Tropicosito

Ha llegado el turno de poner atención a lo tropical y sabrosito. Musicalmente, hay ritmos latinos de todas calidades y de todas complejidades, desde lo monótono y primitivo hasta lo multitonal y elaborado. No obstante, hoy quiero hacer hincapié, más que en lo musical, en lo lírico, lo cual llega a rozar con lo literario y, mejor aún, lo poético. Aunque no es un rasgo específicamente de lo tropical, tiene un tinte cachondo y sensualón, una especie de enamoramiento juguetón que se sustenta en la premisa de que somos un pueblo de sangre caliente.

Comencemos por mencionar Señorita, A Mí Me Gusta Su Style de Los Rabanes. La cual, entre los albures y los piropos, suelta una sentencia lapidaria: “Cómo camina, cómo baila; por usted yo vendo mi alma.” Esa entrega total para el amor es la predominante en la música, aunque nunca viene una promesa sin esperar reciprocidad; a veces, incluso se vuelve pedinchito al grito de niño de mami, como es el caso de Yo Quiero Una Mujer de Los Amigos Invicibles cuando cantan: “Yo quiero una mujer que me quiera de verdad, que me pueda comprender y que me quiera mimar.” Siempre es más astuto y hasta divertido cuando la petición va aderezada con juegos lingüísticos propios de la plasticidad del idioma. Así lo hacen, por ejemplo, los Hermanos Narvaez en Pancha Baila En Turcos cuando cantan:

“Yo quiero una muchacha que sea muy vivaracha;

para empezar, que sea muy trucha;

que trabajando sea muy hacha;

que parezca una garrocha,

que la pata tenga mocha

y que se robe la mercocha.”

También existen las canciones que describen a la mujer cual si fuera una diosa. Esa mirada masculina para entender la belleza, para endiosarla, para describirla con vivaz tenacidad está presente en Hechicera de Maná. Primero, hablando de ella: “Hay una mujer hermosa, la más primorosa, de ojitos negros y piel gitana. Es una hechicera que domina al hombre con sus danzares, con las caderas. No se sabe de dónde ha salido ni a dónde ha ido; ella es un misterio. Se mueve con cadencia, con la inocencia de una princesa que nadie toca.” Y todo esto sólo para tomar valor y finalmente decirle: “¡Ven! Déjame estrecharte, deja desnudarte bajo la luna poquito a poco.” Lo mismo que hace Emmanuel en Corazón De Melao, primero una descripción deífica, después una invocación amorosa y termina en un diálogo sensualón:

“Mira a la morena que me tiene alborotado;

brinca, salta y baila como un trompo de medio lado.

No hay más que mirarla y ya te sientes atrapado.

¡Ay, que ella me vuelve loco!

 

Suelta la cintura si me quieres enamorado,

deja que la sangre se te mezcle con el cha cha,

bríndame un te quiero con limón y sin mezclar.

¡Mira, que me vuelve loco!

 

Bailo como un loco en tu cintura dislocado,

sorbo de tu boca el veneno regalado.

Una telaraña de tu cuerpo me has echado.

¡Mira, yo me juego todo!

 

En la noche oscura, te escabulles a mi lado.

Subo por tu pecho, sin aliento y todo sudado.

Quiero tu cintura pero todo se ha borrado.

¡Ahora yo me vuelvo loco!”

De pronto, va a parecer que es el hombre quien, casanova, conquista mujeres con música, baile y verbo; pero también la mujer se ha desenvuelto plenamente en este arte de la seducción musical. Y para prueba Amor A La Mexicana de Thalía: “Compasión no quiero. Lástima no quiero. Quiero un amor duro que me pueda hacer vibrar. Tu sabor yo quiero. Tu sudor yo quiero. Quiero tu locura que me haga delirar. Suavecito quiero. Bien rudo lo quiero. Quiero que me llegue hasta el fondo del corazón. Lento yo lo quiero. Siempre más lo quiero. Quiero que me espante hasta perder la razón.” ¡Vaya! Si algún caballero se puede resistir a estos niveles del candor, será un extranjero de sangre fría; porque no hay piel morena que resista los embates de una dama llamando al amor de tal manera. Y por si fuera poco, Thalía no se conforma y lo vuelve a hacer con Piel Morena:

