Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota – Momo Sampler (2000)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Templo de Momo: 8,5
  2. Morta.com: 7
  3. La Murga de los Renegados: 8
  4. Dr. Saturno: 6,5
  5. Murga de la Virgencita: 8,5
  6. Pool, Averna y Papusa: 6
  7. Murga Purga: 5,5
  8. Sheriff: 6
  9. Pensando Como una Acelga: 7
  10. Una Piba con la Remera de Greenpeace: 8,5
  11. Rato Molhado: 7,5

En sintonía con la idea de modernizar su sonido que había arrancado en Último Bondi a Finisterre (1998), Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota lanzarían a los dos años su noveno (y último) disco de estudio, Momo Sampler.

Ya desde su grabación se vislumbraron indicios que Los Redondos estaban en desintegración. El álbum fue grabado en su totalidad por el Indio Solari y Skay Beilinson, con la ayuda de Hernán Aramberri, el resto de la banda apenas participaría de las grabaciones.

Por aquellos años hasta sus fanáticos más acerrimos criticaban Momo Sampler. A la influencia electrónica con la que venían experimentando se le sumaron toques de música celta, cuerdas y murga-rock. La guitarra está complemente tapada y Skay parece no saber qué hacer entre tanta capa de sonido moderno, tampoco la voz del Indio consigue destacarse demasiado, sonando grave y demasiado monocordes.

A pesar de esto, hay temas que logran superar con creces el nivel general, como el que abre el disco “Templo de Momo” una canción entre rock alternativo y grunge que representaría lo mejor de Los Redondos en su versión moderna, en el mismo sentido Tanto “La Murga de los Renegados” y “Murga de la Virgencita” cumplen también con este objetivo en menor medida y la balada “Una Piba con la Remera de Greenpeace” que emula a “Gualicho” de su antecesor es otro momento destacado.

Para la presentación de Momo Sampler el grupo cruzaría el charco y pisaría fuerte dos noches consecutivas de Abril de 2001 en el Estadio Centenario de Montevideo. Su último concierto estaría a la vuelta de la esquina y se llevaría a cabo en la provincia de Córdoba en Agosto de ese mismo año ante cuarenta mil espectadores. El 2 de Noviembre de 2001, tras meses de silencio y de rumores de ruptura irreconciliable entre sus miembros se oficializó la poco sorpresiva separación. Desde entonces tanto el Indio Solari como Skay Beilinson cultivarían exitosas carreras solistas y la leyenda de Los Redondos, una de las bandas más importantes y quizás la más convocante en la historia del rock argentino, se agigantaría con el correr de los años.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 3)
Bee Gees

Bee Gees – Bee Gees’ 1st (1967)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Turn of the Century: 8,5
  2. Holiday: 9
  3. Red Chair, Fade Away: 7,5
  4. One Minute Woman: 7,5
  5. In My Own Time: 8
  6. Every Christian Lion Hearted Man Will Show You: 8,5
  7. Craise Finton Kirk Royal Academy of Arts: 8
  8. New York Mining Disaster 1941: 9
  9. Cucumber Castle: 9
  10. To Love Somebody: 9
  11. I Close My Eyes: 7
  12. I Can’t See Nobody: 7,5
  13. Please Read Me: 7
  14. Close Another Door: 8

Si hay una banda que nunca pensé reseñar probablemente sean los Bee Gees. Pero bueno acá estamos y saben qué no es tan desagradable como pensaba. Porque a pesar de todo, antes de que los Bee Gees lleguen al estrellato por su música Disco en los setenta, eran un grupo de Pop Rock con muchas similitudes e influencias de bandas como los Beatles.

Bee Gees’ 1st en este caso es un disco nacido en pleno Flower Power, y los hermanos Gibb como no podía ser de otra forma hacen un trabajo de Rock Psicodélico que no tiene nada que envidiarle a las producciones de otros grupos conocidos de la época.

Para hacer este álbum toman muchas cosas de Revolver de los Beatles. De hecho la carátula del álbum fue diseñada por Klaus Voormann, quien también diseño la de Revolver. En ese sentido la principal crítica que hay que hacerle a los Gibb es su falta de originalidad. Tanto es asi que canciones como “In My Own Time” es una reescritura de “Taxman”. Son como aprendices de los Beatles, y eso los hace parecer una banda australiana muy británica.

