Pink Floyd

Pink Floyd – Wish You Were Here (1975)

5 comentarios

Puntaje del Disco: 10

  1. Shine On You Crazy Diamond, Pts. 1-5: 10
  2. Welcome To The Machine: 7,5
  3. Have A Cigar: 8
  4. Wish You Were Here: 10
  5. Shine On You Crazy Diamond, Pts. 6-9: 10

El éxito comercial de The Dark Side of the Moon también traería aparejado tiempo más tarde otro disco bastante accesible para tratarse de Pink Floyd, como lo fue Wish You Were Here. Sin embargo, estos discos no son tan parecidos entre sí. En Wish You Were Here sigue su rock progresivo, cerebral y atmosférico, pero en este caso lo que más se destacan son los jams instrumentales.

Y en ese aspecto, la gran protagonista es la épica “Shine On You Crazy Diamond”, un clásico brillante (tanto en la parte inicial como en el cierre del álbum), con Richard Wright y Dave Gilmour inspirados en sintetizador y guitarra respectivamente, que te mantiene prendido en sus pasajes hipnóticos y también en los jazzeros.

Por otro lado, “Shine On” se trató de un tributo a su antiguo líder Syd Barrett, pero a pesar de ello, Wish You Were Here es un disco en el cual queda demostrado que las aventuras psicodélicas de The Piper con Barrett a la cabeza quedaron en el olvido. Y además, irónicamente Syd volvería a los estudios de grabación en el mismo año que fue compuesta.

En lo que queda del disco nos encontramos primero con “Welcome To The Machine”, un tema oscuro que transmite mucha tensión con sus sintetizadores y una fuerte critica de parte de Roger Waters hacia las compañías discográficas. Por su parte, “Have A Cigar” es un funk/blues interpretado en vocales por Roy Harper que también sigue la tendencia de detracción satírica hacia la industria de la música.

Y por último, tenemos a la homónima “Wish You Were Here”, raramente el tema más convencional del disco. ¿Y qué? Es la balada definitiva de Floyd, considerada una de las mejores con su clásica guitarra y enternecedora melodía. Es conmovedora para cualquiera que la escuche y un fundamento de que esta versión comercial de Pink Floyd también vale la pena.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)
Depeche Mode

Depeche Mode – Speak & Spell (1981)

5 comentarios

Puntaje del Disco: 7,5

  1. New Life: 8
  2. I Sometimes Wish I Was Dead: 7
  3. Puppets: 7
  4. Boys Say Go: 7,5
  5. No disco: 7
  6. What’s Your Name?: 7
  7. Photographic: 7,5
  8. Tora! Tora! Tora!: 7
  9. Big Muff: 7
  10. Any Second Now : 7
  11. Just Can’t Get Enough: 8,5

Luego de conformar distintas grupos, hacia 1980 Depeche Mode quedó oficialmente formada en en Basildo, Essex.  La banda abrió el mundo de los sintetizadores y la música electrónica hasta convertirse en una de las agrupaciones más aclamadas de la escena. Dave Grahan como cantante, Martin Gore en guitarra y teclado, Andrew Fletcher también en teclado y Vince Clarke al mando, integraron la formación inicial que debutó con “Speak & Spell” de 1981.

Con la mayoría de las canciones a cargo de Vince Clark el disco presenta tonos más suaves que los trabajos posteriores. Los sintetizadores son el eje central del estilo de Depeche, acompañado de los constantes coros y repeticiones de frases por parte de Grahan. “New Life” fue uno de los primeros hits en marcar el camino del álbum, siendo un éxito en el Reino Unido. En los primeros temas, Grahan parece cantar en un nivel más íntimo o casi privado, para después darle una mayor fuerza a partir de “Boys Say Go!”. En este punto hubo una modificación en el álbum lanzado en Gran Bretaña en relación a la versión norteamericana, ya que ésta última incluye el track “Dreaming of Me”.

