The Polyphonic Spree – The Beginning Stages of… (2002)

Puntaje del Disco: 8

  1. Have a Day/Celebratory: 9
  2. It’s the Sun: 8
  3. Days Like This Keep Me Warm: 8
  4. La La: 8
  5. Middle of the Day: 8,5
  6. Hanging Around the Day, Pt. 1: 7
  7. Hanging Around the Day, Pt. 2: 8
  8. Soldier Girl: 9
  9. Light & Day/Reach for the Sun: 7,5
  10. A Long Day: 5

Cuesta encasillar a The Polyphonic Spree dentro de algún estilo particular o compararlo con algún otro grupo, tienen un estilo bastante particular e interesante, ellos mismos se describen como “sinfonía coral de rock”. Oriundos de Dallas, Texas lo integran 10 coristas, un par de tecladistas, un percusionista, baterista, bajista, guitarrista, flautista, trompetista, trombonista, violinista, arpista, entre otros instrumentos comandados por el cantante principal y fundador de la banda a finales de los noventa Tim DeLaughter.

The Beginning Stages of… (2002) fue su álbum debut, aclamado por la critica especializada. The Polyphonic Spree crearon la más eufórica y optimista música imaginable basándose en la orquesta que lo acompaña, evocando por momentos a bandas como Spiritualized y The Flaming Lips y aunque el disco cuenta con momentos difíciles de digerir como los 36 minutos de “A Long Day” en general es un muy buen trabajo debut destacándose “Have a Day/Celebratory”, “Soldier Girl”, “Hanging Around the Day, Pt. 2” y la psicodélica “Middle of the Day”.

Con su siguiente trabajo Together We’re Heavy afianzaría su lugar ganado en la escena alternativa actual y continuara sorprendiendo con canciones sinfónicas de alto calibre ideales para bajar un cambio disfrutando de algún momento relajado y de paz. Y no tan recomendables para aquellos que solo buscan hits pegasos o para los que amantes de los sonidos poderosos y el rock pesado.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Son un doble cero…

Discos tan malos como los que se pudieron ver y escuchar son los que te hacen llorar, replantearte tu existencia y hasta sensibilizan tu alma. En otras palabras, en los casos más extremos pueden transformarte en un emo… Bueno no, pero son horribles igual. Un doble cero.

Si esto te parecio lastimoso y borchornoso no te pierdas el siguiente compilado de las peores tapas de CDs jamas hechos:

[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=WtMn9KixzV8]

Próximamente en el Persi Music, para cerrar el año en diciembre estaremos publicando los mejores 10 discos del 2009.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Lou Reed – Metal Machine Music (1975)

Puntaje del Disco: 1,5

  1. Metal Machine Music, Pt. 1: 1,5
  2. Metal Machine Music, Pt. 2: 1,5
  3. Metal Machine Music, Pt. 3: 2
  4. Metal Machine Music, Pt. 4: 1,5

Existen porquerías inadmisibles en la historia del rock y Lou Reed, como todo músico, habrá tenido también discos malos en su carrera. Pero estoy seguro que ninguno es tan perturbante e irritante como Metal Machine Music.

Metal Machine Music es sin dudas el peor cáncer que compuso Lou Reed en su vida. Es francamente inaguantable. Pero la existencia de semejante bochorno tiene una causa. Al parecer Reed estaba peleado con su compañía discográfica porque lo presionaba para que componga un nuevo trabajo como Transformer. Lou Reed les había regalado un álbum netamente comercial como Sally Can’t Dance para complacerlos. Sin embargo, la discográfica no estaba satisfecha. Por eso Lou Reed los mandó literalmente “a la mierda” produciendo un trabajo provocativamente espantoso como respuesta.

