Wilco es una de esas bandas que en cada álbum que lanzan te sorprenden por la solidez de sus trabajos y simultáneamente por seguir puliendo su música. En Ode to Joy la banda de Chicago nos regala un álbum que es atmosférico y simultáneamente sus atmósferas están llenas de detalles. Los arreglos de guitarra (que vienen de Nels Cline) combinados con la percusión retumbante quedan muy bien. Describen un álbum que invita a relajarte y a descansar los oídos. Un fiel reflejo de ello es “Bright Leaves”, un gran tema, cautivante, que crece por sí solo, y que toma cosas de otros discos como Yankee Hotel Foxtrot.
La intensidad del álbum va variando en su recorrido, pero siempre hay una constante: el acompañamiento de guitarra acústica, el marcado sonido de su batería y las muy buenas melodías de Jeff Tweedy. Si nos detenemos en este último punto, melódicamente tienen un equilibrio entre ser muy “Beatles” o acercarse a grupos más complejos como Radiohead. Ese balance hace que el disco sea muy sólido y simultáneamente muy agradable de escuchar de principio a fin.
Es tan así que cuesta elegir canciones que sobresalgan sobre el resto. Pero el encanto que logran en números como “Before Us” y “One and a Half Stars” o el Pop Rock de “Everyone Hides” son solo algunos buenos ejemplos de esta hermosa joya llamada Ode to Joy.
Luego de un muy buen trabajo como Star Wars en el 2015, Wilco no se tomó mucho descansó y este año lanzó su siguiente álbum. Schmilco es un disco con predominancia Folk de un espíritu y una formula bastante simple: guitarra acústica, buenas melodías y algunos arreglos distintivos para embellecerlas.
Schmilco es como el álbum solista Jeff Tweedy, porque está en el centro de la escena más que nunca. Y el trabajo del resto del grupo es minimalista, como si fuera secundario su aporte, pero no por ello menos importante. Así logran canciones acústicas de tonos agradables pero menos joviales que las de Star Wars.
Por otro lado, Wilco tampoco pierde su intención de experimentar principalmente desestructurando sus canciones. Sin embargo su costado experimental no es en sí lo más redituable que ofrecen y por eso en cierto punto el disco es irregular.
Lo mejor de Schmilco aparece cuando desatan su costado pop melódico. Las canciones de Wilco se podría decir que son de “calidad Beatle”. Es imposible redimirse a las melodías de “If I Ever Was a Child” y “We Aren’t the World (Safety Girl)”, al encanto enternecedor de “Just Say Goodbye” y al ritmo penetrante de “Cry All Day”. Tal vez no sea el mejor disco de la banda, pero solo por canciones como estas nos deja en claro que Wilco siempre tiene algo bueno para darnos.
Un poco tarde llega esta reseña, pero más vale tarde que nunca. Persi Music no se baja del pelotón de visitas de octubre como Aerosmith y Festivales como el Personal Fest. Pero dentro de la oferta de estos días la que más me resultaba interesante era la del Festival BUE, con un Line Up que incluía a Iggy Pop, The Libertines, Wilco y The Flaming Lips. Estos dos últimos grupos resonaron en mi mente cuando escuché el anuncio. Wilco, por un lado, por ser una banda que con sus más de 20 años nunca pisó al país y que pese a parecer ignoto tiene su sequito de seguidores. Y por otro lado, la banda de Wayne Coyne de quienes tuve un muy buen recuerdo hace más de 5 años en GEBA.
Con la entrada en mano proporcionada gracias a mis amigos, llegaría el 15/10/2016, el día señalado para ver a estos dos grupos dentro del Festival. El panorama no parecía muy alentador con las lluvias del día y con la incómoda ubicación de Tecnopolis (2 colectivos y caminar más de 1km por la General Paz para llegar). Pero el cielo se aclararía y arribar a Tecnopolis para que en la entrada un sujeto de corte de pelo Punk con flequillo rosa y campera de Jean ochentosa te diga con mucho entusiasmo “¡Vamo’ a ver a los Wilco!”, te cambia la cara para empezar a prepararte a disfrutar lo que esperabas. “¡Sí, vamos!” fue mi respuesta tanto para ese personaje (que parecía tan contento como si fuese a ver a Led Zeppelin), como para mí mismo.
