Puntaje de la Temporada:
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Puntaje del Disco: 8
Para mediados de la década del noventa surgió en Montevideo, Uruguay, Peyote Asesino, una banda que supo combinar el hip hop y el funk con el rock y el metal duro, algo atípico en la escena latinoamericana y más aún en su país natal.
Formados inicialmente por L. Mental en voz, Daniel Benia en bajo, Juan Campodónico en guitarra y una Batería electrónica, y luego completada la formación con Pepe Canedo en batería y Carlos Casacuberta en voz y guitarra, Peyote comenzó tocando en el pequeño circulo del under montevideano pero su sonido poco convencional, letras punzantes y guitarras distorsionadas los diferenciaban del resto.
Pudieron grabar su disco debut gracias a el concurso «Generación 95», del cual resultaron ganadores y el premio fue horas gratis en un estudio de grabación donde concibieron su primer trabajo, en el cual sonaban bien y potentes pero no recibieron mayor atención fuera de su país.
Descubiertos por Gustavo Santaolalla, El Peyote tendría su primera chance en un sello internacional como Universal con quienes grabarían la placa por la que se harían realmente conocidos, Terraja (1998), disco grabado de forma totalmente profesional en Los Angeles, y llegó a editarse en Argentina, México, Estados Unidos y Puerto Rico. Por aquellos años el hip hop se encontraba en plena ebullición en aquellas latitudes, gracias a bandas como Control Machete, Molotov, Illya Kuriaki, entre otras, y los uruguayos sacaron provecho de esto.
Lamentablemente Peyote Asesino insinuó más de lo que finalmente concretaron y en su mejor momento luego de presentar su disco en Buenos Aires y Montevideo, codeándose de bandas del calibre de Cypress Hill, Molotov, Bersuit Vergarabat y Árbol, se separarían a principios de los 2000 para que cada uno de sus integrantes siguiera su carrera por distintos horizontes.
F.V.
Puntaje del Disco: 8
Tupelo Honey es el nombre de una especie de miel producida por la flor del árbol Tupelo que se encuentra en el Sur de los Estados Unidos y hacia 1971 se convirtió en el título del quinto álbum de estudio del cantante irlandés Van Morrison.
Como en trabajos anteriores, Morrison explora en diversos géneros como el country, el R&B, el soul y por supuesto el folk, con letras enfocadas las locaciones rurales de Woodstock, donde la familia del artista habitaba por entonces (“Old Old Woodstock”, “Starting a New Life”).
“Wild Night”, el primer corte de difusión se destaca por salirse un poco de los parámetros de suavidad y tranquilidad que Morrison nos tenía acostumbrados, para darnos una buena apertura de disco. “Tupelo Honey” y “I Wanna Roo You” son otras dos buenas composiciones que dan forma a esta buen material.
Piro
Puntaje del Disco: 8
Tras hacerse famosos a nivel mundial el trío de punk rock moderno Gossip volvería a escena con su esperado cuarto álbum de estudio en 2009 Music for Men, esta vez bajo un sello grande como Columbia Records, luego de lo que significó su despegue internacional Standing in the Way of Control (2006).
Su cantante y principal figura, Beth Ditto, continuaría llamando la atención en la prensa declarándose, sin miedos ni complejos: «Gorda, lesbiana y feminista». Declarada por la prensa inglesa como la cantante «más cool» del momento, Ditto hace de su mentalidad abierta una causa en cada oportunidad que tiene como declararía en una entrevista de aquella época: “Prefiero que me llamen gorda. Me gusta esa palabra, aunque no es fácil para todo el mundo. No es fácil pero es divertido, porque nunca he encontrado a un cantante que haga de su gordura una causa. Para mí lo es, y me encanta ser portavoz de esta minoría, si es que a los gordos se nos puede considerar una minoría, que tiene que pasarse la vida luchando contra los prejuicios. A mí no me pesa ser gorda; forma parte de mi personalidad”.
Sin embargo más allá de su fuerte personalidad hay que privilegiar en primer lugar su poderosa y cautivadora voz comparada en ocasiones con Janis Joplin o Patti Smith. En Music for Men, se destaca tanto su labor vocal como la capacidad del grupo por abarcar y fusionar dentro de su música bailable distintos estilos como el pop, el punk, la new wave, el blues, disco y el rockabilly.
