Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Spiritualized – Sweet Heart Sweet Light (2012)

Spiritualized - Sweet Heart Sweet Light (2012)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Huh? (Intro):
  2. Hey Jane: 8
  3. Little Girl: 8
  4. Get What You Deserve: 7,5
  5. Too Late: 7,5
  6. Headin’ for the Top Now: 7
  7. Freedom: 8
  8. I Am What I Am: 8,5
  9. Mary: 8
  10. Life Is a Problem: 7
  11. So Long You Pretty Thing: 7,5

Sweet Heart, Sweet Light, séptima placa de estudio de Spiritualized, aparece en otro momento crítico de la vida de Jason Pierce. Así como el destacadísimo Songs in A & E (2008) había sido el primero luego de su doble neumonía que casi le cuesta su vida, en esta oportunidad el cantante reconoció que durante la grabación de este nuevo material ha estado sometido a sesiones de quimioterapia.

Con Sweet Heart, Sweet Light, nos encontramos con un disco maduro con algunos momentos de gran inspiración y lucidez, gran producción y orquestación aunque por momentos da la sensación de que sobran minutos en algunos tracks que se hacen un tanto monótonos. Entre los momentos más trascendentes podemos citar “Hey Jane” el tema mas roquero y animado de todos junto a las desgarradoras baladas “Little Girl” y “Freedom, y la experimental “I Am What I Am”.

Sin estar a la altura de sus estándares o lo que sabemos que Pierce pudo ofrecer en otro momento estamos ante un disco agradable que cuenta con pasajes atractivos. Además de todo Jason guarda un afecto especial por el mismo ya que su hija de por entonces once años, Poppy Spaceman, participa en coros por primera vez en algunos temas.

F.V.

 

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Freddie Mercury & Montserrat Caballé – Barcelona (1988)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Barcelona: 9
  2. La Japonaise: 8
  3. The Fallen Priest: 8
  4. Ensueño: 7
  5. The Golden Boy: 6
  6. Guide Me Home: 7
  7. How Can I Go On: 6
  8. Overtune Piccante: 6

Cuando en 1988 la ciudad española de Barcelona fue seleccionada para albergar los Juegos Olímpicos de Verano de 1992, la soprano Montserrat Cabellé, oriunda de aquellas tierras catalanas, fue consultada para colaborar en la producción de la canción oficial,  no dudó en recomendar a Freddie Mercury, a quien había conocido en Enero de 1987 y se había declarado su gran admirador, para formar un dueto y completar un disco, en lugar de grabar un solo track.

Con las letras y producción a cargo de Mercury y Mike Moran, el cantante de Queen grabó sus partes y debido a la apretada agenda de Caballé, ésta recibía las grabaciones e incorporaba su voz, para luego ajustarlo en los encuentros en los estudios.

Concebida como la canción principal para ser interpretada en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos, “Barcelona” comienza con una introducción orquestal que se va desvaneciendo para dejar a Mercury alternando solos con Caballé, combinando el inglés con el español. Mientras que Freddie se encarga de darle mayor fuerza a las letras, Caballé se enfoca en el tono y en explotar su magnífica capacidad de mantener los tonos altos.

“La Japonaise” tiene la particularidad de incluir letras en japonés, mientras que “Ensueño” está compuesta íntegramente en español, con Freddie adaptando su gloriosa voz a los distintos idiomas. En “The Golden Boy” se aprecia la aparición clara del pop y es en donde el álbum comienza levemente a desorientar el buen rumbo que había tomado la primera mitad, en la cual se habían combinado casi a la perfección la voz y los estilos de ambos cantantes.

