Fito Paez – Ey! (1988)

Fito Paez - Ey! (1988)

 Puntaje del Disco: 8

  1. Lejos de Berlín: 8
  2. Sólo los Chicos: 8
  3. Tatuaje Falso: 8,5
  4. La Ciudad de los Pibes Sin Calma: 6
  5. Polaroid de Locura Ordinaria: 9,5
  6. Canción de Amor Mientras Tanto: 8,5
  7. Dame Un Talismán: 7,5
  8. Alacrán (Resaca): 6,5
  9. Por Siete Vidas (Cacería)7

Luego del insuperable Ciudad de Pobres Corazones (1987), Fito Paez volvería tan solo un año después con su quinto álbum titulado Ey!, elegido a modo de protesta contra su empresa discográfica por no haberle dejado seleccionar el que el deseaba, Napoleón y su Tremendamente Emperatriz (fragmento del tema “Tatuaje Falso”).

Ey! fue grabado entre Buenos Aires, Nueva York y La Habana, y conjuga la rabia contenida y rock duro de su anterior trabajo con temas más románticos y melódicos emparentados con ritmos caribeños, tal es el caso de “Por Siete Vidas (Cacería)”, elegido para cerrar la obra.

Entre sus temas que pasarían a formar parte de su repertorio más recordado podemos citar “Sólo los Chicos”, “Canción de Amor Mientras Tanto” y la más celebrada la genial “Polaroid de Locura Ordinaria”.

Un dato de color que quizás pocos conocen es la participación estelar de los por entonces ex Sumo y futuros Dividivos, Diego Arnedo tocando el bajo en “Alacran” y Ricardo Mollo aportando guitarras en “Lejos en Berlín»,»Tatuaje Falso» y también en «Alacran».

Con Ey! Paez concluyó su contrato para la compañía EMI Music con un muy buen trabajo pero sin demasiados resultados comerciales. Sin sello discográfico y sin dinero para pagar las deudas que lo aquejaban, sumada la hiper inflación y la crisis que afrontaba Argentina en esos años, el rosarino pensó en instalarse en Europa para radicarse en el viejo continente se encontró con que su amigo de la infancia, Fabián Gallardo, había sido nombrado director artístico de Warner Music Group y con contrato para esta compañía publicó en 1990 Tercer Mundo, que significó todo un éxito y un renacer en su carrera.

F.V.

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Conspiraciones del Rock: Paul está muerto

Luego de la primera entrega de la sección Conspiraciones del Rock en la que abordamos la posibilidad de que Elvis Presley estuviese vivo, en esta oportunidad nos focalizaremos en otra de las más reconocidas teorías conspirativas que tiene como protagonista a uno de los músicos más aclamados en la historia del rock: Sir Paul McCartney.
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La teoría afirma que el 9 de noviembre de 1966, luego de una discusión con John Lennon durante una de las sesiones de grabación, Paul McCartney dejó los estudios de grabación enfurecido y chocó con su auto Austin Healey, en un accidente que le causó la muerte inmediata.
John Lennon, George Harrison y Ringo Starr habrían sido obligados por los servicios secretos británicos MI5 a guardar silencio sobre el hecho a fin de no producir “un suicidio masivo” de los fanáticos de The Beatles y para continuar con el éxito del grupo decidieron reemplazar a Paul por un tal William Campbell, que había sido el ganador en el concurso de dobles de Paul McCartney.

Fue recién el 12 de octubre de 1969 cuando un oyente que se identificó como Tom se comunicó con una radio de de Michigan, Estados Unidos, afirmando que Paul McCartney había fallecido en un accidente vial alegando pistas dejadas por The Beatles en los discos que sucedieron al hecho fatídico y que se podía oír la frase “Turn Me on, dead man” en la canción “Revolution 9” en sentido inversa. A partir de entonces el rumor comenzó a rondar con más fuerza, sustentándose en evidencias que los fanáticos alertaban en las diferentes canciones y portadas de discos que The Beatles iban publicando en los años posteriores.

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Con un parecido asombroso, William Campbell se conviritó en 1966 en el ganador de un concurso de imitadores de Paul llevado a cabo sin un fundamento definido. Tras una serie de cirugías estéticas y con la necesidad de aprender a tocar el bajo con la mano izquierda, Campbell pasó a reemplazar a su ídolo. Sin embargo no tuvo la inmediata aceptación de The Beatles y John lo apodó “Faul”, como una combinación entre False Paul.

