Elliott Smith

Elliott Smith – Roman Candle (1994)

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Elliott Smith - Roman Candle (1994)

Puntaje del Disco: 8

  1. Roman Candle: 8
  2. Condor Ave: 8,5
  3. No Name #1: 8,5
  4. No Name #2: 7,5
  5. No Name #3: 7
  6. Drive All Over Town: 7,5
  7. No Name #4: 7,5
  8. Last Call: 9
  9. Kiwi Maddog 20/20: 8

Steven Paul Smith, popularmente conocido como Elliott Smith, nació en el verano de 1969 en los Estados Unidos, mas precisamente en el estado de Nebraska pero se crió en Texas y a su vez consiguió sus primeros reconocimientos profesionales en Portland, Oregon, donde se mudaría de adolescente.

Elliott comenzó a tocar guitarra y a componer alrededor de los diez años, y durante su etapa de educación intermedia fue miembro de innumerable cantidad de “banditas” de escuela bajo los nombres de Steven Smith o «Johnny Panic», que luego reemplazaría por Elliott Smith.

Antes de comenzar su rica carrera solista, toco durante algunos años con la banda de rock Heatmiser tocando en Portland y ciudades cercanas y llegando a editar 3 trabajos. Mientras formaba parte de la banda, Smith empezó su carrera en solitario y en 1994 lanzaría su primer LP, Roman Candle, lo que generó tensiones dentro del grupo hasta que se disolviera.

En Roman Candle Elliott se ocupó de todo, inclusive el mismo envió un cassette con sus propias canciones a una discográfica que para su sorpresa la terminaría publicando, también aportaría su apacible y característica voz, guitarra, acústica y todos los instrumentos usados en cada canción grabados en forma casera en su propio sótano.

Su talento innato para componer se plasman en algunos de sus mejores temas con melodías hipnóticas, honestas y tristes como “Condor Ave”, “No Name #1”, “Last Call” y el instrumental “Kiwi Maddog 20/20”.

Elliott Smith nos permitió disfrutar de su particular sonido acústico, folk y alternativo por varios años en los cuales luchó contra sus propios fantasmas la depresión, el alcoholismo y las drogas hasta su fallecimiento en 2003 a la joven edad de 34 años, de una puñalada en el pecho aparentemente auto infligida, aunque nunca se pudo comprobar a ciencia cierta esta teoría y su muerte aún hoy continúa siendo un misterio.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Elton John

Elton John – Honky Chateau (1972)

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Puntaje del Disco: 10

  1. Honky Cat: 9
  2. Mellow: 8
  3. I Think I’m Going to Kill Myself: 9
  4. Susie (Dramas): 8.5
  5. Rocket Man (I Think It’s Going to Be a Long, Long Time): 10
  6. Salvation: 8.5  
  7. Slave: 8.5
  8. Amy: 9
  9. Mona Lisas and Mad Hatters: 10
  10. Hercules: 8.5

Casi sin bajar la calidad de sus discos, Sir Elton John editó su quinto material de estudio en 1972 y como era de esperar, la producción no defraudó. Honky Cheateau, cuyo título estuvo inspirado en el cheateu francés del siglo XVIII, alcanzó excelentes posiciones en los charts de todo el mundo, erigiéndose como uno de los recomendados por la revista Rolling Stone.

En Honky Chateau se aprecia una transición del británico desde su posición clásica de cantautor hacia uno de estrella de rock, rasgo que se intensificaría en posteriores álbumes. La brillante apertura con “Honky Cat” y la bella balada “Mellow” demuestran la gran precisión del artista así como la cínica “I Think I’m Going to Kill Myself”, son prueba de la versatilidad del John y su gran capacidad compositiva.

“Rocket Man (I Think It’s Going to a Be a Long, Long Time” basada en el cuento “Rocket Man” de The Illustrated Man de Ray Bradbury relata con el piano de fondo y algunos sintetizadores, las sensaciones encontradas de un astronauta entre dejar a su familia o hacer su trabajo. No sólo es uno de los grandes clásicos de Elton John, sino que fue un impulsor muy importante en el éxito del disco.

