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No Te Va Gustar

No Te Va Gustar – Por lo Menos Hoy (2010)

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no-te-va-a-gustar-por-lo-menos-hoy-2010-2548411Puntaje del Disco: 8

  1. Angel con Campera: 8,5
  2. Cero a la Izquierda: 9
  3. Chau: 7,5
  4. Con el Viento: 8,5
  5. Arde: 7
  6. Los Indiferentes: 7,5
  7. Volar: 7
  8. Tu Defecto es el Mio: 8
  9. Memorias del Olvido: 9
  10. Con la Misma Vara: 8
  11. Nunca más a mi Lado: 7
  12. El Equilibrista: 8

El comienzo de la historia de la banda uruguaya No Te Va Gustar se remonta a 1994, cuando la mayoría de sus integrantes rondaban el liceo y comenzaba a vincularse con la música. Originalmente fue un trío de rock simple de bajo, guitarra y batería, luego el sonido de la banda comenzó a evolucionar. Con la ampliación de percusión y vientos y la llegada de nuevos ritmos (reggae, candombe, salsa, ska), las raíces roqueras originales se vieron enriquecidas, sin perder su predominio. Esta fusión de ritmos será en adelante su sello distintivo.

Para finales de la década del noventa el grupo comienza a obtener mucha mas popularidad en su país e inicia la grabación de su primer trabajo Solo de Noche (1999), editado en forma totalmente independiente. Aprovecharon el verano del 2000 para presentar este trabajo en toda la costa uruguaya lo que los acerco a un público joven y convocante. Al año siguiente la banda comenzó a hacer shows en Buenos Aires, algo mas que importante para participar de un mercado mucho mas grande y que los adopto entre los grupos de moda en la actualidad, creciendo su popularidad año tras año.

Por lo Menos Hoy, su sexto disco de estudio, grabado en invierno de 2010 los encuentra a como un grupo afianzado y de los de mayor convocatoria en el rock rioplatense. Contó con la producción del ahora líder de Los Pericos Juanchi Baleirón y con varios artistas invitados de renombre.

Las doce canciones con las que cuenta este trabajo mantienen un nivel interesante y parejo, la temática de las canciones es como siempre diversa y tratan desde el amor a la discriminación, del desamor a la violencia doméstica, solo por citar algunos ejemplos.

En Por lo Menos Hoy se evidencia una búsqueda de un sonido menos pretencioso con mucho menos lugar para el baile y más simple, se destacan sobre el resto “Cero a la Izquierda”, “Angel con Campera”, “Con el Viento” y “Memorias del Olvido” aunque a decir verdad mas haya de gustos todos los temas suenan bien y tienen momentos interesantes que los coloco sin dudas entre las bandas mas interesantes y de mayor crecimiento del rock en español en la actualidad.

“Esperamos que nuestro público disfrute de este disco como nosotros lo hicimos durante el proceso de composición, ensayo, preproducción y grabación. Ya estamos ansiosos por tocar estas canciones en vivo, pero primero escúchenlas, ojala les gusten”, declaró el cantante de NTVG Emiliano Brancciari.

F.V.

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Viejas Locas

Viejas Locas – Viejas Locas (1995)

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Puntaje del Disco: 6

  1. Intoxicado: 7,5
  2. Nena Me Gustas Así: 7,5
  3. Lo Artesanal: 8,5
  4. Te Empezás a Chorrear: 5
  5. Tirado y Enrollado: 6
  6. Balada Para Otra Mujer: 5,5
  7. La Simpática Demonia: 6
  8. Botella: 5,5
  9. Si Todavía Estás Ahí: 7,5
  10. Sacátelo: 6
  11. Tornillo Eterno: 7
  12. Eva: 5

La década de los noventa no fue tan destacada en cuanto a la aparición de grupos nacionales. La disolución de Sumo y el auge de bandas como los Ratones Paranoicos trajeron aparejados serios efectos patológicos para la sociedad argentina. El Rock Rolinga empezaría a transformarse en una sensación absurda, que muchas veces iba de la mano de otro estilo patético como la cumbia villera.