Las Tapas de los discos

Conmocionados, entristecidos y muy vigilados por Maxwell y el MI5, mientras Campbell era sometido a las cirugías y demás cambios para simular ser McCartney, John Lennon se sintió culpable ante sus fanáticos por lo que propuso comenzar a dejar evidencias en las tapas de los discos que continuaron a la muerte de Paul.
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La foto de la tapa de Abbey Road tiene a cada uno de The Beatles llevando a cabo un funeral, donde John, vestido de blanco, representa al cura, Ringo quien porta el féretro, Paul, el único descalzo y con el paso cambiado, representa obviamente al muerto y George es el enterrador. Se especuló también con la chapa del auto blanco que se ve de fondo que dice “28IF”, descifrado como “28 if Paul had lived”, la edad que tendría Paul entonces si estuviese vivo. En el fondo pueden apreciarse tres individuos vestidos de blanco que respresentarían a los restantes integrantes del grupo y en la vereda de enfrente, a un hombre de traje viigñandolos, que represetnaría a Maxwell.

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band es uno de los discos más enigmáticos y donde más evidencias se exponen sobre la muerte de Paul. Representando el funeral de McCartney frente a las figuras que hubiese querido Paul que estén, los mensajes subliminales están por doquier, con pistas claras que dejan entrever que algo no andaba bien en la formación del grupo.
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Las letras de las canciones

Para no hacer tan notoria las pistas sobre la muerte de Paul, Lennon encontró en las letras de las canciones la forma ideal para dejar en evidencia que Faul era un impostor. A lo largo de numerosas canciones, The Beatles describían en detalle las circunstancias del fatídico accidente, como en “Drive My Car”, las consecuencias (“I Am the Walrus”) y el remordimiento y congoja por la partida de su compañero “While My Guitar Gently Weeps”.

Estudios Forenses

Después del estudio de numerosas fotos, la forense italiana Gabriella Carlesi llegó a la conclusión que las características físicas de las fotografías de Paul antes de 1966 y las posteriores no eran del mismo hombre, publicado en el trabajo titualado “Quién es ese Beatle?”

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Un testamento grabado en cassettes de un supuesto George Harrison previo a su muerte, confiesa y expresa toda la trama secreta detrás de las evidencias para tapar la muerte de Paul.

https://www.youtube.com/watch?v=vkARDboj4Hg

Piro

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The Maccabees – Colour It In (2007)

The Maccabees - Colour It In (2007)

 Puntaje del Disco: 8

  1. Good Old Bill: 7,5
  2. X-Ray: 7,5
  3. All in Your Rows: 7
  4. Latchmere: 7
  5. About Your Dress: 8,5
  6. Precious Time: 9
  7. O.A.V.I.P.: 7,5
  8. Tissue Shoulders: 8
  9. Happy Faces: 8
  10. First Love: 8,5
  11. Mary: 7
  12. Lego: 8
  13. Toothpaste Kisses: 8,5

The Maccabees, nombre que según cuentan ellos mismos no tiene nada que ver con lo religioso ya que fue tomado de La Biblia mientras la ojeaban en un día de aburrimiento cualquiera eligiendo una palabra al azar, se formó en el sur de Londres en 2004 cuando su cantante Orlando Weeks, el baterista Robert Thomas, el bajista Rubert Jarvis y los hermanos Hugo y Felix White en guitarras se volvieron fanáticos de los documentales musicales de la música ochentosa de la BBC, y comenzaron a ensayar y probar que tan buenos podían ser.

Su melodioso indie rock directo comenzó a escuchar en Noviembre de 2005 gracias al lanzamiento de su primer single “X-Ray” y gracias a la fuerte promoción radial de la XFM-Radio se ganaron el lugar de teloneros de los Artic Monkeys en 2006, quienes ya contaban con la edición de su consagratorio debut Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not. Lo que seguiría sería todo crecimiento para The Maccabees intensificando su popularidad gracias a su primer CD, Colour It In (2007), con la invaluable colaboración del productor Stephen Street (Quien trabajo con The Smiths, Blur, Kaiser Chiefs, entre otros).

Con influencias claras de The Futurheads, Bloc Party, Spoon, entre otras bandas contemporaneas, la banda muestra sus credenciales en esta primer entrega. Buenas canciones, ritmo adictivo, guitarras vibrantes y una voz particular, animada y con mucha personalidad de su frontman Orlando Weeks.

Colour It In exuda vitalidad y juventud. Aunque sabemos que es algo que se ha hecho con anterioridad y no es por demás original, estamos ante una banda con energía y un futuro prometedor que nos ofrece un trabajo incial más que disfrutable.

F.V.