Dicho esto, Bee Gees’ 1st es realmente muy bueno (pese a su falta de inventiva) que presenta varios puntos altos. “Holiday” es Pop Barroco de categoría, con armonías vocales para redimirse. “Every Christian Lion Hearted Man Will Show You” tiene una psicodelía tan oscura y distante del estilo que los popularizaría, que sorprende por completo. “New York Mining Disaster 1941” es un tema que tranquilamente podría haber sido un mini clásico de los Beatles. Mientras que “Cucumber Castle” podría haber sido un clásico de bandas como Love. Y “To Love Somebody” es el himno del álbum, famoso por su estribillo.

Por todo esto, Bee Gees’ 1st no solo es un disco destacable de sus primeros pasos sino que es uno de los mejores de su carrera.

Persy

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(Votos: 2 Promedio: 4.5)
Mr. Bungle

Mr. Bungle – California (1999)

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Puntaje del Disco: 10

  1. Sweet Charity: 9
  2. None of Them Knew They Were Robots: 9
  3. Retrovertigo: 10
  4. The Air Conditioned Nightmare: 9
  5. Ars Moriendi: 10
  6. Pink Cigarette: 10
  7. Golem II: The Bionic Vapour Boy: 8
  8. The Holy Filament: 7,5
  9. Vanity Fair: 9
  10. Goodbye Sober Day: 9

Usualmente, yo no me meto mucho en los trabajos del señor Mike Patton, que pese a que para mí sea una de las mejores voces e interpretaciones de la historia de la música, no puedo acceder a muchos de sus proyectos debido a la bizarrez y a la poca accesibilidad musical que presentan cada uno de ellos. No he salido de Angel Dust de Faith No More y lo máximo que pude acercarme también fue a la colaboración que hizo con The Dillinger Escape Plan en Irony Is A Dead Scene, un icónico EP de la música extrema lanzado por el 2002.

Y mucho menos, Mr. Bungle tampoco es una de esas bandas a la que se puede acceder con facilidad, se trata del segundo proyecto más bizarro de Patton (El primero vendría a ser Fantômas, de lejos), es una banda que se caracteriza por su vangüardismo acrónico y despiadado, es de apreciar mucho, pero de acceder a su sonido muy poco.

Sin embargo, de lo que vamos a hablar hoy es la excepción, hoy, sin más ni menos, hablaremos sobre su último disco hasta la fecha y quizás, si quizás, incluso por delante de Angel Dust, el mejor trabajo de Mike Patton de toda su carrera, lejos, al menos para mí.

Yo a decir la verdad he escuchado muy poco de Mr. Bungle anteriormente, pero puedo decir que era una locura despiadada por los poros, no tanto como Fantômas, pero por eso no decir mucho. Sin embargo, en 1998, FNM se disuelve, y Mike Patton se toma el tiempo para concentrarse en proyectos paralelos, y por lo tanto, el mayor en ese momento sin duda fue Mr. Bungle.

Sin embargo, más que hacer una fiesta de bizarreada musical fuerte como lo fueron los dos primeros discos, Mr. Bungle se concentra en hacer un trabajo mucho más corto, y más accesible que nunca. California Se grabó en 1998 y fue lanzado el 13 de julio de 1999 (Se iba a lanzar el 8 de junio, pero debido a una disputa legal entre Anthony Kiedis y Patton por un conflicto que tuvieron al inicio de sus carreras, la discográfica se encargo de posponer la fecha de California un mes después).

No puedo comentar mucho acerca de los trabajos anteriores de Mr. Bungle, porque no he tenido mucho oído para esa clase de cosas. Lo que puedo decir acerca de California es que es un trabajo sublime, lleno de texturas implacables y que podes encontrar todo lo que Patton ofrece en una forma muy, pero muy resumida. 44 Gloriosos minutos.

