Sí, señor! Vuelven los Festivales de Discos. Esta vez repasaremos discos de Folk durante la próxima semana de grandes celebridades como Neil Young, reseñando además artistas de quienes todavía no habíamos escrito entre otras sorpresas.
Además, Aprovechamos el anuncio para recordarles que dentro se poco estarán desarrollandose las Olimpiadas de Discos en Persi Music. En los próximos días estaremos explicando la modalidad.
Fecha de Lanzamiento: 06/05/2016
Puntaje del Disco: 
Con el éxito en su espalda de “Retrograde”, James Blake lanzaría The Colour in Anything, su tercer disco de estudio. Como es común en este joven músico, desarrolla un estilo en el que apuesta transportarte en su mundo de canciones atmosféricas en base a sus sintetizadores, algún piano y una paleta de arreglos electrónicos muy diversa. Busca hipnotizarte con su voz en temas lentos, oscuros pero también muy meditabundos. Si a eso le sumamos que es un álbum largo, en algún punto puede llegar a aburrirte con su estilo homogéneo. ¿Pero alguna vez fue divertido escuchar a James Blake?
Fecha de Lanzamiento: 06/05/2016
Puntaje del Disco: 
¿Richard, por qué te seguimos escuchando? Salvando a su disco debut, la carrera solista del ex líder de The Verve es más que floja. These People, su quinto disco, es otra señal de su falta de brújula. Ni bien comienza con “Out of My Body” te desorbita por completo. Es lo que faltaba escuchar de Ashcroft: el tipo haciendo electrónica comercial. Y lo mejor es que lo combina con su guitarra acústica y con los arreglos orquestales tan gastados que usaba en The Verve. Esta ensalada de condimentos se propaga luego en el resto del álbum, en canciones en donde abunda más lo mediocre que lo decente. These People es otro álbum de pocas luces de Richard, además de ser más bailable que rockero. Es triste pero su crédito de lo que hizo en The Verve en algún momento se le va a acabar.
Fecha de Lanzamiento: 08/05/2016
Puntaje del Disco: 
Tras cinco años, llegó finalmente el disco más esperado del año, bajo el nombre de A Moon Shaped Pool. A diferencia de su predecesor, el muy criticado The King of Limbs, en este nuevo trabajo nos encontramos con un Radiohead a tope. Lo que sí podemos asegurar es que nos encontramos ante el disco más intimista de la banda, pero a la vez el más demoledor emocionalmente con un Thom Yorke destrozado por su divorcio.
Musicalmente predomina un sonido etéreo, lo más cercano a Radiohead haciendo Dream Pop, con texturas sensibles y bien ejecutadas, y sobre todo con una sección de cuerdas de la London Contemporaty Orchestra dirigida por Jonny Greenwood marcando la pauta. Si bien no cuenta con sencillos demoledores, brilla como conjunto y además contamos con el detallazo de la aparición de la versión de estudio de “True Love Waits” tras más de veinte años. Muy recomendable no dejar pasar este disco.
Fecha de Lanzamiento: 13/05/2016
Puntaje del Disco: 
Nocturnal Koreans se gestó mientras la mítica banda de Post Punk británica, Wire, gestaba su anterior trabajo, titulado como el nombre del grupo y uno de los mejore sde los últimos años, aunque no es un disco de sobras ni mucho menos.
Desde el comienzo pisa fuerte con la elaborada y detallada “Internal Exile”, pasando por momentos cautivadores como “Foward Position” y expermentales como “Fishes Bones”. Con este y sus últimos lanzamientos los londinenses demuestran que se puede mantener vigente y creativo a casi cuatro décadas de su debut discográfico.
Fecha de Lanzamiento: 20/05/2016
Puntaje del Disco:
En los últimos años las cantantes de Folk-Pop han ido en alza, con nombres como Joanna Newsom y Lana del Rey llamando la atención con sus trabajos y con artistas de aun mas nivel como lo demostraron Sharon Van Etten en el 2014 (Are We There) y Julia Holter en el más reciente 2015 (Have You in my Wilderness).