Ahora bien, el Festival y la presencia conjunta de estas dos bandas sirve mucho para analizar lo distintas que pueden ser pese a que comparten un público similar y a pesar de converger en un género parecido dentro de lo que se considera Rock Alternativo.
Primero sería el turno de Wilco. La hora de la cita era a las 19:30hs en el escenario secundario. Justamente la primera gran y grata sorpresa me la lleve con este escenario porque era en un lugar cerrado. La segunda muy agradable sorpresa es que sonaba “Sugar Mountain” de Neil Young mientras se esperaba. Y lo tercero que se apreciaba es que Wilco no es una banda convocante, se notaba que no había tanto público y que se podía estar cerca de la banda sin problema, aunque luego se llenaría.
La banda de Jeff Tweedy saldría ante los aplausos del público a la hora estipulada sin mucha espectacularidad, sin muchas luces, ni papelitos, ni humo, ni nada. Austeridad pura. Que viejos se los veía, especialmente a Tweedy, con barba, medio canoso y sombrero como un Neil Young cualquiera. Claro, no son un grupo nuevo y el público que acompañaba tampoco. Los espectadores tenían de 25 años para arriba, con predominancia de gente de 30 años y algunos jobatos de 40, 50 y hasta 60 años.
El convulsivo Pop Rock de “Random Name Generator” sería el encargado de arrancar el concierto. La sucedería el mejor momento de su presentación, “I Am Trying to Break Your Heart”, con un poder cautivante que pocas bandas logran, haciendo lucir a su multi-instrumentalista Pat Sansone para recrear con minuciosidad cada uno de sus arreglos. Sencillamente espectacular. Pero para no darte respiro, luego interpretarían “Art of Almost”, posiblemente la canción más progresiva de toda su carrera, brillantemente ejecutada para que suene tan impecable como en el disco. Y luego un clásico no menor de Being There, “Misunderstood”.
Tweedy reconocería ante el público que era su primera vez en el país y que repasarían diferentes temas de sus más de 20 años de historia. Así lo harían diversificando con su rock alternativo, aunque llamó la atención la abundancia de canciones de su disco A Ghost is Born (muy buen trabajo pero no el mejor), la ausencia absoluta de cortes de Wilco (The Album) y casi nula de su último trabajo, Star Wars. Ambos merecían mayor presencia en su Set List. Pero eso no quitó que el recital sea disfrutable.
Uno de los momentos mejor recibidos por el público fue “Impossible Germany”, coreando hasta el solo de guitarra, y vale la pena destacar los arrebatos de Noise experimental a la Velvet Underground en muchos tramos del concierto, haciendo lucir a Nells Cline como un guitarrista notable.
El cierre con “I’m a Wheel”, un tema medio zonzo, dejó un sabor a poco y alarmante porque lo mejor estuvo al principio en lugar de al final. Tranquilamente podrían haber elegido clásicos como… “A Shot in the Arm”. Pero las casi dos horas de Wilco, para ser un festival, te dejan más que satisfecho y contento.
De hecho Wilco, tocó tanto tiempo que se terminaba llegando tarde para ver a Flaming Lips que arrancaba a las 21:15hs. Ya de entrada la puesta de escena era totalmente distinta. De escenario cerrado y sonido envolvente, pasamos a uno abierto, con mucha más gente, decorado como la completa fiesta que recuerdo presencié hace 5 años. Luces, cotillón, muñecos danzantes, papelitos y mucho color. Los Lips te daban la bienvenida a su sueño psicodélico/surrealista y Wayne Coyne era el principal anfitrión.
Clásicos de magnitud como “Race for the Prize” y “Yoshimi Battles the Pink Robots” darían el puntapié inicial. Y Coyne se encontraba en su salsa, inquieto, con su tapado blanco, tirando papelitos e incluso cantando encima de un Chewbacca.
