Kanye West – Graduation (2007)

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 Puntaje del Disco: 8,5

  1. Good Morning: 8,5
  2. Champion: 7
  3. Stronger: 7,5
  4. I Wonder: 7,5
  5. Good Life: 8
  6. Can’t Tell Me Nothing: 8,5
  7. Barry Bonds: 6,5
  8. Drunk and Hot Girls: 7
  9. Flashing Lights: 9
  10. Everything I Am: 9
  11. The Glory: 8
  12. Homecoming: 8,5
  13. Big Brother: 8,5

Con Graduation (2007), Kanye West trató de abordar los problemas de sus dos primeras placas y solucionarlos y a grandes rasgos lo consiguió. El más importante era la duración y el uso del tiempo. Este disco dura solo algo más de cincuenta minutos y sin “skits” (separadores comunmente usados por los artistas populares de hip hop, que no aportan demasiado).

La expectativa no fue tan grande como en sus otros lanzamientos pero el resultado fue más que satisfactorio. Se convirtió en un trabajo fundamental en su carrera y debutó en las principales listas musicales alrededor del mundo y vendió solo en los Estados Unidos más de dos millones y media de copias, en tiempos que no se venden demasiados CDs físicos es todo un logro.

Con cada lanzamiento Kanye manifestaba que crecia como compositor. Demostrando creatividad para mezclar el hip hop con la electrónica y el rock como pocos de sus contemporaneos lo pueden hacer. Mucha de su inspiración en aquel período provino sorprendentemente de U2, The Rolling Stones y otros grupos de rock. En especial con los irlandeses por haber pasado el año anterior abriendo las giras del Vertigo Tour, West quedó impresionado con el manejo del público de Bono y su capacidad para interpretar himnos de estadios. Como resultado de esto Kanye experimentó con la electrónica y el rock de los ochenta a la hora de componer sus nuevas canciones y de seleccionar los samples a utilizar que no provinieron solamente de clásicos del soul sino también de grupos de distinto “palo” como Daft Punk, Mountain, Elton John. Can, entre otros. Inclusive en “Homecoming” aportó voces Chris Martin de Coldplay, en otra muestra de su mayor apertura hacia otros géneros.

Esta evolución en su música acercandose más al indie rock y a la electrónica y alejandose de a poco del hip hop puro, no encontramos hits vendedores como “Gold Digger” pero tiene sus puntos altos en temazos como “Good Morning”, “Can’t Tell Me Nothing”, “Everything I Am” y “Big Brother”. Este crecimiento también se reflejó en las letras. Graduation es más instrospectivo y toca temas personales que lo aquejan. Buscó ser inspirador y hacer foco en la experiencia y en poder conectarse con los problemas de sus oyentes.

F.V.

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(Votos: 2 Promedio: 4.5)

The Hobbit: The Battle of the Five Armies

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Puntaje de la Película:

 

  • Año: 2014
  • Género: Fantasía, Épica, Aventura
  • Director: Peter Jackson
  • Reparto: Martin Freeman, Ian McKellen, Richard Armitage, Aidan Turner, Orlando Bloom, Evangeline Lilly, Lee Pace, Benedict Cumberbatch, Luke Evans

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Rammstein – Herzeleid (1995)

Rammstein - Herzeleid (1995)

Puntaje del Disco: 8

  1. Wollt Ihr Das Bett In Flammen Sehen?: 8,5
  2. Der Meister: 8,5
  3. WeiЯes Fleisch: 8
  4. Asche Zu Asche: 7,5
  5. Seemann: 7
  6. Du Riechst So Gut: 9
  7. Das Alte Leid: 8
  8. Heirate Mich: 7,5
  9. Herzeleid: 8
  10. Laichzeit: 8
  11. Rammstein: 7,5

Herzeleid es el primer álbum de la banda alemana Rammstein, lanzado al mercado en septiembre de 1995 en Europa y 3 años más tarde en Estados Unidos con diferente portada.

Este disco fue el que dio reconocimiento a un nuevo movimiento musical Alemán, conocido como la Neue Deutsche Härte, y Rammstein se terminaría consagrando como banda líder del género, al lanzar luego su primer gran sencillo, «Du Riechst So Gut».