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El Soberano – Naturaleza Errante (2004)

 

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Puntaje del Disco: 8

  1. Demencia Pasajera: 8
  2. Tal Vez: 8,5
  3. Criatura: 9
  4. Payaso: 7,5
  5. Ella era el Fuego: 7,5
  6. Naturaleza Errante: 8
  7. El Mago: 8
  8. Ídolo de los Salvajes: 7,5
  9. Donde las Almas Nunca Morirán: 7,5
  10. Noche Fatal: 7
  11. Dulce Doncella: 8,5

Es muy común que nos pasé que nos topemos con discos de bandas que sonaban prometedoras, pero que lamentablemente ya no se encuentran en actividad. El Soberano es uno de esos ejemplos que a mediados de la década pasada pintaba que podía despegar pero solo nos quedamos con un disco para su recuerdo.

La historia del grupo se remite a los noventa, cuando los hermanos Walter (voz y bajo) y Diego (Guitarras y coros) Cuzzolino junto al baterista Leando Petronelli formaban un trío llamado PK2. El grupo evolucionaria creciendo en su formación cambiando de nombre a Hermanos Underground hasta finalmente adoptar su forma definitiva como El Soberano, completando su formación con Luciano Candenas (guitarra) y Flavio Negretti (percusión y voz).

En el 2004 lanzarían su primer disco, Naturaleza Errante, en el que se puede ver su diferencial como banda respecto de otros grupos de la misma época. Cuando le damos Play a “Demencia Pasajera” encontramos cierta reminiscencia que se acerca a los Redondos, pero sin llegar a la imitación despiadada que tienen el descaro de hacer otras bandas. El Soberano no es reiterativo como los grupos de rock barrial comúnmente conocidos (lease La 25) y se las rebusca para tener su propio sonido. Busca llegar hacia algo más elaborado haciendo incursiones en el Rock Progresivo, tomando influencias de grandes de los sesenta y setenta. El caso más ejemplar es su mejor canción, “Criatura”, que tiene un riff de guitarra definido (muy bueno) y nos trae una mística un poco más oscura, con diversos tramos progresivos.

En ese sentido Naturaleza Errante es un trabajo en general consistente, prevaleciendo su costado instrumental y tiene cierta uniformidad en su sonido, variando en sus escalas de intensidad y oscuridad del clima de sus canciones.

Muy buen disco. Y quién sabe, por ahí en el futuro vuelvan a reunirse.

Persy

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Gong – Angel’s Egg (Radio Gnome Invisible, Pt. 2) (1973)

Gong - Angel's Egg (Radio Gnome Invisible, Vol. 2) (1973)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Other Side Of The Sky: 8,5
  2. Sold To The Highest Buddha: 8,5
  3. Castle In The Clouds:
  4. Prostitute Poem: 7,5
  5. Givin’ My Luv To You:
  6. Selene: 8
  7. Flute Salad:
  8. Oily Way: 7,5
  9. Outer Temple:
  10. Inner Temple: 8
  11. Percolations:
  12. Love Is How You Make It: 9,5
  13. I Never Glid Before: 9
  14. Eat That Phone Book Coda: 8,5
  15. Ooby-Scooby Doomsday or The D-Day DJ’s Got The DDT Blues: 8

Angel’s Egg es la segunda parte de la trilogía de Gong conocida como Radio Gnome. Aquellos que escucharon Flying Teapot, pueden quedarse tranquilos, porque la calidad se mantiene respecto de lo que fue su prometedora primera entrega.

De hecho, no hay grandes variaciones en el estilo de la banda. El rock espacial de atmosferas flasheras, cuasi psicodélicas, combinadas con Jazz es brillante. Se siguen resaltando los pasajes instrumentales con tramos que son realmente surrealistas para meternos de lleno en la mitología de Gong.

De todas formas tengo que decir que Angel’s Egg no es tan sólido como su predecesor.  Empiezan a aparecer cortes que suenan más a relleno.  Y por otra parte, la primera parte es buena, pero lo más divertido y destacado del álbum lo encontramos recién sobre el final. Es decir, hay que pasar por 11 canciones antes de llegar a lo mejor. Aunque no es un camino tortuoso. Para nada. La experiencia bizarra que ofrece Gong  siempre es un atractivo. Y cuando llegamos a “Love Is How You Make It”, sentimos una gran gratificación, por su excelente melodia pop/psicodélica donde se destaca su marimba. “I Never Glid Before” lo sucede como el mejor tema en materia de su rock progresivo jazzero.

Si todavía no escucharon a Gong haganlo. Es una de esas bandas que uno siente gusto por haberla descubierto al escucharla por primera vez.

