Can

Can – Ege Bamyasi (1972)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Pinch: 9
  2. Sing Swan Song: 9
  3. One More Night: 8,5
  4. Vitamin C: 8
  5. Soup: 8
  6. I’m So Green: 9,5
  7. Spoon: 9

Luego del sorprendente Tago Mago (1971) la banda progresiva Can continuaría acentuando su sonido experimental y alocadas composiciones con el lanzamiento de su siguiente trabajo Ege Bamyasi (1972). El disco recibió incluso mejores críticas que Tago Mago y fue tomado como influencia por numerosos artistas de la escena alternativa de los ochenta, como por ejemplo el líder de Pavement Stephen Malkmus que declaro: “Tocaba Ege Bamyasi todas las noches antes de dormir durante 3 años” y Thurston Moore de Sonic Youth: “Fue el primer disco de Can que escuche y no conocía nada de ellos cuando lo compre. Estaban totalmente afuera del rock and roll, era totalmente distinto a todo lo que habia escuchado hasta el momento”.

Ege Bamyasi contó con un inesperado hit en Alemania la inclasificable “Spoon”, realmente sonó demasiado por ser el tema de apertura de una serie de la televisión de ese país llamada “Das Messer” (El cuchillo). Mas haya de esto el objetivo de Can claramente no era cosechar éxitos ni minutos en las radios otros temas inspirados que resaltan del resto son “Pinch”, “Sing Swan Song” y “I’m So Green” (mas tarde versionada por otro Beck).

Lo que mas sorprende de la música de Can es lo avanzados y frescos que sonaban, a no olvidarse que el disco remite a 1972, pasaron treinta y ochos años! Y tranquilamente podría sonar como algo original actualmente. Lo que por un lado habla muy bien del grupo alemán y su inusual creatividad y por otro de la falta de ideas y sonidos fuera de lo convencional, salvo contadas excepciones, que actualmente predominan.

F.V.

 

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(Votos: 1 Promedio: 5)
White Lion

White Lion – Pride (1987)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Hungry: 5,5
  2. Lonely Nights: 7
  3. Don’t Give Up: 7,5
  4. Sweet Little Loving: 6
  5. Lady of the Valley: 4
  6. Wait: 8,5
  7. All You Need is Rock N Roll: 3
  8. Tell Me: 7,5
  9. All Join Our Hands: 5
  10. When The Children Cry: 8

Nuevamente estamos ante una de las tantas bandas surgidas en los ochenta, dentro del genero de hair metal y hard rock, de las cuales muy pocas pudieron superar esa frontera llegando a los noventa. En este caso la banda a la cual haremos referencia es White Lion, surgida en los EEUU en 1983, a partir de la unión del vocalista Mike Trapp y el guitarrista Vito Bratta, sobresaliendo en la banda la presencia del bajista James Lomenzo al ser el ex miembro de Megadeth.

Si bien la banda tardo en lanzar al mercado su primer trabajo, al estar insatisfecho por las grabaciones en su primer momento, en el año 1987 finalmente llegaría con el nombre de Pride.

Aunque es el mejor disco de la banda, el cual los llevó a la fama, el mismo presenta varios altibajos, donde su punto mas flojo comienza esta en “All You Need is Rock N Roll”, un tema para mi gusto cuenta con muy poca producción, con un comienzo de base en un recital en vivo, lo cual ya el sonido es bastante distorsionado.

La contra cara de “All You Need is…” se podría decir que es “Lonely Nights”, sin sobrarle nada. “Lonely…” es un single en el cual el tono de voz de Trapp esta por debajo de la base musical, sobresaliendo por sobre la guitarra y un cambio de ritmo dentro del tema, cambiando la estructura del mismo, para luego retornar su forma habitual.

Dentro de este último grupo, pero con distintas características podríamos destacar a “Don’t Give Up”, característico por su estribillo pegadizo, o “Tell Me”.

Pero superior por sobre el resto es la balada “When The Children Cry”, que a pesar de ser el mejor tema luego de “Wait”, peca un poco para mi gusto por el dramatismo en la melodía, pero es una excelente canción en fin.