“Es la magia de tu cuerpo o el perfume de tu aliento, es el fuego de tu hoguera que me tiene prisionera. El veneno dulce de tu encanto es la llama que me va quemando; es la miel de tu ternura la razón de mi locura. No soy nada sin la luz de tu mirada, sin el eco de tu risa que se cuela en mi ventana. Eres dueño del calor sobre mi almohada, de mis noches de nostalgia, de mis sueños y esperanzas. Eres suave como el viento, eres dulce pensamiento, eres sol de mis trigales, eres miel de mis cañales. Son tus besos dulce fruta que me embriaga, que se lleva mis tristezas y devuelve al fin la calma. Prisionera de tu amor en la alborada, de tus besos, tus caricias que se quedan en el alma.”

Eso es una declaración de lo más poética. Que me parta un rayo si estoy diciendo una mentira o una barbaridad. Podría hacer un análisis literario sobre la lírica de la canción y exprimir cada figura retórica, cada imagen poética y cada estructura lexicosemántica que la compone, y explicitaría académicamente lo sobrasote de la canción. Pero mejor escucharla y bailar, para qué ponerse sesudos cuando a primera oída se siente el sabor. Justo así lo hacen las Hermanas Navarro en Pepe, una canción de fiesta, de baile, de apretujones, arrimones y caderazos.

Finalmente, cómo dejar fuera la maravillosa Piel Canela interpretada una y otra vez por tantos y tantos, pasada a cuantos géneros musicales se les antoje. Porque, al final del día, no importa en qué ritmo se diga sino con que intensidad, emoción y poesía:

“Que se quede el infinito sin estrellas

y que pierda el ancho mar su inmensidad,

pero el negro de tus ojos que no muera

y el aroma de tu piel se quede igual.

Aunque pierda el arcoiris su belleza

y las flores su perfume y su color,

no sería tan inmensa mi tristeza

como aquella de quedarme sin tu amor.”

Kobda Rocha

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(Votos: 0 Promedio: 0)

Mika – The Boy Who Knew Too Much (2009)

Puntaje del Disco: 8

  1. We are Golden: 9
  2. Blame It on Girl: 9
  3. Rain: 9,5
  4. Dr John: 8
  5. I See You: 8,5
  6. Blue Eyes: 7,5
  7. Good Gone Girl: 7
  8. Touches You: 8
  9. By the Time: 8
  10. One Foot Boy: 8
  11. Toy Boy: 7
  12. Pick Up Off the Floor: 6,5
  13. Lonely Alcoholic: 7,5

MIKA se había convertido en un artista muy famoso gracias a su anterior disco y por su sencillo “Grace Kelly” que llegaba a las primeras listas. También por su gran voz que lo diferenciaba de otros artistas pop.

En 2009, lanza su segundo trabajo The Boy Who Knew Too Much que sería una continuación de su debut y se ve una portada con la misma estética que su predecesor, pero con diferentes colores y objetos.

En este disco tenemos las tres mejores canciones al principio: los sencillos “We Are Golden” (se trata sobre cómo MIKA se vuelve famoso y tiene el amor de sus fans) y “Rain” (que destaca por tener un estribillo muy bueno), que junto con “Blame It On Girls” serían los únicos con videos musicales, destacando este último por comenzar con una conversación y tener un solo con instrumentación de piano.

Pero luego The Boy Who Knew Too Much va decayendo continuamente y se nota la diferencia de las siguientes canciones con las primeras tres. Aunque podemos destacar a “I See You”, “One Foot Boy” y “By the Time” que tratan de estabilizar al álbum.

En mi opinión, este el trabajo más flojo de MIKA, pero con sus tres primeros cortes se volvería un éxito en las listas británicas y estadounidenses.

Santi

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(Votos: 2 Promedio: 1)

The Cult – Beyond Good and Evil (2001)

Puntaje del Disco: 8

  1. War (The Process): 8,5
  2. The Saint: 7
  3. Rise: 9
  4. Take the Power: 8
  5. Breathe: 7,5
  6. Nico: 6
  7. American Gothic: 6,5
  8. Ashes and Ghosts: 8,5
  9. Shape the Sky: 8
  10. Speed of Light: 7
  11. True Believers: 7,5
  12. My Bridges Burn: 8

Beyond Good and Evil, es el nombre elegido por The Cult para su reencarnación en el año 2001 luego de varios años de pausa (su último disco, The Cult, databa de 1994), a su vez marco el retorno de Matt Sorum como baterista quien no los había acompañado en ningún disco de estudio, pero si había compartido giras y escenarios a principios a finales de la década del ochenta.