Si se preguntan por qué es tan repulsivo Metal Machine Music la respuesta es muy simple: no hay melodías, no hay vocales, no hay una instrumentación interesante, no hay absolutamente nada atractivo. Con escuchar su primer minuto es suficiente para saber de que se trata íntegramente el disco. Metal Machine Music son más de 60 minutos de ruido y más ruido generados por un par de guitarras distorsionadas que no hacen más que atrofiarte los oídos. Es un conjunto de disonancias y zumbidos muy prolongados que resultan más molestos y perversos que escuchar el camión de la basura y el Kohinoor de tu casa sonando al mismo tiempo.

El disco está dividido en cuatro partes, todas musicalmente (?) iguales. Para diferenciarlas voy a describir las sensaciones que uno siente al oír cada una de ellas: en la primera parte, te preguntas qué es lo que estas escuchando y te dan ganas de cambiarlo como máximo al minuto y medio; si sos valiente y llegas a la segunda parte, el ruido va a empezar a atormentarte los tímpanos; la tercera parte es la mejor por una razón: te termina de aniquilar física y mentalmente (por eso le puse un 2 de puntaje); en el cuarto tramo, te das cuenta que seguis vivo y que tu paciencia esta más allá del bien y del mal, porque el ruido sigue sonando igual a todo lo que venías escuchando antes.

Si ahora se preguntan por qué no le puse un cero redondo, esto se debe a dos razones: 1) el contenido de Metal Machine Music es mejor que cualquier disco de cumbia villera; 2) Lou Reed demostró tener las agallas necesarias para lanzarlo y aún así no perder su prestigio como músico (se nota que Metal Machine Music fue adrede).

Respecto al disco Lou Reed dijo que no conocía a nadie que lo haya escuchado entero salvo él mismo. También dijo que el que llega a la cuarta parte es más tonto que él. Así que si lo quieren escuchar ya están advertidos. Yo fui más estupido que Lou Reed.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4)

Queen – Hot Space (1982)

queen Hot Space

Puntaje del Disco: 5

  1. Staying Power: 4
  2. Dancer: 4.5
  3. Back Chat: 4
  4. Body Language: 5
  5. Action This Day: 4
  6. Put Out The Fire: 6
  7. Life is Real (Song for Lennon): 5
  8. Calling All Girls: 6,5
  9. Las Palabras de Amor: 7
  10. Cool Cat: 4
  11. Under Preassure: 9

Hacia 1981 Queen se consagraba como una de las grandes bandas de estadio luego de los multitudinarios mega conciertos que ofrecieron en la gira por América Latina, que incluyó a países como la Argentina, Brasil y México. Se calcula que más de 479.000 personas disfrutaron de dichas presentaciones en vivo. La gran popularidad de Queen también había llevado a que grabaran en aquel año el disco Flash Gordon como soundtrack para la película de ciencia ficción de igual nombre.

Si bien los ochenta habían comenzado de manera auspiciosa para Queen, los renovados sonidos de la década entrante repercutieron también en la música de la Reina. En 1982 se editó el que quizás sea uno de los menos logrados materiales de Queen: Hot Space. De tal magnitud fue la influencia que ejerció la escena musical de aquella época que la política de no utilizar sintetizadores quedó totalmente apartada y permitió que el álbum se basara prácticamente en el uso de los mismos.

Hot Space se caracteriza por apartarse del rock que venía ofreciendo la banda para darle lugar a la experimentación del dance, pop y especialmente dance. En “Staying Power” pueden notarse claramente los sintetizadores al punto que Deacon dejó el bajo para colaborar en guitarra con May. El siguiente track “Dancer” también se sustenta en los sintetizadores pero llama la atención por combinar el dance y ciertos toques de rock que rememoran a “Dragon Attack” de “The Game”.

Un ejemplo clásico de estas nuevas experiencias musicales por parte de Queen, se encuentra en “Body Language”, un tema que no utiliza la guitarra y se aparta totalmente del estilo rockero del grupo. La poca ropa de las participantes del video y la sugestiva letra hicieron que éste se convirtiese en el primer video censurado por la MTV.