Para los que le encanta el género, Herzeleid es sin duda una obra maestra del género, pero casi como la mayoría de los debuts, como Muse con Showbiz, como Red Hot Chilli Peppers con su homónimo, a Rammstein con este disco le faltaban pulir más cosas, incluyendo la producción entre otras cuestiones. Pero desde entonces no deja de ser un excelente disco.

En Herzeleid se nota la gran diferencia que hay respecto de sus álbumes posteriores (sin incluir Sehnsucht, que suena igual pero mejor), va un poco más orientado al Synth-Rock y Synth-Pop («Du Rieschst So Gut» y «Asche Zu Asche»), sin salirse de su propio género, que es el metal industrial, como siempre con la característica voz de Til Lindemann, los muy sucios riffs faltos de producción, sin olvidar los sintetizadores y teclados raros. Además en este LP hay más solos de guitarra que los que hizo Rammstein en sus álbumes posteriores.

Claramente, para mí, las letras son lo mejor de este disco, son violentisimas, como su propio lenguaje. Hay que ver a cada una de ellas para entenderlas. Están llenas de perversión, violencia, sexo y muerte, pero narrada de una forma que el propio Lindemann podría componer. Pero es que siempre la banda fue de componer estas temáticas sin quitarle poder a ninguna de ellas.

En conclusión, Herzeleid es un excelente debut que definió el ya dicho género alemán, aunque más tarde la banda estaría puliendo aún más los sonidos en sus próximos LPs. Muy recomendable para fans del género.

Toto

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Cat Stevens – Tea for the Tillerman (1970)

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Puntaje de Disco: 8

  1. Where Do the Children Play: 8
  2. Hard Headed Woman: 8
  3. Wild World: 9
  4. Sad Lisa: 7
  5. Miles From Nowhere: 7.5
  6. But I Might Die Tonight: 8
  7. Longer Boats: 7
  8. Into White: 7
  9. On the Road to Find Out: 8
  10. Father and Son: 9
  11. Tea for the Tillerman: 7

Luego de haber superado una grave enferemedad y del lanzamiento del disco Mona Bone Jakon, Cat Stevens estaba listo para recuperar el tiempo perdido y pronto editó en 1970 su cuarto disco de estudio, en el que empleó a los mismos músicos y productores.

Tea for the Tillerman, a diferencia del trabajo anterior, está focalizado en la vida más que en la muerte y presenta un tono más alegre. “Where Do the Children Play” por ejemplo se pregunta sobre la relación entre la tecnología y el progreso y los chicos en una hermosa balada al mejor estilo Stevens. “Wild World” con la característica introducción, es uno de los temas más destacados.

Luego el disco muestra una serie de baladas muy llevaderas y agradables como “But It Might Die Tonight” o “”Into White”, para concluir con el clásico y bellísimo “Father and Son”, que en unas simples líneas el padre le enseña a su hijo algunas interesantes lecciones de vida.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)

The Strokes – Comedown Machine (2013)

The Strokes - Comedown Machine (2013)

 Puntaje del Disco: 7

  1. Tap Out: 6
  2. All the Time: 9
  3. One Way Trigger: 7
  4. Welcome to Japan: 7,5
  5. 80’s Comedown Machine: 7
  6. 50/50: 8,5
  7. Slow Animals: 7
  8. Partners in Crime: 8
  9. Chances: 6,5
  10. Happy Ending: 7
  11. Call It Fate, Call It Karma: 7

The Strokes volvería al ruedo dos años después de Angles con Comedown Machine (2013). Quizás un tanto apresurados, ya que no encontramos demasiadas justificaciones entre su tracklist para tanto apuro. Puede que la propia industria los haya forzado a ello para no perder terreno, que ya habían perdido antes de su período de inactividad o que el propio grupo ya se crea demasiado importante y puede editar cualquier cosa sin miedo a las consecuencias.

Para recuperar su gloria la banda neoyorquina buscó inspirarse en el new wave ochentoso y en nuevos trucos con sintetizadores que si bien deja momentos agradables, no aporta nada nuevo ni interesante a su repertorio, aún menos que su antecesor. Con  Comedown Machine los Strokes se alejan cada vez más del rock y mutan hacia un synthpop para muchos inaguantable.

Para aportar algo de luz y destacar sus buenos pasajes prefiero hablar de sus momentos más convincentes como los disfrutables “50/50”, “Welcome to Japan”, “Partners in Crime” y el single y su tema más escuchado “All the Time”. De manera aislada son temas que funcionan bien pero en el contexto general quedan bastante perdidos.