Pero el momento de su locura máxima, que coincidió con el pico del concierto, fue cuando hizo un homenaje a David Bowie interpretando a “Space Oddty” dentro de su burbuja inflable, para luego tirarse al público. Escuchar “Ground Control to Major Tom” te hacía piantar un lagrimón.
La siempre hermosa “Do You Realize?” sería la encargarda de darle cierre a su presentación, que quedó un poco opacada por lo corta que fue (solo 1 hora de Show) y porque le faltó un poco de dinámica (por ejemplo, la versión de “What is the Light?” resultaba un poco frenada). De hecho, Coyne se iría medio cortante diciendo “Bueno, chau”, mostrando un poco lo loco que está. Y dejando al público con la sensación de “¿Eso es todo?”.
De todas formas, me gustaron ambas presentaciones. Tal vez, la de Wilco pude disfrutarla más porque fue la primera vez que vinieron. Pero pese a sus diferencias, desde cómo son sus shows, actitud en el escenario, cantidad de tiempo que tocaron, etc., cada uno tiene su encanto. Y da gusto ver a dos grupos que con sus más de 20 años mantienen intacto su poder, su poder noventoso.
Parece un homenaje muy conveniente que justo a una semana del estreno de la séptima entrega de Star Wars estemos reseñando el álbum de Wilco que lleva el mismo nombre. Pero no es una mera coincidencia, este nuevo disco de Wilco es uno de los más destacados del 2015.
Ahora bien, este álbum no tiene nada que ver con la saga cinematográfica de George Lucas. En lo que sí se acercan es que Wilco ofrece un sonido más espacial. No es un space rock clásico, sino que las muy buenas melodías pop de Jeff Tweedy le dan su propia impronta. Y además es un disco bastante guitarrero. Nels Cline en ese sentido se encuentra en su salsa, dibujando atmósferas con sus distorsiones de guitarra.
Yendo de lleno a las canciones, tienen una cohesión y un nivel tan parejo que uno se queda realmente muy satisfecho con lo que lograron. Y en temas como “You Satellite”, en donde Cline se desata en guitarra, es en donde mejor se aprecia esta nueva fórmula de Wilco.
Por eso es para mi gusto uno de los discos más rockeros que haya escuchado de Wilco. Y pese a que Star Wars dura solo 33 minutos, nunca deja de entretener en esta experiencia voladora que logran.
Luego de un parate anunciado, tras lanzar uno de los mejores álbumes del 2009 Wilco (The Album), en el 2011 retornaría Wilco estrenando su auto gestionado sello discográfico. En The Whole Love esta vez Jeff Tweedy nos ofrece un disco bastante diverso, donde en lo personal no siento que el disco tenga un hilo que conecte los temas entre sí. Cada canción tiene su propio sonido y puede recordar en alguna particularidad a sus discos anteriores. Lo que sí las une son las melodías que son realmente muy buenas.
La ensalada de canciones de The Whole Love arranca con, tal vez uno de los temas del año, “Art of Almost” que experimenta con la electrónica como si fuera Radiohead, en un corte que dura más de 7 minutos. Después tenemos canciones más pop como “I Might” y “Born Alone” que estábamos acostumbrados a escuchar en Summerteeth. Así como “Dawned On Me” que suena más al pop de Yankee Hotel Foxtrot. También esta “Standing O” que es pop rock and rollero bastante exaltante, lo más dinámico del álbum. Y hay lugar para lindas baladas como “Sunloathe”.
Tampoco faltan las canciones acústicas ya sea las melancólicas “Black Moon” y “Rising Red Lung” o la sencilla “Open Mind”. Y para cerrar también esta la bella balada acústica “One Sunday Morning” que dura más de 12 minutos, que a decir verdad son bastantes repetitivos y por eso puede agotar fácilmente a cualquiera, aunque siempre ostenta una melodía encantadora.
The Whole Love es sólido, interesante y más que escuchable en líneas generales. Algún crítico lo tomara como el mejor álbum de la última formación de Wilco, por eso aparece en muchos rankings como uno de los más destacados del año. Pero desde mi punto de vista no supera el nivel de su predecesor.