Persy

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Keith Richards – Main Offender (1992)

Keith Richards - Main Offender (1992)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. 999: 8
  2. Wicked as It Seems: 9
  3. Eileen: 8,5
  4. Words of Wonder: 6,5
  5. Yap Yap: 7,5
  6. Bodytalks: 7
  7. Hate It When You Leave: 7,5
  8. Runnin’ Too Deep: 7,5
  9. Will But You Won’t: 7
  10. Demon: 7,5

La curiosa carrera solista de Keith Richards, guitarrista y alma de los Rolling Stones, parecía estar acabada contaba al menos hasta hoy con dos incursiones: Talk Is Cheap (1988) y Main Offender (1992), pero hace pocos días sorprendió al anunciar que tiene un nuevo disco terminado y que seguramente saldrá en Septiembre de 2015, más de veinte años después de su ultima experiencia por su cuenta.

Centremosnos ahora en el segundo Main Offender. Lanzado entre los ambiciosos proyectos con maratónica gira incluida de sus majestades satánicas Steel Wheels y Voodoo Lounge. Contó con el apoyo de su anterior colaborador Steve Jordan y el agregado de Waddy Wachtel en producción y fue trabajado y perfeccionado por el artista en California y Nueva York durante seis meses de Marzo a Septiembre de 1992, para lanzarse finalmente en Octubre de este mismo año.

Al igual en Talk Is Cheap estamos ante un material recomendable, un valioso listado de temas, dejando en claro lo creativo y enfocado que se encontraba Keef por aquellos años, se lucen “999”, “Eileen” y “Wicked as It Seems”, quizás la más conocida de todo el repertorio. Se dice que Mick Jagger se inspiró en aquel single para lo que sería la onda y el estilo de su siguiente hit “Love Is Strong”.

F.V.

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Entrevista a Fiesta

Luego del lanzamiento de su disco homónimo disco debut (disponible AQUÍ) en octubre de año pasado, Fiesta, la banda conformada por Leandro Orella (voz y guitarras), Juan Franco Paoli (bajo y voces), Federico De Prisco (batería), Alejandro Ravetti (guitarra y voces) y Patricio Graglia (teclados), nos concedió esta entrevista en la que nos cuentan de todo un poco, desde su nacimiento hasta sus próximos planes.

¿Cómo nació el grupo? ¿Cómo fue que decidieron el nombre “Fiesta”?

Nacimos en distintos lados y un día nos juntamos medio de casualidad medio que no, gente del ambiente nos unió y casi que en diez minutos ya empezamos a hacer planes y en este caso, nuestro disco.

El nombre viene de muchos lados, por un lado porque Lean estaba leyendo Fiesta de Hemingway y le partió el bocho, por otro y quizás más importante porque no pasaba un ensayo sin que dijéramos esa palabra como descripción sonora de lo que queríamos en lo rítmico.

Lo bailable cada vez toma mayor fuerza dentro de las bandas más populares de hoy en día ¿Se sienten dentro de esa categoría de grupos?

Lo único que queremos es que la gente baile, pero poco a poco vamos a ir enturbiando ese camino, que terminen todos bailando como los adolescentes del Hallabalooza de Los Simpsons. Pero si, totalmente, la gente se aburrió de que los pies no les reclamen bailar, no les ardan al grito del baile. La generación beat bailó el bebop y esa oscuridad bailable es lo que hoy nos condena a revisitar.

¿Qué es lo que más valoran de su disco debut?

La identidad, las canciones, el concepto sonoro y los shows que este disco nos permitió, los rankings y la gente que hace sus covers, las cosas que suceden tras un disco con tanto amor y especias.

¿Alguna anécdota para contar sobre su primer videoclip grabado?

Luego de las fiestas, a esta banda lo que más le gusta hacer es viajar. Somos amigos, muy amigos, salimos juntos todos los días y si podemos hacerlo por la música mejor. Ahí en «Fiesta en cualquier lugar», estabamos mezclando el disco en SABA estudios y pintó realizar el primer clip con pura honestidad autobiográfica.

¿Qué sería una fiesta perfecta para Fiesta?

Una que nunca se acabe, como esta banda.

¿Proyectos para el futuro?

Discos, videos, canciones y nuevos sonidos. Shows grandes que se vienen para más que nada seguir en la nuestra.