En el final “Mona Lisas and Mad Hatters”, con una melodía y letras magníficas, le da un cierre sensacional a este gran disco de Sir Elton John.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Luis Alberto Spinetta

Luis Alberto Spinetta – Téster de violencia (1988)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Lejísimo: 9,5
  2. Siempre en la Pared: 10
  3. Al Ver Verás: 7,5
  4. La Luz de la Manzana: 8,5
  5. El Marca Piel: 8,5
  6. El Mono Tremendo: 8
  7. Organismo en el Aire: 9
  8. Tres Llaves: 8,5
  9. La Bengala Perdida: 9,5
  10. Alcanfor: 7
  11. Parlante: 8

La década del ochenta fue más que productiva para el gran Luis Alberto Spinetta. Comenzó con la reunión de Almendra, le siguió la experiencia creativa que significó Spinetta Jade, consolidaría su carrera solista con discos impecables como Kamikaze o Mondo di Cromo y ya para finales de la misma se despacharía con lo uno de sus puntos altos en su carrera, Téster de violencia (1988).

La portada del disco tiene un collage que encuadra un rojo (repleto de significados para Spinetta) y dentro se encuentra la cabeza entregada y cercenada de Luis, todo esto simboliza la «conceptualidad» de este trabajo, basado mayoritariamente en la obra del filósofo frances Michel Foucault.

En una entrevista para promocionar el material, “el flaco” explicaría a su manera lo que significó la producción de Téster de violencia para el:  “Tengo acumulado un material infernal, he trabajado mucho con las letras, inclusive las pasé en computadora. Infernal, porque me quemé el bocho para hacerlo. No lo juzgo, ni nada, sino que simplemente quiero vibrar con la idea de poderme hacer un service con el disco (risas) Sí, el disco de cualquiera de nosotros es un service de cada uno. En este caso, Téster es el primer álbum relativamente conceptual en mucho tiempo. Diría que desde Durazno sangrando que no puedo conceptualizar varios temas y ponerlos al servicio de una sola temática, si bien cada disco pareciera tener una unidad interna..”

Téster se convertiría en uno de los discos claves en la historia del Rock Argentino de los ochenta, y le otorgaría una llamativa masividad gracias a las maravillosas “Siempre en la Pared”, “Lejísimo”, “El Marca Piel”, “La Bengala Perdida”, entre otras. Para apoyar este conjunto de impecables temas acompañaron a Luis Alberto, Guillermo Arrom en guitarra, Carlos Alberto «Machi» Rufino en bajo, Jota Morelli en batería y Juan Carlos «Mono» Fontana en teclado. “Yo toco con estos tipos porque son los únicos capaces de entender lo que quiero decír… No quiero ninguna otra cosa ni siquiera que le pase cerca.

No sé explicarte, es una magia muy personal, muy desarrollada por años. La de ganar siempre con la música el corazón. No ganarlo con palabras, que tantas se han derrochado…”, afirmaba Spinetta.

Volviendo a los temas que componen el disco, no se puede dejar de mencionar otras composiciones elevadas que contiene el disco como “Organismo en el Aire”, “La Luz de la Manzana” y “Tres Llaves”. La antes mencionada “La Bengala Perdida”, se inspiró en la trágica muerte del simpatizante del Racing Club Roberto Basile, ocurrida en el estadio de Boca Juniors, el 3 de agosto de 1983, quien fuera víctima de una bengala lanzada desde una tribuna, la que se insertó en su garganta, y también habría espacio para temas más festivos y en clave humorística tal es el caso de “El Mono Tremendo” junto a la incipiente banda “Pechugo” formada por niños, pero no cualquier niño, Los hijos de Luis: Dante, Catarina y Valentino y Lucas Martí y Emmanuel Horvilleur. Quienes luego debutarían en vivo como “Pechugo” en un recital de Spinetta en el Teatro Broadway de Buenos Aires, el 25 de noviembre de 1988.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
PJ Harvey

PJ Harvey – Is This Desire? (1998)

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PJ Harvey - Is This Desire (1998)

Puntaje del Disco: 8

  1. Angelene: 9
  2. The Sky Lit Up: 8
  3. The Wind: 6
  4. My Beautiful Leah: 6,5
  5. A Perfect Day Elise: 7,5
  6. Catherine: 6
  7. Electric Light: 8
  8. The Garden: 8,5
  9. Joy: 8
  10. The River: 7
  11. No Girl So Sweet: 8
  12. Is This Desire?: 8

«Tratando de encontrar un nuevo camino, pero un momento particularmente difícil en mi vida. Así que era un muy, muy difícil disco para hacer y todavía lo encuentro muy difícil de escuchar, pero probablemente mi disco favorito de los que he hecho porque tenía mucho valor. Quiero decir: yo estaba haciendo música extremadamente difícil, experimentando con técnicas que no había usado antes y sin importarme realmente lo que los demás pensaran sobre ello. Estoy muy orgullosa de él .», así hablaba de  Is This Desire? (1998) PJ Harvey años después de su edición.