En esta nueva placa el grupo suena confiado y sólido, apoyándose en su esencia para crecer y a su vez usando su suceso para llevar su mensaje a la mayor cantidad de personas posible.
F.V.
Puntaje del Disco: 8
Blue Valentine es el sexto disco de estudio de Tom Waits y un progreso notable respecto de lo que fue Foreign Affairs. Algunos lo toman como una continuación respecto de lo que fue Small Change, con la voz rancia tan característica de este grandioso cantautor y ofreciendo variedad en los estilos de sus composiciones, obviamente repasando lo que estamos acostumbrados en él pero con diferencias.
“Somewhere” (tema Hollywoodense de West Slide Story) nos da una falsa impresión de que Tom Waits vuelve a abocarse a sus canciones orquestadas. Pero inmediatamente aparece “Red Shoes By The Drugstore” para experimentar explotando toda la verborragia de Waits en su voz, con un sonido más monótono en base a su percusión y bajo, marcando una disrupción. A partir de entonces, Blue Valentine se transforma en una colección de canciones en las que aborda Jazz y Blues, con picos en “Romeo Is Bleeding” y “29.00” (8 minutos de Blues del bueno). Tampoco faltan las baladas decentes a piano del estilo de “Christmas Card From A Hooker In Minneapolis”.
En definitiva, es un disco más entretenido en líneas generales contando sus historias. Más orientado al Blues y Jazz, en el que instrumentos como la guitarra eléctrica empiezan a ganar terreno por sobre los instrumentos de cuerda orquestales.
Persy
Puntaje del Disco: 8,5
Para finales de la década del noventa se vivió una verdadera revolución en la música electrónica comercial que comenzó a renacer gracias a figuras rutilantes como The Chemical Brothers, Daft Punk, Moby.
Dentro de esta lista debería agregarse con letras grandes el nombre del infatigable Norman Cook, más conocido como Fatboy Slim, quien en 1998 con su segunda placa ampliaría su popularidad hacía niveles nunca alcanzados con su antiguo conjunto, los Housemartins.
You’ve Come a Long Way, Baby es un disco lúcido, consistente, directo, vibrante y ecléctico, demostrando el extenso conocimiento musical de Cook que no abarca solo la electrónica moderna sino que se pasea por el hip hop, pop, reggae, entre otros.
Para muchos una verdadera obra maestra, repleta de ganchos y ráfagas de gran calidad e imaginación, este álbum incluye varios de los temas más reconocibles y celebrados de Fatboy Slim como “Right Here, Right Now”, “The Rockafeller Skank” y “Praise You”, con tal calibre de tracks se convirtió inevitable, y merecidamente, en un clásico de la electrónica y también de toda una era.
F.V.
A modo cierre les dejamos esta selección de la revista NME, en la que repasan 50 de los Discos Más Oscuros, a la cual pueden acceder desde AQUÍ.
La semana que viene, el 6 de octubre, Persi Music cumple años y como les anticipábamos en el cierre del Mundial de Bandas, se estará desarrollando un Torneo Sorpresa. Así que estate atento y preparate para otra vibrante competencia de Bandas.
Puntaje del Disco: 8.5
Después de meses de peleas legales, en Junio de 1977 Marvin Gaye finalmente se divorció de su esposa Anna Gordy Gaye, dándo lugar no sólo a una etapa de nostalgia personal, sino que dichos sentimientos dieron como resultado su decimoquinto álbum dedicado exclusivamente a ella.
“Here, My Dear” detalla aquellos tumultuosos momentos de enfrentamientos entre ellos, mientras que “I Met a Little Girl” evoca las crónicas del florecimiento y decaimiento de la relación. Casi como a modo de disco conceptual, todo el material está enfocado a esta historia de amor y desencuentros, con los ritmos suaves y letras melosas que caracterizan a Gaye.
Puede que para otros artistas el desencanto por una relación perdida sea motivo de debacles personales, sin embargo, Gaye condensó toda su tristeza y en un maravilloso material.
Piro
Puntaje del Disco: 8,5
Libertinaje (1998) sería el despegue definitivo de Bersuit Vergarabat, tanto a nivel nacional como internacional. Con la producción artística de Gustavo Santaolalla que interpretó de maravillas la identidad del grupo y los mejoró y la incorporación en voces y coros de Daniel Suarez y Germàn Sbarbatti la banda comenzaría a pasar sus años más exultantes.
