Big Star

Big Star – # 1 Record (1972)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Feel: 9
  2. The Ballad of El Goodo: 9
  3. In the Street: 9
  4. Thirteen: 10
  5. Don’t Lie to Me: 9
  6. The India Song: 8.5
  7. When My Baby’s Beside Me: 9
  8. My Life Is Right: 9
  9. Give Me Another Chance: 9
  10. Try Again: 8.5
  11. Watch the Sunrise: 8.5
  12. ST 100/6: 8

Probablemente al nombrar a la banda Big Star, a muchos no se les dispare rápidamente una idea clara de qué hizo este grupo o qué canciones las hicieron conocido. Pero si uno indaga un poco en la historia de Big Star se dará cuenta que este grupo oriundo de Memphis, Tenesse, ha tenido una profunda influencia en la música de los setenta y ha creado un importante legado dentro del llamado Power Pop.

Big Star tuvo sus raíces en Icewater, la banda que Chris Bell compartía con el guitarrista Steve Ray, el bajista Andy Hummel y el baterista Jody Stephens, de principios de los años setenta. Al poco tiempo de su formación Ray abandonó el grupo y en su lugar ingresó Alex Chilton, un joven de 16 años que ya había conseguido un número uno con la canción “The Letter”. Fascinado con la música e imágenes que The Beatles había producido en Estados Unidos en su arribo en 1964, Chilton y Bell tomaron las riendas de las composiciones y encausaron su camino tomando como referencia al dúo más popular, Lennon/McCartney.

En 1972 el grupo grabó su álbum debut, cuyo nombre salió de casualidad al final de las sesiones, como una especie de deseo más que una posible realidad. De no haber sido por un problema de Stax Records con la distribución del disco, quizás éste hubiese alcanzado mayor cantidad de ventas. De todos modos, los especialistas de aquel entonces coincidían en que “#1 Record” era uno de los mejores de ese año, con un sonido brillante y según comentó la revista Rolling Stone, “un disco excepcionalmente bueno”.

Lo interesante del álbum es la diversidad de sonidos que presentaba, sobre todo si se contextualiza el momento en el que fue grabado. Con las Invasiones Británicas en pleno auge, Big Star concentró sus esfuerzos en tomar un poco de lo mejor. Es así como se nota la influencia de The Beatles y ciertas semejanzas con The Kinks y The Who, que estaban en sus años de gloria.

El cuarteto de temas del inicio es verdaderamente genial, sin desperdicio, desde “Feel”, pasando por los coros de “The Ballad of El Goodo” y la despreocupada “In the Streets”, hasta “Thirteen”, el tema por excelencia del disco y una maravillosa composición que retrata muy bien a la adolescencia (“rock n’ roll is here to stay”). Por supuesto que un disco de esta calidad contó también con otros temas destacados. “Don’t Lie to Me”, que sin ahondar demasiado en la letra, las distorsiones de guitarra le dan muy buen ritmo o “When My Baby’s Beside Me” que toma bastante de The Rolling Stones.

Después de dos álbumes más en los setenta Big Star se reunió en el nuevo siglo para lanzar nuevo material, pero siempre quedará el gran aporte que la dupla Bell/Chilton han realizado a la música.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 3.5)
Luis Alberto Spinetta

Luis Alberto Spinetta – Artaud (1973)

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luis-alberto-spinetta-artaud-1973-3868022Puntaje del Disco: 10

  1. Todas las Hojas son del Viento: 10
  2. Cementerio Club: 8,5
  3. Por: 9
  4. Superchería: 8,5
  5. La Sed Verdadera: 8
  6. Cantata de Puentes Amarillos: 9,5
  7. Bajan: 9
  8. A Starosta, el Idiota: 9
  9. Las Habladurías del Mundo: 10

Aclaración: Antes de que empiecen a comentar que el disco es de Pescado Rabioso y no del flaco solista la realidad es que Artaud fue acredito a Pescado Rabioso, pero en realidad corresponde a Luis Alberto Spinetta como solista. En el año 1973, con Pescado Rabioso ya disuelto, Spinetta graba este disco, con dos ex Almendra, Emilio Del Guercio y Rodolfo García, y su hermano, Carlos Gustavo Spinetta, tocando la batería en dos canciones; aunque Luis toca solo en varias canciones. El flaco lo publicó todavía bajo el nombre de Pescado Rabioso, porque según él, «Luis Alberto Spinetta», le parecía muy pomposo, y además, quería demostrarle a los otros integrantes de Pescado, que Pescado era él.