Para esta nueva etapa mantienen sus cualidades originales, pero le agrega con efectividad distorsión y pesadez, en especial en el sonido de las guitarras de Billy Duffy, así y todo, todavía suena a The Cult gracias a sus buenos estribillos y a la voz consistente de Ian Astbury, sin dudas uno de los mejores cantantes de rock de su generación.

La primera parte de Beyond Good and Evil es todo lo que podemos esperar de los de Bradford, con su sonido clásico intacto en especial en temazos como «War (The Process)» y «Rise». El resto alterna buenas y no tan buenas, sobresaliendo las enérgicas “Ashes and Ghosts”, “Shape the Sky” y “My Bridges Burn”.

A pesar de todos estos buenos condimentos no se trató del disco regreso que la banda esperaba en términos comerciales. Al poco tiempo perdió el interés del público y las ventas cayeron rápidamente y la relación con su nueva compañía discográfica, que demandaba ciertas exigencias demasiado exageradas a las que no estaban acostumbrados, tampoco ayudaría demasiado.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)

Todo lo que no es

Este poema no es la historia de un hombre triste y solo que ha sufrido en su memoria, maldiciendo sobre Apolo, que en su eterna soledad se pasea por las sombras que le sirven como alfombras de su inmensa oscuridad. Esos cuentos ya son viejos y esos hombres son perplejos.

Por supuesto que tampoco éste es un cuento de hadas donde un mundo vuelto loco tienta a damas encantadas con la única ilusión de vivir su amor perfecto sin tener más que un defecto: la carencia de razón. Esos cuentos son tonteras y esas damas ni siquiera.

Esto no es una novela de un valiente y sobrio mozo que hace todo, que hasta vuela, pues se precia de amoroso, caballero andante altivo que pelea por su novia, que ante nada él se agobia, pues por ella sigue vivo. Esos cuentos son un chiste; si te gustan, ya perdiste.

No es la princesa dormida, prisionera en una torre, por dragones guarecida, esperando a quien los borre y del sueño la rescate como buen príncipe azul con semblante de gandul, rico, guapo y sin mecate. No hay un beso verdadero en un cuento verdulero.

No es la historia de un poeta miserable y solitario que una noche al darse cuenta calma el cielo su calvario, enviándole una linda estrella con la forma de una dama que lo arrulla, que lo ama cual la luna dulce y bella. Esos cuentos son mentira; quien los cree es quien delira.

Tampoco es el gran relato de una chica enamorada que desposa a un pazguato y termina embarazada, que en su casa se envejece y la vida se le escapa por los hijos y la etapa aunque no se lo merece. Cualquier cuento parecido son patrañas sin sentido.

Este cuento, en cambio, es todo lo contrario a esto. Un poema que ni es ni pretende nunca serlo. Una historia que no es ¡y qué bueno, yo me alegro! Y si usted no sabe qué es, pues ni modo, lo lamento.

Kobda Rocha

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(Votos: 0 Promedio: 0)

Mastodon – Blood Mountain (2006)

Puntaje del Disco: 8

  1. The Wolf Is Loose: 6
  2. Crystal Skull: 8
  3. Sleeping Giant: 8,5
  4. Capillarian Crest: 7
  5. Circle of Cysquatch: 9
  6. Bladecatcher: 6
  7. Colony of Birchmen8
  8. Hunters of the Sky: 7
  9. Hand of Stone: 8,5
  10. This Mortal Soil: 7
  11. Siberian Divide: 8
  12. Pendulous Skin: 8,5

Mastodon continuaría revolucionando la escena metalera con Blood Mountain, su tercera incursión discográfica lanzada al mercado en septiembre de 2006, tan indispensable como sus antecesores supone un momento clave para los estadounidenses, por el progresivo repunte hacia terrenos más melódicos dejando cada vez más de lado el sonido brutal, el hardcore punk, las voces ásperas y gritos de antaño.

