustication (1998)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Sugar Craft: 9
  2. Just Like I Pictured It: 8
  3. Start·Stop: 8,5
  4. Nocturne: 8
  5. Hey-Hee-Hi-Ho: 8,5
  6. Whatever Happened to Gus: 7,5
  7. Latin Shuffle: 9
  8. Everyday People: 7,5
  9. Coconut Boogaloo: 8
  10. Church of Logic: 8,5
  11. No Ke Ano Ahiahi: 7
  12. Hypnotized: 8,5

Responsables de difundir el género hacia nuevas generaciones, gracias a su jazz amigable y accesible, el trío estadounidense Medeski Martin and Wood (Compuesto por John Medeski en teclados y piano, Billy Martin en batería y percusión y Chris Wood en bajo) nació a principios de la década del noventa y continúa más vigente que nunca en la actualidad.

Su jazz de vanguardia y su estilo de fusión con otros estilos populares como el funk, soul y rock los alejaron del sector más purista y tradicional, pero a su vez cosecharon cierta popularidad entre los más jóvenes que se acercan al jazz por primera vez.

En 1998 ficharían para el emblemático sello “Blue Note” con quienes grabarían su quinto trabajo Combustication en Agosto de aquel año. En esta placa el trío profundiza sus influencias y ritmos hacia otros horizontes como el hip hop e infinidad de estilos, con una habilidad notable para nunca abandonar la improvisación y estilo que ellos aman.

Medeski Martin and Wood es un grupo de vanguardia, se encuentra continuamente en crecimiento y expansión de sus horizontes musicales y sin dudas es mi primera elección para aquellos que recién se introducen en un género complejo como el jazz y están ávidos de nuevos sonidos.

F.V.

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Thelonious Monk – Brilliant Corners (1957)

Thelonious Monk - Brilliant Corners (1957)

Puntaje del Disco: 9

  1. Brilliant Corners: 9
  2. Ba-Lue Bolivar Ba-Lues-Are: 9
  3. Pannonica: 8,5
  4. I Surrender, Dear: 9
  5. Bemsha Swing: 9

Si buscamos artistas reconocidos de Jazz de las década de los cincuenta, no podemos dejar por alto a Thelonious Monk. Monk se distinguió en el Jazz como pianista, compartiendo espacio con otros notables sesionistas de Jazz y llegando a ser fundador del Bebop.

Uno de los discos más reconocidos de Thelonious fue Brilliant Corners. Este álbum se caracterizó por ser tercer disco para Riverside Records y además el primero con composiciones propias. Otra cualidad es que estaba acompañado por músicos notables como Sonny Rollins (saxo tenor), Max Roach (percusión), Oscar Pettiford (bajo) y Ernie Henry (saxo alto).

Lo interesante de Brilliant Corners es que Monk pese a ser el compositor principal, les da mucho espacio a sus compañeros de banda para que se floreen. Hay solos de saxo, bajo y percusión en diversos tramos del disco. Monk también se despacha con un solo de piano en “I Surrender, Dear”, pero a lo largo del álbum asienta más las bases para que el resto haga de Brilliant Corners, un disco instrumental con mucha improvisación de un nivel muy sólido.

Brilliant Corners es considerado un disco imprescindible dentro del Jazz. En lo personal lo encuentro llevadero en su sonido, compacto en lo que ofrece y me impresiona su improvisación, porque si la escuchan bien artistas más contemporáneos lo imitarían años más adelante.