Luego de la aclaración pertinente pasaremos a analizar un clásico absoluto en la carrera de Spinetta. Considerado por muchos músicos no solo su mejor disco, sino también el mejor del rock argentino. Con un tono intimista mucho menos rocker de lo que venia haciendo con Pescado, Artaud cuenta con canciones bellísimas enmarcadas en guitarras acústicas, estructuras complejas que denotan una marcada incorporación del jazz en su música. Con letras profundas ya características en todos sus trabajos, toda esta combinación hace del disco algo imperdible y totalmente redondo de principio a fin. Solo para destacar los mejores temas me quedo con “Todas las Hojas son del Viento”, “Cantata de Puentes Amarillos”, “Bajan” y “Las Habladurías del Mundo”.

El titulo hace referencia directa al poeta francés Antonin Artaud, de hecho, el concepto del álbum está influenciado por dos de sus obras: «Heliogábalo, el anarquista coronado» (1934) y «Van Gogh, el suicidado por la sociedad» (1947). Otro dato más extramusical es el diseño original del LP en forma de estrella verde con formato irregular, totalmente extraño para la época que marco un antes y un después a la hora del diseño de tapa para los discos en el rock nacional.

F.V.

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(Votos: 2 Promedio: 5)
Charly Garcia

Charly García – Yendo de la Cama al Living (1982)

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Puntaje del Disco: 9,5

  1. Yendo de la Cama al Living: 9,5
  2. Superhéroes: 9
  3. No Bombardeen Buenos Aires: 9
  4. Vos También Estabas Verde: 8,5
  5. Yo No Quiero Volverme Tan Loco: 10
  6. Canción de Dos por Tres: 8
  7. Peluca Telefónica: 8
  8. Inconsciente Colectivo: 9,5

Luego de su exitosa trayectoria con Sui Generis, La Maquina de Hacer Pájaros y Seru Giran, Charly García empezaría su carrera como solista en el año 1982. En ese año, Charly editaría dos trabajos simultáneos: Pubis Angelical, su primer disco solista, que fue banda sonora de la película de Raúl de la Torre que llevó la misma denominación; y Yendo de la Cama al Living, el segundo y uno de los más reconocidos del cantautor.

Yendo de la Cama al Living fue editado en el último año de la dictadura militar, que se encontraba en plena decadencia por la derrota de Malvinas. Por eso el disco tiene una fuerte connotación con el tenso clima bélico de la época. En él Charly sigue demostrando que sus dotes compositivos siguen en un nivel notable, utilizando recursos que ya había usado en sus bandas pero estacionado como un artista de los ochenta. El órgano y teclado ya no son tan progresivos, sino convencionales, y la bateria con eco denota la fuerte influencia del período.

Teniendo en cuenta las composiciones de Charly el disco se puede dividir en 2 partes. Primero están aquellos clásicos que se transformarían en himnos del rock argentino: “Yendo de la Cama al Living”, “Yo No Quiero Volverme Tan Loco” y la balada “Inconsciente Colectivo”, cada uno con su mensaje, su melodía conmovedora y su propia grandeza.

Y un escalón más abajo, están los muy buenos temas que hacen más que acompañar. “Superhéroes” y “Vos También Estabas Verde” son muy buenas canciones que parecen más de la época de Sui Generis. Por su parte, “Peluca Telefónica” tiene el atractivo de haber sido compuesto con Charly junto a Spinetta y Pedro Aznar. Y también esta “No Bombardeen Buenos Aires”, una de las más originales que incluso incorpora sirenas que le dan un clima especial.

Yendo de la Cama al Living es un álbum excelente e irreprochable. Fue ubicado en el puesto 26 por la Rolling Stone de Argentina, una revista bastante cuestionable hoy en día sobretodo en sus rankings. Pero no hay que prestarle atención a esa “distinción”, porque tal vez merecía un mejor puesto.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4.5)
The Velvet Underground

The Velvet Underground – VU (1985)

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Puntaje del Disco: 9

  1. I Can’t Stand It: 9
  2. Stephanie Says: 9,5
  3. She’s My Best Friend: 7,5
  4. Lisa Says: 9
  5. Ocean: 8,5
  6. Foggy Notion: 9
  7. Temptation Inside Your Heart: 8,5
  8. One Of These Days: 8,5
  9. Andy’s Chest: 6,5
  10. I’m Sticking With You: 8,5

VU es un conjunto de outtakes inéditos o lados b de la Velvet Underground que nunca llegaron a ser editados en ninguno de sus álbums de estudio. Sin embargo muchos de ellos se hicieron conocidos por haber sido interpretados en vivo durante las presentaciones de la banda, así como también algunos fueron versionados por Lou Reed en su carrera como solista: “I Can’t Stand It”, “Ocean” y “Lisa Says” aparecieron en su álbum debut Lou Reed, “Andy’s Chest” en Transformer y “She’s My Best Friend” en Coney Island Baby.