Eso es lo que ofrece White Lion, que como dijimos anteriormente, es una de las tantas bandas que llego a lo máximo en la década de los 80, pero luego no pudo progresa con los años posteriores, estancándose en dicha época…

Luquitas Bonjo

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Festivales de Discos, Linkin Park, Novedades de la pagina

“El Horror de Linkin Park”, la nueva película de Terror para Halloween

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Puntaje de la Película:

Genero: Terror/Nü Metal

País de Origen: Estados Unidos

Duración: 1996 – Actualidad.

Actores:

  • Chester Bennington
  • Mike Shinoda
  • Joe Hahn
  • Brad Delson
  • Rob Bourdon
  • David Farrell

Sinopsis: De los creadores de Korn y Slipknot, llega una de las últimas y más abominables creaciones del Nü Metal: Linkin Park. Basada en la trágica historia real de un muchacho gritón llamado Chester Bennington, quien en su afán por conquistar al mundo se junta con un conjunto de sujetos sin mucho talento para conformar uno de los grupos más nefastos y marketineros de la historia del rock. Sus espantosos discos desde “Hybrid Theory” a “A Thousand Suns” invadirán la humanidad poniendo en peligro su existencia.

Reconocimientos:

  • Premio Persi Music a la banda más sobrevalorada: Linkin Park. Galardón logrado con el 18.56% de los votos obtenidos en encuesta de la página.
  • Premio Persi Music al mayor gritón de la historia: Chester Bennington. Su (inútil) capacidad para mantener un grito por 17 segundos y su pésima habilidad compositiva lo hacen un claro ganador en el rubro.

Trailer:

[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=JYNRhzX6gw8]

Coming Soon: “Los Jonas Brothers en Vivo” (Terror), “Mi Novia es una Ramone” (Comedia), “Bonjo y Yo” (Romántica), “Bret Michaels y los invasores de las cabelleras glamorosas” (Ciencia Ficción), “Me gusta Coldplay” (Drama).

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Audioslave

Audioslave – Out of Exile (2005)

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Puntaje del Disco: 7.5

  1. Your Time Has Come: 8
  2. Out of Exile: 7
  3. Be Yourself: 8
  4. Doesn’t Remind Me: 8
  5. Drown Me Slowly: 6
  6. Heaven’s Dead: 6
  7. The Worm: 6.5
  8. Man or Animal: 6.5
  9. Yesterday to Tomorrow: 7
  10. Dandelion: 7.5
  11. #1 Zero: 6
  12. The Curse: 7

Contrario al efímero destino al que numerosas superbandas estuvieron condenadas, Audioslave se proponía a romper la regla y continuar su camino hacia la consolidación. El respetable éxito que obtuvo el disco debut le permitió al grupo ganar no sólo reconocimiento y seguidores, sino también los deseos de grabar un segundo material.

Durante el 2004 Chris Cornell y compañía se adentraron nuevamente en los estudios para editar “Out of Exile”, lanzado a la venta en Marzo del año siguiente. Este disco significó un avance muy importante a nivel de identidad de la banda ya que se logró un mayor involucramiento de los miembros en pos de mejorar la performance del disco anterior. Se pueden apreciar aspectos de Soundgarden y Rage Against the Machine indefectiblemente, pero en esta oportunidad las melodías logran una mayor armonía.

Uno de los más destacados temas es “Your Time Has Come” que estuvo inspirado en la canción “Peolple Who Died” de The Jim Carroll Band. El video expone imágenes del recital que la banda brindó en Cuba ante cientos de fanáticos. “Be Yourself”, sin tener unos grandes arreglos, es una de las más populares canciones de la banda junto con “Like a Stone”. Como otro track incluido entre los más resaltables, se encuentra “Doesn’t Remind Me” con un buen estribillo.

A partir de “Drown Me Slowly” el disco entra en un pequeño bache en el que la calidad de las canciones no ofrecen demasiado, pero van elevando el nivel “Dandelion”, una interpretación casi pop que no queda mal con el resto del disco.