Viejas Locas fue uno de los grandes exponentes rolingas que tenían como obvia influencia a los Stones. La banda estaba liderada por Pity Álvarez, un muchacho que hoy en día es muy común encontrarlo en los diarios, pero no en la sección de música o espectáculo, sino en la de policiales. A pesar de ser un tipo “querido”, la vida de Pity es triste, su único afán siempre fue drogarse hasta la medula. El inconveniente es que muchos lo toman como ídolo y “copian” su actitud, cuando el mismo Pity ya les recomendó a sus propios fans que no sigan sus pasos.

Con Pity a la cabeza Viejas Locas editaría su álbum debut en 1995. Y como era de esperarse de a cuerdo a su estilo, nos encontramos con un disco muy poco creativo, genérico y vulgar, especialmente en sus lamentables letras. En ese sentido Viejas Locas tiene la misma cualidad que los Ratones Paranoicos: una obsesión por la palabra “Nena” que se repite en cada una de sus canciones como si no conocieran sinónimos. A eso hay que sumarle expresiones guasas y vacías para generar su formula del éxito. Así nos topamos con canciones como “Te Empezás a Chorrear”, que es el ejemplo de cómo crear una de las letras más grasas de la historia del rock. Otro caso impresentable es “Botella”, donde lo más interesante que dicen es “Quiero estar re borracho…”. O sino “Eva” donde con sutileza exclaman “Te voy a Garchar!”. Por algo el género también es conocido como “Rock Cabeza”.

Desde al lado musical, no encontramos otra cosa que rock y blues en un disco con varios temas irregulares, pero también con otros divertidos. La seguidilla del principio es lo mejorcito. “Intoxicado” y “Nena Me Gustas Así” son dos rockers stone entretenidos. “Tornillo Eterno” es una canción acústica rescatables. Y “Lo Artesanal” es el hit del disco, la única canción en la que usaron un par de neuronas de más para hacer algo medianamente interesante.

Viejas Locas hizo un álbum debut flojo, regular. Solo para fans y para integrantes de esa tribu urbana llamada “Rolingas”. Ojala algún día entiendan que los Rolling Stones fueron mucho más que esto.

Persy

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Kevin Johansen

Kevin Johansen – The Nada (2000)

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Puntaje del Disco: 6.5

  1. Guacamole: 7.5
  2. En mi cabeza: 6
  3. You’re the Bossa: 6.5
  4. Soñé: 6.5
  5. No me abandones: 7
  6. Ni idea: 6
  7. Campo argentino: 6.5
  8. Living in a story: 6
  9. McGuevara’s o CheDonald’s: 7
  10. Heat of the momento: 7
  11. So lazy: 6
  12. El círculo: 5
  13. El de la puerta: 5.5

De madre argentina y padre estadounidense, Kevin Johansen personifica un particular caso de americo-argentino, que luego de nacer en tierras yanquis, se crió entre la cultura argento y adoptó a nuestro país como propio. Oriundo de Alaska y tras pasar cierto tiempo en San Diego, Kevin se radicó en la Argentina cuando tenía 12 años y alternó también con Montevideo. Pero fue aquí donde Johansen dio sus primeros pasos en la música, contribuyendo con la banda Instrucción Cívica en dos de sus álbumes de mediados de la década del ochenta. A principios de los noventa Kevin se mudó a Nueva York donde vivió hasta el 2000, cuando decidió retornar a Buenos Aires.

Con ese juego constante de palabras entre el inglés y el castellano, The Nada fue la banda que a principios del nuevo milenio Johansen fundó. En el año del Y2K, salió a la venta el disco homónimo que sería bien recibido por el público argentino y le permitió al grupo salir de gira por España.