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Rammstein – Rosenrot (2005)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Benzin: 7,5
  2. Mann Gegenn Mann: 8,5
  3. Rosenrot: 8,5
  4. Spring: 7,5
  5. Wo Bist Du: 6,5
  6. Stirb Nicht Vor Mir: 6
  7. Zerstoeren: 8
  8. Hilf Mir: 7,5
  9. Te Quiero Puta!: 9
  10. Feuer Und Wasser: 7
  11. Ein Lied: 5

Rosenrot es el quinto álbum de estudio de la banda alemana Rammstein, fue lanzado al mercado mundialmente en 2005. Este disco fue un punto más comercial para la banda y es quizás el más vendido de ellos, aunque este considerado el peor del grupo. Tal vez no va a decepcionar a los que busquen un nuevo sonido en la banda, pero aquellos que estabamos acostumbrados al sonido clásico de la banda, mejor evitarlo.

Como ya se venía desperdiciando el synth-rock en Reise, Reise, con Rosenrot remataron el trabajo. Ya no suenan a synth pop como los primeros 2 trabajos, sino que ahora se ofrecieron por hacer un trabajo muy metalero con riffs muy sucios, incluyendo de vez en cuando trompetas. El uso de sintetizadores es escaso, solamente en temas como «Wo Bist Du» se escuchan. Lo malo del álbum es eso, que es mucho más simple que sus otros LPs, y también hay puntos bajos que desvirtuan la imagen y el sonido de Rammstein. Temas como «Stirb Nicht Vor Mir» o «Ein Leid» lo demuestran. La primera es más una canción de grupos de los 90’s, nada nuevo, y no hablemos de la segunda que parece más un tema de cuna que una de Rammstein. Sin dudas la peor del disco y quizás la peor de la banda también.

Pero no nombremos los puntos bajos del disco, también están esas canciones como «Mann Gegen Mann» y «Rosenrot» que respetan la imagen de la propia banda, tenemos también la pesadísima «Zerstoeren», y lo más raro del disco, es la canción «Te Quiero Puta!», la única canción de Rammstein en español. Muchos la consideran la peor del disco, para mí es la canción más negra de la banda. Probablemente sea esa letra llena de perversión (y de mala pronunciación) y ese ambiente mexicano con trompetas mezclado con el típico sonido de la banda es lo que me hace echar unas risas cuando la escucho. Para mi gusto es el punto más alto del álbum.
Por cierto las letras ya no tienen tanto poder y expresión como las de los primeros CDs, son buenas pero les falta ese algo que si tenían Herzeleid, Sehnsucht y Mutter.

Puedes odiar o amar Rosenrot, pues es el peor disco de Rammstein aunque eso no quiere decir que sea malo. Pero como ya dije, los que estabamos acostumbrados a esos adictivos sintetizadores con música pesada van a decepcionarse con este trabajo. Algo recomendable.

Toto

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Entre Ríos – Entre Ríos (2008)

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. Milagro: 8
  2. Tambor: 7,5
  3. Bajo Suelo: 8
  4. Tal Estás: 7,5
  5. Vengo: 8
  6. Habitando: 7
  7. Usas: 7,5
  8. Otra Suerte: 6,5
  9. Tarde: 8
  10. Todo: 7,5
  11. Temprano: 7,5
  12. Liberación: 7

Uno de los grupos insignia del indie rock electrónico argentino, Entre Ríos, retornaría luego de una pausa de casi dos años para grabar su autotitulado trabajo hacia fines de 2008. Esta vez con la novedad de contar en voces con Rosario Ortega, hija del popular cantautor “Palito” Ortega.

Sebastian Carreras, el único miembro fundacional de la banda que sigue en pie y principal compositor, explica porque si predilección hacia las voces femeninas: “La voz femenina no se impone como la del macho. Me quería rebelar también contra esas canciones pensadas para descifrar lo que le pasa a un “él”. La voz femenina es más etérea. No por nada las sirenas son mujeres y cantan. Pero la verdad es que me inspiró mucho la forma de cantar de las mujeres de la bossa nova. No hay una posición tan política en que cante una mujer.”

En Entre Ríos, Rosario imprime su personalidad a los temas que interpreta, aunque se mantiene siempre intacta la atractiva propuesta naif y sofisticada de este grupo que no supo gozar nunca con la popularidad que tal vez se merecían. El impulso de su nuevo trabajo los llevaron a presentarlo en festivales grandes porteños como el Personal Fest, Pepsi Music y Creamfields.

Los caminos de Entre Ríos y Ortega se separarían al poco tiempo. La chica menor del clan comenzaría su carrera solista y dejaría la banda sin hacer demasiado ruido y Sebastian Carreras continuaría con su proyecto editando en 2011 su siguiente LP, Era.

F.V.

 

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Tu dosis necesaria de discos, películas, series y más

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