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Entrevista a Moda


Federico Vinzia del proyecto musical Moda, nos cuenta cómo nació Moda y sobre el lanzamiento de su reciente EP “Vida de Spa”.

¿Cómo nació Moda y cómo está conformada?

Allá por el 2016 nos juntamos en la casa de Fran, porque sus viejos habían viajado una semana afuera.  Arreglamos para juntarnos a grabar. Lleve mi placa, mi compu y un controlador. Ahí nos juntamos a fumar porro, armamos todo en el living y empezamos a improvisar música. A las pocas horas me di cuenta que la cosa no iba  a terminar teniendo un final feliz sino buscábamos una forma más certera de aprovechar el tiempo. Así que entonces íbamos sacando intros, puentes, codos, estribillos para conseguir un resultado concreto ya que no somos una banda.

Costó que los pibes me banquen la premisa los 3 días que nos juntamos, pero el resultado fue óptimo. En esa casa estuvimos Nico Cataudella, Juan Estrella, Fran Loureiro y yo.

Luego hubo otra sesión en mi casa, pero ahí fuimos Juan y Yo. Pero además se sumó Alfon Devoto, ya que habían venido a comer un asado o algo así y pinto grabar. Además hubo otra sesión en casa de Alfon (ya no recuerdo cuando la verdad) y así nació Moda.

¿Qué le dirían a alguien que todavía no los conoce para convencerlos de escuchar a Moda?

Le diría que escuche el primer tema y si lo siente escuche el EP entero. Ya que los temas se van entrelazando y quedaron bien empastados juntos. Además al ser un EP de 20 minutos medio que no te suelta nunca.

¿Qué es lo que más destacan de su EP “Vida de Spa”?

Lo más destacable es el concepto que cierra el disco «Vida de Spa». Ya el nombre lo dice todo: Te dan ganas de vivirla «jaja».

Moda suena muy bien. Tiene un sonido muy particular que no es tan común en bandas de hoy en día. ¿Cómo dirían que llegaron a lograrlo?

El proceso de producción ya fue otra cosa. En 2017 (más o menos) empecé a abrir esos proyectos para empezar a laburar los sonidos y las partes de las canciones que estaban confusas o ni siquiera habían llegado a tener una forma de canción. Entonces fui jugando con esos Loops juntándolos, mejorando los sonidos, armando los bits y regrabando alguna que otra cosa necesaria. Lo más lindo fue lograr restaurar guitarras o bajos que sonaban horribles.

Ese proceso estuvo divertido, muy relajado… cuando pintaba abría alguno y así sucesivamente. Cuando ya lo tuve medio armado la idea que se me ocurrió fue que no haya cantante sino buscar samples vocales – que empastaran con esos esquemas musicales. Ahí se entusiasmó Alfon Devoto y juntos fuimos armando el rompe cabeza de las voces. La verdad fue bastante entretenido.

Después al trabajo lo remezclamos en conjunto con Leo. Leopoldo fue clave para resaltar frecuencias y para darle el toque final en el mastering (también todo muy casero).

¿Cuáles son sus próximos pasos a futuro?

El futuro de Moda está ahí, todo el día todo el tiempo. Ya hay un montón de cosas que quizá en un futuro cercano aparezcan en la web.

Escucha a «Vida de Spa» desde AQUÍ.

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Charly García – La Hija de la Lágrima (1994)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Overture: 6,5
  2. Víctima: 7
  3. Jaco y Chofi: 7
  4. Atlantis: 7,5
  5. La Sal No Sala: 8
  6. Chipi Chipi: 9
  7. Calle (Taxi): 7
  8. Love is Love8
  9. Tema de Amor: 7,5
  10. Fax U: 9
  11. Lament:
  12. Intermedio: 6
  13. Workin’ in The Morning: 7
  14. Waitin’: 8
  15. Kurosawa8,5
  16. Chiquilín7,5
  17. Andan (Excerpt)
  18. James Brown: 6
  19. Intraterreno: 8
  20. No Sugar7
  21. Atlantis: 7,5
  22. Locomotion: 7
  23. Andan (Complete)7,5

La Hija de la Lágrima (1994) marcó el ingreso de Charly García a la etapa «Say No More», la más descontrolada y de mayor reviente de su vida, en la que las adicciones y los escándalos se convertirían en moneda corriente, así y todo pudo redondear una especie de ópera rock con muchos pasajes instrumentales elevados, llenos de virtuosismo y algunos temas para el recuerdo, demostrando que el talento continuaba intacto.