Lo interesante de este disco y de la música de Johansen en general, es la mezcla de estilos que armónicamente se logra. El rock, el funky y el pop son los principales géneros que aborda la banda. Incluso la milonga y el tango (“El de la puerta”) tienen su lugar, creando una combinación que fue el deleite de varios disc jokey estadounidenses. La mayoría de los temas tienen mucho de pop latino con sonidos suaves y agradables, como “Soñé” o “Ni idea”. Por otra parte tanto en los títulos como en las letras Johansen habla un espanglish que bien concuerda con la música.  “Heat of the momento” es un ejemplo de esto. Por supuesto las vivencias del artista en tierras criollas tienen su correlato con canciones como “Campo argentino” o “McGuevara’s o CheDonald’s” que juega con la figura del Che y la mega corporación de las hamburguesas.

Este disco debut de The Nada aborda diversos géneros con el particular estilo de combinar idiomas que crean un acogedor ambiente de fondo. Si bien el debut no estuvo mal, le sirvió a Kevin Johansen para darse a conocer en un ámbito que poco sabía de él hasta entonces.

Piro

 

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Juana La Loca

Juana La Loca – Vida Modelo (1997)

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. Vida Modelo: 9
  2. Angelical: 7
  3. Cuando Estoy Vacío: 8
  4. Nunca Aprenderé: 8,5
  5. Felicidad Feliz: 7,5
  6. A veces Vuelvo a Ser Yo: 8
  7. Si Pudieras Olvidar: 7,5
  8. Ya no Puedo Esperar: 7,5
  9. Me Hiciste Mal: 8
  10. Carrousel: 6,5
  11. Me Dejo Llevar: 7,5

Juana La Loca fue quizás el grupo argentino que mejor supo interpretar la movida britpop que reino la década de los noventa y impregno un aire renovador al mundo de la música luego de la muerte de Kurt Cobain.

Formados a fines de los ochenta e influenciados en sus comienzos por grupos ochentosos británicos como The Smiths, The Stone Roses, Jesus and Mary Chain la banda se integraba en sus inicios por Rodrigo Martín (voz y guitarra), Roberto Pascuale (guitarra y coros), Gabo (bajo) y Aitor Graña (batería). Para 1991 editaron un simple en cassette, Autoejecución, que logro rotar en algunas radios y llamar la atención. Al año siguiente fueron soporte en el Estadio Obras de la legendaria Soda Stereo y bajo la producción de Daniel Melero, lanzaron su primer disco debut «Electronauta» (1993). Revolución (1995) se llamó su segundo material discográfico, el cual presentaron en una gira por el interior y por países limítrofes donde fueron ganando adeptos en mayor número. Pero nunca tantos y en tal magnitud como desde su disco despegue Vida Modelo (1997), grabado en California, junto a músicos de la talla de Billy Preston (tecladista que llego a tocar nada mas y nada menos que con los Beatles). Este disco llevó ubico a la banda en un lugar mucho más popular, su presentación fue en el teatro Astros en la ciudad de Buenos Aires, y realizó una gira junto a Babasónicos por todo el interior.

El primer sencillo del disco y mejor tema claramente, “Vida Modelo”, sonó incesantemente en MTV, que en esa época era un canal mucho mas respetable de lo que es actualmente, lo que les dio un poco de reconocimiento mas haya de las fronteras de su país. En Vida Modelo el grupo suena realmente bien, aunque a veces se torna un poco repetitivo se destacan mas haya de su corte inicial “Nunca Aprenderé”, “Cuando Estoy Vacío” y “Me Hiciste Mal”.

Con el éxito cosechado luego de este trabajo la banda durante 1998 se dedico a salir de gira realizando más de 60 shows, en los que no se pueden obviar los dos como teloneros de Oasis en el Luna Park ante más de 10.000 personas.

F.V.

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Lisandro Aristimuño

Lisandro Aristimuño – Azules Turquesas (2004)

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lisandro-aristimuc3b1o-azules-turquesas-2004-8262137Puntaje del Disco: 8,5

  1. Tu Nombre y El Mio: 8,5
  2. Sun: 8,5
  3. Rocío: 7
  4. Tres Días: 9
  5. Azules Turquesas: 8,5
  6. Quién: 8,5
  7. Canción De Amor: 8
  8. En Kingston Town: 8
  9. Hoy Me Hace Falta Verte Bien: 7,5
  10. Que Todo Vuelva: 7,5

Lisandro Aristimuño es una de las personalidades que apareció en los últimos años para hacer algo afortunadamente distinto y enriquecedor, frente a lo reiterativo y poco creativo del rock argentino actual.

