Puntaje de la Temporada:
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Puntaje del Disco: 9
La historia de The Cramps, grupo tan clave como subvalorado en la historia del rock and roll por su mezcla del rockabilly de los sesenta y el naciente punk rock de los setenta denominada a partir de ellos como psychobilly, comenzó en la ciudad de Sacramento (California) cuando Lux Interior (Erick Purkhiser) conoció a Poison Ivy (Kristy Wallace). Pronto surgió el amor pero lo más importante fue su pasión compartida por la música que los llevó a formar una banda con Poison Ivy en guitarra y Lux en voz.
El siguiente paso fue mudarse a Nueva York y reclutar nuevos integrantes para completar el conjunto, con ellos comenzarían a tocar en shows del under neoyorkino. Su estética entre película de serie B, sexo masoquista y glamour logró captar atención desde un inicio y con su acertado primer trabajo Songs the Lord Taught Us (1980) no harían más que reconfirmar las expectativas.
Psychedelic Jungle, su segundo LP, significaría una evolución en como suenan y en sus composiciones transformándose con el tiempo en un disco de culto y legendario. Los punteos hipnóticos de Ivy hacen un tándem de guitarras de maravillas con su nuevo violero Kid Congo Powers, canciones como “Green Fuz”, “Goo Goo Muck”, “Voodoo Idol”, “Don’t Eat Stuff off the Sidewalk”, “Natives Are Restless” y “Green Door” son un claro ejemplo de lo extremos y brillantes a la vez que The Cramps fueron en su esplendor.
F.V.
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Puntaje del Disco: 8
A mediados de los 70’ el vocalista Michael Hutchence y el tecladista Andrew Farris (en ese entonces compañeros de la Preparatoria) decidieron formar una banda junto al bajista Gary Garry Beers. Más tarde, en 1977, se unieron a la banda el saxofonista Kirk Pengilly y el guitarrista Tim Farris (hermano de Andrew), formando así “The Farris Brothers”. Dieron su primer concierto el 16 de agosto de 1977, día marcado en la historia de la música por el fallecimiento de Elvis Presley.
Dos años después, la banda se trasladaba a Perth con un nuevo miembro, Jon Farris en la batería, y allí adoptaron su nombre definitivo: “INXS”. Comenzaron tocando en pubs, donde más tarde lanzarían su primer single Simple Simon. A lo cual, en 1979 comenzarían a grabar su primer álbum.
El álbum finalmente salió a la venta en 1980 y fue un gran éxito en Australia. Con composiciones muy inspiradas en el ska, su música era rápida y salvaje, marcado por el carisma vocal de Michael Hutchence y los riffs punkies de Tim Farris, INXS comenzaba a construir su sonido, a lo que más tarde desembocaría en obras maestras como Listen Like Thieves, Kick y X.
El álbum no fue lanzado internacionalmente hasta 1984, pero les fue suficiente para conseguir bastante éxito en Australia. Su canción más hitera hasta ese entonces, “Just Keep Walking”, llegó a los primeros 20 del los charts Australianos, seguidas por otras canciones muy buenas como “On A Bus”, “Doctor”, melodías rápidas como en “Body Language”, otras algo punkies como “Roller Skating”. Sumado a su estilo de New Wave hace de este álbum una obra fácil de escuchar y bastante entretenida.
Damian
Puntaje del Libro: 
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Puntaje del Disco: 7,5
La historia cuenta que durante una presentación de The Raconteurs, en Memphis, Tennessee, Jack White se quedaría sin voz y la banda pediría por la cantante de The Kills, Alison Mosshart, quien terminaría interpretando algunos temas de la banda. Jack luego le pediría a Alison que grabé un tema con él y al bajista Jack Lawrence. Y en los estudios conocerían al guitarrista Dean Fertita de Queens of the Stone Age. Juntos no solo grabarían una canción, sino que se empezaría a conformar un súper grupo que se llamaría The Dead Weather.
Este nuevo proyecto de White, tendría la particularidad de que nuestro querido Jack no sería el guitarrista principal de la banda como uno puede esperar sino que ocuparía su lugar como baterista, redescubriéndose a sí mismo en algo que ya había hecho de chico y antes del nacimiento de The White Stripes.