Sobre el título el propio Charly narró de donde obtuvo la inspiración: «Es una escena callejera que vi en Barcelona de una chica que le pegaba a otra con una chancleta y le decía que era la hija de la lágrima y a mí me intrigó mucho eso y, a través de eso, empecé a fantasear una historia».

En esta etapa García no tenía una idea desarrollado acerca de lo que quería grabar, por lo que tocaba lo que se le venía a la mente. Por ello se hace difícil seguirle el hilo al disco por momentos. Dentro de sus 23 pistas hay temas recordados y que pasarían a formar parte de su repertorio principal, no cabe dudas que el principal es “Chipi Chipi”, compuesta en diez minutos luego de que un ejecutivo de Sony Music se quejara de que al disco le faltaba un tema comercial. Pero además de esta hay otras en gran nivel como “La Sal No Sala”, “Love is Love”, “Fax U” y “Kurosawa”.

Otro aporte significativo es la inclusión de María Gabriela Epumer. Quien ocuparía un lugar clave en todo este disco. Siendo un pilar fundamental dándole un nuevo impulso al grupo.

Dos meses después de su lanzamiento se presentó a La Hija de la Lágrima en una serie de caóticas presentaciones en un colmado Teatro Opera de la ciudad de Buenos Aires y al poco tiempo fue internado por la fuerza en una clínica psiquiátrica por su madre. Aunque saldría a los pocos días enojándose con su familia y parte de su entorno, profundizando aún más sus problemas de adicción y de conducta.

F.V.

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Dios Los Cría – El Sonido de lo Inevitable (2014)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Sin Razón en Particular: 5,5
  2. El Sonido de lo Inevitable: 6,5
  3. Tanto Amor: 8
  4. SuperAburrido: 7
  5. Atormentados: 8,5
  6. Claramente No: 7,5
  7. Pluscuamperfecto: 7
  8. Demasiado Salvaje: 8
  9. QBI: 8
  10. Sin Escalas: 8,5
  11. Relax: 8
  12. Todo: 8
  13. Arty: 9

Lanzado en 2014, El Sonido de lo Inevitable es el quinto y último álbum de estudio de la banda marplatense Dios los Cría, y tiene la particularidad de no estar disponible en formato físico; en su momento se podía descargar gratuitamente, hoy ni eso siquiera.

En cuanto al contenido, se destaca el menor uso de sintetizadores con respecto a su anterior álbum Justo Cuando nos Estábamos Quedando Sordos (2006), haciendo más fuerte la presencia de la guitarra, sobre todo con largos solos al final de varias canciones como “Claramente No” o “Sin Razón en Particular”.

El disco comienza con los dos temas más flojos pero luego mejora el nivel con “Atormentados”, “Sin Escalas” y “Relax” como puntos más altos. Mención aparte merece “Arty”, el bonus track que cierra el álbum, como de costumbre con una balada.

En resumen, es un disco bastante regular y un regreso esperado para sus fans que tuvieron que esperar 8 años para este lanzamiento. En 2016 su líder y fundador Pato Duhalde decidió que la banda se tome un “largo descanso” al sentir que el mejor momento ya había pasado.