La carrera de este muchacho oriundo de Viedma, Río Negro, empezaría a tomar vuelo allá por el 2004 cuando decidió grabar su primer disco Azules Turquesas. Según sus propias palabras se instalaría en Buenos Aires y recorrería distintas compañías discográficas intentando venderles su trabajo. Hasta que finalmente uno de los sellos “Los Años Luz” le daría el visto bueno.

En Azules Turquesas queda evidenciada la marcada influencia que Radiohead tuvo en su carrera. Como un confieso fan de la banda de Thom Yorke, sus canciones están provistas de sonidos electrónicos que las hacen interesantes. Pero además, con su guitarra en mano Lisandro también intentó mezclarlo con música más folklórica. El resultado es un álbum muy bueno plagado de temas acústicos, con atmósferas sutiles y relajantes.

Si bien los temas de Azules Turquesas son similares en su esencia, algunos de ellos toman arreglos más oscuros como “Tu Nombre y El Mio” y otros como “Que Todo Vuelva” recuerdan a la sutileza de canciones radioheanas como “No Surprises”. Dentro de este panorama, se pueden marcar como las más destacadas a “Sun”, por ser una de las canciones acústicas más hermosas, y el dinámico “Tres Días”, que me recuerda a lo mejor del rock alternativo de Jeff Buckley. Por su parte, “Quién” tiene un ritmo que rememora a “Paranoid Android”. Además, Aristimuño también ofrece desde su lado más experimental un atractivo reggae fusionado con psicodelia electronica en el tema llamado “En Kingston Town”.

Azules Turquesas sería bien recibido por la crítica y Lisandro se transformaría en una revelación que con sus siguientes álbums se consolidaría como artista.

Persy

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Los Fabulosos Cadillacs

Los Fabulosos Cadillacs – Yo te avisé!! (1987)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Yo te avisé: 8
  2. El genio del dub: 9
  3. Botellas rotas: 7
  4. Mi novia se cayó en un pozo ciego: 8
  5. Una ciudad llamada vacío: 6
  6. Cadillacs: 6
  7. Yo no me sentaría en tu mesa: 8
  8. Muy, muy temprano: 7
  9. Estoy harto de verte con otros: 7.5
  10. Aún los escuchamos cantar: 7

A finales de 1986 resultaba disparatado pensar que Los Fabulosos Cadillacs llegarían a convertirse en una de las más importantes e influyentes bandas de rock de los últimos años. El grupo había lanzado en aquel entonces su disco debut, “Bares y Fondas” que no fue bien visto por la crítica, aunque consiguió que cierto público se interesase por esta emergente banda. Vicentico, vocalista y líder de los Cadillacs, disentía en cuanto a los agravios y aguardaba impaciente su momento. Tanto él como el resto de los miembros de la banda sabían que lo mejor estaría por llegar.

En un tono profético, “Yo te avisé!!” anunciaba el éxito que el disco alcanzaría. A modo de revancha contra los obstáculos que la banda había encontrado, este segundo álbum mejoró ampliamente al primero y ubicó a Los Fabulosos Cadillacs en una posición de la que no se bajarían.

El Ska y el Reggae son las bases sobre las que se cimenta este disco, que además de haber sido mejor preparado, contó con la participación de Andrés Calamaro. El tema que da nombre al trabajo es uno de los destacados y se transformaría en uno de los tantos clásicos del grupo. “Mi novia se cayó en un pozo ciego”, también con las trompetas y saxos de fondo, es otra de las canciones remarcables y también una de las primeras en el rock nacional en mencionar un insulto, leve y casi sin tanto peso, pero una palabra que no se escuchaba frecuentemente en una canción. Formando ese tridente de éxitos está “Yo no me sentaría en tu mesa”, fácil de distinguir con el clásico “Ohhh….Ohhh….Ohhh”.