Más allá de un último tramo menos apreciable, el disco muestra buenas intenciones y logra una agradable fusión de estilos. La trágica muerte de Freddie meses antes del inicio de los Juegos Olímpicos nos deja sabor amargo de no haberlo visto  interpretando aquella formidable versión de “Barcelona”.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Metallica – Garage Inc. (1998)

Metallica - Garage Inc. (1998)

Puntaje del Disco: 8

  1. Free Speech for the Dumb: 8
  2. It’s Electric: 7
  3. Sabbra Cadabra: 7,5
  4. Turn the Page: 8,5
  5. Die, Die My Darling: 7,5
  6. Loverman: 8,5
  7. Mercyful Fate: 7
  8. Astronomy: 8
  9. Whiskey in the Jar: 9
  10. Tuesday’s Gone: 8,5
  11. The More I See: 7,5

Promediando la década del noventa la promesa de Lars Ulrich de grabar un disco por año parecía cumplirse a rajatablas, ya que luego del controvertido tandem conformado Load (1996) y Reload (1997) donde se da comienzo al “nuevo” Metallica más domesticado llegaría un disco de versiones Garage Inc. lanzado el 23 de Noviembre de 1998.

El proyecto Garage Inc. consistía en dos partes, la primera y la que comentaremos aquí es la de un disco de covers grabada entre Septiembre y Octubre de ese mismo año donde la banda californiana rinde homenaje a canciones de artistas que los influenciaron, pero acorde a esta versión aggiornada de Metallica no se quedarían solamente con bandas de heavy metal, sino que contaría con un compendio de influencias mucho más amplia, demostrando que ya no les importa tanto el que dirán. La segunda pata del proyecto es una selección de rarezas y versiones grabadas en su mayoría en los años ochenta de grupos más orientados al metal que los inspiraron en sus comienzos y que habían sido lanzados como lados B circulando en forma pirata y sabiamente decidieron editar en forma oficial.

Además de ser grandes compositores la banda demuestra sentirse cómoda dedicandose a hacer covers. Acerca de cómo se sienten al hacer canciones escritas por otros James Hetfield afirmaría lo siguiente: “El versionar canciones te ayuda a sentirte mejor, te abre la cabeza sobre nuevos enfoques y sonidos, te convierte en un mejor músico”, y Ulrich agregaría: “Las canciones escritas por nosotros conllevan un proceso de disección y análisis que dura meses, pero cuando estamos versionando a otros artistas solo se trata de vivir el momento. Y mientras Metallica siga con vida, siempre necesitaremos hacer uso de esta vía de escape.”

“Free Speech for the Dumb” de la banda punk rock ingles Discharge abre el álbum con un sonido muy directo y potente, convirtiendose en uno de los momentos cumbres junto a una balada oscura y sentida como “Turn the Page” de Bob Seger, la interesante versión de “Loverman” del gran Nick Cave (al parecer admirado por Hetfield por su capacidad para despacharse con letras crudas y profundas), la pegadiza “Astronomy” de Blue Öyster Cult, la irreverente “Tuesday’s Gone” de Lynyrd Skynyrd y “Whiskey in the Jar”, quizás la más conocida de toda la placa, se trata de una balda folk irlandesa que a su vez fue interpretada por los también irlandeses Thin Lizzy en 1972. Un par de tributos que prometían más y no terminaron de explotar, ni darle una vuelta de rosca y no le hicieron demasiada sombra a la original son “Sabbra Cadabra” de Black Sabbath y “Die, Die My Darling” de Misfits.

Seguramente los fans intransigentes que se deleitan con la crudeza de sus primeros años preferirán al disco dos por sobre este, pero lo que no está en discusión son la vitalidad, los riesgos y la autenticidad de una banda totalmente consagrada por sus propias canciones que puede darse estos lujos como y cuando se les de la gana.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

Black Sabbath – Heaven & Hell (1980)

Black Sabbath - Heaven & Hell (1980)

Puntaje del Disco: 7

  1. Neon Knights: 7
  2. Children of the Sea: 7
  3. Lady Evil: 7
  4. Heaven and Hell: 9
  5. Wishing Well: 6
  6. Die Young: 9
  7. Walk Away: 6
  8. Lonely is the Word: 6,5

Heaven & Hell  es el primer álbum de Black Sabbath con Ronnie James Dio (ex miembro de Rainbow) como vocalista, luego de la partida de Ozzy Osbourne.