Sky Blue Sky, sexto álbum de Wilco, será recordado como el primer disco de estudio en el que participarían en la banda el excelente guitarrista Nels Cline y el multi-instrumentalista Pat Sansone, de quienes ya se pudo disfrutar de sus capacidades en el disco en vivo Kicking Television. Pero también será recordado como el disco más aburrido de su catalogo.
Sky Blue Sky es principalmente folk y country despreocupado por lo simple que resulta y preocupante por las melodías pobres y poco contagiosas que aporta Jeff Tweedy. Sumado a su poca experimentación sobretodo si lo comparamos con sus álbums previos. Y lo que es peor las incorporaciones de sus nuevos miembros Cline y Sansone parece un desperdicio. Es como contratar a dos trabajadores para que no trabajen, ya que su participación es escueta, muy distante a lo que uno espera de ellos, solo se aprecia su aporte en algunos pasajes. Especialmente de Cline, donde solo se desata para hacer un solo de guitarra en “Impossible Germany”, lejos el mejor tema del disco, por ser el único que tiene cierta chista y un gancho más o menos gustoso.
El resto es pasable pero bastante lento, chato y poco recordable. Es esa parte de Wilco que a veces tiende a aburrir y acá lo termina logrando sin preámbulos. Solo se podría destacar el folky “What Light” por su buen estribillo (que sería ofrecido para descargar en forma gratuita para promocionar el disco).
De todas formas, Sky Blue Sky recibiría críticas variadas, aunque por lo general fueron más bien positivas. Llegando a ubicarse como uno de los discos más vendidos de Wilco y uno de los mejores del 2007. Incluso ganó un Grammy como el “mejor disco de rock del año”. Pero como los Grammy significan hoy en día más o menos lo mismo que ganar un MTV Awards, hay que tomar los elogios con pinzas. Lo cierto es que el disco es un retorno a las raíces, pero con un flojo contenido de entretenimiento garantizado.
Si nos ponemos a buscar bandas de la actualidad que suenan bien en vivo, Wilco es para mi una de ellas, y para demostrarlo afortunadamente en el año 2005 editarían su primer disco en vivo Kicking television: Live in Chicago, grabado en base a sus presentaciones en mayo del 2005 en el Vic Theater de Chicago.
Lo que distingue a Wilco como banda en vivo es su prolijidad, sobretodo si tenemos en cuenta que varias de sus canciones son bastante complejas desde su aspecto experimental. No dejan fueran ningún detalle. Son meticulosos en ese sentido. Esto demuestra la técnica que tienen en conjunto porque requiere mucho esfuerzo.
Si a esta prolijidad le agregamos una buena dosis de energía encontramos en ingrediente clave de Wilco que marca el termómetro de sus presentaciones. El aporte energético en este caso llega de la mano de Nels Cline, su nuevo guitarrista que por aquel entonces se incorporaría a Wilco junto al multi-instrumentalista Pat Sansone. Cline es un virtuoso, durante todo el disco la gasta. Se nota como su guitarra se enciende con sus solos o sus distorsiones agregando un plus a cada canción.
Ese valor agregado se distingue principalmente en las canciones de A Ghost Is Born, que suenan como debería ser. Entre ellas “The Late Greats” es una de las más destacadas, en una versión dinámica con solos de Cline que rugen. “Handshake Drugs” también es excelente especialmente sobre el final. También me encanta el solo de guitarra de “At Least That’s What You Said” que destruye muros como si hubiera un Neil Young endiablado ahí mismo.
Justamente en Kicking Television abunan los temas de A Ghost Is Born así como también de Yankee Hotel Foxtrot. Por el lado este último tenemos casi todos sus temas, entre los cuales “I am Trying to Break Your Heart” como siempre suena tan espectacular en vivo como en su forma de estudio. Poco de Summerteeth, una lastima porque lo poco que hay es lo más destacado. “Shot in The Arm” es el highlight del concierto. En vivo es un clásico lujoso y arrollador.