También merece especial atención “El Club del Dub”, otra de las grandes composiciones del disco, desde la letra y lo musical. “Estoy harto de verte con otros” y “Aún los escuchamos cantar” cierran este gran disco que mantiene una sintonía a lo largo de cada minuto y hacen del deleite de los fanáticos del género.

Piro

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Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota – Gulp! (1985)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Barbazul Versus el Amor Letal: 8,5
  2. La Bestia Pop: 9
  3. Roto y Mal Parado: 7
  4. Pierre, el Vitricida: –
  5. Unos Pocos Peligros Sensatos: 9
  6. Yo No Me Caí del Cielo: 8
  7. Te Voy a Atornillar: 8,5
  8. Superlógico: 7,5
  9. Ñam Fri Fruli Fali Fru: 8
  10. El Infierno Está Encantador Esta Noche: 9,5
  11. Criminal Mambo: 8,5

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, la banda más popular y convocante en la historia del rock en Argentina, tuvo sus orígenes en La Plata en 1976, en un principio no tenía ni nombre ni integrantes fijos,  alrededor de 15 músicos se alternaban en los instrumentos. Los tres pilares fundamentales son: el Indio Solari (voz), Skay Beilinson (guitarra) y Carmen Castro ‘La Negra Poly» (manager y alma mater) a los que se puede agregar a Ricardo Cohen, «Rocambole» director artístico del grupo. En sus primeras presentaciones en teatros de La Plata sorprendieron por el show integral que desarrollaban donde se montaban números de teatro y ballet, mientras se repartían verdaderos redonditos de ricota entre el publico.

Su primer trabajo discográfico Gulp! grabado en forma independiente a finales de 1984 y editado un año después contaba con la colaboración de Lito Vitale en teclados y del grupo vocal femenino “Bay-Biscuits” (en el que se encontraba Fabiana Cantilo) en coros. Además del Indio Solari y Skay en su primera obra contaron con Tito «Fargo» D’Aviero en guitarra, Semilla Bucciarelli en bajo, Willy Crook en saxo y Piojo Ávalos en Batería. El sonido inicial de los Redondos se apoya en sólidas melodías de guitarra, pero carente de sutilezas o sofisticaciones que mas adelante exhibirían y con buenas letras que siempre fue su fuerte. La distribución comercial corrió por cuenta de la Negra Poly: “Si un productor quiere ocuparse de Patricio Rey en grabaciones, o en lo que sea, está invirtiendo una cantidad. Y para resarcirse de lo que invirtió deberá vender a Patricio Rey de alguna manera que no tiene absolutamente nada que ver con lo que Patricio Rey quiere hacer”.

Con Gulp los Redondos comenzaron a hacerse conocidos con temas como «Barbazul Versus el Amor Letal», «La Bestia Pop», «Ñam Fri Fruli Fali Fru» que tuvieron difusión en ese momento y otros clásicos ricoteros incluidos en este material quedarían para la historia como «Unos Pocos Peligros Sensatos», «Yo No Me Cai del Cielo» y «El Infierno Esta Encantador Esta Noche».

Para la presentación oficial del disco alquilaron el histórico teatro Astros de la Ciudad de Buenos Aires ubicado en la Avenida Corrientes. . Sin embargo, a último momento la insoportable también hace veinticinco años Valeria Lynch agregó nuevas funciones a sus ciclos y la banda se quedó sin fechas. Por lo que tuvieron que presentarlo en Cemento, cuna de varios grupos del rock nacional, propiedad de Omar Chaban.