La llegada de Dio fue significativa. Implicó prácticamente el inicio de una nueva era de Sabbath. De todas formas este cambio no fue del todo fortuito. Dio, pese a ser un muy buen cantante y tener su adoración por lo medieval que podría acoplarse con el estilo de Black Sabbath, no ayuda a mejorar el sonido de la banda. De hecho, su llegada parece empujar a Sabbath a perder esa mística siniestra y oscura tan única que lo distinguía incluso en sus peores años. El grupo ahora deja de ser especial y se transforma en uno más del montón. Ni siquiera suena a Black Sabbath.

Es como si la llegada de Dio hubiera marcado un punto final al metal clásico del grupo, para abrirle los brazos a algo que suena a otros grupos. Sin ir más lejos, “Neon Knight” tiene un riff que parece plagiado de Aerosmith, mientras que “Children of the Sea” parece un tema que se acerca a Bon Jovi y a diferentes bandas de Hair Metal que adoptarían esta onda en el futuro.

En otras palabras, este nuevo Black Sabbath resulta bastante genérico. Aun así no puedo decir que haya malas canciones y de hecho alcanza picos destacables. La homónima “Heaven and Hell” es la que más brilla dentro de este nuevo Sabbath, con Iommy desprendiendo buenos solos de guitarra y sacudiendo de principio a fin con su energía. Mientras que “Die Young” es el que más le noto acercamientos al viejo Sabbath (aunque también tiene acercamientos a Purple). Es uno de los temas más viscerales y aplastantes del álbum.

En resumen, Heaven & Hell  mejora respecto del paupérrimo nivel que estaba ofreciendo con Ozzy a la cabeza, pero simultáneamente se extraña el estilo que tenían incluso en sus peores momentos. Por eso si bien entretiene no se acerca a los mejores discos de Black Sabbath.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

The Charlatans – Up at the Lake (2004)

The Charlatans - Up at the Lake (2004)

Puntaje del Disco: 8

  1. Up at the Lake: 9
  2. Feel the Pressure: 8
  3. As I Watch You in Disbelief: 7
  4. Cry Yourself to Sleep: 7,5
  5. Bona Fide Treasure: 9
  6. High Up Your Tree: 8,5
  7. Blue For You: 7,5
  8. I’ll Sing a Hymn (You Came to Me): 8
  9. Loving You Is Easy: 8,5
  10. Try Again Today: 7,5
  11. Apples and Oranges: 8
  12. Dead Love: 8

Para su octavo álbum, Up at the Lake (2004), la banda británica The Charlatans volver a las bases y hacer foco en sus discos donde dominaba el rock clásico, por sobre cualquier moda, como Tellin’ Stories (1997) y The Charlatans (1995).

Pasada la moda del Britpop y las tendencias de Madchester antes, la banda comenzó a buscar un rumbo primero en el rock moderno con cosas de electrónica sin sentirse del todo cómodos, pero en Up at the Lake encontrarían su verdadera identidad y comenzando a sonar como una banda consistente y establecida.

La onda del disco va desde el rock clásico británico, el indie rock y deliciosas baladas, dejándonos temazos como “Bona Fide Treasure”, “High Up Your Tree”, “Loving You Is Easy”, “Apples and Oranges”, “Dead Love” y “Up at the Lake”.

La banda comandada por Tim Burguess, quien a su vez había comenzado una carrera solista en 2003, no decepciona demostrando madures y estar atravesando un gran momento, en uno de sus mejores trabajos de toda su rica discografía.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Van Morrison – Tupelo Honey (1971)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Wild Night: 8.5
  2. (Straight to Your Heart) Like a Cannonball: 8
  3. Old Old Woodstock: 7
  4. Starting a New Life: 8
  5. You’re My Woman: 7
  6. Tupelo Honey: 7.5
  7. I Wanna Roo You : 8
  8. When That Evening Sun Goes Down: 8.5
  9. Moonshine Whiskey: 8

Tupelo Honey es el nombre de una especie de miel producida por la flor del árbol Tupelo que se encuentra en el Sur de los Estados Unidos y hacia 1971 se convirtió en el título del quinto álbum de estudio del cantante irlandés Van Morrison.