La segunda parte del álbum intenta retomar los sonidos tradicionales del grupo como puede apreciarse en “Put Out the FIre”. Luego “Life is Real (Song for Lennon)”, como su nombre lo indica, es un tributo al gran Beatle en el cual se hacen referencia a algunas de sus canciones como solista tales como “(Just Like) Starting Over” y “Beautiful Boy”. Otra mención a acontecimientos sucedidos por aquellos años ochenta (además del asesinato de Lennon en 1980), se destaca en “Las Palabras de Amor”. Esta canción, compuesta por Brian May y que se inspira en el conflicto bélico de las islas Malvinas, surgió como respuesta a la gran relación que la banda había entablado con el público sudamericano.

El disco cierra con el inolvidable clásico “Under Preassure”, editado en colaboración con David Bowie durante las jornadas de grabación en Suiza. La magnífica línea del bajo y la impronta de Bowie hacen que Hot Space sea recordado simplemente por este gran tema.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4)

Guns N’ Roses – The Spaghetti Incident? (1993)

guns n roses the_spaghetti_incident

Puntaje del Disco: 3

  1. Since I Don’t Hace You: 8
  2. New Rose: 3
  3. Down of the Farm: 5
  4. Human Being: 2
  5. Raw Power: 1
  6. Ain’t It Fun: 4
  7. Buick MacKane (Bing Dumb Sex) [Medley]: 7
  8. Hair of the Dog: 6
  9. Atittude: 2
  10. Back Leather: 4
  11. You Can’t Put Your Arms Around a Memory: 5
  12. I Don’t Care About You: 1

Simplemente hay adjetivos buenos y malos para clasificar determinadas cosas. En este caso, todos los adjetivos malos no alcanza a la hora de expresar lo que uno siente cuando escucha algo tan malo como el disco de covers de los Guns N’ Roses: The Spaghetti Incident?.

Si uno se pone a reflexionar y ve la imagen puesta de Axel Rose, para abrir este festival de discos malos, se puede dar cuenta que quedo así seguramente por la agresión de un fanático hacia él con una bate de béisbol, después de escuchar este material discográfico. Como también se puede hacer alusión que efectivamente la droga te hace mal, como le sucedió a un buen guitarrista dentro de todo como lo es Slash, que de tanto consumir le termino afectando el sentido auditivo de la buena música. Hasta podríamos llegar a decir que es mejor “Get the Fuck Out” de Skid row, que cualquiera cosa semejante a la que incluye este CD.

El análisis de este material, lo voy a hacer desde abajo hacia arriba, para dejar dentro de todo lo mejor para el final.

Comienza con “I Don’t Care About You”, un tema que literalmente te atrofia los oídos (es acá cuando uno piensa, menos mal que se separaron). También en esta categoría de mediocridad podemos sumar a “Atittude”, donde parece que se esta escuchando una banda cover trucha de Green day, intentando llegar a un punk rock de 1:30 minutos, provocando que los Sex Pistols y Los Ramones los quieran enterrar vivos; tampoco hay que olvidarse de “Raw power”, que vulgarmente se podría considerar como “Atittude” pero por mas tiempo y con un teclado de fondo, que tiene menos sentido que la convocatoria de algún jugador de River de la actualidad a la selección.

Luego podemos seguir el análisis dividiéndolo en tres grupos: lo malo, lo mas o menos y lo bueno (dentro de todo).

En lo malo pondríamos a “Back Leather”, donde la voz de Axel parece atrofiada por una manguera de bombero, con unos “uhhh” de fondo en ciertas notas vocales llegando a un nivel de homosexualidad cercano al de Dido; y también a “Ain’t It Fun”, que en un principio se puede pensar que estamos en presencia de un buen tema, por la introducción de Slash. Pero llegando al estribillo se empieza a distorsionar, y ya en el mismo estribillo es donde uno se da cuenta que le robaron a mano armada a la hora de comprar este CD.