Todo el disco se caracteriza por la música que influyó a Patton durante su carrera, y obviamente, parte de la musicalidad que venía haciendo en Mr. Bungle. En resumen, tenemos un poco de todo, un poco de lo mejor de cada cosa, música experimental cargada de dotes de Ska, Jazz fusion, Música de Spaghetti Western a lo Ernio Morricone («The Air Conditioned Nightmare»), Post-Punk, Gospel, Soul, Rock Alternativo, Jazz Bop, y un poco de Heavy Metal sublime en todos los casos. Todos mezclados y cuidados de una forma impecable, con una voz de Mike Patton sublime, eficaz y eficiente a la misma vez. Cada instrumento es protagonista en este disco, sean saxofones, guitarras, teclados, efectos y varios instrumentos más, tienen su aporte esencial para que California funcione y no pierda esa calidad musical que lo caracteriza. Aún más, los distintos géneros musicales son lo que más aporte tienen aún, tenemos canciones gospel y soul como «Sweet Charity», «Vanity Fair», Jazz Punk y Rockabilly vanguardista en «None of Them Knew They Were Robots», Post-Punk en «The Air Conditioned Nightmare», y mucho más…

Pero sin duda, las 3 canciones que más resaltan del disco sin duda son las baladas «Retrovertigo» (Con una fusión de Post-Rock al final de una manera impecable, de mucha influencia para bandas posteriores), «Pink Cigarrette» (Una de las canciones más conocidas de Bungle) y la más bizarra del disco, «Ars Moriendi», cargada con una fusión de música Spaghetti Western, con Rockabilly, Swing, Flamenco y Thrash Metal de una forma enérgica y potente que te hace sacudir la cabeza desde el principio hasta el final, caracterizada por los gritos y locuras vocales de Patton (Que se van a repetir en la última pista, «Goodbye Sober Day»).

Con esto termino mi reseña, sin duda, uno de los mejores discos de los 90’s, para mí, el mejor disco de Patton, y también, me arrepiento demasiado de no haberlo escuchado antes, un discazo de pie a cabeza. Si no sabes por cual disco empezar para meterte en la carrera de Mike Patton, te recomiendo de cabeza este trabajo. Un clásico inolvidable de la música experimental.

Toto

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(Votos: 1 Promedio: 5)
The Maccabees

The Maccabees – Wall of Arms (2009)

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. Love You Better: 7,5
  2. One Hand Holding: 7
  3. Can You Give It?: 7
  4. Young Lions: 8,5
  5. Wall of Arms: 8
  6. No Kind Words/Bag of Bones Part A: 8,5
  7. Dinosaurs: 7
  8. Kiss and Resolve: 7,5
  9. William Powers: 8,5
  10. Seventeen Hands: 7,5
  11. Bag of Bones Part B: 7,5

Con Colour It In (2007) la banda de indie inglesa The Maccabees superó la dificil misión de instalarse en un mercado saturado de bandas similares, a base de buenas canciones y un rock guitarrero y pegadizo.

Para su segunda entrega Wall of Arms, lanzado en Mayo de 2009, trabajarían con Markus Dravs como productor, quien había colaborado con Coldplay y Arcade Fire en el pasado, con su ayuda renovarían sus canciones directas hacia un sonido épico de mayor intensidad, con coros masivos y mayor oscuridad. Incursionando en un tipo de canciones en los que Arcade Fire logró sobresalir desde el magnífico Funeral de 2004, las anthemic songs (canciones himnos sería la traducción más apropiada al español).

Aunque no tenga temas que quedarán en el recuerdo ni oculten sus marcadas influencias, The Maccabees suenan cómodos y con una mayor madurez en Wall of Arms,  haciéndonos suponer que la banda puede llegar a sorprender en breve, aunque su momento de gloria todavía no ha llegado.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Calle 13

Calle 13 – Los de Atrás Vienen Conmigo (2008)

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Puntaje del Disco: 6,5

  1. Intro / Crónica De Un Nacimiento: –
  2. Que Lloren: 7
  3. No Hay Nadie Como Tú: 7,5
  4. Gringo Latin Funk: 6
  5. Ven y Critícame: 7
  6. Esto Con Eso: 7,5
  7. La Perla: 9
  8. Electro Movimiento: 5
  9. Intro Fiesta de Locos: –
  10. Fiesta de Locos: 6
  11. Los de Atrás Vienen Conmigo: 7
  12. Tal Para Cual: 4
  13. Interlude (Irie Rasa Man): –
  14. Bienvenidos A Mi Mundo: 6
  15. John, el Esquizofrénico: 6,5
  16. Outro: –

Los puertorriqueños de Calle 13 comenzaron a desmarcarse del reggaeton ya desde su segundo disco, Residente o Visitante (2007), pero acentuaría definitivamente su evolución en su siguiente CD, un año más tarde, Los de Atrás Vienen Conmigo.