Néstor

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Brujería – Pocho Aztlan (2016)

Puntaje del Disco: 0

  1. Pocho Aztlan: 0
  2. No aceptan imitaciones: 2
  3. Profecía del Anticristo: 0
  4. Ángel de la frontera: -1
  5. Plata o plomo: 0
  6. Satongo: 0
  7. Isla de la fantasía: -1
  8. Bruja: -10 (Ya no tiene sentido seguir escuchando este disco)
  9. México campeón: ??
  10. Culpan la mujer: ??
  11. Códigos: ??
  12. Debilador: ??
  13. California über Aztlan:

Brujería nació en 1990 como una rev[b]elación mexicana ante los grandes monstruos capitalistas de EEUU: una banda de greñudos locos, marihuanos y chingones.
Matando Güeros (1993), su álbum debut, apareció bajo el entonces excepcional sello Roadrunner Records, lo cual en su momento era un símbolo de pura chingonería: aun con el claro mensaje de odio hacia el país gabacho, lograron ser producidos por una disquera gringa. Además, con su abierta y cínica declaración de asesinatos y rituales satánicos, incluso Monte Conner se sentía intimidado y vulnerable ante los integrantes de la banda: El Brujo, El Asesino, El Fantasma, El Greñudo, El Hongo, El Güero Sin Fe y El Pinche Peach, al punto de abrirles las puertas de RR de par en par, pues lo contrario (él lo sabía bien) significaría su inminente decapitación.
Raza Odiada (1995) llevó el nacionalismo al extremo. Dejó de ser una amenaza y se convirtió en una declaración de choque y revolución. Al escuchar el segundo álbum de la banda, uno en verdad se alistaba para atacar a los culeros del norte; sólo habría que escuchar las órdenes del Patrón para aplicarles la ley del plomo a esos pinches gringos hijos de la chingada. Eso sin mencionar que también invitaban al narcotráfico, el satanismo, las putas y la marihuana.
Brujerizmo (2000) llevó su ideología a su máxima expresión y su música a una brutalidad tal que ni el diablo mismo se resistía a mover sus cuernos al ritmo de las guitarrotas del Asesino, las súper batakas del Greñudo y el gran bajísimo del Fantasma. ¡Este disco está cabrón! Se necesitan muchos huevos para aguantar una descarga tan chingona de metal mexicano. Tras escuchar las trece rolas de este discazo, uno ya se sentía bautizado por Satanás.
Dieciséis años más tarde, con puro pinchi gringo pendejo en su alineación, Juan Brujo queda huérfano y capado. Su contrato expiró, Satanás ya no lo cuida.

Kobda Rocha

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Sin Final: Una banda under que cumple

Cuando la calidad del sonido del escenario no se caracteriza por ser la mejor, hay que saber tocar muy bien para que no resulte cacofónico para el público. Sobre todo si antes de tu banda tocó una que más o menos, a duras penas, se tiraba algunas que otras buenas frases musicales. Pero no mucho más que un par de acordes con formas monótonas en los cuatro o cinco temas que sonaron. Sin Final logró purificar esos viejos y empolvados parlantes con una impronta propia para llevarse todos los aplausos del festival. Porque cuando hay ensayo se nota y aún más cuando los músicos saben de lo que se trata. Más aún cuando es gente que tiene sapada encima y que logran, entre sus miembros, captar mutuamente la idea de cada uno, que se entienden como si fuera un equipo de fútbol.

Sería difícil encajar esta banda con algún género pero tiene una marcada inspiración en famosas bandas como Iron Maiden. Una suerte de post-rock, rock metal, post-punk a mi parecer, aunque, para ser más específicos, ellos se definen como metal fusión progresivo. Pero bueno, lo decía Spinetta,  cada cual haga la música que le guste sin necesidad de encajarla en una etiqueta predeterminada. Una chunga combinación de estilos que da su fruto con buenos cambios en el tiempo. La banda cuenta con seis integrantes; 2 guitarras (“El Chino” Ogura y Martín Nocito), 1 bajo (Tebo Penovi), 1 cantante (Andrés Recchia) y 1 baterista (Nicolás Diebra).

El baterista siempre es clave para que una banda se exprese como desea. Sin Final no tiene excepción en esta regla pues todo lo propuesto en el escenario estuvo muy bien conseguido. En este caso, manejaba muy bien el tempo, por lo que la banda podía hacer puentes que quedaban bien (algunos con silencios en el medio) para unir las distintas partes que tenían las composiciones. El primer tema arrancó con mucha energía, coordinando muy bien las escalas entre las guitarras.