Dentro del grupo de mas o menos, encontramos a “Down of the Farm” y “You Can’t Put Your Arms Around a Memory”, el cual empieza como algo country, trasladando el tema a un rock blues previamente al estribillo, donde busca a través de quintas sostenidas, volver al sonido clásico de los Guns, aunque nunca puede alcanzar un nivel medianamente aceptable, a pesar que es un “temon” para lo que es el disco.

Por fin se podría decir que llegamos a algo satisfactorio, el grupo de lo “bueno”. En primer lugar hay que nombrar a “Hair of the Dog”, que dentro de lo penoso que es este disco, es de lo mejor. Compuesto por un riff de guitarra constante en la gran mayoría del tema, utilizando talvox, simulador de voz, en el solo de guitarra,  intentando algo de variedad y de producción. Luego viene “Buick MacKane”, donde se podría decir que junto con “Hair of the Dog”, pudieron lograr 7 minutos de no sufrimiento sin que él que escucha  no se quiera suicidar, pero sin alcanzar un nivel súper aceptable. Por ultimo, el mejor tema de The Spaghetti Incident?, “Since I Don’t Hace You”, el cual luego se pondría en el disco de los grandes éxitos.

Para finalizar, quiero decir que esta es una mancha muy negra, como lo es toda su actualidad, de lo que fueron los Guns N’ Roses en la historia de la música, dentro del genero de hard rock de los 80.

Luquitas Bonjo

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 2)

Iggy Pop – Avenue B (1999)

Iggy Pop - Avenue B - Persimusic

Puntaje del Disco: 4,5

  1. No Shit: –
  2. Nazi Girlfriend: 5
  3. Avenue B: 7
  4. Miss Argentina: 6
  5. Afraid to Get Close:
  6. Shakin’ All Over: 7,5
  7. Long Distance: 3,5
  8. Corruption: 7
  9. She Called Me Daddy:
  10. I Felt the Luxury: 4
  11. Español: 5,5
  12. Motorcycle: 5
  13. Facade: 6

Es difícil que un gran artista con la carrera prolífica y de tantos años como Iggy Pop no tenga algún que otro muerto en el placard. En su caso particular no se entiende demasiado como después de recuperarse de unos discos olvidables en los años ochenta, que solo le dejaron como saldo favorable un clásico como “Real Wild Child (Wild One)” en un disco flojo como Blah Blah Blah, volvería a caer en trabajos flojos nuevamente.

Para principios de los noventa la iguana parecía haber recuperado la forma con dos grandes lanzamientos Brick by Brick (1990) y American Caesar (1993) que lo volvieron a posicionar en la escena musical. Pero Naughty Little Doggie (1996) y en particular Avenue B (1999) volverían a mostrarlo desencajado y sin lucidez tanto lírica como musicalmente. Avenue B no funciona. parecería no encontrar la nota correcta en ningún momento con algunas canciones verdaderamente difíciles de definir como “Nazi Girlfriend”, “Long Distance”, “I Felt the Luxury” y “Español”, con Iggy tratando de cantar en español, sin este detalle pintoresco el tema no seria tan malo. Se salvan unas pocas canciones como el cover de Johnny Kidd & the Pirates “Shakin’ All Over”, “Avenue B” y “Corruption”. Otra canción para mencionar es la monótona “Miss Argentina”, dedicada a una novia que tenia Pop por estas tierras.