Persy

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The Smiths – Hatful of Hollow (1984)

The Smiths - Hatful of Hollow (1984)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. William, It Was Really Nothing: 8
  2. What Difference Does It Make?: 8,5
  3. These Things Take Time: 8,5
  4. This Charming Man: 9
  5. How Soon Is Now?: 9,5
  6. Handsome Devil: 8
  7. Hand in Glove: 8,5
  8. Still Ill: 7,5
  9. Heaven Knows I’m Miserable Now: 8,5
  10. This Night Has Opened My Eyes: 7,5
  11. You’ve Got Everything Now: 8
  12. Accept Yourself: 8,5
  13. Girl Afraid: 8,5
  14. Back to the Old House: 9
  15. Reel Around the Fountain: 8
  16. Please, Please, Please, Let Me Get What I Want: 8,5

No acostumbro a comentar discos compilaciones, pero una banda del calibre de The Smiths se lo merece. Unos meses después de lanzar su primer álbum la banda de Morrisey, Johny Marr, Andy Rourke y Mike Joyce lanzaría una colección de singles y rarezas bajo el título, Hartful of Hollow.

Hatful of Hollow consiste principalmente por canciones grabadas en la «BBC Radio» en distintos ciclos de la época. Completa el material dos singles y sus respectivos «Lados B», con diferencias a como luego fueron lanzados en trabajos oficiales.

Se destacan las versiones de tracks legendarios como “This Charming Man”, “How Soon Is Now?”, “Hand in Glove” y de otras no tan famosas como “These Things Take Time”, “What Difference Does It Make?”, “Heaven Knows I’m Miserable Now”, “Accept Yourself”, “Back to the Old House”, entre otras.

Hatful of Hollow es un lanzamiento fundamental a pesar de no ser un disco oficial de los de Manchester, ya que encontramos a una de las bandas fundamentales de los ochenta en su mejor momento y entregando una colección de temas infaltables en su catalogo, no conocidos por el gran publico pero que valen la pena ser revisados.

F.V.

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Noel Gallagher’s High Flying Birds – Lollapalooza Side Show, Estadio Luna Park (16/03/2016)

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“Esperamos que su próximo disco lo traiga nuevamente a nuestro país y podamos seguir disfrutando de este artista que tantas canciones nos ha impregnado en la memoria”. Con aquel deseo cerrábamos la reseña del recital que Noel Gallagher había ofrecido en su primera visita en la Ciudad de Buenos Aires con su nueva banda. Casi cuatro años después, el británico cumplió y volvió a la Argentina para presentar Chasing Yesterday, su segundo material de estudio lanzado en 2015. Abriendo una serie de recitales adicionales al tradicional Festival Lollapalooza, Gallagher retornaba al mítico Estadio Luna Park, en el cual en 1998 comenzó el idilio del público argentino con Oasis.

Pasados unos minutos de las nueve de la noche, las luces se encendieron con una intensidad que no permitía ver qué sucedía arriba del escenario, pero pronto se disiparon para que la gente pudiese apreciar el ingreso de la banda, mientras de fondo sonaba parte de “Shoot a Hole Into the Sun”, un demo grabado con mezclas del tema “If I Had a Gun”, del disco debut del grupo. Sin perder tiempo “Everybody’s on the Run” fue la elegida para abrir el esperado recital. “Lock All The Doors” y el single “In the Heat of the Moment” fueron dos de los seis temas con los que Noel decidió presentar su último trabajo. Tras saludarse con su público en ese particular inglés con el que Gallagher nos tiene acostumbrados, fue momento del primer cover de Oasis, a cargo de la pegadiza “Fade Away” del maravilloso disco de lados B The Masterplan. “Riverman”, “The Death of You and Me” y especialmente “You Know You Can’t Go Back” (dedicada a los fanáticos de Oasis) demostró, como en la primera presentación del grupo en 2012, que el tiempo de Liam y Noel juntos había quedado atrás y lejos estaría de volver. Sin embargo, una inesperada versión de “Champagne Supernova”, “Sad Song” y “D’Yer Wanna be a Spaceman?” (destinada al Papa Francisco) dieron paso a que Noel accediera al pedido de la gente otorgándoles la posibilidad de que las miles de gargantas que asistieron al Luna Park pudiesen entonar algunas estrofas del clásico “Live Forever”, mientras la guitarra de Noel los dirigía. Siguieron “The Mexican” y “The Dying of the Light” de Chasing Yesterday y desde el fondo de Defenetly Maybe, “Digsy’s Dinner” comenzó a cerrar el recital con algunos de los temas que llevaron a Oasis a la cima mundial a mediados de los noventa.