El disco en general mantiene la estructura de enfocarse en los sintetizadores junto con efectos de los teclados que le dan a los temas un aire futurista. Tal es el caso de “Big Muff” y “Any Second Now”, dos buenos instrumentales. Por último el disco se completa con el inmortal “Just Can’t Get Enough”, uno de los mayores éxitos de Depeche y también un tema muy utilizado en el cine y la televisión.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Badly Drawn Boy

Badly Drawn Boy – The Hour of Bewilderbeast (2000)

2 comentarios

Puntaje del Disco: 8,5

  1. The Shining: 8,5
  2. Everybody’s Stalking: 9
  3. Bewilder: –
  4. Fall in a River: 8
  5. Camping Next to Water: 8
  6. Stone on the Water: 8
  7. Another Pearl: 9
  8. Body Rap: –
  9. Once Around the Block: 8
  10. This Song: 7
  11. Bewilderbeast: 7,5
  12. Magic in the Air: 9
  13. Cause a Rockslide: 7,5
  14. Pissing in the Wind: 8,5
  15. Blistered Heart: 7
  16. Disillusion: 8,5
  17. Say It Again: 8
  18. Epitaph: 8,5

Damon Gough (conocido como Badly Drawn Boy) nació el 2 de Octubre de 1969 en Dunstable, Inglaterra. Comenzo su carrera discografica en Septiembre de 1997 con la edicion de un EP que fue básicamente distribuido entre amigos y familiares, material que hoy en día se vende a 100 libras en eBay.

Tras cuatro aclamados EPS  finalmente llegaría en Junio del 2000 The Hour Of Bewilderbeast, su notable disco debut de alto voltaje lírico, basado en un pop de autor con canciones muy personales y experimental. Badly Drawn Boy cuenta con el apoyo de otros músicos aunque se ocupa en el disco de casi todo: voces, guitarra, piano, bajo, teclados, percusión, órgano, arpa, entre otros instrumentos que demuestra ser capaz de tocar con solvencia. Himnos calidos como “Camping Next to Water”, “Stone On The Water”, “The Shining” y “Magic in the Air” se conjugan con temas orientados hacia el rock como “Everybody’s Stalking”, “Once Around The Block”  y “Another Pearl” para demostrar la variedad de matices que Gough es capaz de adentrarse.

El álbum fue aclamado por la crítica de tal forma que fue galardonado con el famoso Mercury Prize a la música del 2000, reconocimiento muy importante en Gran Bretaña, que le permitiría al pop calido, individualista y muy “british” de Badly Drawn Boy ganarse un lugar entre lo mas novedoso y prometedor del rock británico de la década pasada e incluso con música no del todo comercial alcanzar una popularidad mas que interesante.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Mundial de Bandas

Mundial de Bandas 2010

11 comentarios

Cada cuatro años el planeta deja de girar para detenerse por un mes, durante el cual no suena otra noticia que todo lo relacionado con el Mundial de Fútbol. La Tierra deja su forma de geoide para transformarse en una pelota de no más de 70 cm. de diámetro. Las miradas de miles de millones de fanáticos alrededor del globo se depositan en el país anfitrión, empujando con su aliento y alegría los esfuerzos de sus representantes mundialistas.

Con la relevancia que este acontecimiento reviste, en Persi Music no pudimos ser menos y durante el desarrollo de la Copa del Mundo de Sudáfrica, ofreceremos la posibilidad de que mediante tu voto, elijas qué banda de la página merece consagrarse como la mejor.

Preseleccionados en cuatro zonas de acuerdo a las épocas de formación, las bandas lograron hacerse un lugar entre los ocho grupos en que se divide este Mundial. Como cabezas de serie, no hubo sorpresas ya gracias a sus trayectorias, impronta e influencia en la música internacional, The Beatles, The Rolling Stones, The Who, Led Zeppelin, Bob Dylan, Jimi Hendrix, Pink Floyd y David Bowie son los claros favoritos y quienes esperan enfrentarse en las rondas de playoffs.

En una segunda línea, el grupo de bandas de los sesenta y setenta, tampoco quieren perder pisada y luego de una intensa eliminatoria, The Kinks, Queen, AC/DC, entre otras, ganaron la pulseada a colosos como Frank Zappa y The Byrds. Luego, entre las grandes formaciones de los setenta y de los ochenta, la sorpresa la dio Metallica al desplazar de una de las plazas ni más ni menos que a Iron Maiden. Aerosmith, otro de los que se esperaba mucho, sucumbió sin atenuantes contra la popularidad de U2 y The Police.