Gracias a este lanzamiento la banda confirmaría su diversificación de estilos musicales dentro de lo que denominaron música urbana. Dentro de este ecléctico estilo que mezcla estilos muy variados como el rap, rock, ska, merengue, bossa nova, folclore latinoamericano, cumbia, candombe, salsa entre otros. También se destacan por sus letras satíricas, sarcásticas, controversiales y de alto contenido social y político, a cargo de René Pérez Joglar que se convirtió en una figura estelar dentro de la música popular latina, comparandoseló con figuras como el controvertido rapero estadounidense Eminem, o el francés Manu Chao.

Sin embargo, la pieza clave para la evolución del sonido de Calle 13 es su hermanastro Eduardo Cabra Martinez, un arreglista y músico profesional fanático del jazz, la bossa nova y la salsa con capacidad de improvisar y fusionar estilos diversos, de perfil mucho más bajo que el de René pero de significativa importancia en la busqueda experimental de la banda.

Acerca de cómo superaron las barreras del reggaeton y de cómo ven a la música actual René opinaría lo siguiente: “El reggaeton lo veo igual que el resto. Pero no es el único al que le falta creatividad. Al pop y el rock también; el pop hasta a veces lo encuentro peor que el reggaeton. Y en realidad no es el género musical, porque puedes hacer un buen reggaeton o puedes hacer una buena canción pop. Amy Winehouse era pop, pero era una genia. dele hace buena música y es pop. O sea, no es el género, tiene más que ver con los artistas, con lo individual.”

Los de Atrás Vienen Conmigo es un disco tan variado como desparejo que puede pasar de “La Perla”, un temazo con la colaboración estelar del veterano músico panameño Rubén Blades y los argentinos La Chilinga, de candombe, samba, ritmos latinos y letra con conciencia social al flojísimo pop electrónico y sin sentido de “Electro Movimiento” o al también olvidable momento de cumbia en “Tal Para Cual”. Otra colaboración que llama la atención es la de los mexicanos Café Tacvba en otros de los puntos altos “No Hay Nadie Como Tú”, de los temas más conocidos y populares del álbum junto a “Fiesta de Locos”.

Los de Atrás Vienen Conmigo significó un paso adelante para consolidar su ambicioso proyecto de música experimental y urbana con muchos puntos por crecer y pulirse pero con un rumbo definido y valiente.

F.V.

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Novedades de la pagina, Soldiers of Jah Army

SOJA – Born in Babylon (2009)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Born in Babylon: 8
  2. Losing My Mind: 8
  3. Used to Matter: 7
  4. Bleed Through: 7.5
  5. You and Me: 8
  6. Don’t Forget: 7
  7. Decide You’re Gone: 8
  8. I Don’t Wanna Wait: 8
  9. I Tried: 7.5
  10. Never Ever: 7
  11. Summer Breeze: 7
  12. Waking Up: 8
  13. Thunderstorms: 8
  14. Here I Am: 8

Después del lanzamiento de su Segundo disco, SOJA editó en 2008 un EP bajo el nombre de Stars and Stripes y en aquel año también fue lanzado un DVD de la presentación que el grupo había hecho en Hawaii.

Con gran esfuerzo promocional, en agosto de 2009 fue editado el tercer disco de la banda estadounidense, conocido como Born in Babylon. Este material demuestra que lo bueno que venía haciendo el grupo con las producciones anteriores no había sido casualidad.

La composición de las letras, las agradables melodías y la participación de algunos artistas invitados logran hacer de este disco un buen material para disfrutar en cualquier momento.

Piro

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Pete Townshend

Pete Townshend – White City: A Novel (1985)

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. Give Blood: 9
  2. Brilliant Blues: 8
  3. Face The Face: 8,5
  4. Hiding Out: 6,5
  5. Secondhand Love: 7
  6. Crashing By Design: 7
  7. I Am Secure: 6,5
  8. White City Fighting: 8,5
  9. Come To Mama: 7

En el ocaso de la existencia de los Who, Pete Townshend seguiría exhibiendo que en los ochenta tenía más vida su carrera solista que la de su propio grupo. Sin embargo, en su tercer disco, White City: A Novel, empezarían a flaquear sus composiciones aunque sin llegar a ofrecer algo decepcionante.