“Out of Exile” mejoró claramente al primer disco y Audioslave alcanzó en su corta, aunque fructífera vida, el punto más alto en la carrera, con este material que llegó al número 1 de los Billboard en 2005.

Piro

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Babasonicos

Babasonicos – Trance Zomba (1994)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Desarmate: 8,5
  2. Malón: 9,5
  3. Montañas de Agua: 9
  4. Coral Caraza: 8
  5. Ascendiendo: 8,5
  6. Patinador Sagrado: 8,5
  7. Koyote: 7
  8. Poder Ñandú: 7
  9. Arbol Palmera: 9
  10. Sheeba Baby: 7,5
  11. Misericordia: 8
  12. Posesión del Tercer Tipo: 9

Procedentes de Lanus, localidad del gran Buenos Aires, los Babasonicos empezaron a hacerse conocidos con el single «D-Generacion» parte de su primer trabajo Pasto (1992) que sonó constantemente en las radios con un estilo alternativo y distorsionado muy distinto a como alcanzarían la fama años mas tarde, lo que hizo diferenciar a los fans nuevos de la banda con los que los siguieron desde sus comienzos cuando tocaban un rock mas «duro» y menos comercial.

Pasto contó con la participación de Gustavo Cerati y Daniel Melero como invitados y comenzarían de buena forma a ganar adeptos presentándose como teloneros de bandas nacionales muy populares como Soda Stereo e internacionales como INXS y Depeche Mode.

Su segundo trabajo Trance Zomba (1994) marcaría una diferencia notoria con su antecesor. Si en Pasto todo era rápido y no había respiro, Trance Zomba es un viaje, un trance, hay una excesiva contemplación un medio-tiempo constante, todo en este disco se caracteriza en una pausa infinita, de hecho hasta los temas más roqueros tienen una pausa. Otro elemento fundamental en el sonido del disco es la incorporación de la música negra y del Glam rock, que musicalmente no es explicito, sino que lo es a puro nivel estético, algo que adquiriría relevancia e importancia para Babasonicos disco tras disco. La estética-sónica puso una cuota de originalidad marcando un camino que muchos imitarían en el rock argentino y latinoamericano.

Otra cuota de originalidad seria la incorporación de DJ Peggyn el primer DJ estable en una banda de Latinoamérica que les sumo diferentes alternativas sonoras a las canciones. Trance Zomba merodea por diferentes estadios un tema con base hip-hop “Desarmate” digno de los Beastie Boys o Rage Against the Machine, momentos roqueros como “Montañas de agua” y “Malón” que se convertiría en un clásico de la banda, “Sheeba Baby” una canción casi progresiva, baladas como “Coral Caraza” y “Arbol Palmera” que anticiparon el sonido que mas adelante seria una marca registrada del grupo y la innovadora mezcla de funk y música futurista de “Patinador Sagrado”.

A pesar de ser considerado un disco fundamental en su carrera tanto por fans como por la critica especializada, no es tan bien recordado por el grupo, lo que se desprende de las palabras del bajista Gabo Manelli: “Es un disco pobre, humilde… los sonidos del disco son así, tenía que ser un disco de bajo sopor, de descanso… es un disco de clase media“.

F.V.

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(Votos: 2 Promedio: 4.5)
Lynyrd Skynyrd

Lynyrd Skynyrd – Nuthin’ Fancy (1975)

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. Saturday Night Special: 9,5
  2. Cheatin’ Women: 8
  3. Railroad Song: 6,5
  4. I’m A Country Boy: 7,5
  5. On The Hunt: 7,5
  6. Am I Losin’: 8,5
  7. Made In The Shade: 5
  8. Whiskey Rock-a-roller: 7,5

Luego de sus dos aclamados primeros discos, Lynyrd Skynyrd ya se posicionaba como un grupo consolidado en la década de los setenta. Sin embargo, en su siguiente trabajo Nuthin’ Fancy, sufriría lo que se conoce como “el síndrome del tercer álbum”, cuyos síntomas se traducen en un bajón importante en su calidad compositiva.