Por último, entre las bandas de los noventa y del nuevo milenio, no hubo rival que le hiciera frente a los imbatibles Oasis y Pearl Jam. Nirvana, con su simple presencia intimidó tanto a los Red Hot Chili Peppers como a The White Stripes, quienes deberán esperar a la próxima cita mundialista.

Después de meses de ensayos y trabajo duro, las bandas finalmente se encontrarán en una contienda que promete dar qué hablar. Pero sobre todo dará para escuchar. ¿Quién será el campeón, quién la sorpresa, quién la decepción?. Todas estas preguntas tendrán su respuesta. El destino de las bandas está en tus manos.

Sean bienvenidos al Primer Mundial de Bandas en Persi Music!!. Suena el silbato inicial y las bandas están en la cancha, ahora todo depende de vos…

Sobre del Mundial:

El sistema del mundial va a funcionar en base a encuestas. Podrás votar a tus dos bandas favoritas por cada uno de los grupos.

Las dos mejores bandas de cada grupo clasificaran a la siguiente fase: octavos de final.

A partir de acá va a ser un mano a mano entre bandas con un sistema de eliminación directa. El ganador será decidido por el mismo sistema de votación.

La banda ganadora del mundial será acreedora de un premio que para nosotros también es una sorpresa.

Fechas para votar en cada fase:

  • Fase de Grupos: del 04/06/2010 hasta el 18/06/2010
  • Octavos de Final: del 19/06/2010 hasta el 25/06/2010
  • Cuartos de Final: del 26/06/2010 hasta el 02/07/2010
  • Semifinal: del 03/07/2010 hasta el 09/07/2010
  • Final: del 10/07/2010 hasta el 17/07/2010
Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)
Transatlantic

Transatlantic – SMPTe (2000)

Deja un comentario

Puntaje del Disco: 8

  1. All of the Above: Full Moon Rising/October Winds/Camouflaged in Blue: 8,5
  2. We All Need Some Light: 8
  3. Mystery Train: 7
  4. My New World: 8
  5. In Held (‘Twas) In I: 8,5

Transatlantic es una superbanda de rock progresivo nacida en los últimos que se conformó por Roine Stolt de The Flower Kings, Neal Morse de Spock’s Beard, Mike Portnoy de Dream Theater, y Pete Trewavas de Marillion. Juntos solo concibieron dos discos, este y Bridge Across Forever, pero les alcanzo para dar de que hablar y lograr una buena recepción de parte de la crítica.

SMTPe (abreviatura de Stolt, Morse, Portnoy y Trewavas) es un disco netamente progresivo, caracterizado por sus infinitos temas épicos, que toma claramente influencia de bandas de los setenta como Yes y Genesis. Sin embargo, la música de Transatlantic es muy pero muy pop, muy convencional y terriblemente accesible. Por lo tanto, a la hora de escuchar el disco, no encontramos mucho vanguardismo. Al contrario, son melodías pop que están bastante bien, acompañadas de un muy buen despliegue del conjunto, que es lo que lo hace atractivo. La creación de fusión musical (como diría Jack Black) funciona. Tal es así que lo más jugoso son los tramos instrumentales.

Como comentaba los temas épicos son los protagonistas de este trabajo. Entre ellos nos encontramos con: “All of the Above” (difícil de digerir porque dura más de 30 minutos), “My New World” y “In Held (‘Twas) In I” (cover de Procol Harum y el mejor desde mi punto de vista). Y luego tenemos las canciones de duración “normal”: “We All Need Some Light”, una balada de la cual rescato especialmente la guitarra acústica luego se torna un poco genérica; y “Mystery Train”, melódicamente muy alegre pero con una estructura poco clara.