Como en trabajos anteriores, Morrison explora en diversos géneros como el country, el R&B, el soul y por supuesto el folk, con letras enfocadas las locaciones rurales de Woodstock, donde la familia del artista habitaba por entonces (“Old Old Woodstock”, “Starting a New Life”).

“Wild Night”, el primer corte de difusión se destaca por salirse un poco de los parámetros de suavidad y tranquilidad que Morrison nos tenía acostumbrados, para darnos una buena apertura de disco. “Tupelo Honey” y “I Wanna Roo You” son otras dos buenas composiciones que dan forma a esta buen material.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Gossip – Music for Men (2009)

Gossip - Music for Men (2009)

Puntaje del Disco: 8

  1. Dimestore Diamond: 8
  2. Heavy Cross: 8,5
  3. 8th Wonder: 8,5
  4. Love Long Distance: 9
  5. Pop Goes the World: 7
  6. Vertical Rhythm: 7,5
  7. Men in Love: 7,5
  8. For Keeps: 8
  9. 2012: 8
  10. Love and Let Love: 7,5
  11. Four Letter Word: 8
  12. Spare Me from the Mold: 7

Tras hacerse famosos a nivel mundial el trío de punk rock moderno Gossip volvería a escena con su esperado cuarto álbum de estudio en 2009 Music for Men, esta vez bajo un sello grande como Columbia Records, luego de lo que significó su despegue internacional Standing in the Way of Control (2006).

Su cantante y principal figura, Beth Ditto, continuaría llamando la atención en la prensa declarándose, sin miedos ni complejos: «Gorda, lesbiana y feminista». Declarada por la prensa inglesa como la cantante «más cool» del momento, Ditto hace de su mentalidad abierta una causa en cada oportunidad que tiene como declararía en una entrevista de aquella época: “Prefiero que me llamen gorda. Me gusta esa palabra, aunque no es fácil para todo el mundo. No es fácil pero es divertido, porque nunca he encontrado a un cantante que haga de su gordura una causa. Para mí lo es, y me encanta ser portavoz de esta minoría, si es que a los gordos se nos puede considerar una minoría, que tiene que pasarse la vida luchando contra los prejuicios. A mí no me pesa ser gorda; forma parte de mi personalidad”.

Sin embargo más allá de su fuerte personalidad hay que privilegiar en primer lugar su poderosa y cautivadora voz comparada en ocasiones con Janis Joplin o Patti Smith. En Music for Men, se destaca tanto su labor vocal como la capacidad del grupo por abarcar y fusionar dentro de su música bailable distintos estilos como el pop, el punk, la new wave, el blues, disco y el rockabilly.

En esta nueva placa el grupo suena confiado y sólido, apoyándose en su esencia para crecer y a su vez usando su suceso para llevar su mensaje a la mayor cantidad de personas posible.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Tom Waits – Blue Valentine (1978)

Tom Waits - Blue Valentine (1978)

Puntaje del Disco: 8

  1. Somewhere: 7
  2. Red Shoes By The Drugstore: 7
  3. Christmas Card From A Hooker In Minneapolis: 8
  4. Romeo Is Bleeding: 9
  5. $29.00: 9
  6. Wrong Side Of The Road: 8
  7. Whistlin’ Past The Graveyard: 8
  8. Kentucky Avenue: 8,5
  9. Little Bullet From A Pretty Blue Gun: 8
  10. Blue Valentines: 8

Blue Valentine es el sexto disco de estudio de Tom Waits y un progreso notable respecto de lo que fue Foreign Affairs. Algunos lo toman como una continuación respecto de lo que fue Small Change, con la voz rancia tan característica de este grandioso cantautor y ofreciendo variedad en los estilos de sus composiciones, obviamente repasando lo que estamos acostumbrados en él pero con diferencias.