La memorable “The Masterplan” daba paso a los bises, y como no podía ser de otra manera, vaticinaban un final con el mejor material de Gallagher. La fantástica y pocas veces tocada “Listen Up” y luego “Wonderwall” empezaban a marcar el cierre. “AKA..What a Life!” sembró el terreno perfecto para el final a pura emoción con la infaltable “Don’t Look Back in Anger”. Sin salirse del tiempo reglamentario Noel Gallagher cerraba una vez más una presentación brillante, ayudado en esta oportunidad por un Estadio con una mejor acústica que GEBA y con el constante apoyo y fidelidad de un público que podrá verlo nuevamente el sábado siguiente en el Festival de Lollapaloza, pero que espera que el británico quiera seguir visitándonos muchas veces más.

Piro

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Best Coast – The Only Place (2012)

Best Coast - The Only Place

Puntaje del Disco: 5

  1. The Only Place: 7
  2. Why I Cry: 5,5
  3. Last Year: 6
  4. My Life: 5
  5. No One Like You: 5,5
  6. How They Want Me to Be: 4
  7. Better Girl: 5
  8. Do You Love Me Like You Used To: 4
  9. Dreaming My Life Away: 5
  10. Let’s Go Home: 5
  11. Up All Night: 4,5

Best Coast es una de esas bandas que con su álbum debut dejó muy buenas impresiones, dejándonos las expectativas de que en sus siguientes trabajos podían seguir superándose y lograr más crecimiento. Sin embargo, todo quedó dilapidado con su segundo álbum, The Only Place.

En The Only Place, Bethany Cosentino y Bobb Bruno apuestan a un sonido aún más pop del que ya conocíamos, abandonando el Lo Fi de su debut, ofreciendo buenas melodías y ganchos melódicos en general alegres. El gran problema es que es un disco pop demasiado inmaduro. Con esto me refiero a dos inconvenientes: por un lado, no es un Pop Rock interesante, sino que es bastante zonzo; por otro lado, las letras de Bethany Cosentino son realmente muy malas.

The Only Place es uno de los mejores ejemplos de cómo se puede destruir melodías con líricas infantiles e inmaduras. Es como si estuviesen orientadas a un público de 12 años de edad. Peor aún, es como si hubiera colaborado Justin Bieber para arruinar al álbum.

Es una lástima. Este dúo parecía prometedor, pero su promesa quedó estropeada con este disco. Esperemos que a futuro logren el crecimiento que necesitan.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 5)

Metronomy – Love Letters (2014)

Metronomy - Love Letters (2014)

Puntaje del Disco: 8

  1. The Upsetter: 8
  2. I’m Aquarius: 8,5
  3. Monstrous: 7,5
  4. Love Letters: 8
  5. Month of Sundays: 8
  6. Boy Racers: 7
  7. Call Me: 7
  8. The Most Immaculate Haircut: 8
  9. Reservoir: 8,5
  10. Never Wanted: 7

Metronomy creció tanto en popularidad como musicalmente con su anterior LP, The English Riviera (2011), que era de esperarse que repitieran la formula ganadora de pop electrónico y alegre en su siguiente y esperada incursión discográfica.

Al escuchar Love Letters, editado físicamente en Marzo de 2014, nos encontramos con la saludable idea de la banda comandada por Joe Mount de no copiarse a si mismos y expandir su sonido hacia un Indie rock y alternativo más intimista y sofisticado con buenos tracks que lo atestiguan como “The Upsetter”, “I’m Aquarius” y “The Most Immaculate Haircut”, “Reservoir” y “Month of Sundays”, entre otros.

Mas allá de la ansiedad y las expectativas iniciales, Love Letters, es un acierto, un cambio de rumbo donde Metronomy crece musicalmente. Puede que con esta nueva búsqueda nunca llenen un estadio ni se conviertan en la nueva sensación pop, pero sus producciones son cada vez más elaboradas y creativas, y eso realmente es lo que importa (o debería importar).