Hasta aquí marcamos lo mejor que se encuentra en el primer disco. El segundo no me parece tan impactante. Siguen los temas de sus más recientes álbums pero todos siguiendo una misma línea, sin decaer en calidad pero sin sorprender. De este conjunto el que sale del molde es “Heavy Metal Drummer” en una versión dinámica y alegre. “Spiders” (que nunca me gusto mucho) es el otro destacado ya que en directo es mucho más potente. Para finalizar esta el cover “Comment”, que pese a su aire dynalesco es el tema menos interesante del disco.
Como condimento aparte tenemos al tema inédito que le da el título al álbum: “Kicking Television”, muy buena por cierto, por la explosiva performance de la banda (me imagino el pogo que debe generar). De hecho, Jeff Tweedy nos explica porque eligió su nombre para caratular al disco: “Un concierto de rock es ‘Patear la televisión’. Si estas fuera de tu casa con un montón de gente disfrutando algo juntos, eso es patear una televisión para mi”.
Dos años pasarían luego del éxito de Yankee Hotel Foxtrot para que Wilco presente su nuevo disco. La fecha de lanzamiento de este trabajo se demoró luego de que Jeff Tweedy entrara en rehabilitación por su adicción a los calmantes para sus migrañas crónicas. De hecho A Ghost is Born parece un trabajo hecho por Tweedy desde su malestar.
A Ghost is Born es una jaqueca adictiva. Sus canciones están construidas con cambios abruptos en sus volúmenes. Generalmente comienzan en forma cauta con Jeff Tweedy susurrando (en vez de cantar como si fuera realmente un fantasma), acompañado por un piano o guitarra acústica, hasta que de golpe la guitarra toma mayor protagonismo pero solo en el coda.
“At Least That’s What You Said” representan bien lo que es el disco, con un Jeff Tweedy musitando al principio hasta que aparece luego un descomunal solo de guitarra sobre el final. “Hell Is Chrome” luego aparece como una balada con piano acompañada por la sueva voz de Tweedy. Por su parte, “Muzzle Of Bees” es un número folk inofensivo y “Hummingbird” es otro corte con piano a lo Paul McCartney con una melodía más alegre.
Otros temas para destacar son: “Handshake Drugs”, un muy buen número acústico que gradualmente sube sus revoluciones; la somnífera balada “Wishful Thinking”; y el decente número de pop “Company In My Back”. Pero las mejores canciones de A Ghost is Born son: “Theologians”, el clásico que reúne las cualidades del disco pero en su mejor expresión (una excelente melodía con piano y un explosivo final); y el ingenioso cierre acústico “The Late Greats”.
Sin embargo, el aporte distintivo del álbum lo marcan sus dos canciones súper extensas y excesivas. Primero tenemos a “Spiders”, que por un lado es divertido en las secuencias de las improvisaciones de guitarra a lo Velvet Underground, y por el otro tedioso y repetitivo, demasiado extenso para mi gusto (¿Para qué 10 minutos?). Y luego está “Less Than You Think”, un corte que empieza como una balada con piano demasiado lenta, intrascendente y aburrida, hasta que luego se transforma en un tema vacío de 15 malditos minutos, donde solo escuchamos la nada misma acompañada de zumbidos que generan constantes molestias. Un auténtico dolor de cabeza de Tweedy. Pero no hay porque preocuparse, solo hay que omitirla y disfrutar del resto de las muy buenas canciones de este disco.
No es muy común encontrar gente que escuche a Wilco en esta región del mundo. Escucharlos es como ser hincha de Arsenal de Sarandí en el fútbol. Sin embargo, en una época en la cual no abundan las buenas bandas, Wilco nos sigue deleitando con discos de una categoría que los hace grandes. Para reaparecer ante el mundo, editaron Wilco (The Album), cuyo título que no solo marca su ansiado retorno sino que también ironiza sobre su vuelta a las raíces.
En (The Album) se pueden apreciar nuevamente un conjunto de cosas que hicieron a Wilco importante en las últimas 2 décadas. Tal es así que conciben nuevos tributos a artistas de los sesenta y setenta como sucedió en Being There, retomando canciones pop atractivas como las de Summerteeh, simples con toques distintivos que las transforman en números “cool” como en Yankee Hotel Foxtrot. En otras palabras, como Jeff Tweedy diría (como si personificara a Forrest Gump): “incorpora muchas etapas en un empaque pequeño, es el disco caja de chocolates”.