En esta oportunidad la temática conceptual se centra en el elemento Tierra y la montaña. Comenzando a todo ritmo, pero sin sorpresas con una descarga de adrenalina con “The Wolf Is Loose”, continuando con la intensa “Crystal Skull” con Scott Kelly cantante de Neurosis como invitado en voces.

Hasta ese momento nada novedoso, pero en “Sleeping Giant” ya empezamos a vislumbrar a Mastodon renovado, mucho más melódicos dejándonos el primer gran tema del álbum. Le siguen la intrincada y efectiva “Capillarian Crest” y otro punto alto como “Circle of Cysquatch” con sus cambios de ritmo y oscuridad.

Otras apariciones de invitados se llevan las palmas como “Colony of Birchmen” (un homenaje a “The Colony Of Slippermen” de Genesis) con la participación estelar de Josh Homme de Queens of the Stone Age, y “Siberian Divide” con Cedric Bixler-Zavala de At the Drive-in y The Mars Volta y “Pendulous Skin” con Ikey Owens.

La Montaña Sangrienta de Mastodon confirmaría que la banda estadounidense tenía todo para ser una leyenda del metal internacional, y gracias a la búsqueda de mayor pulcritud de sus composiciones si logran ser menos reiterativos tenían todo para expandir sus fronteros más allá del género.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4.5)

Mika – Life in Cartoon Motion (2007)

Puntaje del Disco: 9

  1. Grace Kelly: 9,5
  2. Lollipop: 8
  3. My Interpretation: 9
  4. Love Today: 8,5
  5. Relax (Take It Easy): 9
  6. Any Other World: 8,5
  7. Billy Brown: 8
  8. Big Girl (You Are Beatiful): 8,5
  9. Stuck in the Middle: 8
  10. Happy Ending/Over My Shoulder: 9,5

Michael Holbrook, mejor conocido como su nombre artístico Mika, nació el 18 de agosto de 1983 en Líbano y siempre le encantaba la música, además de ser un gran fanático de Freddie Mercury y que en las canciones vamos a ver unas claras influencias y también en su peculiar voz. Comenzó a cantar y a tocar el piano durante su preadolescencia.

Luego compuso un tema y lo publicó en una web para que la gente lo pueda escuchar llamándolo» Grace Kelly», como la actriz. Y mucha gente le comenzó a gustar. Entonces Mika comenzó a grabar su álbum debut Life in Cartoon Motion, que sería un gran éxito gracias a su sencillo «Grace Kelly».

El álbum está compuesto por 10 temas de Pop Rock, en el que se destaca más el piano. Comienza con la ya mencionada «Grace Kelly», una canción que significó el momento en el que Mika no pudo ser aceptado por las disquerías, intentando muchas veces pero sin lograrlo. Y entonces escribió esta gran canción con un estribillo y letra impecable.

Luego vendría «Lollipop» que sería una canción muy pop, que junto con «Billy Brown» y «Stuck in the Middle» (muy parecidas entre sí) serían lo menos interesante del álbum. «My Interpretation» da a conocer más sobre Michael Holbrook. Un tema muy lindo.
«Love Today» es una canción Funky Pop en dónde podemos a ver a Mika con su voz muy aguda y peculiar. Después está el otro hit, «Relax (Take It Easy)», inferior que «Grace Kelly», pero que es muy buen tema.

También está «Big Girl (You Are Beatiful)» que hace referencia a las burlas a los obesos, dejando el mensaje de que no todos tenemos las mismas cualidades o aspectos, pero siempre le vamos a interesar a algunas personas. Y por último, el gran final con «Happy Ending», con muchos coros, y «Over My Shoulder», una canción lenta y triste en la que se destaca la gran voz del cantante.

Tanto Life in Cartoon Motion como Mika me parecen muy subvalorados, pero  su  disco debut es muy bueno y escuchable.

Santi

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 1)

Ovnis – No Somos de Acá (2019)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Hogar: 8,5
  2. Primer Corte: 8
  3. ¿En Qué Creés?: 8
  4. Mantra: 7,5
  5. Octaveada: 8

Una de las propuestas más interesantes que nos llegaron en los últimos tiempos. Ovnis es un trío conformado por Diego Valente (Voz), Alejandro Pacin (Guitarra, samplers y programaciones) y Pablo Moreno (Bajo), que como su propio nombre lo sugiere tiene un sonido espacial. Se podría decir que es Rock alternativo en el que se preocupan por generar atmósferas galácticas absorbentes, en donde también tiene preponderancia la electrónica.

