Puntaje de la Película:
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Puntaje del Disco: 8
Fetch the Bolt Cutters, es el título de otro maravilloso álbum de la cantante y música femenina de los Estados Unidos más relevante del siglo veintiuno: Fiona Apple. Su quinto material de estudio, es un trabajo conmovedor, profundo, impredecible y estimulante lanzado en plena auge mundial de la pandemia del COVID-19 en Abril de 2020.
Desde sus inicios siempre buscó romper el molde, pero fue desde su despegue, Extraordinary Machine, que se convirtió en una artista de culto que se destaca por sus arreglos complejos, letras ingeniosas, intensa voz y melodías vertiginosas con standars de jazz.
A diferencia de sus antecesores la percusión es la principal protagonista en el sonido del disco, Fiona describiría el resultado como una especie de: “orquestas de percusión”, una radical apuesta al caos que se contrapone a las melodías tradicionales de la música popular. En la gran mayoría de los casos funciona bien, pero sobresalen en particular temas como “Shameika”, “Newspaper”, “Ladies”, “Heavy Balloon” y “I Want You to Love Me”.
Fetch the Bolt Cutters, podría resumirse como una compilación de todas las virtudes de la artista, aunque el piano sea menos protagonista, así y todo, resulta por demás atractivo, con letras originales y representativas de la era #Metoo, original y se transformó fácilmente como uno de los lanzamientos estelares del año pasado.
F.V.
El amor es un lujo, es decir, un elemento innecesario para la vida de cualquiera. El amor es un coctel de mantarraya: delicioso, único, muy costoso y difícil de conseguir. Por supuesto, una vez que alguien ha probado tal manjar, quisiera no dejar de comerlo, desearía desayunar, almorzar, comer, botanear, merendar y cenar siempre y todos los días coctel de mantarraya. El lujo, sobre todo cuando se tiene la capacidad socioeconómica para sufragarlo, se vuelve una adicción. Sin embargo, aunque hay personas que han hecho de los lujos una cotidianidad en su estilo de vida, en realidad es algo innecesario. Comer sí es una necesidad, pero sólo comer, satisfacer el hambre, no morir; eso se satisface con cualquier lata de poroto. (No quisiera atender directamente a la teoría de Maslow, aunque si eso funciona para entender mi punto, entonces no interpongo ninguna objeción en que se considere argumentativo en el refuerzo de esto que expongo.) Para explicarlo con un ejemplo más sencillo: la necesidad es dormir, donde sea, incluso en el suelo, pero dormir… el lujo es dormir en un bosque privado, en un castillo propio, en la alcoba principal, en una cama de oro con pieles de oso por cobijas. Sí, se necesitan lazos emocionales, pero esa necesidad se satisface con los amigos, la familia, los vecinos, la pareja, los hijos. El amor es un lujo que sólo algunos pocos pueden escotar. Se puede pasar toda una vida sin comer mantarraya y seguir siendo feliz, o también se puede comer mantarraya a diario sin que eso signifique ser más feliz que aquel que nunca la ha comido en su vida. Quien no puede costearse un coctel de mantarraya tendrá infinidad de argumentos para convencerse de que es aún mejor vivir sin comer mantarraya; quien sí puede financiarse un platillo así poseerá a su vez muchos argumentos para defender su estilo de vida. Ambos casos son válidos y valiosos; en cualquiera de ambos lados que nos encontremos, se puede llevar una vida feliz. El verdadero problema con los lujos son las personas que no tienen los recursos para llenarse de esos mismos lujos pero sueñas, desean, anhelan y viven esperando algún día, aunque sea por unos cuantos minutos, poder disfrutar de esos lujos tan inalcanzables. El problema es preparar un atún como si fuera mantarraya; servir sardina en la mesa y decir que a eso mismo sabe la mantarraya. El problema es que todo mundo persiga el amor y se engañen a sí mismos y a sus respectivas parejas de que eso es amor cuando sólo es sexo, afecto, cariño, querencia, aprecio, atracción, estima, amistad, o alguna lata de sardina similar a las anteriores. Lo correcto es comer sardina y disfrutarla por lo que es, estar consciente de su sabor y ser feliz con lo que se tiene al alcance. ¿Por qué soñar con comer mantarraya cuando jamás se podrá obtener? ¿Por qué perseguir el amor cuando ni siquiera se tiene idea de lo que es (como la mantarraya)? El amor sólo es un lujo… y amar es mera vanidad.
Kobda Rocha
Puntaje de la Película:
Puntaje del Disco: 7,5
Vapuleado por la prensa musical de la época Autoamerican (1980), el quinto trabajo de estudio de la banda de new wave y punk Blondie, estableció el punto de partida de los neoyorquinos para asumir riesgos y experimentar con otros géneros como el reggae y el rap.