Una figura no tan reconocida como algunas otras, pero buscando brillar de igual manera es la Americana Marissa Nadler, quien en su más reciente disco, Strangers, nos llama la atención con la armoniosa combinación entre su supremamente delicada voz y sus arreglos predominantemente acústicos y melancólicos. A algunos oídos podría resultarle adormilante, pero si te interesa darle una oportunidad empieza por las poéticas canciones “All the Colors of the Dark” y “Janie in Love”.
Fecha de Lanzamiento: 20/05/2016
Puntaje del Disco: 
Fallen Angels podría llamarse Shadows in the Night Parte 2 tranquilamente. Sí, el último disco de Bob Dylan no es otra cosa que una prolongación del tributo a Frank Sinatra que editó el año pasado. Los covers en sí están bien ejecutados y se nota el espíritu “sinatresco” en ellos. Pero francamente no es un disco que deje mucho dentro del repertorio de Dylan. Nuestro queridísimo Robert Zimmerman simplemente se da el gusto de hacer lo que se le antoja a esta edad en la que ya no tiene que demostrar su genialidad. Pero que así y todo sigue dejando en claro que su vigencia está intacta.
Fecha de Lanzamiento: 20/05/2016
Puntaje del Disco:
Mutual Benefit son una banda de folk purista que por segunda ocasión han vuelto a cautivar con la paz y armonía de su interpretación. Si bien su debut hace tres años llamó mucho la atención tuvo el problema de ser demasiado corto (de apenas 30 minutos de duración), pero ya con mas tiempo y apoyos económicos, Jordan Lee en esta continuación presenta la respetable cantidad de doce temas de buen calidad. De ánimo paciente, pastoral y reflexivo, Skip a Sinking Stone, se convierte en uno de los discos folk más destacados que se han visto en esta primera mitad de año.
Fecha de Lanzamiento: 20/05/2016
Puntaje del Disco:
Debutaron el año pasado como una explosión de energía siendo uno de las nuevas bandas frescas del momento, ganándose el cariño de los aficionados del Indie Rock. Car Seat Headrest son una banda liderada por el inventivo Will Toledo, un hibrido entre Julian Casablancas y Stephen Malkmus, logrando un sonido a veces noventoso tipo Pavement, pero manteniendo su esencia moderna.
En su nuevo manifiesto, Teens of Denial, los jóvenes ofrecen himnos Indie que juntos forman un disco conceptual sobre una generación milenaria pérdida y confundida respecto al futuro, además de continuas referencias a las drogas. Las guitarras y la frescura juvenil dominan el álbum y hay momentos épicos como en la magnífica The Ballad of the Costa Concordia y el sencillo Vincent. De lo mejor del año hasta el momento.
Fecha de Lanzamiento: 27/05/2016
Puntaje del Disco: 
Para su séptima placa Beth Orton decide continuar el camino empezado en el despertar de esta nueva década: Un indie rock alternativo con canciones convencionales alejados de su mezcla de folk y electrónica de antaño.
Kidsticks tiene momentos de melodías preciosas, beats adictivos y un trabajo vocal impecable, y otros momentos en que no funciona tanto en este acertado aunque un tanto acotado nuevo álbum.
Fecha de Lanzamiento: 03/06/2016
Puntaje del Disco:
Tras tres años sin ningún tipo de novedades discográficas The Strokes lanza sorpresivamente un EP (su primer material independiente desde su EP debút en 2001) con tres temas inéditos: “Drag Queen”, “Oblivius” y “Threat of Joy” y un remix de “Oblivius” por Fab Moretti.
Future Present Past incluye algunas de las canciones más extrañas en la carrera de la banda de New York, lo que no quiere decir que sean malas, acercándose más a su último período que a sus comienzos.
Fecha de Lanzamiento: 03/06/2016
Puntaje del Disco: 
El retorno de The Kills costó y se podría decir que fue traumático. Nada menos que 5 años tendríamos que esperar para volver a escuchar un disco de ellos. En el medio Jamie Hince tendría las dificultades de afrontar su divorcio y una lesión en la mano que lo mantendrían marginado de su guitarra. Mientras que Alison Mosshart estaba demasiado ocupada en otros proyectos como The Dead Weather. Finalmente llegaría Ash & Ice reflejando un poco las dificultades de por medio.