Su rock (o pop) progresivo no es tan lúcido como el de bandas como Pink Floyd, nunca alcanza el nivel heavy de Dream Theather, ni cuenta con las espectaculares melodías de los Beatles, pero dentro de este coctelera de cosas encontraron su reconocimiento en SMTPe.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)
Guns N' Roses

Guns N’ Roses – Use Your Illusion II (1991)

2 comentarios

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Civil War: 9,5
  2. 14 Years: 7,5
  3. Yesterdays: 8
  4. Knockin’ On Heaven’s Door: 8,5
  5. Get in the Ring: 8
  6. Shotgun Blues: 5
  7. Breakdown: 8
  8. Pretty Tied Up: 5
  9. Locomotive: 6
  10. So Fine: 8
  11. Estranged: 9
  12. You Could Be Mine: 9,5
  13. Don’t Cry [Alternate Lyrics]: 9
  14. My World: 1

Si uno piensa en Appetite for Destruction como el mejor disco que sacaron los Guns, esta totalmente en lo cierto, pero Use Your Illusion II esta casi al mismo nivel que dicho disco.

El álbum al cual hacemos mención fue lanzado en el año 1991 junto a Use Your Illusion, que vendría a ser la primera parte de un material doble.

El contexto en el cual fue grabado el material discográfico no fue el indicado, teniendo en cuenta la ida del baterista Steven Adler por problemas con las drogas y la salida del guitarrista Izzi Stradlin al tener grandes problemas con el siempre conflictivo, egocéntrico Axl Rose (como los tenían con él también el resto de la banda), pudieron lograr uno de sus mejores trabajos.

El disco comienza de la mejor manera, con “Civil War” como primer single, el cual es a mi criterio el mejor tema del disco y uno de los mejores temas de la banda, conteniendo cambio de ritmo, como de sonido en las voces, teclados y mas que lógico en guitarras, demostrando una gran capacidad de composición y de recursos por parte de Slash, en este caso a partir del uso de wah wah.

En el mismo rango de “Civil War” podemos poner a la famosa “You Could Be Mine”, no por características sino por excelencias en lo que es la formación de la canción, tirando un aire mas metálico que de hard rock, principalmente en la guitarra, no tanto en la batería manteniendo un tiempo 4/4 clásico de hard rock.

Para terminar en lo mejor del material podemos hacer mención a “Estranged” y un nivel mas abajo “Knockin’ On Heaven’s Door”, el cual es el mejor cover a mi criterio de la fabulosa obra de arte de Bob Dylan. Luego a “Yesterdays” que junto a “So fine” vendrían a hacer las típicas baladitas del disco, sin contar a “Dont Cry” ya que la versión original se encuentra en el Use Your Illusion, con la diferencia de diferentes letras. “14 Years” y “Breakdown” muestran una clásica tendencia a lo que vendría a ser la influencia de Axl rose a la hora de la creación, por el sonido de los teclados y voces; y bajo otro rango podemos poner a “Get in the Ring”, el cual es un tema sacado en vivo, sin grabación en estudio.

Lógicamente hasta aquí las rosas, pero nada es perfecto y las falencias mas notarias se dan a la vista por “Shotgun Blues”, basado en un estilo punk, junto a “Pretty Tied Up”, y un poquito mas arriba si se quiere a Locomotive, tema muy extenso que llega hasta cansar escucharlo. Lo peor lógicamente para el final, un tema al mejor estilo de The Spaghetti Incident?, con un sentido nulo, absurdo y hasta horroroso, donde seguramente solo Axl Rose es el único que sabe lo que busco demostrar a través del mismo, sacando la pena de lado.

Luquitas Bonjo

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Novedades de la pagina

La otra cara de Morning Glory

Deja un comentario

Euforia Gallagher. Morning Glory logró consagrarse en nuestra encuesta como el mejor disco de los noventa con el 18,6% de los votos, venciendo a dignos rivales como OK Computer que obtuvo el 17,4% y a Nevermind que contó con 15,1% de los votos.

¿Por qué fue tan importante este disco?

Morning Glory catapultó el mejor momento de Oasis en el verano de britpop de los noventa. No solo fue estelar en su estupida riña en contra de Blur, el álbum esta cargado de clásicos legendarios de la banda. Noel Gallagher no solo tomó la postura de escribir buenas canciones, sino también himnos. De esta forma se dieron a luz canciones como “Wonderwall”, Don’t Look Back in Anger”, “Champagne Supernova”, entre otras tanta que quedaron en la memoria del publico.