En su primer EP, No Somos de Acá, el sonido es moderno y oscuro desde que comienza “Hogar”, que resalta muy bien por su aire maligno y un tanto alienígena. Luego está “Primer Corte”, cuyo nombre parece decir que es su primer single (que de hecho lo es) y como tal tiene ya una melodía más Pop, pero sin abandonar su estilo. Mientras que “¿En Qué Crees?” sobresale por su guitarra. En contraposición, está “Mantra” que tiene la electrónica a flor de piel dando un aire más bailable. Y para cerrar, “Octaveada” combina lo que escuchamos en sus predecesoras, primero acústica y sombría para luego darle pie a otros efectos sonoros.

En líneas generales, No Somos de Acá es un trabajo sólido. Recomendable para quienes les interesen grupos de la onda del Robot Bajo el Agua. Un muy buen EP debut que sugerimos escuchar desde aquí.

Persy

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Sooolooos

En la música, el solo de guitarra tiene una posición privilegiada, pues ha sido elevado al grado de lo sublime y climático. La guitarra es el instrumento que da vida, sostiene la existencia y perfecciona la presencia de una canción. Esto ha sido un poco injusto con el resto de los instrumentos, de los cuales también existen solos catárticos y momentos supremos; sin embargo, por la reputación de la guitarra, este instrumento ha sido estudiado y manipulado en tantas formas que no sorprende, tarde o temprano, llegar a los solos más memorables de esta era musical. Solos hay muchísimos, buenos solos también hay bastantes y la mayoría siempre son de los guitarristas que figuran en las listas de los mejores. Esto es sabido y repetido hasta el cansancio. Hoy, por eso, haré mención de algunos solos perdidos por la mayoría de los (por nombrarlos de algún modo) historiadores de la música. No están enumerados, pues no es mi intención colocar a unos sobre otros sino posicionarlos a todos juntos en una comunión horizontal. En fin, he aquí este humano top de solos de guitarra:

A) Everything Invaded de Moonspell tiene uno de los solos más exactos de todo el cosmos. Ricardo Amorim ejecuta un espléndido motivo ascendente que explota tras un momento de calma personificado por la voz de Ribeiro y una espera armónica en las cuerdas de Paixão. El solo encaja perfectamente en el sentido de la canción, comulga con las líricas, conjuga la intención de toda la pieza, y en un momento de perfecta comunión el sonido te invade completamente.

B) Only For The Weak de In Flames posee una línea melódica con base en los adornos de guitarra que desde el primer compás de la canción ya es ansiado el momento del solo. Björn Gelotte no sólo desempeña un maravilloso trabajo dentro del solo, sino que hace toda una preparación a lo largo de la canción con constantes figuras melódicas sobre la línea musical. Éste es un solo extendido, uno que se prepara con cautela y no se detiene hasta finalizar la canción con una satisfacción plena, de la cual sólo los débiles de espíritu musical podrían quejarse.

C) Heavyweight de Infected Mushroom tiene también un solo que perdura a lo largo de toda la canción. De hecho, ésta es una de esas piezas de las que se dice no ser una canción con solo, sino un solo con canción. El dúo israelí conformado por Erez Eisen y Amit Duvdevani logran una magistral pieza musical. Es cierto que el solo no es exclusivamente de guitarra, pues combinan sus recursos electrónicos con sintetizadores y samplers; sin embargo, la línea melódica líder sigue siendo la guitarra, poderosa y profunda como sólo este dúo de pesos pesados sabe hacerlo.

D) In The Fire en el proyecto Roadrunner United logró conjurar un extenso doble solo. Matt Heafy y Corey Beaulieu hacen mancuerna perfecta para dar vida a una canción exigente. Con la voz de King Diamond y la batería de Dave Chavarri, el trabajo solístico no era una tarea sencilla; así es que, con la estrategia maestra de combinar sus talentos, estos dos guitarristas encumbraron una pieza inolvidable. Tiene de todo: técnica, melodía, intención, profundidad, además es gratificantemente largo y representa, al punto, las ardientes llamas de una hoguera tostando brujas.