La crítica especializada señaló que el principal problema de Nuthin’ Fancy era la ausencia de grandes clásicos. Pero seamos realistas, en Second Helping tampoco abundaban, solo hay un par de canciones que hacen la diferencia. Desde mi punto de vista el inconveniente se encuentra en que Skynyrd empieza a sonar muy genérico, como consecuencia de que las composiciones de Ronnie Van Zant no están en su mejor forma.

De todos modos, Nuthin’ Fancy es un buen disco y se destaca porque Lynyrd Skynyrd ofrece un rock sureño más duro. Buen hard rock. Desde este panorama, el demoledor “Saturday Night Special” aparece como el clásico más rutilante del disco. Solo escuchen ese riff aplastante y su fantástica melodía, no tiene desperdicio. Lo suceden en el podio canciones como “Am I Losin’”, una agradable balada acústica, y “Cheatin’ Women”, un blues sureño más bien lento pero efectivo.

El resto del material como comentaba es rock sureño simple pero no muy llamativo. Es como el título del álbum lo sugiere: “Nuthin’ Fancy”, nada de fantasía…

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Vox Dei

Vox Dei – Caliente (1970)

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vox-dei-caliente-3252810Puntaje del Disco: 8

  1. Reflejos Tuyos y Míos: 8
  2. No Es por Falta de Suerte: 7,5
  3. Cuero: 7,5
  4. Compulsión: 8
  5. Total Que: 7,5
  6. Canción Para una Mujer (Que no esta): 9
  7. Presente: 9

“La Voz de Dios” ese es el significado (santurrón) de Vox Dei, otra de las bandas fundacionales y más importantes del rock argentino. Su procedencia se remite a finales de los sesenta con la unión de Willy Quiroga (Bajo y Voz), Ricardo Soule (Guitarra y Voz), Juan Carlos Godoy (Guitarra y Voz) y Ruben Basoalto (Bateria). En el ’69 conseguiría un contrato con la compañía discográfica Mandioca y empezarían a grabar sus primeros singles. Pero recién en 1970 llegaría su álbum debut: Caliente.

Caliente es un muy buen trabajo que desde mi punto de vista se divide en dos partes: los primeros 5 temas que rockean siguiendo una misma tendencia de rock/blues algo primitiva pero también muy entretenida; y los últimos 2 grandes clásicos del disco que desde su concepción se desligan marcadamente de los antes mencionados.

El primer tramo arranca con “Reflejos”, que se luce por tener un jam instrumental largo pero interesante. Luego “No Es por Falta de Suerte” se nos presenta como una prolongación, es más o menos la misma canción. “Cuero” y “Compulsión” es hard blues más del estilo de Cream o Led Zeppelin. Y para finalizar tenemos a “Total Que” que incorpora la armónica y se destaca por tener un estribillo pegadizo.

Ya en la segunda parte de Caliente primero está “Canción Para una Mujer”, una preciosa y nostalgica balada acústica, mi favorita del disco. Y para cerrar el álbum “Presente”, el tema más conocido de Vox Dei. La canción esta muy quemada, pero no quedan dudas que es un himno del rock argentino. El estribillo enunciando “Todo me demuestra que al final de cuentas, termino cada día, empiezo cada día” hizo historia y quedará inmortalizado para siempre.

Persy

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Ten Years After

Ten Years After – Cricklewood Green (1970)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Sugar the Road: 8
  2. Working on the Road: 8,5
  3. 50,000 Miles Beneath My Brain: 9,5
  4. Year 3,000 Blues: 7
  5. Me and My Baby: 8
  6. Love Like a Man: 8,5
  7. Circles: 8
  8. As the Sun Still Burns Away: 8

Luego de su despegue en 1969 con una lucida actuación en el mítico festival de Woodstock y dos trabajos editados Stonedhenge y Ssssh Ten Years After no perdería demasiado tiempo y para principios de 1970 nos presentaría su quinto álbum Cricklewood Green, citado casi por todos los críticos especializados como su obra cumbre.