En general, la técnica lograda mediante la práctica y la perseverancia de esta gente ayudó mucho. ¿Por qué? ¿Cómo te das cuenta de eso? Por la versatilidad de las melodías. Se puede notar que cualquier escala no va con cualquier escala y esto remite a la prueba de que los integrantes de Sin Final saben perfectamente lo que están haciendo. Además, el registro del cantante, Andrés Recchia, hace que se acople con los diversos tonos por los que se mueven los temas. Los dos guitarristas van turnándose casi espontáneamente los acompañamientos y los solos con silencios que retoman el riff característico de cada canción. Asimismo, el uso de las pedaleras es mesurado y en el momento justo.

El guitarrista apodado “El Chino”, merece un párrafo aparte. Charlando con algunos de los integrantes, me lo habían advertido; “este tipo es un animal”. La verdad, se notó demasiado. Excesivamente. Un tipo que toca cinco horas por día hace que no tenga ningún tipo de sentido lo bueno que es cuando se sube a un escenario. Para él, las cuerdas parecían de manteca.

En fin, una gran banda under. Cuando hay esfuerzo, dedicación y, por sobre todo, amor por lo que uno hace, las cosas salen bien. No fue menos de lo que esperaba, ya sabía que eran muy buenos músicos. Y si los vas a saludar y te quedás charlando, están con la mejor onda, hasta capaz te terminás tomando una birra cerrando el festival a todo rock.

Wilcrak Badios

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Dante Spinetta – Puñal (2017)

punal-dante

Puntaje del Disco: 6,5

  1. Mística: 7,5
  2. Mi Vida8
  3. Pesadilla7
  4. Puñal: 6
  5. Eclipse: 6,5
  6. Soltar: 7,5
  7. Laberinto: 6,5
  8. La Verdad5
  9. Supremacía6
  10. Toda Mi Fe: 5,5
  11. Salta Mi Cruz8,5
  12. Te Pido: 6,5
  13. Así Será: 7

El retorno celebrado de Illya Kuryaki and the Valderramas, grabando dos discos en cinco años Chances (2012) y L.H.O.N. (2016) con sus consiguientes largas giras, nunca supuso el agotamiento de la carrera solista de sus integrantes que habían sabido cultivar durante toda la década pasada.

En el año 2017 tanto Dante como Emmanuel retomarían su trabajo individual y sería el hijo del legendario Luis el primero en lanzar una novedad musical ese mismo año, Puñal, un disco intenso y personal.

“Este es el disco que sonañaba hacer desde chiquito”, comentaba Dante acerca de la identidad de su nuevo material alejado del hip hop que predominaba años anteriores y agregaría: “Es una mezcla real de todo lo que soy, sin artilugios. Está todo mi ser urbano, pero también tiene esa cosa tan de piel que tiene un disco como Ciudad de Pobres Corazones, de Fito Paez, que yo amaba cuando era chico. Y por ahí hay temas con notables influencias spinetteanas, que me encantó que pasara eso, porque es mi sangre y no puedo evitarlo.”

Entre los temas que sobresalen dentro de un disco con buenas intenciones pero que se quedó a mitad de camino, están las acústicas “Mística” y “Soltar”, el rock accesible “Mi Vida” y “Salta Mi Cruz”, esta última con claras influencias hendrixeanas. Sobre su fanatismo por Jimi contaría: “Lo descubrí a los 15 años, porque antes lo negaba completamente. Mi viejo me hinchaba las pelotas con Hendrix y yo le decía “sacame a estos hippies”. Y de golpe lo echuché de otra manera y ahí me volví loco con la guitarra y empecé a tocar en serio.”

F.V.

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Babasonicos – Vedette (2000)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Dopamina: 8,5
  2. Muchacha Magnética: 8,5
  3. Su Auto Dejó de Funcionar8
  4. La Hiedra Crece: 9
  5. Italia 2000: 6
  6. Vórtice: 7,5
  7. YSL: 5,5
  8. Bandido: 6,5
  9. Chupa Gas7,5
  10. Careta de Acassuso: 8
  11. La Salamandra: 6,5
  12. Arenas Movedizas: 7

Continuando con su iniciativa de publicar paralelamente su discografía en versión Lados B, los Babasónicos lanzarían en 2000, Vedette, compuesto íntegramente de grabaciones paralelas de uno de sus trabajos clásicos Babasónica (1997).

