Paul McCartney – McCartney (1970)

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Puntaje del Disco: 8

  1. The Lovely Linda:
  2. That Would Be Something: 8
  3. Valentine Day: 7
  4. Every Night: 8,5
  5. Hot As Sun/Glasses: 8
  6. Junk: 9
  7. Man We Was Lonely: 7,5
  8. Oo You: 8
  9. Momma Miss America: 8
  10. Teddy Boy: 8,5
  11. Singalong Junk: 8,5
  12. Maybe I’m Amazed: 9,5
  13. Kreen-Akrore: 7

Después de anunciar la separación de The Beatles, Paul McCartney publicó una semana despues su primer álbum solista, titulado simplemente “McCartney”.

Es un álbum hecho enteramente por Paul, desde la producción, voces y ejecución de cada instrumento presente en la grabación, acompañado por Linda en algunas canciones.

No es demasiado variado en cuanto a su sonido, pero la canción que resalta por sonar diferente a las otras es “Maybe I’m Amazed” una balada con el sello de McCartney, siendo este su primer hit, no fue lanzado como single en su tiempo pero es una de las canciones mas conocidas de su discografía.

Cuando digo que no es tan variado en cuanto a su sonido me refiero a que la mayoría de las canciones son acústicas, bastante simples y de corta duración, y la canción acustica que se destaca es “Junk” que había escrito previamente en 1968, en época del “Album Blanco”, pero no fue incluida en el mismo. Terminó en este disco, y es una versión bastante buena, con un sonido intimista y bastante agradable.

Otras canciones buenas son “Teddy Boy” y “Every Night”, la primera grabada durante las sesiones de “Let It Be”, pero finalmente descartada y regrabada para este disco y la otra es un agradable numero acustico, que resulta bastante pegadizo. También contamos con la versión instrumental de “Junk” titulada “Singalong Junk”, que dura más que la versión original y tiene algunos instrumentos más, podría parecer innecesario tener el mismo tema dos veces en el mismo álbum, pero es una versión bastante buena.

Contamos también con la corta “The Lovely Linda” y la instrumental “Kreen-Akrore”, canciones que, a decir verdad, no habrían afectado la calidad del álbum si no hubieran sido incluidas, bastante innecesarias sin ir más lejos.

Para terminar, resulta un trabajo agradable a los oídos este debut de Paul McCartney en solitario, pero habría cosas mucho más importantes al año siguiente, que resultó muy importante con el lanzamiento de su primer gran disco, Ram y la formación de Wings.

Tommy

Tu puntuación
(Votos: 3 Promedio: 3.7)

Juana Molina – Son (2006)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Río Seco: 8,5
  2. Yo No: 8
  3. La Verdad: 8
  4. Un Beso Llega: 8
  5. No Seas Antipática: 7,5
  6. Micael: 9
  7. Son: 8,5
  8. Las Culpas: 7,5
  9. Malherido: 8
  10. Desordenado: 8
  11. Elena: 8,5
  12. Hay Que Ver Si Voy: 8,5

Ya siendo una estrella dentro de la escena global alternativa, que elogió de sobremanera sus anteriores trabajos, la argentina Juana Molina edita su cuarto disco solista en 2006: Son. En la portada se puede ver una foto de ella convertida en una muñeca con un efecto de mitad fotografía y texturas acompañada en fondo con dos nenas a caballo sobre telas y texturas. Figuran dos niñas en la portada ya que el álbum fue integramente dedicado a su hermana Inés Molinda.
En Son seguimos encontrando una Juana introspectiva y experimental pero con un sonido más maduro y un retorno al formato de canción melódica folk y pop. Sonando por momentos convencional y directa, aunque también nos encontramos con pasajes atmosféricos y electrónicos. Es un disco donde encontramos varias caras de lo que Molina nos puede ofrecer.

Sobre como intentan etiquetar y describir su música Juana declaraba lo siguiente en una entrevista en su país natal: “Es gratificante el reconocimiento, pero no entiendo mucho lo que quieren decir con blop, blitch… Al principio buscaba en el diccionario, después elegí entender la idea general de la crítica y a veces ni las leo. Sí es verdad que las francesas son mejores críticas, quizás porque ellos tienen una educación en literatura mucho más amplia y por eso describen mejor y no necesitan comparar. Porque la comparación aleja y al que lo acerca lo puede decepcionar. No se puede comparar la música con la de otras personas, a menos que estés en un estilo definido: folclore con guitarras y bombo.” Y agregaba: “Cuando recién empecé era muy notable que no sabían dónde ponerme. En las disquerías estaba en rock, en avant-garde, en electrónica, en folk, en montones de rubros porque todos reconocían algo de varias otras cosas.”