El momento difícil que tanto perturbaba a Polly Jean era el final de una apasionada relación sentimental con otro groso de la música Nick Cave, Harvey llegó al punto de plantearse la posibilidad de abandonar indefinidamente su carrera musical, llegando a descartar una primera versión de este trabajo en 1997 inmersa en un delicado estado emocional. Por suerte nada de esto sucedió y retomó el hilo para lanzar sus canciones más intimistas, confesionales y descarnadas hasta esa fecha.

Desde el plano estrictamente musical Is This Desire?, refleja pocas explosiones de guitarras, en contraste con sus primeras obras, y se orienta mayormente a composiciones más sutiles, a los teclados, la electrónica y algunos tracks con guitarra acústica.

Es un álbum duro de escuchar en primera instancia, desafía al oyente, pero PJ Harvey no pierde sus dotes como impecable compositora y una vez que se entra en “onda” este inquietante y rico trabajo ofrece su recompensa.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Yeah Yeah Yeahs

Yeah Yeah Yeahs – Mosquito (2013)

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Yeah Yeah Yeahs - Mosquito (2013)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Sacrilege: 8,5
  2. Subway: 8
  3. Mosquito: 6,5
  4. Under the Earth: 8
  5. Slave: 9
  6. These Paths: 7
  7. Area 52: 5,5
  8. Buried Alive: 7
  9. Always: 7
  10. Despair: 8
  11. Wedding Song: 7,5

Este trío es realmente inquieto. Como señalaba en reseñas anteriores, si una virtud y cualidad tiene Yeah Yeah Yeahs es que se esfuerzan por hacer algo distinto siempre en cada nuevo álbum que graban, a punto tal que su cuarto disco, Mosquito, parece a años luz de lo que fue Fever to Tell. Aplaudo que busquen diversificar y no quedarse en el molde. ¿Pero hasta qué punto es bueno esto?

En Mosquito si una cualidad tiene YYYs es la de intentar experimentar con diferentes estilos, pero con estilos que no venían abordando antes. Tenemos Gospel (“Sacrilege”), incursiones en el Dub (“Under the Earth”), electrónica minimalista (“These Paths”), algo de Rap (“Buried Alive”, con la colaboración de Dr. Octagon) y Dream Pop (en la repetitiva “Always”). Y Karen O acompaña siendo versátil con su voz.

Sin embargo, Mosquito es realmente irregular. Los géneros que toca Yeah Yeah Yeahs no siempre son tan acertados y ofrecen composiciones que no son muy consistentes a lo largo de todo el disco. Por ejemplo, la homónima “Mosquito” resulta tan ridícula desde Karen emulando los sonidos del insecto hasta por su propia melodía, pero se las arregla para ser un poco pegadizo en su estribillo: “He’ll suck your blood!”. Y en la segunda parte del álbum, que es aún más floja, encontramos fallidos como “Area 52”.

Por eso lo mejor de Mosquito está al principio, encontrando su pico en “Slave”, el único tema en el que Nick Zinner se desata un poco más en guitarra para cortar con esa energía aplacada que parece tener la banda en este disco y rememorando lo bueno que hicieron en el pasado.

Mosquito puede ser un trabajo discográfico bastante difícil para el que está acostumbrado a una idea de lo que es la banda o para aquellos que tiene un álbum predilecto. Ya que como contaba, al ser sus discos tan distintos entre sí, la recepción de los seguidores de la banda puede ser muy diversa de acuerdo a su preferencia.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 3)
Editors

Editors – An End Has a Start (2007)

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Editors - An End Has a Start (2007)

Puntaje del Disco: 7

  1. Smokers Outside the Hospital Doors: 7,5
  2. An End Has a Start: 7
  3. The Weight of the World: 8
  4. Bones: 8
  5. When Anger Shows: 7
  6. The Racing Rats: 7,5
  7. Push Your Head Towards the Air: 7
  8. Escape the Nest: 7,5
  9. Spiders: 6
  10. Well Worn Hand: 6,5

An End Has a Start (2007), el segundo esfuerzo solista de la banda británica de indie rock Editors, no tiene la fuerza y el impacto de su debut. Para cualquier banda resulta complicado afianzarse luego de un debut exitoso y más aún si estamos antes una obra tan redonda como lo fue The Back Room.