En esta compilación nos encontramos con temas de alto vuelo que están a la altura y tranquilamente pudieron formar parte del LP original como “Dopamina”, “Muchacha Magnética”, “Su Auto Dejó de Funcionar”, “La Hiedra Crece” y “Careta de Acassuso” junto a otros (la mayoría) que se entiende que no pasaron el corte.

Vedette expone el proceso de búsqueda que atravesaban por aquel entonces, de descubrimiento de su identidad que más adelante consolidarían luego de pegar el gran salto con Jessico (2001) e Infame (2003), recorriendo escenarios de todo el continente hasta llegar al estatus que conservan hoy en día, de banda influyente y referente del pop rock latino.

F.V.

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Jaguares – El Equilibrio de los Jaguares (1996)

Puntaje del Disco: 8

  1. El Equilibrio (parte 1)8
  2. Dime Jaguar: 9
  3. Imagíname: 8
  4. Detrás de los Cerros: 7
  5. Huracán8,5
  6. Las Ratas No Tienen Alas: 7
  7. Nunca Te Doblarás: 8
  8. Clávame Mejor Los Dientes7,5
  9. El Equilibrio (parte 2)8
  10. El Milagro: 8,5
  11. Déjate Ver: 8,5
  12. Sólo somos Sueños7,5
  13. A Donde Vamos a Ir: 6
  14. Voy a Volar: 8
  15. En la Habitación de tu Mente: 7,5

Las diferencias personales entre Saúl Hernández y Alejandro Marcovich pusieron punto final a una de las mejores bandas que entregó México en la década del noventa.

En el caso de Hernandez en lugar de emprender una carrera solista apostó a formar un nuevo conjunto musical en 1996, y como por cuestiones legales se le hizo imposible continuar usando, Caifanes, lo bautizó como Jaguares en su lugar. Su primera alineación se basó en Saúl en voces y guitarra, junto a participando José Manuel Aguilera en la guitarra principal, Alfonso André en la batería y Federico Fong en el bajo.

El Equilibrio de los Jaguares, es el título elegido para su primera producción. En esta grabación se aprecia la voz de Hernández afectada por las cirugías, que afectaron sus cuerdas vocales. No obstante, está considerado como de los de mayor calidad del grupo, y del rock en México.

Canciones de rock crudo, bien producidas y elaboradas, con soberbios solos de guitarras de Aguilera, aunque por momentos abusan en la extensión de los temas, caracterizan este álbum totalmente recomendable para los que se interesen en conocer más de la discografía de un artista rico, super importante en su país pero no tan popular en el resto de latinoamérica, como Hernandez.

F.V.

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Memphis La Blusera – Memphis La Blusera (1991)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. No Se Detiene7
  2. Arlequines y Payasos: 9
  3. Quiero Vivir en un Lugar (la colmena): 6
  4. Seducidos Por Papi Lucifer: 6,5
  5. Ya No Me Toques: 6,5
  6. Hechicero de la Jungla: 7
  7. Perro Llorón: 6
  8. Chico Yeah Yeah: 6

La popularidad de Memphis La Blusera iría creciendo progresivamente con el correr de los años en la década del noventa, donde vivieron sus años de gloria.

El primer escalón para este proceso sería, Memphis La Blusera (1991), su cuarto larga duración en el que abordarían temáticas barriales, con mucho de lunfardo y jerga callejera, logrando sobresalir en especial en algunos temas como “No Se Detiene”, “Hechicero de la Jungla” y el más logrado por lejos “Arlequines y Payasos”, un blues con todas las letras.

Para muchos Adrian Otero, compositor y cantante de Memphis, era un poeta, con una manera propia y particular para escribir logrando llegar al corazón de la gente. Algunas de sus letras te identifican en algún momento de la vida y su música tiene la capacidad de mezclar la identidad porteña y el blues clásico.