“Somewhere” (tema Hollywoodense de West Slide Story) nos da una falsa impresión de que Tom Waits vuelve a abocarse a sus canciones orquestadas. Pero inmediatamente aparece “Red Shoes By The Drugstore” para experimentar explotando toda la verborragia de Waits en su voz, con un sonido más monótono en base a su percusión y bajo, marcando una disrupción. A partir de entonces, Blue Valentine se transforma en una colección de canciones en las que aborda Jazz y Blues, con picos en “Romeo Is Bleeding” y “29.00” (8 minutos de Blues del bueno). Tampoco faltan las baladas decentes a piano del estilo de “Christmas Card From A Hooker In Minneapolis”.

En definitiva, es un disco más entretenido en líneas generales contando sus historias. Más orientado al Blues y Jazz, en el que instrumentos como la guitarra eléctrica empiezan a ganar terreno por sobre los instrumentos de cuerda orquestales.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Fatboy Slim – You’ve Come a Long Way, Baby (1998)

Fatboy Slim - You've Come a Long Way, Baby (1998)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Right Here, Right Now: 9
  2. The Rockafeller Skank: 9
  3. Fucking in Heaven: 8,5
  4. Gangster Tripping: 8,5
  5. Build It Up – Tear It Down: 7
  6. Kalifornia: 8
  7. Soul Surfing: 7
  8. You’re Not from Brighton: 7,5
  9. Praise You: 9,5
  10. Love Island: 7,5
  11. Acid 8000: 8,5

Para finales de la década del noventa se vivió una verdadera revolución en la música electrónica comercial que comenzó a renacer gracias a figuras rutilantes como The Chemical Brothers, Daft Punk, Moby.

Dentro de esta lista debería agregarse con letras grandes el nombre del infatigable Norman Cook, más conocido como Fatboy Slim, quien en 1998 con su segunda placa ampliaría su popularidad hacía niveles nunca alcanzados con su antiguo conjunto, los Housemartins.

You’ve Come a Long Way, Baby es un disco lúcido, consistente, directo, vibrante y ecléctico, demostrando el extenso conocimiento musical de Cook que no abarca solo la electrónica moderna sino que se pasea por el hip hop, pop, reggae, entre otros.

Para muchos una verdadera obra maestra, repleta de ganchos y ráfagas de gran calidad e imaginación, este álbum incluye varios de los temas más reconocibles y celebrados de Fatboy Slim como “Right Here, Right Now”, “The Rockafeller Skank” y “Praise You”, con tal calibre de tracks se convirtió inevitable, y merecidamente, en un clásico de la electrónica y también de toda una era.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Marvin Gaye – Here, My Dear (1978)

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Puntaje del Disco: 8.5

  1. Here, My Dear: 7
  2. I Met a Little Girl: 9
  3. When Did You Stop Loving Me, When Did I Stop Loving You: 8.5
  4. Anger: 8
  5. Is That Enough: 8
  6. Everybody Needs Love: 7
  7. Time to Get It Together: 8
  8. Sparrow: 8.5
  9. Anna’s Song: 8
  10. When Did You Stop Loving Me, When Did I Stop Loving You (Instrumental): 8
  11. A Funky Space Reincarnation: 8
  12. You Can Leave, but It’s Going to Cost You: 8
  13. Falling in Love Again: 8.5
  14. When Did You Stop Loving Me, When Did I Stop Loving You (Reprise): –

Después de meses de peleas legales, en Junio de 1977 Marvin Gaye finalmente se divorció de su esposa Anna Gordy Gaye, dándo lugar no sólo a una etapa de nostalgia personal, sino que dichos sentimientos dieron como resultado su decimoquinto álbum dedicado exclusivamente a ella.

“Here, My Dear” detalla aquellos tumultuosos momentos de enfrentamientos entre ellos, mientras que “I Met a Little Girl” evoca las crónicas del florecimiento y decaimiento de la relación. Casi como a modo de disco conceptual, todo el material está enfocado a esta historia de amor y desencuentros, con los ritmos suaves y letras melosas que caracterizan a Gaye.

Puede que para otros artistas el desencanto por una relación perdida sea motivo de debacles personales, sin embargo, Gaye condensó toda su tristeza y en un maravilloso material.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)