De esta forma, The Dead Weather lanzaría su álbum debut en el 2009: Horehound. El disco se podría catalogar como garaje rock (algo común en las bandas de las que provienen) con acercamientos al blues, con solos y riffs llenos de distorsión y algo heavys. Es interesante porque la banda tiene un sonido atractivo que toma las influencias que traen de sus grupos, pero generando una identidad propia para The Dead Weather. Así su sonido por momentos es intenso, tenso, oscuro, caótico y en otros tramos se toma sus tiempos dando lugar a que suene cada elemento o instrumento.
El gran problema es que no acompañan su excelente sonido con grandes composiciones que valgan la pena. Horehound es un álbum irregular en su nivel, que difícilmente te apasione. Y es un poco difícil porque las melodías no es lo que más lo destaca. En ese sentido entre todos los integrantes se complementan en las composiciones, sobresaliendo tal vez Mosshart. Y logran algunos buenos resultados como el prometedor arranque conformado por “60 Feet Tall” y “Hang You from the Heavens”, y la agresiva y explosiva “Treat Me Like Your Mother”, que cuenta con un muy buen ida y vuelta vocal entre Alison y Jack. Pero como comentaba no llegan a mantener este nivel durante todo el álbum. De todas formas es una propuesta que, si llegan a pulir volviendose a reunir, podría lograr grandes cosas.
Persy
Puntaje del Disco: 9,5
Sehnsucht es el segundo disco de la banda Rammstein, lanzado mundialmente en agosto del 1997, para muchos, esto es la obra cumbre del género Neue Deutsche Härte, y con los sencillos «Engel» y «Du Hast» pegando duro en las radios como en cadenas en MTV, catapultaron a Rammstein al éxito, obteniendo una gran venta comercialmente. Y siendo para algunos, el mejor álbum de la banda.
La producción aumentó brutalmente, también la gran variedad de sonidos desde la primera canción, ya no es tan simple como Herzeleid, ahora los sintetizadores cobran protagonismo, las guitarras castigadoras son más potentes, aunque se echan de menos los solos de guitarra de su álbum anterior, por lo cual son más simples. El synth-rock mezclado con el metal industrial de Rammstein es la principal característica de este álbum, no nos olvidemos de la gran cantidad de efectos excelentemente producidos y las capas que se muestran en cada uno de ellos.
También hay un poco de hasta hip hop, los propios sencillos lo demuestran, aunque «Du Hast» y «Engel» son las que más pegan. Esta primera es considerada la mejor canción del grupo de lejos, además de tener un gran video.
Mientras tanto, las letras ya no son un tema de violencia pura a diferencia de Herzeleid, aquí las letras cobran temas de surrealismo, terror o humor negro bizarro que se puede comparar a álbumes como Angel Dust de Faith No More, en esas temáticas. Se nota que Lindemann ha cobrado un estilo como más poético y también demuestra que es capaz de crear historias muy buenas de drama como se muestra en «Alter Mann» (Anciano).
Rammstein fue evolución hecha con Sehnsucht. Cada detalle y variedad musical del género está hecha en este disco. Pulieron muchísimas cosas que a Herzeleid les faltaba. Aunque para mí no sea el mejor álbum de la banda ya que se pasaron con sus siguientes 2 LPs (Live Aus Berlin y Mutter), pero no deja de ser un revientacabezas y quizás uno de los mejores discos producidos en su país natal.
Demasiado recomendable.
Toto
Puntaje del Disco: 9
Devo es un grupo estadounidense de new wave creado en el año 1972 en la ciudad de Akron, Ohio. Mark Mothersbaugh y Gerard Casale formaron Devo ese año en la facultad de arte de la Universidad de Kent. El nombre «Devo» se deriva de su concepto de ‘de-evolución’, que es la idea de que la sociedad, en lugar de evolucionar, está en realidad involucionando, «como lo demuestra la actitud de rebaño de la sociedad estadounidense».