Uno se puede preguntar si The Strokes siguen existiendo solo para cumplir el contrato con RCA de cinco discos el cual terminarían de cumplir aquí, o para complacer a sus numerosos fanáticos que aguardan cada novedad con tanta expectativa. Muchos se dejaron seducir por este nuevo trabajo y lo apoyaron pero algunos de sus seguidores más roqueros que los siguen desde sus inicios terminaron desilusionados con el resultado final.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 3)

Dios los Cría – Justo Cuando Nos Estábamos Quedando Sordos (2006)

 

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Excepto lo que Necesitas: 9
  2. Sin Domesticar: 9
  3. Una Enormidad: 9
  4. Vi: 8,5
  5. Nadie más: 9
  6. Tantas Veces que sí: 8
  7. Quiera Dios: 8,5
  8. La Bestia: 8
  9. Humo: 8
  10. Nada que nos Conecte: 8
  11. Subimos al Cielo: 8
  12. Nunca me Acosté: 9
  13. Una Enormidad (Piano Versión): 6

Luego de que su tercer disco tuviera buenos resultados en ventas y crítica, sorprendió que Dios Los Cría decidiera rescindir su contrato con EMI. “Cuando nos fuimos de EMI en el 2006 sabíamos que no íbamos a volver a firmar con una discográfica” decía Pato Duhalde (voz y guitarras). Esto llevó a que decidieran lanzar su cuarto disco de manera independiente; así nació “Justo Cuando nos Estábamos Quedando Sordos”.

A pesar de haber tenido todo en contra, el álbum resulta el más sólido desde lo musical; es una continuación de todos los álbumes anteriores, una evolución hacia el sonido que ellos querían. Lo que diferencia al disco es un mayor (no excesivo) uso de sintetizadores y melodías más pegadizas, pero sin dejar el sonido que los caracteriza.

Lo mejor del álbum está al comienzo; la seguidilla que va desde “Excepto lo que Necesitas” a “Nadie más” no tiene desperdicio, pero el resto no deja de ser muy bueno, con “Nunca me Acosté” como otro punto alto. Tal vez lo único que no está a la altura de las circunstancias es el bonus track que trae; la versión piano de “Una Enormidad” es aburrida y hasta tiene momentos de desafinación.

El haber hecho todo a pulmón fue muy desgastante para la banda, por lo que una vez terminada la gira en 2008 se separaron hasta que en 2010 tomaron fuerzas y volvieron a tocar “solo cuando tuvieran ganas”. Y bajo el lema “El CD está muerto, la música intacta” decidieron no sacar más discos y subirlos todos a su página web.

En 2013 sacaron su primer disco en vivo de descarga gratuita y en 2014 editaron su primer álbum en 8 años que también se puede descargar legalmente gratis.

Néstor

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(Votos: 0 Promedio: 0)

Talking Heads – Little Creatures (1985)

Talking Heads - Little Creatures (1985)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. She Was: 9,5
  2. Give Me Back My Name: 8
  3. Creatures Of Love: 7,5
  4. The Lady Don’t Mind: 9
  5. Perfect World: 8,5
  6. Stay Up Late: 7,5
  7. Walk It Down: 8
  8. Television Man: 7
  9. Road to Nowhere: 9

Little Creatures es la sexta producción de Talking Heads, gestada en un momento en que la banda había estaba en su máximo punto comercial (no tanto artísticamente, los mejores momentos de Talking Heads ya habían sido escritos con Fear of Music y Remain in Light), para este entonces David Byrne y los suyos ya habían experimentado con el New Wave burdo y alocado, con los afro beats y el funk ¿Qué siguió ahora? Bajar las revoluciones de locura y dedicarse a hacer canciones más convencionales.

Lo sé, es raro ¿Talking Heads haciéndose normales? Algo pasó en la mente de David Byrne (nuevos pensamientos o simplemente una madurez encontrada) de modo que se puso en modo serio, ya no todo es letras caóticas y sin sentido de modo que ahora en ocasiones hay letras más reservadas y de temas serios, algo como se había visto en el tema “This Must Be The Place (Naive Melody)” de Speaking in Tongues.