Lo único bueno que pudo sacar el viejo Iggy como conclusión con Avenue B, es que debe haber comprendido que camino no seguir para sus siguientes incursiones musicales ante el fracaso que significo el álbum y las críticas muy desfavorables que cosechó.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4)

The Rolling Stones – Dirty Work (1986)

The Rolling Stones-Dirty Work-Persimusic

Puntaje del Disco: 5,5

  1. One Hit (To the Body): 8
  2. Fight: 6,5
  3. Harlem Shuffle: 7
  4. Hold Back: 5,5
  5. Too Rude: 4,5
  6. Winning Ugly: 8
  7. Back to Zero: 5
  8. Dirty Work: 6,5
  9. Had It with You: 4,5
  10. Sleep Tonight: 5
  11. Key to the Highway:

Los Rolling Stones no pudieron escapar a la confusión musical de los ochenta y editaron en Marzo de 1986 su disco más flojo hasta el momento Diry Work.

El disco contó con una acotada colaboración de Mick Jagger que estaba abocado a su carrera solista y fue acusado por la banda de guardarse sus mejores canciones, Mick había editado She’s The Boss (1985) al que le seguirían Primitive Cool (1987) y Wandering Spirit (1993).

Esta situación tensaba aun mas la relación conflictiva entre Jagger y Richards que no pasaba por su mejor momento y hacia vislumbrar una ruptura en cualquier momento, prueba de esto es que solo tres de las canciones fueron acreditadas a Jagger/Richards, la menor cantidad desde Out of Our Heads de 1965.

Dirty Work contó con varias colaboraciones, la mas ilustre la de Jimmy Page en el mejor tema del álbum “One Hit (to the Body)», en «Key to the Highway» Ian Stewart pianista y miembro extraoficial de la banda quien falleciera poco después de terminar sus grabaciones y en “Harlem Shuffle” aparecería Tom Waits en coros.

El disco a pesar de tener buenos pasajes  como las ya mencionadas “One Hit (to the Body) , “Harlem Shuffle” y “Winning Ugly” en su inmensa mayoría las canciones están fuera de foco dejando en claro los problemas internos en la banda y demostrando que hasta un grupo del calibre de los Stones también puede tener un trabajo olvidable como Dirty Work.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 3 Promedio: 3)

The Kinks – Phobia (1993)

the kinks phobia

Puntaje del Disco: 4

  1. Opening: –
  2. Wall Of Fire: 6,5
  3. Drift Away: 3
  4. Still Searching: 5
  5. Phobia: 2,5
  6. Only A Dream: 5
  7. Don’t: 4
  8. Babies: 2,5
  9. Over The Edge: 4,5
  10. Surviving: 4,5
  11. It’s Alright (Don’t Think About It): 2,5
  12. The Informer: 6,5
  13. Hatred (A Duet): 5,5
  14. Somebody Stole My Car: 7
  15. Close To The Wire: 5
  16. Scattered: 6

Cuando una banda se encuentra en plena decadencia es muy común que se editen compilados de sus mejores temas y numerosos discos en vivo. En algunos casos también componen trabajos en los cuales hacen su mejor esfuerzo para demostrar que siguen vigentes. Los Kinks forman parte de este tipo de grupos. Su éxito en los sesenta y en parte de los setenta ya los había abandonado. Eran un dinosaurio británico que estaba muy lejos de ser la sensación del momento. Lamentablemente, Los Kinks decidieron terminar de dilapidar su existencia publicando Phobia en la década de los noventa, posiblemente el peor álbum de su carrera, realmente paupérrimo, un claro ejemplo de lo que no debe hacer una banda por diversos motivos.

En primer lugar, por alguna razón los Kinks tuvieron la ridícula idea de llenar su música con un estilo heavy, pero un estilo tipo heavymetalero muy patético. La guitarra de Dave Davies suena superpesada, cargando de un sonido que no les pertenece a las canciones y su hermano Ray por momentos pone la voz ronca como si eso lo hiciera un hardrocker malo de los ochenta. Penoso.

La segunda razón por la cuál Phobia es tétrico se debe a que Ray Davies de un día para el otro perdió por completo su capacidad para componer buenos temas. El tipo es un genio, uno de los mejores compositores que escuche, pero su decadencia en este álbum es notoria. No se le cae una sola idea.