A su vez, contó con su propio “simbolismo” Gallagher. “Cast No Shadow” por ejemplo fue dedicada por Noel a su amigo Richard Ashcroft. “Morning Glory” toma referencia de los Beatles en su frase «Tomorrow never knows what it doesn’t know too soon«. “Don’t Look Back in Anger” se transformó con su líneas iniciales dedicadas a “Imagine”, en el primer tema que cantó Noel en un disco (porque Liam no alcanzaba con los tonos). “Champagne Supernova” significa aparentemente la mezcla de fumar marihuana y beber champagne. Liam, quien debió haber sido un experto en eso, se dejó la barba y se puso lentes en el video de este clásico para parecerse más a Lennon. Y podemos seguir. Pero esto es un pequeño repasó de lo que fue.

Para ponernos a tono con el futbol, no se pierdan proximamente el Mundial de Bandas. Para más información esperar hasta el viernes…

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)
The Beatles

The Beatles – Let it Be (1970)

3 comentarios

Puntaje del Disco: 9

  1. Two of Us: 9
  2. Dig a Pony: 8
  3. Across the Universe: 9,5
  4. I Me Mine: 8,5
  5. Dig It: –
  6. Let It Be: 10
  7. Maggie Mae: –
  8. I’ve Got a Feeling: 9
  9. One After 909: 8
  10. The Long and Winding Road: 8,5
  11. For You Blue: 8
  12. Get Back: 9

Let It Be represento el final de la discografía de los Fab Four a pesar de haberse grabado antes que Abbey Road no fue publicado hasta el 8 de Mayo de 1970, momento en el cual el grupo estaba oficialmente disuelto, Paul McCartney lo había anunciado un mes antes; si bien la ruptura ya era un hecho desde que John Lennon les comunicara el 20 de septiembre de 1969 que abandonaba la nave.

Mucho antes de comenzar la grabación de Abbey Road, McCartney comenzó a gestar un proyecto que inicialmente se llamó «Get Back» y que buscaba la vuelta de la banda a sus orígenes. Material del que se extrajo casi todo lo que luego se conoció como Let It Be con el adicional de la post producción de Phil Spector que añadió su famosa “muralla de sonido” al material para descontento de McCartney y genero muchas criticas en general especialmente por el tratamiento en canciones como “The Long and Winding Road”, «Across the Universe» y «I Me Mine».

A pesar de los esfuerzos de McCartney durante las sesiones de “Get Back”, empezaron a resurgir las diferencias existentes anteriormente y recrudecerse aun más. La presencia de Yoko Ono, en el estudio de grabación, la muerte del manager del grupo desde sus inicios, Brian Epstein, dejó a los Beatles sin representación ni liderazgo, y el individualismo cada vez más acusado de todos los miembros de la banda hicieron de la grabación de «Get Back» una experiencia desagradable, Lennon y McCartney habían perdido el interés por componer juntos y el ambiente estaba tan conflictivo que Harrison abandonó la banda durante diez días. A pesar de todo lo negativo, Let It Be es uno de los mejores discos del cuarteto simplemente porque contiene algunas de sus mejores canciones, no tan brillante como The White Album o Abbey Road, pero sin dudas no mereció la cantidad de criticas que recibió el material en su época ya que de no ser un disco de los Beatles seria uno de los mejores en la discografía de cualquier otra banda. “Two of Us” es una hermosa canción folk que reúne a Lennon y McCartney en las voces, números roqueros como “Get Back” y “I’ve Got a Feeling” son parte importante del material, que además contiene dos de las mejores baladas del grupo en su carrera una de Paul (“Let It Be”) y otra de John (“Across the Universe”).

En el 2003 se edito una versión “de-Spectorizada” del Let It Be original, conocida como Let It Be… Naked que mostraba las versiones crudas de los temas sin la mano del productor, obviamente esto fue idea de Paul que siempre había demostrado su desagrado con lo que Spector había hecho con el último álbum del grupo.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
David Bowie

David Bowie – Pin Ups (1973)

Deja un comentario

Puntaje del Disco: 6

  1. Rosalyn: 6,5
  2. Here Comes The Night: 7
  3. I Wish You Would: 6,5
  4. See Emily Play: 8
  5. Everything’s Alright: 6
  6. I Can’t Explain: 6,5
  7. Friday On My Mind: 5
  8. Sorrow: 6
  9. Don’t Bring Me Down: 6
  10. Shapes Of Things: 5
  11. Anyway Anyhow Anywhere: 7,5
  12. Where Have All The Good Times Gone?: 6,5