White City: A Novel es un álbum conceptual en el que Pete hace foco en el área londinense conocida justamente como White City, en la cual Townshend creció. En ese sentido, sus letras están cargadas de un aspecto más bien social y urbano.

Musicalmente hablando, es un disco difícil de encasillar. Pero sin dudas tiene sus puntos sólidos en su diversidad. Para empezar “Give Blood” te entusiasma por su sonido muy especial y funk, en el que destaca el bajo y David Gilmour en guitarra. “Face The Face” es el hit del disco, con un estribillo fuerte y pegadizo, y un estilo muy de New Wave, más que de los Who. “Brilliant Blues” es un Pop Rock agradable que parece sacado de los sesenta. Y por último, “White City Fighting”, la segunda colaboración de Gilmour, una canción que es prácticamente un himno del álbum.

El resto del material está bien, pero francamente no quedará en el recuerdo. También hay que sumarle como defecto que se nota la producción de los ochenta, esa producción que arruinó toneladas de discos.

Sin embargo, pese a que no es uno de los mejores trabajos de Pete Townshend, se hizo una película inspirada en el disco, como en otras oportunidades cuando se hizo la película de “Tommy” y “Quadrophenia”.

Persy

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Genesis, Mundial de Bandas

Genesis Campeón de la Copa Repechaje 2017!!

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Alegría de Campeón. Genesis se quedó con la Copa Repechaje 2017.

Al fin tenemos un nuevo campeón de la Copa Repechaje, se trata nada menos que Genesis, que derrotó con solidez a Yes en la final.

Con o sin Peter Gabriel, con o sin Phil Collins como compositor principal, Genesis fue un justo campeón, porque demostró tener una performance muy consistente de principio a fin en el certamen, primero liderando su grupo, luego derrotando a sus rivales (principalmente de fines de los setenta y principios de los ochenta) transformándose en uno de los favoritos del Torneo.

Y en la final la víctima fue Yes que cumplió un digno papel, pero con una andar un poco más angustioso y disputando duelos más ajustados. Hasta que en la final tuvo en frente a un rival del mismo género y de la misma época.

Con esta victoria, Genesis consigue su primer título desde que comenzó el Mundial de Bandas en Persi Music. Y como premio se ganó uno de los boletos para el Mundial del año que viene además de sumar puntos para lograr un mejor posicionamiento en el Ranking de Bandas de la página.

La acción sigue dentro de pocos días. El domingo 23/07 estará comenzando el Mundial de Bandas 2017 de Persi Music. ¡Preparate que falta poco!

Premios de la Copa

Enfrentamiento Más Parejo: Yes vs Frank Zappa. Yes la tuvo muy difícil contra nuestro querido Zappa, a quien derrotó prácticamente en tiempo de descuento, por la mínima.

El Clásico: Yes vs Genesis. El único duelo de enfrentamientos directos de la Copa, en el que se cruzaban grupos del mismo género y época, se dio justo en la final entre estas grandes bandas.

Revelación: Eric Clapton. No porque sea poco conocido o porque tenga poco reconocimiento, pero fue el primer torneo en el que participó el guitarrista. Y Clapton aprovechó su oportunidad, haciendo un papel muy digno, llegando a cuartos de final.

Decepción: Kings of Leon. Uno de los últimos campeones de la Copa, de quienes se esperaba más, pero que nisiquiera pudo superar la fase de grupos.

Bandas Más Valoradas: las de los Setenta. La final fue entre grupos que alcanzaron su pico artístico en los setenta y muchos de los grupos que clasificaron a instancias finales fueron de esa década al igual que de los sesenta.

Bandas Más Decepcionantes: las del 2000. Ni un solo grupo llegó a clasificar a octavos de final. A las bandas más nuevas les cuesta competir contra el peso de la historia.