E) Una Juventud Perdida de Tierra Santa es una canción que ha sido injustamente olvidada por la crítica, opacada siempre por otras piezas de la banda; pero hoy le haremos justicia. Arturo Morras realizó un trabajo excelente en todo el álbum Tierras de leyenda, y logró en esta canción su más grande obra maestra, aún por encima de la majestuosa y tan afamada Canción del pirata. Tres veces dentro de la canción, parece que el solo ya llegó y terminó, como es lo común; todas las guitarras y figuras melódicas son magistrales y uno queda satisfecho con ellas; pero Morras no se detiene y, con cada sentimiento de la lírica, él nos brinda un nuevo motivo instrumental hasta que finalmente concluye en ese grito materno de añoranza, esperanza y preocupación por su hijo perdido en la guerra. Entonces, el verdadero y concreto solo de guitarra llega justo para llevarnos de la mano por un camino de lágrimas y coraje. La duración del solo redobla el tiempo que dura la canción en sí; es decir, el track es mitad canción y mitad solo; y aun así, el sonido se va en un fade out gradual, pues sería una insolencia detener la emoción que se ha desatado por este gran solo de guitarra. Sin duda, Una juventud perdida es una maniobra de emotividad pura.

F) Simple Man de Lynyrd Skynyrd es otra pieza llena de emoción y sentimiento. Gary Rossington es un genio sensitivo; no sólo su línea musical es melancólica y hasta nostálgica, sino también el momento del solo casi imperceptible. Uno está metido en los consejos de sabiduría que, cuando se presenta el solo de guitarra, parece seguir dándonos una cátedra de madurez. Éste es un solo maestro, no solo por ser una obra maestra sino porque es un solo que te enseña a vivir, que te enseña a sentir, que te enseña a ser un hombre simple.

G) Unhealer de Ihsahn, en un grandioso dueto con Mikael Akerfeldt por cierto, nos ofrece su mejor solo de guitarra. Se luce desde la figura melódica que encabeza la canción, pero no es hasta el momento del solo en que se puede ver su verdadera genialidad. Con un contraste en el tempo del acompañamiento musical, logra un abrupto golpe armónico a los oídos. Una vez escuchándolo, la marca de grandeza es incurable.

H) Marc Rizzo ha creado muchos solos espléndidos, sin embargo, es en Introspection Of An Introvert donde deja salir lo mejor de sí. Diez dedos que parecen cincuenta y una experiencia formada de metal y flamenco hacen que Rizzo tenga un desempeño óptimo en cada cuerda que roza. Es imparable, es indomable, es incuestionable. En el puente melódico de la canción es donde logra la perfección; en algún momento uno deja de escuchar sonidos de guitarra y se comienza a oír la voz del alma de Marc, su introspección, su introversión, su maestría.

Kobda Rocha

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Porta – Reset (2012)

Puntaje del Disco: 7

  1. Este es mi Momento: 6,5
  2. Reset: 7,5
  3. Palabras Mudas: 5,5
  4. Tras Tus Gafas de Sol: 7,5
  5. Animales Racionales: 7
  6. Los Sin Nombre: 6,5
  7. El Síndrome de Peter Pan: 7
  8. Etiquetas: 6
  9. Causa y Efecto: 8
  10. Que Se Piren:
  11. Carta de Libertad: 7
  12. Media Vida: 6,5
  13. sodangidnI: 6
  14. Sexualirap: 7
  15. Así Son Las Cosas: 7
  16. Continuará: 6,5
  17. No Tienen Hueco: 8

Tras su accidentada salida de la multinacional Universal, el MC catalán Porta publicaría en 2012 su tercer álbum de estudio: Reset, con un sello independiente. Permitiéndose mayor libertad de expresión, en sus composiciones, en los invitados que elegir para colaborar en algunos temas, entre otras cuestiones.

Con la necesidad de resetearse como sugiere el título, Porta prefiere antes de ponerle un final a su carrera reiniciarla: “Tenía ganas de volver a sentir la ilusión del principio. He vuelto a empezar, pero con todo lo aprendido. Dándome igual lo que piensen de mí. Haciendo lo que siento. Volviendo a la esencia.” Y agregaría sobre el rap: “Para mi es una forma de vida. Es una necesidad, mi forma de comunicarme. Dar con la rima perfecta es complicado, pero estoy contento con lo que hago. No necesito demostrar nada a nadie.”