Así fue como Debbie Harry y Chris Stein seleccionaron como sencillos del disco en primer lugar al cover a su estilo de “The Tide Is High” (himno del reggae de The Paragons, compuesto en 1967 por John Holt, leyenda de la música jamaicana) y luego “Rapture” un tema que combina, el funk, el disco y el rap que nació por la amistad que el guitarrista y la cantante establecieron con uno de los pioneros del hip hop: Fab 5 Freddy.
Otras pistas primordiales en Autoamerican son “Here’s Looking at You”, una especie de homenaje a las antiguas big bands, las sofisticadas composiciones “Faces” y “Do the Dark”. Sin embargo, también conviven pasajes flojos, deslucidos que no superan el promedio promediando un nivel general lejano al de sus LP más trascendentes.
Sorpresivamente Blondie no salió de gira para apoyar Autoamerican por lo que Harry aprovechó este tiempo para impulsar su debut solista: KooKoo (producido por Nile Rodgers), idea que no fue bien recibida por sus compañeros, lo que represento el comienzo del final para el conjunto.
F.V.
Puntaje del Disco: 6
En el ocaso de la década de los noventa, Suarez editaría su cuarto y último disco de estudio: Excursiones. En este álbum el sonido de la banda se siente un poco más pulido especialmente en la producción. La voz de Rosario más nítida y muy parecida a los últimos discos que lanzó en este milenio. En ese aspecto, el sonido es fresco, sobre todo si consideramos que Suárez era una de las pocas bandas índies conocidas de los noventa en Argentina. Pero pero pero, el disco tiene un problema gigante que son sus melodías. Es como si todo lo prometedor que puede resultar Suárez terminará arruinado por las melodías mediocres que tienen cada uno de sus temas. De hecho, no hay una sola canción que sea memorable por ese defecto.
Con ese gran inconveniente latente a lo largo de todo el disco, solo un par de canciones sobresalen en Excursiones, y son justamente los momentos en que Suarez apela a su vena más rockera manteniendo el espíritu alternativo. Tal como sucede en «Tarde de cansancio» y “Anguila”. En contrapartida, los momentos más Pop de la banda es cuando aparecen sus melodías más monótonas.
Todo en su conjunto hace de Excursiones un trabajo bastante regular, con pocos atractivos para escucharlo y disfrutarlo, lo cual es una pena al tratarse del último disco de Suarez.
Persy
Hoy vestimos de negro, y no por luto sino por vergüenza… o, digamos, para ser reservados, por respeto, por decoro y por discreción. En la digresión de hoy mostraremos cinco espejos musicales claros e innegables. Cabe mencionar que los hemos llamado “espejos musicales” y no meramente plagios ni, mucho menos, sucias y viles copias. La diferencia radica en que un espejo musical no está “inspirado” en otra canción previa sino que por alguna casualidad suena igual que aquella. Es decir, que dos canciones suenen muy parecidas no siempre significa que alguien haya copiado la melodía de otra persona, pues a veces ni siquiera es posible que se hayan escuchado jamás porque ambas canciones se compusieron al mismo tiempo o porque ambos compositores están en una parte muy lejana del mundo apartados entre sí o porque la pieza que existió primero nunca fue tan famosa y popular como para haber llegado a los oídos del otro. En fin, cualquiera que sea la razón por la que estas canciones suenen muy similar, nosotros confiamos en los artistas, en los compositores (quienes han demostrado muchas veces tener creatividad y talento, por lo que sería ilógico pensar que se “robaron” una melodía), confiamos en las bandas, confiamos en el genio musical interno de cada uno y, por eso, no señalaremos ni criminalizaremos a nadie. No es nuestra intención ser jueces ni verdugos; simplemente, es nuestro interés entretenernos escuchando los siguientes espejos musicales.
1) My heart flies on her wings
Now I’m crying, the moon so red
Tomorrow shall be another hell
To the sun, the sky’s soul is fed
2) As water spins in circles twice
Spiders, snakes and little mice
Get twisted around and tumble down
When Nature calls, we all shall drown
Kobda Rocha
Puntaje del Disco: 8,5
Tras la agridulce sensación que dejó el retorno de la banda punk rock británica Buzzcocks en Trade Test Transmissions luego de una prolongada inactividad, tres años más tarde se reivindicarían con su siguiente placa All Set (1996).