El problema en An End Has a Start es que no hay ni una canción memorable que rompa el molde y se salga de los esquemas, esta impecablemente interpretado, una perfecta producción pero es bastante monótono y por momentos aburre.

A pesar de esto An End Has a Start es un álbum decente y muchos de sus fanáticos iniciales quedaran satisfechos, pero sin dudas no es la mejor versión de Editors nos puede ofrecer y de lo que son capaces, convirtiéndose en un disco bisagra a partir del cual demostraran o no lo que son capaces de lograr con su post punk oscuro y tan personal.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Counting Crows

Counting Crows – The Desert Life (1999)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Hanginaround: 7
  2. Mrs. Potter’s Lullaby: 8
  3. Amy Hit the Atmosphere: 8
  4. Four Days: 7.5
  5. All My Friends: 7.5
  6. High Life: 8
  7. Colorblind: 7.5
  8. I Wish I Was a Girl: 7
  9. Speedway: 8
  10. St. Robinson in His Cadillac Dream: 8
  11. Kid Things: 8

Luego del lanzamiento de Across a Wire: Live in New York City en 1997, que retrataba en un disco doble la presentación de Conuting Crows en la Gran Manzana, la banda liderada por el vocalista Adam Durtiz editó su tercer material de estudio en 1999 conocido como The Desert Life.

“Hanginaround” y “Colorblind” fueron los primeros sencillos que permitieron el éxito de este nuevo trabajo del grupo. A la particular voz del cantante y las letras, parte del suceso del disco se debió a los arreglos de David Lowey y Dennis Herring en las producciones orquestales.

El largo tiempo que la banda estuvo alejada de los estudios tuvo sus frutos con la edición de este muy buen álbum, que demostró en temas como “Mr. Potter’s Lullabay” y “Speedway” una clara madurez durante ese período.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Carajo

Carajo – Atrapasueños (2004)

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Carajo - Atrapasueños (2004)

Puntaje del Disco: 8

  1. Hacerse Cargo: 7
  2. Atrapasueños: 6,5
  3. Triste: 7
  4. Mata-Rutinas: 7,5
  5. El Error: 7
  6. Fluir: 8
  7. El Llanto Espiritual: 8,5
  8. La Fuerza Original: 8
  9. La Huella Del Depredador: 7,5
  10. Como Debería Ser: 8
  11. De Frente Al Mar: 9
  12. Bicho De Ciudad: 7
  13. ¿Qué Tienes Para Dar?: 8
  14. Algo En Que Creer: 7,5
  15. De Hoy No Pasa: 8,5

Ya desde su portada Atrapasueños, segundo CD de Carajo editado en 2004, demostraba estar ante una versión algo distinta a como los conocimos en su primer trabajo, más optimista, simple y melódica.

Sobre el crecimiento del grupo dentro del ambiente musical nacional de aquellos años Marcelo “Corvata” Corvalán daría su visión: “Creo que había una necesidad en el ambiente musical, o quizás en la parte más pesada del rock, de tener una propuesta nueva. Encima ya desde antes de que saliéramos nosotros había un montón de propuestas interesantes de otras agrupaciones como Santos Inocentes o Raíz, pero al final esos grupos no tuvieron el tiempo necesario para fortalecerse. Ahí aparece Carajo. Todos esos factores ayudaron a que la gente nos diera la oportunidad de escucharnos. Nosotros salimos y lo único que pensamos fue tocar y tocar; lo demás vino solo. El hecho de intentar dar un buen show, romperse el culo desde la composición o apuntar a una propuesta original también ayudó para lo que vino después. Pero todavía nos sigue sorprendiendo ver la cantidad de gente que nos apoya.”