Cricklewood Green es un ejemplo del sonido de TYA a lo largo de su carrera. Se caracteriza por una base de temas bluseros simples que le permiten lucirse como siempre a Alvin Lee con una velocidad y técnica únicas a la hora de tocar la guitarra, que llevaron a grosos de la guitarra contemporáneos como Jimmy Page a manifestar su admiración por Lee. Las zapadas extendidas en temas como “50,000 Miles Beneath My Brain” y “Love Like a Man” son de lo mas destacado aunque también saludablemente abordaron por momentos otros ritmos como el country en “Year 3,000 Blues” y algunos rasgos de jazz en “Me and My Baby” pero sin tan buen resultado.

Personalmente encuadro a este trabajo como una continuación de lo que venían haciendo, que como principal merito contaron con la presencia de uno de los mejores guitarristas de blues y rock de la época que realmente daba gusto escuchar, pero no brindó demasiadas composiciones y temas redondos que vayan a quedar en la historia (a pesar que mas adelante intentarían con temas mas comerciales fallidamente), simplemente son un muy buen grupo de blues que lograron alcanzar su esplendor entre finales de los sesenta y principios de los setenta sin poder consolidarse a lo largo de los años.

F.V.

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Los Abuelos de la Nada

Los Abuelos de la Nada – Los Abuelos de la Nada (1982)

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Puntaje del Disco: 6.5

  1. No te Enamores Nunca de Aquel Marinero Bengalí: 8
  2. Sin Gamulán: 8.5
  3. Como Debo Andar: 7.5
  4. En la Cama o en el Suelo: 6
  5. Ir a Más: 6.5
  6. Tristeza de la Ciudad: 7
  7. Creo Que es un Sueño Más: 6
  8. Levantando Temperatura: 6.5
  9. Guindilla Ardiente: 5
  10. Te vas Rica: 6
  11. Se Me Olvidó Que Te Olvidé: 5.5

“Padre de los piojos, abuelos de la nada” decía una frase de Leopoldo Marechal en el libro “El Banquete de Severo Arcángel”, cuyas últimas palabras fueron el punto de partida de la historia de una de las bandas más importantes del Rock Nacional. Fundada en 1967 por Miguel Angel Peralta y Pipo Lernoud, Los Abuelos de la Nada dieron forma al proyecto de rock criollo que se venía gestando con Almendra, Los Gatos y Manal.

La historia de los Abuelos de la Nada tiene dos etapas. En la primera, que se inició hacia fines de los sesenta, Miguel Abuelo era el encargado de las voces, Héctor Lorenzo era el batero, Alberto Lara en bajo, Micky Lara en guitarra, Eduardo Fanacoa en teclados y el legendario Pappo hacía de las suyas con la viola. Lograron editar el simple que incluía a “Divina Diana” y “Tema en flu sobre el planeta”, pero sin conseguir sacar un disco. Luego vinieron las diferencias entre los integrantes y mientras Abuelo se fue a España, Pappo continuó con el grupo dándole un estilo más blusero, pero tiempo más tarde también dejaría la formación.

La segunda etapa del grupo comenzó con la vuelta de Miguel Abuelo y la incorporación en los teclados de Andrés Calamaro, un talentoso joven que infundió el pop y el New Wave ochentoso en la banda. En 1982, con la producción de Charly García, se lanzó el disco homónimo que abrió un exitoso camino en la carrera del grupo.

Este álbum debut tiene un estilo pop combinado con rock y reggae bastante innovador para la época. A la experiencia de Abuelo se le sumaba el gran talento que mostraba Calamaro en cada intervención, como en “Sin Gamulán”, uno de los grandes hits. “No te Enamores Nunca de Aquel Marinero Bengalí” es el otro éxito del disco aunque también se destaca “Tristeza del Ciudad”.

El éxito del álbum llevó a los Abuelos a presentarlo por el interior del país y forjar a partir de entonces una serie de éxitos que durarían no más de cinco años, pero que sirvieron para posicionar al grupo como uno de los grandes del Rock Nacional.

Piro

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Tu dosis necesaria de discos, películas, series y más

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