El cantar en español no fue una barrera para que Juana pudiera ser reconocida en tantos lugares del mundo y curiosamente su música fue más valorada en paises europeos que en latinoamérica. Sobre esto diría: “No puedo cantar en inglés. Perdería autenticidad en el acto mismo de hacerlo. Tengo una canción en inglés, pero es un chiste porque la letra está llena de errores gramaticales. Vivía en Estados Unidos cuando la hice, entonces tiene un sentido. Podía cantarla allá pero me imagino cantando en inglés y de golpe tengo que tocar en Buenos Aires, ¿de qué me disfrazo? ¡No puedo! quizás tengo que sacarme ese prejuicio.”

F.V.

 

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Mother Love Bone – Apple (1990)

Mother Love Bone - Apple (1990)

Puntaje del Disco: 9

  1. This Is Shangrila: 8
  2. Stardog Champion: 9,5
  3. Holy Roller: 9
  4. Bone China: 8
  5. Come Bite the Apple: 8,5
  6. Stargazer: 9
  7. Heartshine: 8
  8. Captain Hi-Top: 8
  9. Man of Golden Words: 8,5
  10. Capricorn Sister: 9
  11. Gentle Groove: 8,5
  12. Mr. Danny Boy: 7,5
  13. Crown of Thorns: 9

Antes de Pearl Jam existió Mother Love Bone. Los futuros miembros fundacionales de Pearl Jam el guitarrista Stone Gossard y el bajista Jeff Ament fundaron a finales de los ochenta un grupo que prometía mucho pero tragicamente duraría poco por la temprana muerte de su carismático y extravagante cantante Andrew Wood.

En un punto medio entre el glam de los ochenta y la explosión alternativa de los noventa Mother Love Bone tenía de todo para triunfar. Cosas de glam, grunge, hard rock y heavy metal se pueden escuchar en su primer y único LP, Apple (1990), un sólido debut con intensos y melódicos temas pesados como “Stardog Champion”, “Capricorn Sister” y “Holy Roller”, que junto a las baladas “Man of Golden Words” y “Crown of Thorns” forman parte de los momentos más inspirados de la novata banda de Seattle.

Parrafo aparte merece Andy Wood. Un frontman completamente distinto al prototipo de las bandas grunge. Su apariencia y voz se asemajaban más a otro tipo de líderes de banda como Freddie Mercury y Marc Bolan. Andy estaba predestinado a ser una estrella del rock, lo fue por poco tiempo pero sus adicciones a la heroína pudieron más. El 16 de Marzo de 1990 fue encontrado inconciente en su cama y a pesar de los esfuerzos de recomponerlo fue declarado muerto tres días después. Curiosamente no pudo ver las repercusiones del disco debut de su banda que se editaría unos meses después.

Mother Love Bone tenía gran potencial y tristemente nunca sabremos lo que hubiera ocurrido con ellos. El resto es historia Gossard y Ament formaron parte de una de las bandas más importantes de los noventa y una de las más importantes de la actualidad como Pearl Jam.

F.V.

 

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

The Allman Brothers Band – Win, Lose or Draw (1975)

The Allman Brothers Band - Win, Lose or Draw (1975)

Puntaje del Disco: 5,5

  1. Can’t Lose What You Never Had: 6
  2. Just Another Love Song: 6
  3. Nevertheless: 5
  4. Win, Lose or Draw: 6,5
  5. Louisiana Lou and Three Card Monty John: 5
  6. High Falls: 5,5
  7. Sweet Mama: 5,5

Tras el lanzamiento de Brothers and Sisters que tuvo bastante éxito, la banda se iría de gira y luego Gregg Allman lanzaría su disco como solista al igual que el guitarrista Dickey Betts. Esto generaría ciertas especulaciones sobre el futuro del grupo, hasta que finalmente aparecería el quinto disco de estudio de los Allman Brothers, Win, Lose or Draw, un trabajo tan angustiosamente genérico y vacío que traería numerosas críticas negativas.

El contenido de Win, Lose or Draw es pobre. Los Allman no ofrecen nada rescatable ni relevante para que pueda quedar en el recuerdo del oyente. Es el típico álbum de una banda que hace blues rock (y en este caso también rock sureño) corriente sin mucha inspiración. Aún así no esperen escuchar temas que suenen mal. La ejecución instrumental es decente, pero el nivel compositivo es escueto en comparación que lo que venían produciendo.