Así que los lados B de este compilado seguramente los escuchaste alguna vez. Algunos en mejores versiones como sucede en “She’s My Best Friend” que no llega a ser atractiva como la versión de Coney Island Baby. Sin embargo, la mayoría son composiciones que están a la altura de los mejores clásicos de la banda. Entre ellas mi favorita es la preciosa balada “Stephanie Says” por su onda a lo “Sunday Morning”, con su violín distintivo y por como llega a su climax sobre el final con Reed entonando “It’s So Cold In Alaska!”. El rock paranoico de la Velvet en “I Can’t Stand It” es también espectacular. Y ni hablar del divertido rock and roll de “Foggy Notion”. “Lisa Says” también es uno de los platos fuertes especialmente por como enuncia Lou Reed el estribillo: “Lisa saa a ays”

Esos cuatro temas son los mejores, pero lo que queda no decae en el nivel. “Ocean” tiene una atmosfera de relax marítimo y psicodélico que es muy bueno. “Temptation Inside Your Heart” rockea con sus conversaciones de fondo y sus entretenidos coros. “One Of These Days” es un tema más pop que no deja de tener esos tintes de la Velvet. Y “I’m Sticking With You” es un muy buen tema a piano interpretado por la dulce voz de Maureen Tucker al que luego se le suman las voces del resto de los integrantes de la banda.

La única canción de VU medio floja es “Andy’s Chest” que da pautas de porque es un lado B. Pero la calidad del material en general es admirable y muy sólida. Es un disco de culto de una banda de culto como la Velvet que no tiene desperdicio para ninguno de sus seguidores.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
The Beta Band

The Beta Band – The Three E.P.’s (1998)

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Puntaje del Disco: 9,5

  1. Dry the Rain: 10
  2. I Know: 7,5
  3. B + A: 9
  4. Dogs Got a Bone: 8,5
  5. Inner Meet Me: 8,5
  6. The House Song: 9
  7. Monolith: 8,5
  8. She’s the One: 9,5
  9. Push It Out: 8
  10. It’s Over: 9
  11. Dr. Baker: 8
  12. Needles in My Eyes: 9,5

Si hay un disco de culto por excelencia en la década de los noventa y con toda una historia detrás es sin dudas The Three E.P.’s, lanzado en Septiembre de 1998 en el Reino Unido y Enero de 1999 en los Estados Unidos, de los escoceses The Beta Band. Como su propio nombre lo indica se basa en la compilación de sus tres publicaciones previas editadas en Gran Bretaña entre 1997 y 1998 en forma de EPs que contaban con una calidad tal que merecían decantar en un disco oficial. Así los EPs Champion Versions, The Patty Patty Sound y Los Amigos del Beta Bandidos se unieron para formar un disco increíble de doce canciones que emocionaron a un grupo selecto de seguidores y críticos que se hicieron adictos de su música y de la impecable voz de su líder Steve Mason.

El disco comienza con un tema que se las trae, la hermosa y emocionante “Dry the Rain”, que supo hacerse famosa gracias a la aparición en una muy buena escena de la recomendable película High Fidelity con John Cusack. En ella Cusack es un enfermo de la música dueño de una disquería y antes de poner “Dry the Rain” en los parlantes de su negocio y que todos los presentes empiecen a mover sus cabezas en señal de aprobación, le dice a su compañero “Hoy voy a vender cinco copias de The Three E.P.’s de la Beta Band”.

El sonido del grupo en estas primeras épocas suena fresco, amplio y atractivo para los fans del Indie rock, electrónica, folk y brit pop. Por momentos te hace rememorar a Radiohead antes de Kid A, Beck, The Flaming Lips y hasta a los alemanes Can en especial en improvisaciones instrumentales y sonoras locas como “Monolith”.

Otros temas memorables al estilo “Dry the Rain” podemos encontrar en este trabajo que a la postre se convertirían en clásicos de la Beta Band como “She’s the One”, “It’s Over” y la psicodélica “Needles in My Eyes”.