Este disco les sirvió de plataforma para hacerse mas conocidos, aunque todavía no contaban con una masividad importante, y empezar a cimentar una carrera que en los ochenta los encontraría editando material casi todos los años y superándose disco tras disco como acrecentando su mística concierto tras concierto. Sobre el debut de la banda en estudio, el Indio Solari dijo: “Tienen todos los temas que por placer, gusto o quién sabe por qué impulso, queríamos grabar. El material que tenemos, luego de tantos años de no grabar, es enorme. Con el tiempo cambiamos y por eso elegimos los nuevos”.

F.V.

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Cadan

Cadan – Mañana Puede Ser (2009)

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  1. Abriendo: 7
  2. Como Pedirte: 7,5
  3. A Quien Engañan: 7,5
  4. Girar: 8
  5. Al Reves: 7
  6. Son Dos: 8
  7. Con La Misma Vara: 6,5
  8. Dale Calor: 6,5
  9. Para Largar: 8
  10. Mañana: 8
  11. Algún Sitio: 8,5

La arraigada influencia de las bandas más populares del rock argentino ha marcado un predominio incluso en los grupos de la actualidad. Cadan es una de esas nuevas bandas nacidas en la última década, caracterizada por tomar muchas cosas de los Piojos, los Redondos e incluso Sumo.

Este grupo conformado por Esteban Morrone (Voz), Santiago Tambone (Guitarra), Federico Caroni (Teclado), Santiago Sorroche (Bajo), Diego Andriani (Bateria), Maria Eugenia Puyo (Coros) y Juan Pablo Nigrele (Percusión), editaría en el año 2009 (luego de un Demo y un EP) su primer disco: Mañana Puede Ser.

Mañana Puede Ser es un buen álbum debut, un decente puntapié inicial para su carrera. Cadan nos trae un disco que esencialmente es “muy de rock nacional”. No fuera de serie, pero sí rock nacional bien elaborado. Desde este aspecto, estos muchachos son buenos en lo que hacen. De hecho su cantante tiene la particular habilidad de mutar su voz para que parezca por momentos la de Ciro de los Piojos y la del Indio Solari.

Por otro lado, Mañana Puede Ser es un producto entretenido, muy recomendable para escuchar en una reunión entre amigos, o para que le regales a ese amigo “copado” que se la pasa escuchando La Mega como si su existencia dependiera de ello.

El nivel del disco es bastante parejo, sin embargo se puede mencionar algunas canciones como las más destacadas. “Girar” por ejemplo es un reggae bastante divertido. “Para Largar” por su parte es una interesante balada. Y “Son Dos” junto a “Mañana” tienen buenos estribillos. Pero lo mejor del álbum a mi juicio esta sobre el final. “Algún Sitio” es un tema intenso y hace un cierre digno que nos deja con la esperanza de que Cadan puede seguir prosperando en el futuro.

Persy

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Juan Carlos Baglietto

Juan Carlos Baglietto – Tiempos Difíciles (1982)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Mirta de regreso: 8
  2. Aunque mañana no estés: 7.5
  3. Era en abril: 8
  4. Los nuevos brotes: 6
  5. Puñal tras puñal: 7
  6. Sobre la cuerda floja: 7.5
  7. Dulce pájaro: 7
  8. La música del río de la plata: 7.5
  9. Sin luna: 7
  10. La vida es una moneda: 8.5

Proveniente de Rosario, como tantos otros talentos de las artes en Argentina, Juan Carlos Baglietto comenzó su carrera en 1972 con los primeros grupos Via Vaneto y Confidencias, para transformarse en uno de los músicos más respetados de la escena de los últimos cuarenta años. Luego formó Irreal acompañado por Daniel Wirtz, Sergio Sainz, Juan Chianelli, Piraña Fegúndez y Beto Corradini, con la que participó del Primer Encuentro Nacional de Rock del Interior.

En 1981 se lanzó en solitario contando con un grupo soporte con Silvina Garré como corista, Fito Páez en teclado, Rubén Goldín en guitarra, Sergio Sainz en bajo y José Zappo Aguilera en batería. Al año siguiente llegaría el primer disco, “Tiempos Difíciles”, uno de los más importantes de su carrera.