Sobre Atrapasueños específicamente y el proceso de composición aportaría lo siguiente: “Nosotros vamos componiendo sobre la marcha. No es que llega el momento de grabar y recién ahí nos ponemos a hacer canciones. De hecho apenas sacamos el primer disco ya estábamos tocando temas nuevos. Y este nuevo compact tiene temas que están terminados hace un año y medio por lo menos y que hasta los estuvimos probando frente al público. Es que hay una necesidad de tener más repertorio. Vemos la buena onda de la gente y todo el apoyo que nos dan y entonces también por eso hacemos cosas constantemente, para no dejar a nadie con las ganas.”, y agregaría: No hubo prejuicios ni con las letras ni con la música. Hay un tema que se llama “De Frente al Mar” que parte directamente de una idea acústica y que tiene invitados como Jorge Araujo y Botafogo. Eso le da un sonido más étnico, saca al disco un poco del rock. Ese es un ejemplo concreto de lo que decíamos sobre la búsqueda musical y de hecho es una canción de la que nos sentimos totalmente orgullosos. No nos da miedo mostrarlo porque eso también es Carajo.”

Atrapasueños es un muy buen trabajo que ayudó a consolidarlos tanto musicalmente como en su posición dentro del mundo del rock argentino. No pararon de llenar lugares y ser número puesto en festivales construyéndose un lugar importante en la escena rockera.

F.V.

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(Votos: 0 Promedio: 0)
Neil Young

Neil Young – Re-ac-tor (1981)

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Neil Young - Re-ac-tor (1981)

Puntaje del Disco: 7

  1. Opera Star: 7
  2. Surfer Joe and Moe the Sleaze: 7
  3. T-Bone: 6
  4. Get Back on It: 6
  5. Southern Pacific: 7,5
  6. Motor City: 7
  7. Rapid Transit: 8
  8. Shots: 8,5

Re-ac-tor (1981) es uno de los discos más polémicos y criticados (injustamente) en la carrera de Neil Young y los Crazy Horse. Si bien en contraste con su obra de la década anterior el nivel decayó bastante no es un desastre ni mucho menos.

Su set de hard rock alternativo se combina con algo de ritmos new wave dominantes en la época. En su gran mayoría son composiciones simples pero pesadas con improvisaciones bien resueltas que suenan bien y algún otro tema con letras carentes de inspiración como “T-Bone” (casi diez minutos repitiendo “Got mashed potato/Ain’t got no t-bone»).

Algunos temas más valiosos se encuentran al final del material como “Southern Pacific”, “Rapid Transit” y en especial “Shots”, estos representan musicalmente como una antesala al estilo dominante que conoceríamos años mas tarde en otro pico de lucidez de la carrera del canadiense en los álbumes Freedom (1989) y Ragged Glory (1990).

A pesar de las devastadores criticas que recibió y que por momentos es cierto que pareciera estar tocando en piloto automático, Re-ac-tor es un disco que se puede apreciar y es mas respetable de lo que muchos se pueden imaginar.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 3)
George Harrison

George Harrison – Thirty Three & 1/3 (1976)

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George Harrison – Thirty Three & 1 3 (1976)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Woman Don’t You Cry For Me: 8,5
  2. Dear One: 7
  3. Beautiful Girl: 8
  4. This Song: 6
  5. See Yourself: 8
  6. It’s What You Value: 7,5
  7. True Love: 6,5
  8. Pure Smokey: 7,5
  9. Crackerbox Palace: 8
  10. Learning How To Love You: 6,5

En 1974 George Harrison fundaría la compañía discográfica Dark Horse (sí mismo nombre que el disco que editó ese año). Pero recién un par de años después grabaría su primer disco con ese sello discográfico. Así nacería Thirty Three & 1/3, un disco mantiene el nivel de lo que ofrecía Harrison en aquellos años.

En otras palabras Thirty Three & 1/3 es un álbum que está bien, pero lejos está de ser un álbum que pueda conmoverte. Al igual que en Extra Texture lo que se puede destacar es que las melodías son bastante decentes. Pero ninguna llama la atención y algunas se exceden en melosas. Así como otros cortes desde lo convencional terminan resultando genéricos. Pero tal vez la mayor diferencia es que el ex Beatle diversifica y no lo hace nada mal. “Woman Don’t You Cry For Me” tiene un sonido Funk interesante, resultando muy distinto a lo que venía haciendo pero sin perder su autenticidad (su estilo tan característico en guitarra sigue presente). Tampoco se olvida de All Things Must Pass, por eso su influencia se nota en ciertos pasajes. Pero las reminiscencias a su mejor disco ya empiezan a sonar a refritos, en lugar de hacerte añorar lo bueno que logró entonces.

Por eso Thirty Three & 1/3 es un álbum con buenas intenciones, pero que se queda a mitad de camino de todo lo que puede lograr Harrison.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Tu dosis necesaria de discos, películas, series y más

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