Ash & Ice es su disco menos lucido. El sonido es oscuro, tenemos algunos buenos riffs de garage rock de Hince (“Doing It to Death”) pero compositivamente ofrecen más baches de lo que es común en ellos. Los arreglos electrónicos y de percusión son menos acertados. Mientras en Midnight Boom te armaban una fiesta, acá resultan menos divertidos y hasta desubicados. Aun así la esplendorosa voz de Alison y muchas de las canciones de The Kills en este álbum llegan a ser más atractivas que las de The Dead Weather.
Fecha de Lanzamiento: 10/06/2016
Puntaje del Disco:
Los oriundos de Seattle, Band of Horses, parecen empecinados en seguir en su lugar de eternas promesas del rock mundial, tienen todo para dar el gran salto pero los problemas aún persisten.
En Why Are You OK tiene tanto sus momentos de pop refrescante (“Casual Party”), temas atmosféricos (“Hag”) y baladas dulces (“Whaterever, Wherever”), sin embargo no cautivan demasiado en niguna de sus versiones, no se puede decir que haya malos tracks pero nada para rememorar ni que llegue a tu corazón.
Fecha de Lanzamiento: 10/06/2016
Puntaje del Disco:
Si en Not Your Kind of People criticamos la falta de originalidad de Garbage para un regreso tras años de silencio discográfico, su sexto trabajo Strange Little Birds es todo lo contrario, para bien.
El legendario productor y baterista de la banda Butch Vig describe al LP como “cinematográfico y atmosférico”. Desde el oscuro comienzo con “Sometimes”, que remite a lo mejor de Portishead, pasando por “Empty”, “If I Lost You” y “Amends” demuestran de lo que son capaces estos escoces cuando están enfocados.
Fecha de Lanzamiento: 17/06/2016
Puntaje del Disco:
The Getaway es el primer álbum de los Red Hot Chilii Peppers sin la producción de Rick Rubin desde Mother’s Milk en 1989, según adujeron para inspirarse de diversas fuentes, finalmente esta recaería en Danger Mouse, dándole un toque más alternativo pero sin alejarse de la marca registrada del grupo.
La banda de california suena madura y un paso adelante en relación a I’m With You (2011), con un Josh Klinghoffer más consolidado en su rol de guitarrista principal llevando su sonido a una nueva y excitante dirección.
Puntaje del Disco: 8,5
Un par de guitarras alcanzan para hacer un disco simple pero plagado de encanto en sus temas. Eso es lo que encontramos en The Creek Drank the Cradle, álbum debut de Iron & Wine, o mejor dicho de Sam Beam.
En su primer disco de estudio Beam evoca a personajes como Nick Drake ofreciendo una variedad de temas acústicos con distintos tonos de belleza. ¿Y saben qué? Lo compuso, interpretó, grabó y produjo en el propio estudio de su casa. Así que se nota el estilo Lo-Fi, especialmente en su voz que se esconde en la calidad del sonido. Aun así el cantautor ofrece armonías vocales en sus canciones de Folk Rock que son realmente muy buenas.
Pero creo que lo que más sobresale es su Slide Guitar marcando esa onda de Rock Sureño/Country y logrando canciones con melodías y una solidez que sorprenden. Entre ellas baladas como “Bird Stealing Bread” resaltan por su belleza. Y en su conjunto The Creek Drank the Cradle es un disco en el que cuando le damos “play” nos podemos relajar y transportarnos por un buen rato. No por nada fue aclamado por la crítica destacándolo como uno de los mejores trabajos del 2002.
Persy
Puntaje del Disco: 8
El 2015 resultó ser uno de los años más tranquilos de Ty Segall, para empezar (por primera vez en su carrera) dejó pasar un año sin lanzar disco de solista. Pero eso no significa que estuviera de brazos cruzados descansando de su hiperactividad música, sino que se concentró en darle forma a dar continuación al que hace un par de años demostró ser uno de sus proyectos alternos más exitosos: Fuzz.
Toda la energía de Segall viene descargada en esta segunda parte de proyecto, ya que si algo representa Fuzz en las tantas caras de Ty, es que es la banda que saca su lado más pesado y salvaje. Pero en esta ocasión la diversión viene duplicado, ya que a diferencia de su breve debut, ahora suelta la nada despreciable cantidad de 14 canciones formando una considerable duración de 67 minutos.