El momento decisivo para la formación de Devo, fue el tiroteo ocurrido en la Universidad de Kent en 1970. Casale conocía a dos de los estudiantes muertos, e incluso pudo ver a otra estudiante herida. En ese momento, Casale cuenta que consideró la idea de la de-evolución sería muy similar a este tipo de hechos y que es una realidad tacita.
El estilo de Devo es una hibrido entre punk, new wave, post punk, art rock y pop. Además el contenido musical del grupo se entrelaza entre lo surrealista, lo kitsch, la sátira social y la ciencia ficción. Todo esto hace a Devo uno de los grupos más influyentes del pasado siglo en géneros de todo tipo, como el synth pop ( uno de los impulsores), industrial, rock, alternativo, grunge , metal, experimental y muchos otros.
El álbum fue producido por Brian Eno, en los estudios Conny Planck en Colonia, Alemania. La banda logró ponerse en contacto con Eno cuando consiguieron entregarle un demo a David Bowie durante un show en Cleveland.
La gran facultad del disco es el nivel muy parejo de las canciones. Realmente no hay ni una canción en la que uno pudiera decir que es “la canción” del disco. No en absoluto; es el nivel sumamente parejo de las canciones el que le otorga una gran consistencia de la primera a la última canción.
Si tuviera que destacar un momento del álbum sería el cover de “(I Can’t Get No) Satisfaction”, no porque sea la mejor de la placa (de hecho no lo es) sino más bien por haber descuartizado un clásico del rock sin crear una bazofia. De hecho, la canción es buena y ni siquiera tiene el riff de guitarra característico y se apoya principalmente en el bajo y los teclados.
Un disco de elementos terrenales: riff simples, melodías que cumplen su cometido, batería que se sostienen con suficiencia, bajo rítmico. Todos por separados a lo mejor no son de otro mundo (salvo los teclados), pero todos estos elementos unidos crean algo que realmente no está al alcance de todos. Tanta admiración no es gratuita, es un poco lo que pasa con Kiss, son admirados con un cariño que excede en algunas ocasiones lo musical, principalmente en la puesta de escena, que siguen copiando (también a Bowie entre otros) la infinidad de artistas pop de ayer y hoy. La gran diferencia es que ellos no son Devo.
Diego
Puntaje del Disco: 7,5
Entre rumores de separación cada vez más recurrentes los Pixies editarían su cuarta placa de estudio, Trompe Le Monde (1991), para el mismo prometían inspirarse en el heavy metal y hacer un rock cada vez más pesado aunque lo harían por tramos y no en su totalidad.
A pesar de tener una buena recepción por parte del público en general, el álbum no es comparable a los primeros y a pesar de sus esfuerzos para no perder empuje y sonar cada vez más potentes no logran mantener la singularidad de sus mejores momentos y ofrecen sonidos más convencionales. Nada distinto ni especial.
Trompe Le Monde sigue con la temática de los OVNIs, los alienijenas y la ciencia ficción que tanto parece cautivar a Black Francis (ver “Planet of Sound” y “Motorway to Roswell”). Como particularidad podemos destacar la versión del tema “Head On” de otros grandes del rock alternativo como The Jesus and Mary Chain.
Con posterioridad la banda se embarcó primero en una extensa gira por los Estados Unidos y poco tiempo después en otra desgastante gira como teloneros de U2 (en su gira Zoo TV de 1992), que terminó dinamitando las relaciones entre los miembros de la banda. En 1993 en una entrevista con la BBC, Black declara que Pixies estaban disueltos, tomando por sorpresa a los restantes integrantes que se enteraron de la noticia vía fax. A partir de ese momento el cantante se rebautizaría como Frank Black y dio inicio a su carrera en solitario comenzada con su disco homónimo, Frank Black (1993).
F.V.
Puntaje del Disco: 7,5
Con un registro más roquero que su disco debut, lo nuevo de La Franela, Hacer un Puente (2011), los catapultaría a la popularidad en especial gracias a su hit que le dio el nombre a la placa y a otros momentos destacados como “414”, “Maikel Focs”, “Las Horas” y “GPS”.