Con la idea de reinstalarse en la escena de aquellos años el grupo trabajo con el productor Neil King, quien formaba parte del equipo de trabajo de los ascendentes Green Day (discípulos sonoros de los Buzzcocks), y a su vez ficharían para el sello I.R.S. Records para conseguir una mejor distribución. Sin embargo, la discográfica cerraría dos meses después del lanzamiento de All Set, llevándolo al fracaso comercialmente.
Musicalmente hablando estamos ante un disco mucho más variado a lo que nos tenían acostumbrado, mostrando su versión punk pop e incluyendo nuevos sonidos como órganos, cuerdas y hasta sintetizadores, sin abandonar su rock guitarrero. La mano de King para aggiornarlos a la época y sacarlos de su fórmula básica daría resultados efectivos y sorprendentes, en particular en las composiciones de Steve Diggle («Playing For Time», «Back With You», «What Am I Supposed To Do»).
F.V.
Desde la primera vez que lo vio, Enedina se enamoró de él. Sólo bastó un momento para quedar decidida a entregarle su vida entera pese a cualquier adversidad que se atravesase en su camino. Enedina se enamoró con ese amor adolescente que lo quiere todo y no puede nada. Si él la ignoraba, Enedina ocultaba su impaciencia hasta que él cambiaba de humor; si él la engañaba, Enedina lo perdonaba y le daba mil oportunidades más; si él la golpeaba, Enedina se culpaba a sí misma y se prometía ser mejor con él y para él. Enedina estaba dispuesta a abandonar su mundo, estaba dispuesta a ignorar la realidad sólo por estar con su amado.
Misael suele describir el suceso como amor a primer mirada. Ver sólo es percibir, en cambio, mirar es deleitarse; por eso, es mejor posar los ideales en la mirada y no sólo en la vista. Misael, hombre maduro, está enamorado de ella con ese amor adulto que soporta, que perdona y que planea. Si ella hace algún berrinche de niña consentida, Misael la consiente y satisface sus caprichos; si ella lo engaña, Misael la perdona y lo olvida; si ella no le ofrece un amor tan sublime como el suyo, Misael se conforma con lo poco y con lo malo. Misael sabe que todo cuanto hace y todo cuanto hará por el resto de su vida es y será por y para el bien de su amada.
Enedina y Misael son la pareja perfecta, están hechos la una para el otro: juntos, todo lo que se ha dicho sobre el amor finalmente cobraría sentido. Lástima que no se conozcan. Lástima que están enamorados de sendos patanes respectivamente. Lástima que el destino, el mundo y la crueldad de esta vida no los harán conocerse jamás. Lástima…
Kobda Rocha
Puntaje del Disco: 7,5
En la década de los noventa, 1994 fue uno de los años más fructíferos, con lanzamientos que marcaron aquella época con el Brit Pop y el Rock Alternativo como principales banderas. R.E.M. trató de no ser menos y lanzó en ese año su noveno álbum, Monster.
En Monster la banda apuesta a un sonido donde las guitarras distorsionadas son las principales protagonistas, posiblemente influenciados por lo que sonaba entonces. De hecho por momentos puede ser un recurso excesivo, ya que la voz de Stipe se escucha un poco oculta a lo largo del álbum. Casi como si cantara con timidez sobre una base de guitarras siempre distorsionadas. En temas como «Let Me In» la distorsión es tan alta que Micheal parece ahogado cuando canta. Pero el principal problema de R.E,M. es que tienen un nivel compositivo bastante irregular y eso lo trasladan en el álbum. Por eso los temas donde la pegan son hits. Pero el resto suena a relleno que no llega a despegar.
En ese aspecto, Monster arranca de la mejor manera rockeando con solidez con «What’s the Frecuency, Kenneth?». «Crush with Eyeliner» mantiene el estilo y su muy buen nivel, prácticamente como si fuese una prolongación del anterior.
Luego aparecen los problemas con canciones que tienen sabor a poco y la balada «Strange Currencies» que suena un poco corriente y con sabor a genérica, muy lejos del encanto de las mejores baladas de R.E.M.
Pero en la segunda parte Monster, las cosas mejoran primero con «Tongue» que tiene un encanto particular, por como canta Michael Stipe (como una cantante negra Soul) y porque predomina el órgano en lugar de la guitarra eléctrica; y luego seguido por la Funky «Bang and Blame», un mini clásico en la cual la banda vuelve a rockear con solidez y con un estribillo efectivo.
También hay que destacar sobre el final a “Circus Envy” por su sonido de Garage Rock sucio que no suena para nada a R.E.M. pero queda muy bien. Y para cerrar a “You”, un tema infravalorado, oscuro e intenso, que es una de sus mejores perlas ocultas y por eso deja el sabor de que el disco es bastante potable pese a sus fallas.
Persy