Sin abandonar ese toque de Black Sabbath, pero sonando un tanto más psicodélico tal como sus camaradas Thee Oh Sees, Fuzz presenta algunos temas que captan la atención, como el psicótico “Time Collapse II/The 7th Terror” que en sus siete minutos despliega potencia pseudo-metalera combinada con secciones acidas, en “Rat Race” el guitarrista Charles Moothart muestra que sabe cantar recordando mucho a Ozzy Osbourne con su interpretación además de soltar un buen solo. También destaco “Burning Wreath” que no solo se queda en ser potente sino que hay un buen juego de vocales entre Segall y Moothart.
En cuanto a oscuridad y riffs pesados el disco cumple, aunque su larga duración le hace algo de daño, sobretodo cansando ya al final cuando te fastidian con un relleno de 13 minutos (El infame “II”) dejándole inferior a su predecesor. Pero de alguna manera es bueno que el proyecto no haya quedado en el olvido, ya que esta combinación aun tiene bastante que dar.
Gera Ramos
Puntaje del Disco: 8,5
Un valuarte en la música de la década del noventa fue la cantante neoyorquina Lauryn Hill. Pieza clave de la famosa banda de hip hop Fugees, recordados por ser quienes popularizaron el clásico “Killing Me Softly”, y a su vez responsable en soledad de uno de los mejores discos del género en la década The Miseducation of Lauryn Hill (1998).
Durante 1996 mientras giraba con Fugees la joven Lauryn conocería a Rohan Marley (Hijo de la leyenda del reggae Bob Marley), de quien quedaría embarazada al poco tiempo. Cuenta la historia que la maternidad inspiro a Hill para grabar su propio trabajo y expandió su creatividad como nunca antes.
El resultado de este renacer de Lauryn fue este valioso e icónico álbum que llevo a la artista a niveles de popularidad impensados. Incorporando diversos estilos como el R&B, soul, hip hop y reggae logra sobresalir en tracks entre instrospectivos y relajados como “Lost Ones”, “Ex-Factor”, “Doo Wop (That Thing)”, “Final Hour”, “Every Ghetto, Every City”, “Everything Is Everything”, “Can’t Take My Eyes Off Of You” y “Sweetest Thing”, aunque quizás su extensa duración le juegue un poco en contra.
Con todo esto conseguido Hill fue uno de los típicos casos donde la presión de la fama y las exigencias la sobrepasaron. Comenzó varios proyectos pero los descartó por abocarse a la vida familiar, inclusive rechazo roles importantes para protagonizar películas que luego se convirtieron en “blockbuster” como Charlie’s Angels, The Matrix, The Bourne Identity, entre otras. Lauryn dejó de hablar con la prensa, mirar televisión y hasta de escuchar música, necesitaba un respiro.
Desde entonces ha sido bastante crítica con la industria musical. En Julio de 2001 reaparecería por última vez con un Unplugged de MTV con un look algo distinto y haciendo hincapié en el mensaje de sus letras y nunca más editaría ningún material aunque si se presentaría esporádicamente en público.
F.V.
Puntaje del Disco: 8
Luego de su disco debut lanzado a finales de 1999, Sólo de Noche, No Te Va Gustar no paró de sumar presentaciones y giras interminables en su país, haciendose cada vez más conocidos.
En la primera mitad del año 2002 se gestaría, Este Fuerte Viento Que Sopla, grabado casi íntegramente en Santiago de Chile (Con excepción de “Clara” en Montevideo). Con este disco los uruguayos se consolidarían tanto en su país como en sus países vecinos y comenzarían a experimentar con diversa mezcla de ritmos que hoy son su marca registrada como el ska, rock, reggae, murga, entre otros.
Este Fuerte Viento Que Sopla superó todas las expectativas del grupo apoyado en temazos como “Me Cuesta Creer”, “Machete”, “No Hay Dolor” y “No Necesito Nada”, llegando a ser disco de oro en su país y a convertirse en uno de los referentes del rock uruguayo en la región.