Producido por Martín Bosa cuenta con algunos ingredientes particulares, como la participación de Tavo Kupinski, ex compañero de Los Piojos, fallecido a principios de 2011. El trágico fallecimiento de Tavo sería un golpe difícil de superar, así lo explicaría su cantante Piti Fernandez: “Lo de Tavo fue tremendo. Fue la familia entera. Estaba explotado, pero con Danilo recién nacido. No tuve la posibilidad de llorar. Tenía al pendejo, que por suerte me salvó. Es un escudo. Ves al bebé y es todo para adelante.”
Bosa, que trabajo con ellos en sus dos discos, explicaría algunas diferencias entre ambos: “El primer disco fue urgente. Tenían la necesidad de dar a conocer los temas nuevos, y grabaron el disco rápido, con pocos ensayos. Con esta segunda placa se trabajó distinto. Trabajando a un ritmo de ensayo de cinco días a la semana, lograron llegar al estudio con las canciones terminadas.” Según Piti: “En el primer disco aprendimos a conocernos, a mostrar lo mejor de cada uno. El laburo que hicimos se recontra potenció. “Tucan” te exprime al mango porque sabe lo que podés dar.”
La presentación oficial se llevó a cabo en La Trastienda de Buenos Aires el 26 de noviembre de 2011 y como en otros shows de la banda las diferencias con su ex compañero de ruta Andrés Ciro generaron reacción en su público algo que la banda no incentivo en ningún momento. “Nos pasó en La Trastienda que la gente empezó a cantar contra Ciro, y es una mierda. Los empezamos a callar a todos. Es alguien con el que compartimos un montón. No es el enemigo. El enemigo está en otro lado. Son compañeros de laburo que pensaron distinto.”, explicaba Tucán y reafirmaría Piti: “Son cosas personales. El día que lo encuentre a Andrés y me dé un abrazo, ¿para quién van a hinchar? Es una boludez. No es que a mí me torturaban, era una cosa de laburo. Si te enganchás, es el programa de Rial, que critica al que baila con el que no baila, y esa gilada que hace que el país vaya para atrás y no para adelante. Es el no-puente. El problema con Ciro lo voy a arreglar con él. Los demás están afuera y no saben de qué se trata.”
F.V.
Fecha de Lanzamiento: 12/01/2015
Puntaje del Disco: 
Panda Bear Meets the Grim Reaper es el quinto disco de estudio de Noah Lennox, más conocido como Panda Bear, uno de los integrantes de Animal Collective. Como nos tiene acostumbrados este personaje estamos ante un disco en el que experimenta desde la electrónica, logrando atmósferas bizarras, combinando arreglos que son abstractos y un poco psicodélicos que son lo más interesante del álbum. De todas formas no es perfecto. En varios pasajes las canciones de Panda Bear pueden tornarse un poco tediosas. Aun así, es más escuchable que varios trabajos de Animal Collective y tiene sus muy buenas canciones como “Mr. Noah”.
Fecha de Lanzamiento: 15/01/2015
Puntaje del Disco: 
Marilyn Manson parece haber retomado todas las buenas credenciales que había demostrado antes de hacerse demasiado popular a finales de los noventa. Ya con su último trabajo Born Villain (2012) lo había insinuado y con The Pale Emperor lo reconfirmaría con creces.
A su metal alternativo e industrial agresivo Manson le agregó ciertos toques de blues, agregando así variantes a su sonido marca registrada pero manteniendo su identidad oscura y siniestra.
Fecha de Lanzamiento: 19/01/2015
Puntaje del Disco: 
Belle & Sebastian ya son toda una institución dentro del indie rock y cada lanzamiento suyo es esperado con ansias, la ansiedad se acentuó en esta oportunidad porque estamos ante su primer álbum en cinco años, Girls in Peacetime Want to Dance.
Los escoceses rompen el silencio con un disco que cuenta con todos los ingredientes que esperamos en ellos melodías elegantes, intimistas y como siempre el buen gusto a la hora de componer.