(The Album) comienza con “Wilco (The Song)”, nacida para ser un himno de la banda con su inherente sonido a lo Velvet Underground. Luego baja un cambio pasando por la barroca “Deeper Down”, junto a melodías más cautivantes como las de “One Wing” y “You and I”, esta última con la colaboración de la canadiense Feist cantando a dúo con Tweedy. En el medio de esta coctelera, también se encuentra la inusual “Bull Black Nova”, taladrando al principio con el teclado y con un coda ruidoso a lo Sonic Youth.
La segunda parte de (The Album) arranca con “You Never Know”, su joya más preciada, al tratarse de un homenaje extraordinario que recuerda la mejor versión de George Harrison en All Things Must Past. La suceden canciones lentas y sencillas como “Country Disappeared” y “Solitaire”, para después darle lugar a “I’ll Fight”, el tema con la melodía más repetitiva, pegajosa y atrapante del disco (un combo en uno). Y para cerrar la alegría irresistible de “Sonny Feeling”, junto “Everlasting Everything”, una especie de balada simplista, fiel reflejo de lo que es Wilco (The Album): un trabajo tan simple como admirable.
El estilo experimental y el éxito de Summerteeth sería revalidado años más tarde por Wilco con su próximo disco: Yankee Hotel Foxtrot. Sin embargo, varios inconvenientes tuvo que superar la banda para que este nuevo trabajo se transforme en una realidad.
En primer lugar, durante las grabaciones del disco crecerían las tensiones internas del grupo, principalmente entre Jay Bennett (guitarrista y tecladista) y el resto, lo cual terminaría con la salida del meticuloso Bennett de Wilco. Además, a la hora del lanzamiento de Yankee Hotel Foxtrot, Reprise Records (una de las subsidiarias de Time Warner) lo rechazaría alegando que “no era comercial”. Wilco tendría que comprar sus grabaciones por 50000 dolares y permitiría la descarga del disco en su página web. Solucionado el asunto, este trabajo logró cosechar muchos elogios de la crítica y permitió que Wilco gane nuevos adeptos.
Yankee Hotel Foxtrot es un disco en el que Wilco acentúa el rumbo artístico que incursionaría a partir de Summerteeth. Jay Bennett junto a Jeff Tweedy terminan de hacer la vuelta de tuerca experimental de Wilco. Esta faceta experimental del grupo significó que Yankee Hotel Foxtrot siga una línea: canciones pop escritas por Jeff Tweedy que pierden el hilo con los arreglos que intencionalmente Wilco coloca para que suenen “anormales”. Es decir, la banda experimenta, o mejor dicho, se las ingenia para sus temas sean algo novedoso cuando en realidad se trata de canciones más bien simples. Este método puede embarrar los temas como sucede en “Reservations”, al cual le sobran 4 minutos.
Sin embargo, estas canciones simples y con su estilo atípico a la vez tienen algo para disfrutar, aunque en su mayoría resultan menos jugosas que los clásicos de Summerteeth. Salvando a “I Am Trying To Break Your Heart”, una canción mágica donde la formula de Wilco en los arreglos funciona, desde su percusión hasta su teclado. Logra acaparar la atención a pesar de su duración (casi 7 minutos) en todo momento, incluso en su desdibujado final a lo “Heroin” de la Velvet Underground.
El resto de los cortes no alcanzan el mismo nivel pero son ciertamente muy buenos, destacándose: “Kamera”, adorable por su guitarra acústica y alegre melodía; “War On War” es atrayente por sus encantador estribillo y al tratarse de una canción que se remite al episodio del 11 de septiembre que cambio al mundo; “I’m The Man Who Loves You”, muy disfrutable con su particular rock a lo Stone.
Con todas sus virtudes y desaciertos, Yankee Hotel Foxtrot se transformaría en su trabajo más vendido y lo ayudaría a Wilco a ser bien considerado y catalogado como los “Radiohead Americanos”.
Persy
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