Pin Ups es un compilado de covers que versionó David Bowie de diferentes bandas de los sesenta. Una jugada un poco incomprensible viniendo del duque blanco. En este compilado hay de todo: un par de clásicos de los Who, “I Can’t Explain” y “Anyway Anyhow Anywhere”, un tema de Pink Floyd (“See Emily Play”), dos más de los Yardbirds (“I Wish You Would” y “Shapes Of Things”) y uno de los Kinks (“Where Have All The Good Times Gone?”) entre lo más importante.

Cuando uno escucha estas interpretaciones de Bowie, comprende porque los fans lo desprecian. Esta colección de covers esta muy cerca de ser una porquería bizarra con retoques Glam. La mayoría de las canciones suenan a descartes de medio pelo y en general las versiones originales son abismalmente superiores a las que están aquí presentes.

Basta con escuchar a “I Can’t Explain”. Aquí tenemos una versión mucho más lenta. Parece una canción totalmente distinta, que pierde el carácter de clásico que originalmente tenía. Con “Shape of Things” pasa algo similar. Mientras que la versión de Jeff Beck rockea, acá suena a bosta bastardeada. Y podemos seguir, en “Friday On My Mind” por ejemplo, la interpretación vocal en general deja mucho que desear. Bah, en ningún momento de Pin Ups canta bien Bowie.

Lo que por lo general salva a estos covers, es que el tipo al menos eligió canciones más o menos decentes. Pero no deja de ser un tributo a héroes sesentosos que es preferible pasar por alto dentro de la carrera de Bowie.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 3)
Jamiroquai

Jamiroquai – The Return of the Space Cowboy (1994)

Deja un comentario

Puntaje del Disco: 8.5

  1. Space Cowboy: 9
  2. Stillness In Time: 7
  3. Half The Man: 7.5
  4. Light Years: 8
  5. Manifest Destiny: 7.5
  6. Kids: 8.5
  7. Mr. Moon: 8
  8. Scam: 8
  9. Journey To Arnhemland: 8
  10. Morning Glory: 7
  11. Just Another Story: 8

La rareza del nombre de la banda y el particular sombrero de Jay Key dejaron de ser hacia 1993 un misterio o una simple imagen. “Emergency on Planet Earth” había colocado al grupo británico en los charts a ambos lados del Atlántico y permitió que el estilo de acid jazz que proponía, sonara con mayor frecuencia en las radios.

En 1994 Jay Key y su banda volvieron al ruedo totalmente recargados. Dispuestos a mejorar su primer disco, “The Return of the Space Cowboy” no temió al efecto “segundo álbum” ya que logró superar a “Emergency”. En esencia similar al debut, en este nuevo material puede apreciarse una mejor selección de temas y una mayor ambición musical.

“Space Cowboy” fue el corte promocional del disco y uno de los grandes hits a lo largo del planeta. La versión incluida en el álbum no contó con la participación de Stuart Zander, sino que en su lugar un tal “Mr X.” se hizo cargo del bajo. “Light Years”, el otro clásico del disco, resume en las simples líneas “I like Jazz” los orígenes musicales que rigen en Jamiroquai. “Mr. Moon” es otro de los destacados del regreso del cobwoy espacial.

Grabado durante la gira promoción de “Emergency”, “Kids” presenta un ritmo continuo y alto que representa la inmadurez de los niños y la letra hace referencia justamente a sus derechos y su estado en el mundo. Considerada por los fans como una de las más poderosas canciones de protesta del grupo, “Scam” se enfoca en los fraudes de quienes los cometen y quienes son envueltos en ellos. Por otro lado, se incluye también el muy buen instrumental “Journey To Arnhemland” en el que se combinan los diversos instrumentos que el grupo utiliza en este estilo de acid jazz.

Una clara evolución se puede entrever en “The Return of the Space Cowboy”, con temas que continúan con el estilo del debut pero que también muestran un mayor compromiso con las letras.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Tu dosis necesaria de discos, películas, series y más

Translate »