Como ya nos habían acostumbrado la banda de Montevideo no paró de girar y presentar su disco desde su presentación el 12 de Octubre de 2002 en el Teatro de Verano de la capital uruguaya hasta el verano de 2004 donde comienzan una gira por la costa argentina y presentándose en el tradicional festival Cosquin Rock, compartiendo cartel con leyendas como Spinetta, Leon Gieco, entre otros. La banda de Emiliano Brancciari pisaba cada vez más fuerte, pero lo mejor todavía estaba por venir.
F.V.
![Stevie Ray Vaughan [The Vaughan Brothers] - Family Style (1990)](https://i0.wp.com/persimusica.com/wp-content/uploads/2016/06/stevie-ray-vaughan-the-vaughan-brothers-family-style-1990-7348260.jpg?resize=300%2C300&ssl=1)
Puntaje del Disco: 7,5
Family Style no alcanza ni a los talones a los mejores momentos de Stevie Ray Vaughan, pero se trata de un disco histórico ya que es la última grabación del eximio guitarrista antes de su accidentada muerte.
La idea de grabar algo juntos llevaba unos años dentro de la cabeza de los hermanos Vaughan, el famoso Stevie Ray y el menos conocido Jimmie, pero la llevarían a cabo recién en el comienzo de 1990 con el lanzamiento de Family Style.
Musicalmente hablando no hay sorpresas incluso cierta desilusión, es un disco de blues clásico pero con orientación al pop rock convencional y accesible. La pulcra producción de Nile Rodgers ayudó a este resultado y solo algunos temas quedaran en el recuerdo como el instrumental “D/FW”, “Telephone Song” y “Brothers”, donde el gran Stevie Ray nos deja sus últimos acordes de estudio.
A los pocos meses Vaughan encontraría su trágico final el 27 de Agosto de 1990 en un accidente de helicóptero luego de participar de un concierto de Eric Clapton, donde también fallecieron el agente de este último, Bobby Brooks y dos integrantes de su banda y también el piloto.
F.V.
Puntaje del Disco: 8
A los Beach Boys también les cayó la psicodelia encima. Pero nuestros chicos de playa nunca abandonaron su estilo pop. Lo tenían más arraigado (mucho más) que los Beatles. Y para plasmarlo Brian Wilson tenía en mente un mega proyecto conocido como SMiLE. Lamentablemente SMiLE no prosperaría y sus grabaciones se transformarían en una especie de obra de culto de un disco nunca se llegó a editar. De todas formas, en 1967 los Beach Boys lanzaría la versión reducida del mismo bajo el título de Smiley Smile.
Tengo que decirlo, me gusta más esta versión de la banda. Escuchar a Smiley Smile es como escuchar a nuestros chicos inocentes de playa pero con algunos kilos de ácidos encima. Así que en el álbum lo que emergen son los arreglos psicodélicos tan típicos de la época. Pero además no abandonan su principal cualidad que son las armonías vocales.
En contrapartida, Smiley Smile es un disco más experimental y se nota que es más bien un conjunto de descartes de SMiLE. Las canciones son más bien vagas improvisaciones fumadas que por ende no terminan teniendo en general un nivel extraordinario. A excepción de ese clásico que brilla por sí solo llamado “Good Vibrations”. Se podría decir que la existencia de este álbum vale la pena solo por “Good Vibrations”, marcando una diferencia tremenda por combinar una excelente melodía pop con el estilo psicodélico que buscaban y sus conocidos juegos de voces. Es el sinónimo de lo bien hecho del disco, aunque como comentaba disfruté de este trabajo en general, porque es otra cara de los Beach Boys que no conocíamos.
Persy
Puntaje del Disco: 8
Inexorablemente iba a pasar. La vuelta más esperada en el rock ingles en los últimos tiempos se concretó definitivamente con la edición del tercer disco de The Libertines, Anthems for the Doomed Youth, en Septiembre de 2015.
La dupla creativa entre Carl Barat y Pete Doherty continúa vigente y aceitada, a pesar de los años sin componer juntos. Esta nueva versión de los Libertines es más melódica, prolija y menos desfachatada que la de sus años iniciales (Y si, los muchachos están más grandes). Nos deleitan joyas que pronto se convertiran en clásicos como “You’re My Waterloo”, “Glasgow Coma Scale Blues”, “Iceman”, “Fame and Fortune”, “Heart of the Matter” y “Dead for Love”, dentro de un regreso favorable sin llegar a los niveles de inspiración de once años atrás pero no deja de ser bastante bueno.