The Three E.P.’s trasciende en muchos niveles. Solo una banda sin nada que perder podría crear música de este tipo con una capacidad de sonar tan bien y generar distintos climas con tanta efectividad.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Gustavo Cerati

Gustavo Cerati – Bocanada (1999)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Tabú: 8
  2. Engaña: 8 
  3. Bocanada: 9
  4. Puente: 10
  5. Río Babel: 9
  6. Beautiful: 8 
  7. Perdonar es divino: 8
  8. Verbo carne: 8.5 
  9. Raíz: 8.5
  10. Y si el humo está en foco: 8
  11. Paseo inmoral: 8.5 
  12. Aquí y ahora (Parte I): 8
  13. Aquí y ahora (Parte II): 8.5
  14. Alma: 8
  15. Balsa: 8

Hacia 1993 mientras Soda Stereo comenzaba a mostrar ciertas diferencias entre sus músicos, Gustavo Cerati coqueteaba con la posibilidad de iniciar su carrera solista. “No estoy pensando en desarrollar una carrera solista, simplemente hice un disco solo” decía por aquel entonces. Lo cierto es que “Amor Amarillo” fue su primera composición en solitario. Tres años más tarde Gustavo se unió a un grupo de músicos no profesionales para formar Plan V, una efímera banda que sacó dos discos, uno homónimo y “Plan Black V Dog” de 1998.

Una vez disuelto Soda tras los recordados recitales en el Estadio de River Plate en 1997, Cerati emprendió de lleno en la carrera solista. En 1999 editó uno de los discos más importantes en solitario, “Bocanada”, grabado en los estudio Abbey Road en Londres. Estuvo acompañado por Leo García, Flavio Etcheto, Fernando Nalé y Martín Carrizo.

En este material Cerati retoma los sonidos pop que tanto caracterizaron su estilo, aunque no deja de lado su devoción por la electrónica, como puede notarse en “Raíz” y “Río Babel”. Esos tiempos en los ritmos quedan marcados a lo largo de todo este muy buen disco. “Bocanada” es un disco ideal para poner como fondo, como también para escuchar atentamente las letras y apreciar la maravillosa composición de Cerati.

Junto al track que da nombre al disco, “Engaña”, “Río Babel” y “Puente” son el cuarteto de temas que más se destacan. Todas dan un clima totalmente relajado, lejos de las estridencias del rock. “Puente”, el segundo corte difusión, recibió numerosos premios que bien merecido se lo tienen. Por otro lado, “Aquí y ahora”, dividió en dos partes, está inspirado en la historia “Un Jardín de Senderos que se Bifurcan” de Jorge Luis Borges.

“Bocanada” recibió muy buenas críticas y fue un material muy esperado en el ambiente ya que se sabía la gran capacidad de Cerati, quien no defraudó, y seguiría cosechando elogios a lo largo de su carrera.

Piro

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(Votos: 2 Promedio: 5)
Skay Beilinson

Skay Beilinson – A Traves Del Mar de los Sargazos (2002)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Gengis Khan: 8,5
  2. Kermesse: 7,5
  3. El Pozo de la Serpiente: 8
  4. Alcolito: 8,5
  5. Kazoo: –
  6. Oda a la Sin Nombre: 9
  7. Memorias de un Perro Mutante: 9,5
  8. Con los Ojos Cerrados: 8
  9. Síndrome del Trapecista: 8
  10. Astrolabio: 8,5
  11. Entre el Cielo y la Tierra: 7
  12. La Grieta: 7,5

Tras la separación de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota estaba claro que sus dos máximos representantes Skay Beilinson y el Indio Solari no se iban a quedar de brazos cruzados. Del que primero se tuvieron noticias y edito su primer trabajo solista fue Skay A través del Mar de los Sargazos (2002).

A grandes rasgos se puede decir que el debut de Skay tiene un sonido muy similar a los redondos, esto se debe en parte a que varios temas habían sido compuestos con anterioridad incluso de varios años atrás y como era de esperarse la música del disco se centra en la guitarra. A Skay lo acompañan en el disco Claudio Quartero en bajo y Daniel Colombres en batería, el resto esta todo a cargo de el. Todo con la producción de La Negra Poly. Acerca de la elección de grabar temas que había compuesto hace un tiempo Skay declaro: “Son ideas muy ricas que, cuando las escuché, me seguían estimulando”.

A través del Mar de los Sargazos no hace más que develar lo que muchos seguidores de los redondos intuíamos la banda eran ellos dos, Beilison con la creación musical y Solari con la creación literaria y la voz. La voz de Skay si bien no desentona y esta bastante bien, es en el único punto que pierde en la comparación inevitable con los redondos que era innegable que iba a suceder.