La dictadura militar que todavía azotaba a la Argentina, el terror y la censura quedan expresadas en el tono de este disco, cuyo título refleja muy bien cómo vivían los artistas que deseaban liberarse de tantas penurias. Con la ayuda de los músicos antes mencionados, Balgietto pone su voz melancólica y suaves melodías a temas tan dispares como “Era en Abril” hasta “La Música del Río de la Plata”. Las letras de “Aunque mañana no estés”, “La vida es una moneda”, entre otras, a cargo de Fito Páez, dejaba en evidencia el gran talento aquel joven rosarino tendría por explorar.

“Mirta, de regreso”, que relata la historia de un hombre que vuelve con su amada luego del exilio, se convirtió en uno de los mayores éxitos. Pero tal vez el mayor éxito de Juan Carlos Baglietto fue lograr transmitir con simples canciones esa sensación de desamparo que se vivía por entonces, en un país que no acostumbrado a las Guerras, se encontraba peleando por sus territorios en Malvinas.

Piro

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Illya Kuryaki and the Valderramas

Illya Kuryaki and the Valderramas – Chaco (1995)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Chaco: 8,5
  2. Abarajame: 8
  3. Jaguar House: 9
  4. Hermoza From Heaven: 9
  5. Ipanema: –
  6. Remisero: 7,5
  7. Abismo: 9,5
  8. Húmeda: 8
  9. Sirena: –
  10. No es tu Sombra: 8,5
  11. En el Reino (la hija de la esgrima): 7
  12. Hermana Sista: 9
  13. Jalea: 8,5
  14. Mitad de la Canción del Caballo Violeta: 8,5
  15. Hombre Blanco: 7,5
  16. Nacimiento: 7

Dante y Emmanuel se conocieron desde muy chicos, a raíz de la amistad de sus padres, Luis Alberto Spinetta y Eduardo Marti, y con tan solo 12 y 11 años de edad para finales de los ochenta deciden formar una banda junto a sus hermanos menores Pechugo, clara referencia y parodia al insoportable grupo juvenil de moda Menudo.

Luis Alberto Spinetta los incluiría en su disco Tester de Violencia (1988) en el estribillo de la recordada “El Mono Tremendo”. Para 1990 Emmanuel Horvilleur y Dante Spinetta deciden formar su propia banda Illya Kuryaki & the Valderramas, nombre proveniente de un personaje de una serie que eran fanáticos Illya Kuryakin y The Valderramas proviene del apellido del gran jugador colombiano Carlos Valderrama.

Tomaron cierta notoriedad para 1991 con «Es tuya Juan» y «Fabrico cuero», los hits del primer álbum, con letras irónicas y melodías pegadizas. Pero recién en su tercer trabajo con un grado más de madurez se consagrarían definitivamente.

Chaco (1995) fue todo un éxito, vendió más de 250 mil copias y actualmente se sigue vendiendo y es considerado uno de los discos más importantes del rock argentino. Claro, todos recuerdan como sonaban incansablemente sus temas de mayor difusión como “Abarajame” con su recordado video con alusión a las artes marciales, el exaltado “Remisero”, “Chaco” y “Jaguar House” pero Chaco pasa por distintos momentos muchos más interesantes y profundos a mi entender como “Hermoza From Heaven”, “Abismo”, “Hermana Sista”, “Jalea” y “Mitad de la Canción del Caballo Violeta” son el verdadero corazón del disco muy por encima de los hits antes mencionados.

Según los miembros de la banda: «Chaco es un resumen de lo que nos pasó musical y socialmente en los últimos tiempos. El disco propone una nueva mente en la que no haya lugar para las discriminaciones ni la opresión». De ahí sale el nombre Chaco, que es una de las pocas provincias de la Argentina todavía habitada por pueblos originarios.

Numerosos premios y reconocimiento se ganaron los Illya Kuryaki por ese entonces convirtiéndose en uno de los grupos más populares de los noventa y en uno de los principales exponentes del funk en Argentina y en Latinoamérica hasta su separación definitiva a mediados del 2001.

F.V.

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