No hay mucho para destacar. El cover de Muddy Waters “Can’t Lose What You Never Had” es decente por los solos de Betts. Dickey también intenta remarla en “High Falls”, sin embargo, termina siendo uno de los Jams instrumentales más intrascendentes que escuché de ellos. Por último está la balada “Win, Lose or Draw” que titula al disco, que no suena nada mal, aunque lejos está de alcanzar lo mejor del repertorio de este grupo. Y lo que queda de este trabajo es un reflejo del pálido material que ofrecieron en esta oportunidad.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

Marillion – Clutching at Straws (1987)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Hotel Hobbies: 8
  2. Warm Wet Circles: 9
  3. That Time of the Night (The Short Straw): 9
  4. Going Under: 8
  5. Just for the Record: 8.5
  6. White Russian: 8
  7. Incommunicado: 9
  8. Torch Song: 8
  9. Slàinte Mhath: 8.5
  10. Sugar Mice: 8
  11. The Last Straw: 8
  12. Happy Ending: 8

Clutching at Straws, el cuarto disco de Marillion continuó con los lineamientos de su material anterior, Misplaced Childhood, que tanto éxito y reconocimiento le había dado al grupo.

En esta oportunidad el tema del disco ronda en la vida de Torch, un joven con una vida bastante desordenada que no logra hacer pie ni en lo laboral ni en el plano familiar, ahogando sus penas en el alcohol.

“Warm Wet Circles» y «That Time of the Night (The Short Straw) arranca de la mejor forma con este magnífico disco que mantiene una solidez de entrada hasta el fin. Con buenos arreglos, letras profundas y delicados toques de la mejor versión del grupo, hacen de éste uno de los materiales más recomendables de Marillion.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Muse – Absolution (2003)

Muse - Absolution (2003)

Puntaje del Disco: 10

  1. Intro:
  2. Apocalypse Please: 9
  3. Time is Running Out: 9,5
  4. Sing for Absolution: 8,5
  5. Stockholm Syndrome: 10
  6. Falling Away With You: 7,5
  7. Interlude:
  8. Hysteria: 10
  9. Blackout: 8
  10. Butterflies & Hurricanes: 8,5
  11. The Small Print: 9,5
  12. Endessly: 8
  13. Thoughts of a Dying Atheist: 8
  14. Ruled by Secrecy: 9

Muchos consideran que ponerle un 10 a este disco parece un poco absurdo. Lo lamento chicos, pero he tratado de ser negativo con este disco y la banda, y aun no he podido. Hace 1 semana que la vengo escuchando y ha influido musicalmente muchísimo mi autoestima. Absolution de Muse, es de los mejores discos del siglo.

Absolution vendría a ser el tercer trabajo de Muse, lanzado en 2003, 2 años después de la salida del espectacular Origin of Symmetry, con el cual los llevaron al éxito. Este disco, pese a haber recibido no tan buenas criticas especializadas, fue enormemente aclamado por el publico, además de ser considerado hasta el mejor disco de la banda.
Si hubo algo que me encanto el día que conocí esta banda, es que vendrían a ser como los hermanos de Radiohead, pero estos en su versión mas metalera, espacial, épica y directa.

Por eso, Absolution triunfa en todos los sentidos, es un disco en donde el rock sinfónico y progresivo se casan, las orquestas son invitados especiales, y de vez en cuando, porque no poner un poco de rock pesado?. El LP es plasmante desde la intensa «Apocalypse Please» y la clásica «Time Is Running Out», pasando por la pesada, épica, desesperante y atrapante «Stockholm Syndrome» (de las mejores canciones de la banda)  también por la importantísima «Hysteria» (que convirtió a Christopher Wolstenholme como el mejor bajista del siglo, hasta incluso de la propia historia del rock), la agresiva y melódica «The Small Print» hasta la lenta, misteriosa y sinfónica «Ruled By Secrecy».

Con este disco, Muse abrieron paso la experimentación, al igual como hicieron con su siguiente álbum, Black Holes and Revelations, demostraron toda su rabia agresiva y la combinaron perfectamente con elementos sinfónicos y melódicos. Este disco y Origin of Symmetry, terminaron convirtiendo el trío de Bellamy, Wolstenholme y Howard en uno de los mejores de la nueva generación del rock.

Toto

Tu puntuación
(Votos: 3 Promedio: 4)

Tu dosis necesaria de discos, películas, series y más

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