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 3)

Marillion – Seasons End (1989)

Marillion – Seasons End (1989)

Puntaje del Disco: 8.5 

  1. The King of Sunset Town: 8.5
  2. Easter: 9
  3. The Uninvited Guest: 9
  4. Seasons End: 8.5
  5. Holloway Girl: 8
  6. Berlin: 8.5
  7. After Me: 9
  8. Hooks in You: 8.5
  9. The Space…: 8

Luego del lanzamiento del cuarto álbum de estudio Clutching at Straws, y debido a problemas entre el Fish y el manager de Marillion, hacia 1988 la disputa implicó la salida del cantante de la formación y las consecuentes batallas legales dejaron secuelas en la banda.

En audiciones en busca de un cantante, Steve Hogarth, ex tecladista y vocalista de The Europeans, fue el elegido para tomar el lugar que Fish había dejado. Sin haber tenido antes un disco de Marillion y a pesar de provenir de un estilo musical diferente, Hogarth se comprometió en el armado de los temas y las composiciones para el nuevo demo y pronto demostraría que estaría a la altura de las circunstancias. Seasons End, el quinto álbum de la banda editado en 1989, sería una evidente prueba de ello.

La característica voz de flamante cantante se adaptó a la perfección con el brillante sonido del grupo como se aprecia en los buenos temas que componen este disco. La balada “Easter” acompañada de los arreglos en guitarra acústica, “The Uninvited Guest”, la rockera “After You” son algunos de los más destacados temas que le dan un gran recibimiento a Steve Hogarth al grupo.

Piro

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Todd Rundgren – Todd (1974)

Todd Rundgren - Todd (1974)

Puntaje del Disco: 8

  1. How About a Little Fanfare?: –
  2. I Think You Know: 8
  3. The Spark of Life: 7
  4. An Elpee’s Worth of Toons: 8,5
  5. A Dream Goes On Forever: 7,5
  6. Lord Chancellor’s Nightmare Song: 9
  7. Drunken Blue Rooster: 7,5
  8. The Last Ride: 8,5
  9. Everybody’s Going to Heaven / King Kong Reggae: 7
  10. No. 1 Lowest Common Denominator: 8,5
  11. Useless Begging: 8
  12. Sidewalk Cafe: 7
  13. Izzat Love?: 6,5
  14. Heavy Metal Kids: 8
  15. In and Out the Chakras We Go (Formerly: Shaft Goes to Outer Space): 7
  16. Don’t You Ever Learn?: 7,5
  17. Sons of 1984: 8

1974 sería un año de cambios para Todd Rundgren. En Febrero comenzaría editando un nuevo trabajo el quinto de su extensa discografía, Todd, que es una especie de continuación de la experimentación y la rareza que significó su antecesor, A Wizard, a True Star.

Pero el cambio en su carrera comenzaría por otro lado, formaría un nuevo grupo, Utopia, donde se acerca a la música electrónica y al rock progresivo, y a su vez empieza a trabajar como productor e ingeniero de sonido de muchos grupos y artistas de diversos estilos.

Volviendo a Todd, si bien demuestra sus intenciones de darle cada vez más importancia a los sintetizadores y a la experimentación con muchos pasajes instrumentales, todavía hay ciertos temas de rock y pop como “Useless Begging”, “No. 1 Lowest Common Denominator”, “Heavy Metal Kids”, entre otros. Aunque para mi gusto el más destacado es una rareza “Lord Chancellor’s Nightmare Song”, una versión de la canción de Gilbert & Sullivan de su opera Iolanthe de 1882.

Otra curiosidad que podemos señalar en Todd fue la batalla entre Rundgren y su compañería discográfica por el deso de esta última de lanzar «Izzat Love?» (una de las más flojitas del álbum) como single. El se negaba porque ese tema era indicativo del estilo de música que ya no le interesaba y llegó a amenazar con nunca más grabar si lo llegaban a desobedecer.

F.V.

Tu puntuación
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