El tercer problema es que son 15 condenadas canciones, la mayoría de cuatro a seis minutos de duración. Por lo tanto hay que aguantar a Phobia durante más de una hora. Toda una prueba de fuego.

En Phobia podemos catalogar los temas en diferentes tipos de acuerdo a su nivel: aquellos que inesperadamente se salvan, los cortes mediocres descartables y las inmundicias insoslayables.

Dentro de los que sobreviven a esta pesadilla se encuentran cosas como: “Wall Of Fire” que viene a ser un rocker tirando a decente y simultáneamente es una ilusión óptica de lo que nos espera por ser el primer corte del disco; y “Somebody Stole My Car”, un número simplemente divertido.

Por otro lado, entre los cortes malos que no son atrocidades están principalmente las insulsas baladas del disco, como por ejemplo “Still Searching” y “Only A Dream”. Esta última es una replica de “Tangled Up in Blue”, un robo a Dylan que demuestra su falta de inventiva.

Pasemos al último pelotón: los infernales indeseados. Hay porquerías de todo tipo, pero tres temas en particular me llaman la atención, porque que son realmente ofensivos y lastimosos para desgracia de los Kinks: “Phobia”, “It’s Alright (Don’t Think About It)” y “Babies”. “Phobia” intenta rockear tomando los resabios más abominables de los ochenta, mientras que “It’s Alright (Don’t Think About It)” parece una versión pedorra y desmejorada de Aerosmith. “Babies” no se queda atrás, es una tentativa de hit muy grotesco en el que te dan ganas de pegarle un tiro a Ray Davies cada vez que dice “Maaamaaa”. Es triste pero cada vez que los escucho me hacen llorar de la risa por lo malos que son. Pero lo más alarmante es que cada vez que repaso al álbum menos me gusta. Así que prefiero parar ahora antes de seguir destruyendo a los Kinks.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 3 Promedio: 2.7)

Creedence Clearwater Revival – Mardi Gras (1972)

ccr mardi gras 1972

Puntaje del Disco: 4

  1. Lookin’ for a Reason: 5
  2. Take It Like a Friend: 3
  3. Need Someone to Hold: 4
  4. Tearin’ Up the Country: 3
  5. Someday Never Comes: 6
  6. What Are You Gonna Do?: 3
  7. Sail Away: 4
  8. Hello Mary Lou: 7
  9. Door to Door: 3
  10. Sweet Hitch-Hiker: 8

La década de los ’70 había arrancado para Creedence tan bien como había culminado la anterior. En 1970 habían lanzado dos grandes discos como “Cosmo’s Factory” en Julio y “Pendulum” en Diciembre, en los que entre otros, se destacaban clásicos como “I Hearth it Through the Grapevine” y “Have You Ever Seen the Rain?”.Todo hacía suponer que lo próximo que editarían, si bien difícilmente fuese tan bueno como lo anterior, mantendría un nivel de coherencia y seguiría una misma línea. Sin embargo, ciertas diferencias entre los hermanos Fogerty durante la grabación de “Pandulum”, provocaron que Tom se marchara de la banda reclamando mayor intervención creativa. Las consecuencias de dicho alejamiento tuvieron su repercusión, lamentablemente, en la música.

Fue así como John Fogerty estableció un método más “democrático” de participación para los demás integrantes del grupo: cada uno escribiría y produciría su propia música. Graso error. Con esta decisión quedó en evidencia de que el genio creativo de Creedence provenía básicamente del menor de los Fogerty.

Este nuevo acuerdo que debieron aceptar Stu Cook y Doug Clifford dio como resultado el séptimo y último disco en la carrera de CCR: “Mardi Gras”; un lamentable material que culminó con la trayectoria de una de las mejores bandas de country rock de los Estados Unidos.