El Equipo de la Copa (según mejores posiciones):

  • Peter Gabriel (Genesis): Voz
  • Steve Howe (Yes): Guitarra
  • Frank Zappa: Guitarra y voces
  • Simon Gallup (The Cure): Bajo
  • Rick Wakeman (Yes): Teclados
  • Phil Collins (Genesis): Bateria

El Equipo de las Pesadillas (según peores posiciones):

  • Brandon Flowers (The Killers) y Amy Winehouse: Vocalistas
  • Anthony Caleb Followill (Kings of Leon): Voz y Guitarra Rítmica
  • John Stirratt (Wilco): Bajista
  • Paul Thomson (Franz Ferdinand): Batería
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Morrissey

Morrissey – You Are the Quarry (2004)

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Puntaje del Disco: 9

  1. America Is Not the World: 8
  2. Irish Blood, English Heart: 8,5
  3. I Have Forgiven Jesus: 8
  4. Come Back to Camden: 8,5
  5. I’m Not Sorry: 7,5
  6. The World Is Full of Crashing Bores: 9,5
  7. How Can Anybody Possibly Know How I Feel?: 7,5
  8. First of the Gang to Die: 9,5
  9. Let Me Kiss You: 9
  10. All the Lazy Dykes: 7
  11. I Like You: 8
  12. You Know I Couldn’t Last: 9

Para finales de la década del noventa Morrissey se tomaría un descanso de siete años para retornan con uno de los puntos fuertes en toda su carrera, no solo solista sino también incluyendo su período con The Smiths, You Are the Quarry (2004).

Con posterioridad al clásico y otro punto alto en su carrera, Your Arsenal (1992), la explosión del brit pop en la década anterior había alejado a Morrissey de cualquier tipo de atención por la prensa musical de su país. En el momento en que debería haber sido reconocido por influir a todas las bandas que surgieron y triunfaron en el Reino Unido por aquellos años (Suede, Oasis, Blur, Pulp) Moz fue desplazado.

Pasado ese período las modas cambiaron y esta leyenda olvidada se mantuvo callado durante siete años, como agazapado sabiendo que su regreso triunfal sería un hecho, para luego volver totalmente revitalizado con su estilo teatral y letras tan introspectivas como particulares, con una colección de canciones tan solida que incluyó obras maestras como “Irish Blood, English Heart”, “Come Back to Camden”, “The World Is Full of Crashing Bores”, “First of the Gang to Die”, “Let Me Kiss You”, “You Know I Couldn’t Last”, entre otras.

You Are the Quarry se puede describir como el renacimiento después de la oscuridad. Las reseñas y comentarios fueron abrumadoras y sin menospreciar los buenos discos que lanzaría con posterioridad se puede concluir que estamos ante lo mejor y exquisito del británico en los últimos veinticinco años.

F.V.

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La Franela

La Franela – Nada es Tarde (2014)

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Nada Es Tarde (2014)

Puntaje del Disco: 6

  1. Siempre: 7
  2. Fue Tan Bueno: 7,5
  3. Loco Bien: 7
  4. Azul y Blanca: 5
  5. Meditando: 7
  6. Cómo Me Gustaría: 7,5
  7. Como un Reloj: 5,5
  8. Esta Noche: 5
  9. Imperdonable: 5,5
  10. Las Chicas: 6
  11. Late Corazón: 6
  12. Vos Me Entendés: 6,5

Con la popularidad de “Hacer un Puente”, La Franela paso de ser un grupo desconocido de un ex integrante de Los Piojos a una banda popular con seguidores propios y con bastante proyección y luego del mismo se posicionarían en un momento bisagra, la difícil tarea de confirmar todo lo que venían prometiendo.

Su tercer trabajo Nada es Tarde se editó en Mayo de 2014 e intentó emular al hit de su antecesor con otras buenas canciónes como “Fue Tan Bueno” y “Siempre”, aunque no obtendrían esa repercusión.

Acerca del proceso de grabación su guitarrista y productor Tucan Bosa contaría: “Es un disco que se grabó mucho mejor que los anteriores y eso se nota. Está compuesto por 12 canciones, quedaron muchas afueras incluida una que se llama “Nada es Tarde” que es la que da nombre al disco. Y sobre sus temas favoritos agregaría: “Pienso que “Fue Tan Bueno”. “Meditando” es una que nos gusta mucho a todos y es una canción radiable. Me parece que “Fue Tan  Bueno” tiene un estilo mas universal, la temática al igual que “Hacer un Puente” es una canción que le puede gustar a mi mama, a mi abuela o a mi sobrinito. Es una canción que puede atravesar edades, gustos y cae bien a todos.”

El problema es que sacando las canciones anteriormente mencionadas la mayoría de los tracks complementarios son bastante flojos, especialmente a partir de la segunda parte del CD, dejando a Nada es Tarde a mitad de camino y con el interrogante de que pueda ofrecer la banda en el futuro.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 5)

Tu dosis necesaria de discos, películas, series y más

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