El propio pelado Cordera lo reconocía por aquellos años: «Si ahora viene más público a vernos, y si vendemos más discos, mejor, pero todo tipo de estallido, si no lo gobernamos, también nos puede matar, porque somos seres muy compulsivos y muy barderos. Y no tenemos mucho más cerebro para gastar.»
El mismo Cordera explicaría cual fue la clave del estallido que generaron con este álbum: «Me hizo cambiar Gustavo Santaolalla, nuestro productor. Con él logramos la felicidad y la diversión dentro de un estudio.» Con el la Bersuit grabó su disco más ecléctico y desprejuiciado. Y a la vez polémico. En Libertinaje se acompaña al rock con
toques distintivos del latino como el tango, rap, murga y la cumbia.
En plena etapa de declive de la década menemista, la Bersuit generaría polémica por sus abiertas críticas hacia el régimen reinante, en especial gracias a la canción «Sr. Cobranza» (de autoría de Las Manos de Filippi, pero popularizada por Bersuit Vergarabat), que sería censurada por el Comité Federal de Radiodifusión (Comfer) apercibiendo severamente a las radios que la difundieran. Las radios ya no podían volver a pasarla, excepto que deseen pagar millonarias multas. El pelado contraatacó con humor: difundió por una versión «autocensurada» del tema, con decenas de piiips, y prometió una nueva versión, «Obsecuente mix», esta vez a favor del Gobierno.
Mas allá de las polémicas y de su canción más reconocible recién mencionada, Libertinaje cuenta con otros momentos musicales que vale la pena recomendar como “A Los Tambores”, “Murguita del Sur”, “Vuelos”, “¿Qué Pasó?” y “A Marça de Deux”, esta última una improvisación divertida donde Cordera canta y se expresa en portugués.
Gracias al impulso de este trabajo Bersuit inicia una larga etapa de presentaciones por toda Latinoamérica, Estados Unidos y hasta llegán al viejo continente presentandose en España en una gira más que exitosa. Para cerrar el año 1999 deciden cerrarlo con un show multitudinario al aire libre nada más y nada menos ante cincuenta mil fanáticos frente al emblemático obelisco.
F.V.
Puntaje del Disco: 9
Suicide es un dúo punk que nació a fines de los setenta, conformado por Alan Vega y Martin Rev. Lo que caracteriza y diferencia a esta banda respecto de otras bandas Punk neoyorquinas que nacieron en la misma época es que Suicide desarrolla su Post Punk combinándolo con electrónica. No hay guitarristas, ni riffs violentos. De todas formas logran su propio estilo en base al uso de sintetizador de Rev, que genera un sonido que penetra en tu mente con su caja de sonidos que si bien es taladrante también es efectiva, a la cual se acopla la voz fantasmagórica de Vega. Así logran atmosferas oscuras que no tienen comparación con otros grupos del período, donde la influencia de bandas como The Velvet Underground es notoria.
Esto se puede escuchar en su homónimo álbum debut, siendo la primera parte la más reconocida, especialmente por la presencia de “Ghost Rider”, el clásico de la banda con la melodía más pegadiza del disco. “Rocket U.S.A.” te hace entrar de lleno en el trance que ofrece Suicide. Mientras que “Cheree” se podría decir que es de lo más “Pop” del álbum junto a la hipnótica «Keep Your Dreams».
Su primer disco en general tiene un muy buen nivel, pero el tema más perturbador y llamativo del disco es “Frankie Teardrop”, con sus más de 10 minutos de duración, donde Vega cuenta la historia de un padre joven trabajador de fábrica que al perder su trabajo, también pierde la cordura. Así asesina a su familia y luego se suicida. En esta canción los sintetizadores suenan más paranoicos y repetitivos que nunca. Además, Vega cuenta la historia con su voz de manera insana, lanzando por momentos gritos aterradores. Y sobre el final, expresan como el protagonista viaja al infierno volviéndose todo más surrealista. Tal vez no sea gran tema desde lo estrictamente musical (es hasta monótono), pero la experiencia que logran es única y te mantiene en vilo los 10 minutos que dura.
Suicide de Suicide es un disco tremendo y muy original por la mística que logran despegándose del arquetipo modelo de todos los grupos punk de esa época. Por eso fue muy influyente. Sin ir más lejos fue la principal fuente de inspiración del disco de Bruce Springsteen Nebraska.
Persy