Little Creatures por tanto es un disco de pop relajado y directo en el que ocasionalmente se adentran en Country (“Creatures of Love”) y Funk (“Walk It Down”), puede que no sean impredecibles como lo fueron en su época New Wave, pero los ganchos vuelven a este trabajo en un disco agradable. Para empezar la canción de partida es un verdadero temazo “And She Was” es, una canción pop enérgica que se convierte en uno de los hits más importantes de la banda.

Otros temas destacados son “The Lady Don’t Mind” de estribillo llamativo, “Perfect World” de letra ingeniosa y la canción de cerradura “Road to Nowhere” una especie de himno a la vida y los caminos que se toman a lo largo de ella (Se los dije; Byrne en modo serio).

Este disco probablemente es el último disco destacado de Talking Heads, los subsecuentes lanzamientos perderían algo de brillo. Pero no importa, a estas alturas los Heads ya habían hecho su historia, convirtiéndose en una banda de las más respetables de los finales de los 70s, principios de los 80s.

Gera Ramos

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(Votos: 1 Promedio: 4)

U2 – Songs of Innocence (2014)

U2 - Songs of Innocence (2014)

Puntaje del Disco: 5,5

  1. The Miracle (Of Joey Ramone): 8,5
  2. Every Breaking Wave: 7,5
  3. California (There Is No End to Love): 6,5
  4. Song for Someone: 6
  5. Iris (Hold Me Close): 5
  6. Volcano: 5,5
  7. Raised by Wolves: 6
  8. Cedarwood Road [For Guggi]: 5,5
  9. Sleep Like a Baby Tonight: 4,5
  10. This Is Where You Can Reach Me Now [For Joe Strummer]: 4,5
  11. The Troubles: 6,5

Los años pasan y U2 sigue esforzándose por existir. Pero lo único que logra con cada nuevo disco que lanzan últimamente es generar el interrogante: ¿Cuándo se van a separar? ¿Hace cuánto se les pasó el cuarto de hora?

Su último álbum, No Line on the Horizon, había sido bastante flojo, probablemente el peor disco que hicieron en su trayectoria. Y la crítica se los hizo saber. Así que para su siguiente disco se tomarían su tiempo. Tardarían nada menos que 5 años, aparentemente porque trabajaron con distintos productores y les costaba redondearlo. Como si estuvieran preparando una obra maestra para redimirse. Finalmente, cuando salió Songs of Innocence la sensación fue que se tomaron su tiempo para hacer otra gran decepción.

Songs of Innocence no es un álbum punk, pese a que aparecen los nombres de Joey Ramone y Joe Strummer en las canciones como homenaje. Es la demostración de que creativa y compositivamente están en el ocaso de su carrera. U2 intenta un poco reinventar su sonido (leí en algunos sitios como en 1991 con Achtung Baby, una comparación algo ridícula) pero sin mucho éxito. De hecho pareciéndose a The Killers y Coldplay en ciertos pasajes. Sin ir más lejos, “Every Breaking Wave” es una especie de balada aceptable, que me hace acordar a Coldplay. Y en “Iris” Bono canta como Brandon Flowers, lo cual me resulta insoportable. Pero lo peor es el bajo nivel de sus composiciones, la falta de fuerza, de calidad y lo agotados que parecen. Especialmente The Edge, que está muy apagado, ofreciendo poco de su sonido distintivo en guitarra, aunque trata de variar con lo que hace.

Aun así las melodías no son malas. El disco se deja escuchar. Y lo más rescatable está al comienzo con “The Miracle”, el único que podría ser considerado un buen hit por su estribillo, pero que lejos se encuentra de sus grandes clásicos. Luego el disco cae en un pozo irremontable poco a poco, encontrando sus puntos más bajos en “Sleep Like a Baby Tonight” (el nombre del título sugiere lo malo que es, especialmente en sus arreglos electrónicos y en los horribles agudos que tira Bono) y “This Is Where You Can Reach Me Now” (un experimento medio funk y medio malo simultáneamente).

El disco no es bueno y la tapa es aún más fea. Pero la frutilla del postre es la deplorable estrategía de marketing que usaron: Apple los descargó automáticamente en los iPhones de todo el mundo sin permiso. Un recurso bastante invasivo. Por eso no se dejen engañar por la revista Rolling Stone, que le pone 5 estrellas a todo lo que U2 saca, como si estuviesen entongados. El único mérito que se merece el disco es el de ser probablemente el más borrado de la historia.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 2)

Tu dosis necesaria de discos, películas, series y más

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