En Reset el de Barcelona habla de todo un poco desde su resurrección en “Reset”, un manifiesto contra el maltrato animal en “Animales Racionales”, criticando la moda del hip hop en “Tras Tus Gafas de Sol” (mismo sample que “Fit But You Know It” de The Streets), el sexo en “Sexualirap” y además se da el lujo de contar con 23 invitados (Soma, H0lynaight, Shinoflow, Gema, Jota, entre otros) en el track de cierre “No Tienen Hueco”.

A pesar de no innovar demasiado en este material se lo ve desenvuelto y volvería a ponerlo en el foco, ganando premios en España como el de la Música Independiente 2013 en la categoría mejor disco de rap y músicas urbanas.

F.V.

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Últimos Lanzamientos: Mayo y Junio del 2020

Car Seat Headrest – Making a Door Less Open

Fecha de Lanzamiento: 01/05/2020

Puntaje del Disco: star-rating-4-6491478

De zumbidos (de mosquito), a un muy buen disco. Esa sensación nos da “Weightlifters, hasta que el tema toma forma transformándose en algo más que indie electrónico. Su sonido moderno está muy bien y se traslada a varios pasajes del álbum. Making a Door Less Open ofrece una diversidad de melodías que lo hace un tanto impredecible y bastante entretenido.

Hayley Williams – Petals for Armor

Fecha de Lanzamiento: 08/05/2020

Puntaje del Disco: star-rating-3-8936059

Conocida como la vocalista de la banda alternativa Paramore, la carismática Hayley Williams anunció en diciembre de 2019 que comenzaría una carrera solista, haciendo un impasse en su banda después de quince años.

Petals for Armor combina piezas de pop, funk y dance con bastante naturalidad, demostrando especialmente su versatilidad y crecimiento como cantante, sin embargo, no incluye composiciones demasiado valiosas para justificar el hype que se creó con este debut.

Sparks – A Steady Drip, Drip, Drip

Fecha de Lanzamiento: 15/05/2020

Puntaje del Disco: star-rating-4-6491478

Sparks tal vez no sea el mismo dúo que dio a luz discos extraordinarios en los años setenta, pero Russel y Ron Mael se siguen reinventando para sacar álbumes en los cuales demuestran que su chispa está prendida. Su vigésimo cuarto disco, A Steady Drip, Drip, Drip, es un muy buen trabajo en el que desarrollan un Art Rock muy entretenido y cargado de gracia como pocos artistas logran hoy en día. El álbum tiene algunos temas realmente memorables, aunque ciertamente es un trabajo un poco largo.

Moby – All Visible Objects

Fecha de Lanzamiento: 15/05/2020

Puntaje del Disco: star-rating-3m-5865851

A más veinte años de que el sonido electrónico suave marca registrada de Moby conquistara el mundo, Richard Melville Hall continúa lanzando discos ininterrumpidamente prácticamente todos los años.

En esta oportunidad All Visible Objects es una de sus mejores colecciones de temas en años, con temas excitantes y de alto contenido político, en especial para los tiempos vividos en los últimos meses en Estados Unidos, como “Power is Taken” con la voz de del rapero Boogie como protagonista. El resto en líneas generales no aporta nada nuevo ni tampoco decepcionará a los fanáticos del artista calvo.

Perfume Genius – Set My Heart on Fire Immediately

Fecha de Lanzamiento: 15/05/2020

Puntaje del Disco: star-rating-4-6491478

Uno de los discos más aclamados de los lanzamientos de los últimos dos meses, corresponde a Perfume Genius, el proyecto de Michael Alden Hadreas. En Set My Heart on Fire Immediately desparrama su particular encanto. A través de su Art Rock, Synth Pop o simplemente Ambient, como quieran llamarle, los temas de PG son muy buenos. Tal vez no sean clásicos instantáneos, pero son entretenidos, sólidos y diversos. Muy buen álbum.