Todo parece indicar que la otrora relación tormentosa entre Carl y Pete comienza a mejorar y con la madurez actual podrán consolidarla y tendremos Libertines para rato. Acerca de su relación actual Pete diría lo suyo en una entrevista reciente: “Las cosas han cambiado en nuestros mundos. Carl es padre de dos pequeños que ama. Es una persona distinta. Hay algo en sus ojos que antes no existía. Algo que se parece a la felicidad.” Y Carl agregaría sobre el presente y el futuro de la banda y las nuevas generaciones: “Tenemos fans que nos acaban de conocer. Últimamente vemos a muchos chicos de 15 años en primera fila. Solo hacemos lo que tenemos que hacer, no sentimos presión alguna luego de tanto tiempo sin tocar juntos.»
F.V.
Puntaje del Disco: 10
Leonard Cohen es uno de los artistas folk más importantes de la historia, una figura muy reconocida y respetada incluso hasta el día de hoy. Inicialmente un poeta y escritor, el Canadiense pasó la mayor parte de la década de los sesentas liberando novelas y poesía, no obstante financieramente la escritura no arrojaba el fruto esperado, por lo que el hombre buscó probar con otra de sus pasiones artísticas; la música.
Como el modesto hombre que es, Cohen llamó su primer disco bajo el simple titulo de The Songs of Leonard Cohen, su sencilla portada de un retrato personal no hizo muy llamativo el disco; sin pretensiones, el trovador simplemente invitó al escuchante a adentrarse en sus canciones minimalistas y melancólicas, pero de una letra suprema y narrativa expresiva, producto de todos aquellos años como escritor.
En su debut el Canadiense se acompaña de su guitarra y ocasionalmente hay tenues arreglos de fondo que no alteran significativamente la música de sus canciones, el punto en este trabajo es claro; dirigir la atención a la sofisticada e impactante lirica que se desarrolla y sobretodo el impacto de emociones que generan, es curioso ya que la voz del señor Cohen no es espectacular y carece de grandes trucos vocales, pero le imprime un toque que inmersa a cada historia. No vayamos más allá del tremendo hit “So Long, Marianne” donde casi se puede sentir a flor de piel la añoranza de Leonard por Marianne, reflejada en una hermosa poesía de amor y varias referencias religiosas. Precisamente en referencia e las simbologías bíblicas, estas son un elemento que siempre ha estado presente en las letras del poeta y son notables en el otro temazo del disco “Suzanne”, un sentimental tema que había regalado a la cantante Judy Collins y que en vista del éxito conseguido por ella, el llegaría a animarse a probarse como cantante en lugar de quedarse como letrista. En lo personal me encanta la final “One of Us Cannot be Wrong” donde cuenta cuatro historias desgarradoras de corazones rotos que duelen hasta el corazón de uno mismo.
Es interesante pero cautivador como Cohen se vale no solo de historias ficticias sino de experiencias reales como la narrada en “Sisters of Mercy” sobre dos mujeres a las que conoció y que dio hospedaje en una noche nevada, quienes le inspiraron a redactar la canción, o por otro lado está “Stories of the Street” donde canta sus impresiones sobre el sufrimiento humano tras haber estado observando desde un balcón lo que sucedía en una calle. Pero es difícil a veces discernir en que se inspiró en cada tema, ya que cada una es tan sentida que parecieran reales y podría pasar párrafos y párrafos de esta reseña analizando la profundidad de una por una. Todas son excelentes, y el disco en general es perfecto y digno de la calificación máxima.
Concluiré contando que nadie daba muchas esperanzas a que un tímido e humilde trovador en sus treintas pudiera brillar habiendo tantos artistas de moda (y sobretodo de gran calidad) y tantas sensaciones juveniles en ascendencia, ni siquiera la propia disquera esperaba mucho por el pobre Leonard Cohen, pero su calidad se impuso y dio la sorpresa al vender más de 100,000 copias convirtiéndolo en un artista de culto, condición que mantiene aun al día de hoy, cuando a sus más de ochenta años aun sigue desarrollando música de calidad envidiable.
Gera Ramos