Fecha de Lanzamiento: 20/01/2015
Puntaje del Disco: 
Esta podría ser tranquilamente la primera gran decepción del año. Vulnicura con su lanzamiento recibió en general muy buenas críticas, pero en Persi Music damos la nota contraria. En su noveno disco de estudio, Björk nos ofrece canciones introspectivas y nostálgicas, que resultan lentas, algo oscuras y tenues, intercalando arreglos orquestados y electrónicos. El gran problema de estás canciones es que son demasiado largas (la mayoría tiene un mínimo de 6 minutos de duración), bastante aburridas y prácticamente deprime más de lo que emociona. Y si a eso le sumamos que la islandesa no ofrece nada particularmente nuevo, cuando nos tiene acostumbrados a ser original en sus iniciativas, Vulnicura termina siendo una sorpresa negativa, que se puede escuchar (no hay nada horrendo al fin de cuentas) pero del que se esperaba un poco más.
Fecha de Lanzamiento: 26/01/2015
Puntaje del Disco:
El carismático cantante de Supergrass, Gaz Coombes sorprendería a principios de este nuevo año con su segundo material por su cuenta: Matador.
Coombes muestra su faceta más experimental y oscura en esta aventura solista que lo encuentra aggiornado a las nuevas tendencias y capaz de crear pistas cautivadoras como “Buffalo”, “The English Ruse”, “Detroit”, Needle’s Eye”, entre otras todo dentro del mismo buen nivel.
Fecha de Lanzamiento: 26/01/2015
Puntaje del Disco:
La veterana banda británica, The Charlatans, busca revitalizar su sonido con una propuesta indie pop en su doceava placa de estudio, Modern Nature.
El conjunto que nació en plena expansión de la movida madchester y se popularizó en otra oleada de grupos ingleses como grandes protagonistas como el britpop demuestra que continúa vigente a pesar del paso del tiempo, sin sobresalir demasiado y generar mucho revuelo es un disco agradable y entretenido.
Fecha de Lanzamiento: 03/02/2015
Puntaje del Disco:
Trigésimo sexto disco de estudio de Bob Dylan, Shadows in the Night, tiene la llamativa particularidad de que el Dylan no ofrece canciones de su propia autoria. Sino que Bob, con la edad que ya tiene, se está tomando el gusto de hacer lo que hace tiempo quería. Y en este caso Shadows in the Night es un álbum tributo a Frank Sinatra. Durante sus 35 minutos de duración, Dylan imprime su estilo parándose en la década de los cincuenta. Obviamente no canta como Sinatra, pero con sus años su interpretación vocal es más que decente, llega a tener su propio esplendor. Y su banda imprime un sonido que va de lo añejo y cautivante a lo lento y falto de variación. De hecho llega un punto en que son canciones reiterativas. De todas formas es un buen disco no solo para regalarle a tu abuela, sino que también podes llegarlo a disfrutar personalmente.
Fecha de Lanzamiento: 09/02/2015
Puntaje del Disco:
Josh Tillman, miembro de los Fleet Foxes, en el 2013 había lanzado su álbum debut The History of Caves bajo el nombre de Father John Misty. Y ahora nos ofrece su segundo trabajo, I Love You, Honeybear, uno de los que mejores críticas recibió hasta ahora en el 2015. Siguiendo las influencias de los Foxes, Tillman nos trae un disco que incurre en el folk rock que varían en sus canciones, llegando a estar por momentos orquestadas o siendo psicodélico en sus atmósferas. Las melodías pop en general se dejan escuchar y la voz de Josh también es pieza central. En muchos momentos suena gigante y santurrona como la tapa. Un muy buen disco, aunque un poco apresurado decir que este en condiciones de competir como uno de los mejores del año.
Fecha de Lanzamiento: 17/02/2015
Puntaje del Disco:
A pocos días de iniciar el año en materia musical me atrevo a decir que ya contamos con uno de los lanzamientos musicales del 2015. Se trata del tercer trabajo del sueco de origen argentino Jose Gonzalez: Vestiges & Claws.
Grabado casi en su totalidad en su estudio casero de Gotenburgo, Gonzalez nos ofrece (tras siete años de stand by que evidentemente le hicieron bien) un disco más completo que sus antecesores. Simple, conmovedor, hermoso y poético ratificando su estilo personal y difícil de imitar.