Moses Sumney – græ

Fecha de Lanzamiento: 15/05/2020

Puntaje del Disco: star-rating-4-6491478

Græ, el segundo disco de estudio de Moses Sumney es probablemente una de las grandes revelaciones de este 2020. Con su estilo alternativo, que tiene muchas influencias del Soul (y por eso en algún punto me recuerda a una versión moderna de Stevie Wonder), hace de Græ bastante penetrante en su diversidad de canciones. Los temas de Moses son consistentes y atractivos, pese a que en contrapartida es un trabajo un poco largo en su duración.

Woods – Strange to Explain

Fecha de Lanzamiento: 22/05/2020

Puntaje del Disco: star-rating-4-6491478

Los neoyorquinos Woods continúan este año tan particular con su costumbre de lanzar discos de indie folk de alta calidad como pan caliente. El flamante Strange To Explain, es ya su onceavo título en solo trece años de carrera.

En esta oportunidad se siente con mayor fuerza la presencia de los teclados y de temas más melódicos, encontrando un nuevo carácter psicodélico, hipnótico y reflexivo en su música sin dejar de lado su impronta característica. Lograron en este nuevo trabajo sonar distinto al resto y a la vez marcar una síntesis del sonido de toda su carrera.

Run the Jewels – RTJ4

Fecha de Lanzamiento: 05/06/2020

Puntaje del Disco: star-rating-4-6491478

La cuarta entrega de la saga de Run the Jewels, RTJ4, lanzado antes de lo esperado en medio de una pandemia mundial y de un levantamiento nacional en contra de la brutalidad policial en Estados Unidos.

Killer Mike y El-P mantienen la energía y frescura de siempre, y manteniendo sus letras políticas llenas de mensajes de rabia contra el sistema. En esta flamante colección de temas sobresale “Ju$t” la colaboración con Pharrel Williams y Zack de la Rocha dentro de un nivel bastante parejo del mejor dúo de hip hop en la actualidad.

Bob Dylan – Rough and Rowdy Ways

Fecha de Lanzamiento: 19/06/2020

Puntaje del Disco:

Rough and Rowdy Ways es nada menos que el trigésimo tercer álbum de Bob Dylan, y ostenta un nivel tan espectacular como en su mejor época en los años sesenta. De hecho, es un disco de Dylan que apuesta a influencias que son más de esa década, aunque no para reproducir algo que hizo en el pasado, sino como si sacara lo mejor del Blues Rock y el Folk Rock de otros artistas contemporáneos. En “I Contain Multitudes”, el sonido de Dylan, es más delicado y prolijo, y canta y recita con un estilo que ya me recuerda más a Leonard Cohen y Tom Waits. Pero luego en “False Prophet” tenemos Hard Rock con un Riff que es más propio de los Rolling Stones. Y es realmente sólido y divertido, como hace tiempo no se escucha en ningún grupo de la actualidad. Los guitarristas de su banda en ese sentido hacen un muy buen trabajo, dando versatilidad a su trabajo. Si a todo esto le sumamos el genio de Bob en sus letras y buenas melodías, estamos ante uno de los mejores discos del 2020.

Neil Young – Homegrown

Fecha de Lanzamiento: 19/06/2020

Puntaje del Disco: star-rating-4-6491478

Homegrown, el álbum fantasma en la Carrera de Neil Young, finalmente se editó este accidentado 2020. Compuesto por temas grabados en sesiones entre 1974 y 1975, es considerado por el propio artista como un puente en dos de sus clásicos inoxidables como Harvest y Comes a Time.

Los temas de Homegrown no desentonan al momento de alta inspiración que el canadiense estaba atravesando durante los setentas, con temas entre melancólicos y sencillos pero profundos a la vez como “Love is a Rose”, “Separate Ways” y “Vacancy”, que de haberse lanzado este material cuando correspondía pasarían a ser clásicos en el vasto repertorio de Neil.

HAIM – Women in Music, Pt. 3

Fecha de Lanzamiento: 26/06/2020

Puntaje del Disco: star-rating-4-6491478

El tercer disco de HAIM, Women in Music, Pt. 3, es una versión más elaborada de este grupo de chicas. Su Pop Rock parece expandirse a nuevos horizontes, donde la diversidad de instrumentos y recursos que utilizan las hace muy interesantes, pero sin perder el hábito de ofrecer buenas melodías. Women in Music es en general un muy buen disco, bastante sólido, tal vez el mejor de HAIM hasta ahora.

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