La banda de La Paternal continúo fiel a su estilo, sin complicarse y dedicándose a hacer la música que aman, en los siguientes años donde primero con Nunca Tuve Tanto Blues de 1994 y en especial gracias a Cosa de Hombres en 1995, viviría su momento de esplendor profesional.

F.V.

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Festival Mariposas de Madera

Una vieja frase española de la obra Don Juan Tenori dice: “Los muertos que vos matáis gozan de buena salud». Y estas palabras encajan perfecto con el Festival Mariposas de Madera, que pese a algunos problemas de sonido en algunos tramos y falta de organización con quien subía y bajaba el telón (aunque a veces parecía que jugaba con él, en complicidad con Gustavo Lutheral, quien condujo en forma fabulosa el evento).

Organizado por Miguel Grinberg, periodista de la primera hora de nuestro Rock, ecologista, poeta, Doctor en fisosofia de la vida y de la calle, entre tantos títulos que le podemos dar, quienes asistimos pudimos ver verdaderas leyendas del rock argento romperla en un escenario como aquellas viejas épocas.

Quien escribe a sus 46 años jamás imagino que podía ver a Edelmiro Molinari cantando “Mestizo” de Almendra con solo una guitarra. Anteriormente Marcela Romero cantó una estrofa de “Mariposas de Madera” y la siguió Miguel Abuelo en una pantalla que para mi gusto era demasiado chica). Luego apareció Rinado Rafanelli haciendo temas de Polifemo, Bocon Franccino haciendo temas de Engranaje (banda que supo formar con “el Carpo” Napolitano) y Miguel Zabaleta homenajeando al Flaco con “El Anillo del Capitan Beto”.

Más adelante, Aníbal Forcada y “la dama blanca del blues” Claudia Puyo volvieron a reeditar el Dúo Ana Gris como cuando eran novios haciendo el Blues de los plomos. Claudia rindió tributo a Miguel Abuelo con “Himno de mi Corazón” y a Luca con “Heroína” dentro de la misma canciòn. Mientras Aníbal se dio el lujo de cantar a dúo con Miguel Ángel Erausquin, quien mandó un video «En el hospicio» de Pastoral. Lo mismo hizo Jorge Durietz con Miguel Cantilo pero no con la misma suerte en el sonido.

Ricardo Soule, pese a su afonía, cantó con la gente sus temas “Ritmo y Blues con Armónica” y el clásico “Presente”. Hubo un momento muy emotivo con Marcela Romero cantando “Amor de primavera”, mientras desfilaban por la pantalla los músicos que se fueron de gira definitivamente.

Orions Beethoven también dijo presente con su clásico estribillo «Toda la noche hasta que salga el sol». Ciro Flogliatta homenajeó a Pajarito Zaguri con “Chamuyando los Blues”. Además, volvió de Boxes “el Negro” Ale Medina, que esta genial y nuevo como para que Manal se junte pronto y nos deleiten.

Las figuras de la noche con un nivel que sorprendió a propios y extraños fueron Alma y Vida (la vos de Mellino es impresionante); Aquelarre con Lito Vitale (tienen cuerda para rato y podrían tocar donde y cuando quieran), mostrando que los tres son simplemente magníficos y con Lito le volaron la peluca a todo el Gran Rivadavia. Litto Nebia y un piano pueden hacer que con 4 hits el mundo se venga abajo. Maria Rosa Yorio tiene la frescura que supo tener en las bandas que formó como Los Desconocidos de Siempre, y PorSuiGieco, que volvió a reunirse ese mismo día (sin Charly al que de alguna manera podrían haberlo hecho venir ya que demuestra que estar bárbaro), luego de los pequeños y emotivos set de Nito Mestre, Leon y Porcheto.

El final fue a pura emoción cantando de la mano de León “Mariposas de Madera”. Todos los participantes se llevaron su Mariposa de Madera, algunos post morten (como Basoalto de Vox Dei), y diplomas por participar.

Así terminó esta noche a las 4 de la mañana y sintiéndome un privilegiado de haber viajado en el tiempo o no… Porque era tarde y tenía sueño y ya mi mente estaba bastante confundida.

Diego Trama

 

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