El comienzo de la carrera solista de Skay, como así la del Indio poco tiempo después, es un consuelo para aquellos fieles seguidores del grupo mas convocante de la Argentina. Que siempre añoran una reunión que parece cada vez más lejana.

F.V.

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Morphine

Morphine – Cure For Pain (1993)

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Puntaje del Disco: 8.5

  1. Dawna: –
  2. Buena: 7
  3. I’m Free Now: 8
  4. All Wrong: 7.5
  5. Candy: 9
  6. A Head with Wings: 8.5
  7. In Spite of Me: 8
  8. Thursday: 8.5
  9. Cure for Pain: 8
  10. Mary Won’t You Call My Name?: 7.5
  11. Let’s Take a Trip Together: 7.5
  12. Sheila: 9
  13. Miles Davis’ Funeral: –

En 1989 el bajista y vocalista Mark Sandman, quien previamente había integrado la banda Theat Her Right, se juntó con el saxofonista Dana Colley para darle vida a un nuevo proyecto. Jerome Dupree, en batería, fue el encargado de completar la alineación inicial de Morphine, una interesante banda de culto de Massachusetts.

“Good” de 1991 fue el primer trabajo del grupo, que gracias a las positivas críticas de los especialistas, un pequeño número de seguidores comenzaron a interesarse por Morphine. Claramente catalogado como rock alternativo, el género del grupo no fue tan sencillo de calificar en principio. En declaraciones, Sandman definió el estilo como “low rock”, tal vez por la falta de las estridencias típicas del rock o sencillamente porque se le ocurrió en el momento. De una u otra manera, lo que Morphine hacía era combinar el blues y el jazz con ciertos arreglos del rock, produciendo un sonido innovador.

Respaldado por el buen álbum debut, “Cure For Pain” cristalizó la perfecta armonía que generaban los tres músicos. Letras sólidas y buenas líneas del bajo crean una agradable atmósfera, como en “Ins Spite of Me”. Ese clima distendido es en gran parte a los correctos bateos de Dupree y por supuesto al saxo de Colley. Los solos de saxofón le dan ese toque de jazz (“Cure for Pain”, “I’m Free Now”) que bien se mezcla con el blues, un poco más depresivos. Sin embargo, el disco mantiene una misma estructura de la cual no se aparta.

Con la difusión en las radios locales de temas como “Thursday” y “Buena” la banda aumentó la cantidad de fanáticos, que vieron con buenos ojos a esta singular agrupación que entendió que no era necesaria la guitarra ni aferrarse a los estereotipos clásicos del rock para quedar en el recuerdo.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Festivales de Discos

Festival de Bandas de Culto

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Desde los inicios del Rock, hay bandas que lograron destacarse artísticamente, siendo originales e incluso fundamentales, pero que nunca terminaron de alcanzar un nivel de popularidad masivo ni un rotundo éxito comercial: Las Bandas de Culto.

En este tipo de grupos es más común un sequito de seguidores fieles y devotos, pero también reducido y exclusivo, que se renuevan y adquieren nuevos fanáticos con el paso del tiempo y la aparición de nuevas generaciones.

Las Bandas de Culto se pueden encontrar en los sesenta, arrancando por The Velvet Underground, cuya influencia fue revolucionaria y primordial en la aparición de este tipo de bandas en el futuro. Así nos topamos con grupos como Can, Television, Joy Division y Big Star en los setenta. Y luego grupos más alternativos como The Fall, Pixies y Sonic Youth en los ochenta. El recorrido se renovaría en los noventa con una nueva generación de grupos de Indie rock como Pavement, The Brian Jonestown Massacre y Neutral Milk Hotel. Incluso la última década tendría sus representantes gracias a bandas como The Beta Band y LCD Soundsystem.

Bandas de Culto se pueden encontrar en todas las épocas. Siempre geniales, aunque muchas veces desconocidas. Este Festival de Discos estará dedicada a ellas, para que las empieces a descubrir si todavía no las conocías.

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Festival de Solistas

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Muchos de las celebridades del Rock Argentino comenzaron a transformarse en íconos de su historia en base a su labor en sus bandas. Spinetta en Pescado Rabioso y Almendra, y Charly Garcia en Sui Generis y Seru Giran fueron algunos de los más importantes. Pero estas importantes figuras también tuvieron su exitosa trayectoria como solistas. Por eso, en este tercer Festival del Persi Musica disfrutaremos de su labor en solitario. Charly, Spinetta, Andres Calamaro entre otros serán los protagonistas. Y para empezar el mismo, les dejamos una mini encuesta para que votes si prefieres a Charly o Spinetta.

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Tu dosis necesaria de discos, películas, series y más

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