El mismo arte de tapa es una antesala de lo malogrado del disco. Con colores opacos la imagen muestra a una niña en el centro sosteniendo una especie de escudo en lo alto. Continuando con estas fallas, por llamarlo de alguna manera, las participaciones de Cook y Clifford son verdaderamente olvidables. “Take It Like a Friend” y “Need Someone to Hold” carece completamente de ritmo y no aportan nada. “Door to Door” intenta un estilo rockero con riffs de guitarra pero más que eso, es sólo ruido carente de sentido.

Por otro lado son rescatables del disco las canciones a cargo de Fogerty, quien con temas como “Lookin’ for a Reason” y especialmente “Sweet Hitch-Hiker” mantienen algunas cenizas del fuego que supo encender CCR a fines de los ’60. La buena versión  “Hello Mary Lou” y pasajes como en “Someday Never Comes” balancean el puntaje de un disco pero que no obstante dejan la sensación que Creedence merecía despedirse con mayores honores.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 2)

Black Sabbath – Tyr (1990)

black sabbath tyr 1990

Puntaje del Disco: 5,5

  1. Anno Mundi: 7
  2. The Law Maker: 6,5
  3. Jerusalem: 5,5
  4. The Sabbath Stones: 6
  5. The Battle of Tyr: 3
  6. Odin’s Court: 4,5
  7. Valhalla: 6,5
  8. Feels Good To Me: 4
  9. Heaven in Black: 5

Black Sabbath lanzó en 1990 Tyr, un álbum semi-conceptual sobre la mitología nórdica con los típicos tintes diabólicos y oscuros que ya son un trademark de la banda. Y el disco es eso: oscuro. Probablemente una de las grabaciones más duras y oscuras de Black Sabbath, recupera pocos de sus sonidos tradicionales y es en general bastante aburrido.

Con letras trilladas y previsibles (algo que se mantendrá en todas las canciones), el álbum se abre con «Anno Mundi», una epopeya metalera que tiene la inconstrastable cualidad de tener un riff poderoso que la mantiene a flote durante sus más de seis minutos. En «The Law Maker» y «Jerusalem» todavía podemos encontrar a un tradicional Black Sabbath, aunque un poco diluído en la intención de sonar metalero pero quedar pelotudo.

«The Battler of Tyr» debe ser, con poca competencia, el peor y más prescindible instrumetal en la historia de la discografía universal. Un minuto a punto muerto, que incita a la reflexión: “¿para qué caranchos compré este disco?”. Seguido de «Odin’s Court», una cancioncita soft (una mariconada, para lo que viene siendo el disco) con letra de metal pesado nórdico.

«Valhalla» remonta un poco. Aunque si no fuera porque ése es el nombre de la canción, jamás entenderíamos que dice eso. El inglés Tony Martin pronuncia “Valhalla” como “Van Halen”, y entonces uno escucha cosas como esta: “Raise your hands / Reach and Van Halen will save your soul”. Poco serio.

Y después llega «Feels Good to Me». En una pésima movida por parte de la discográfica y de la banda, decidieron incluir este track sólo para poder tener más temas en el disco. Y el tema está vergonzosa y absolutamente desconectado con el resto de las canciones. Abandonamos para siempre las tierras nórdicas para sumergirnos en una sentimentalismo gastado y aburrido, musicalmente inequiparable con lo que veníamos escuchando hasta entonces, derrumbando irremediablemente la pretensión de un “álbum conceptual”. Solo este tema le baja un punto al disco, por estar totalmente descolgado.

Queda claro que unos buenos riffs, sonido pesado y letras mitológicas no alcanzan para hacer buena música.

La curiosidad: Aunque parecería que Tony Martin basó las letras de sus temas en un manual de séptimo grado sobre mitología nórdica, las runas de la tapa del disco son tomadas de la Piedra de Rök (Suecia), una roca tallada al rededor del siglo IX d.c. que tiene una de las inscripciones rúnicas más extensas que se conocen.

Barba

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

Tu dosis necesaria de discos, películas, series y más

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