Archivo por meses: noviembre 2010

Memphis La Blusera

Memphis La Blusera – Alma bajo la lluvia (1982)

Deja un comentario

memphis-alma-bajo-la-lluvia-6324433Puntaje del Disco: 7

  1. Moscato, pizza y fainá: 8
  2. Alma bajo la lluvia: 7
  3. Boogie mamá: 7
  4. El blues de las 6 y 30: 7.5
  5. El trepador: 6
  6. Lo mismo boogie: 6
  7. El estibador: 6.5
  8. En todas las ciudades: 6

Memphis La Blusera fue una de las bandas pioneras en Argentina en combinar el blues con el rock. Con letras inspiradas en cuestiones sociales y tomando las experiencias de típicos laburantes de barrio porteño, la banda liderada por el carismático Adrián Otero se hicieron cargo de extender el género más allá del ámbito de los entendidos.

1978 fue el año fundacional para este grupo proveniente del barrio de La Paternal en Buenos Aires. La primera presentación fue en el teatro Union e Benevolenza ante un reducido público. Luego creciendo de a poco, participaron como teloneros de Pajarito Zaguri en el Estadio de Obras. En 1982, tras conseguir en sonido que tanto buscaba, Memphis sacó su disco debut, “Alma bajo la lluvia”, obteniendo buenas críticas.

Desde este material Memphis propone un estilo diferente de Blues. Uno no tan melancólico ni depresivo, sino más amigable. Las letras simples y sin complejos son la constante en este buen disco debut.

“Moscato, pizza y fainá” relata las alocadas horas de la avenida Corrientes y se convirtió en uno de los grandes clásicos del grupo. “El Blues de las 6 y 30” que se enfoca en el desgarrador esfuerzo que implica comenzar la jornada tan temprano en la mañana es el otro destacado del álbum. “El Estibador” es otro ejemplo del duro trabajo al que este obrero está sometido en su vida cotidiana. Por otra parte, la canción que da nombre a este trabajo se orienta más al amor perdido y expone la parte más natural del Blues.

Con este disco Memphis La Blusera entró en la escena del Rock Nacional con temas interesantes y dos buenos clásicos.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)
Black Mountain

Black Mountain – Black Mountain (2005)

Deja un comentario

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Modern Music: 8,5
  2. Don’t Run Our Hearts Around: 9
  3. Druganaut: 8,5
  4. No Satisfaction: 8,5
  5. Set Us Free: 8
  6. No Hits: 7
  7. Heart of Snow: 8
  8. Faulty Times: 7,5

Si estas buscando bandas psicodélicas nacidas en los últimos años, Black Mountain puede llegar a interesarte mucho. Esta banda oriunda de Canadá supo destacarse por desarrollar un estilo que aborda una gran variedad de influencias: es acida y combina la interpretación vocal de un hombre (Stephen McBean) y una mujer (Amber Weber) como Jefferson Airplane; tiene un sonido pesado a lo Black Sabbath o Led Zeppelin; es espacial como Pink Floyd; y termina de articular su sonido con arreglos experimentales a lo Velvet Underground.

Esta paleta de atributos se puede apreciar en su homónimo álbum debut, que resulta muy atractivo en la cantidad de estilos que emprenden. Por ejemplo, si buscas jazz podes encontrar a “Modern Music”, un tema descontrolado y fumado por su saxo. Pero si requeris algo más excedido “No Satisfaction” rockea como “White Light/White Heat” de la Velvet Underground. Si queres algo más heavy, “Don’t Run Our Hearts Around” te puede satisfacer con su riff que mezcla a Cream con Sabbath. Si estas urgido por psicodelia acida canciones como “Druganaut”, “Set Us Free” y “Faulty Times”, te van a hacer rememorar a Jefferson Airplane por la combinación de McBean y Weber que parecen Marty Balin y Grace Slick. Ahh, si extrañas la fabulosa voz de Slick, Amber Weber es una más que digna cantante y en el space rock “Heart of Snow” lo deja evidenciado. Y finalmente, si te motiva escuchar Krautrock, la electro “No Hits” te va a complacer.

Increíble, si sos un neo hippie del nuevo milenio, en este disco lo que queres lo vas a tener y en un muy buen nivel. Por eso, Black Mountain puede ser un satisfactorio tributo de lo que te gusta.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
The Cure

The Cure – Pornography (1982)

Deja un comentario

Puntaje del Disco: 8

  1. One Hundred Years: 9
  2. A Short Term Effect: 7
  3. The Hanging Garden: 7,5
  4. Siamese Twins: 8
  5. The Figurehead: 8,5
  6. A Strange Day: 8
  7. Cold: 8,5
  8. Pornography: 8

Pornography significo el epílogo perfecto de la fase musical que transito The Cure con Seventeen Seconds y Faith. Es considerado su álbum mas oscuro dentro de la oscuridad que engloba este trinomio algo muy alejado a lo que se puede escuchar mas adelante del grupo de Robert Smith con temas totalmente optimistas y melosos como “Friday I’m in Love” por solo nombrar alguno.

Pornography no es para nada comercial, es un disco profundo y relajante pero si estás deprimido no lo escuches. Frases como”It doesn’t matter if we all die» y «Your name like ice into my heart» son un claro ejemplo de la búsqueda y dirección a la que apuntan las letras y su música.

En el momento de su lanzamiento en Mayo de 1982 la prensa británica no lo recibió con criticas favorables pero como ocurre en muchos casos fue ganando mas respeto y reconocimiento con el correr de los años y actualmente es considerado uno de los disco clave dentro del rock gótico en toda la historia. Y muchos lo posicionan junto a Desintegration (1989) como lo mejor de su carrera.

El brutal bajo de Simon Gallup es protagonista principal en casi todos los temas del disco “The Figurehead”, “Cold”, “Pornography” y “One Hundred Years” se llevan los mejores momentos de un disco corto de poco mas de cuarenta minutos.

Para promocionar el álbum The Cure se dedico a presentarlo con su propia gira “Fourteen Explicit Moments tour” que terminaría con incidentes y una gran pelea entre Smith y Gallup no llegando a hablarse por un año y medio y que generaría la partida de Gallup de la banda y a rumores de separación, aunque poco tiempo después, y un disco olvidable donde Smith se ocupo también del bajo en el medio, retornaría.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)
Kaiser Chiefs

Kaiser Chiefs – Off With Their Heads (2008)

Deja un comentario

Puntaje del Disco: 8

  1. Spanish Metal: 8
  2. Never Miss a Beat: 9,5
  3. Like It Too Much: 8,5
  4. You Want History: 8
  5. Can’t Say What I Mean: 7,5
  6. Good Days Bad Days: 8,5
  7. Tomato in the Rain: 8,5
  8. Half the Truth: 6,5
  9. Always Happens Like That: 6
  10. Addicted to Drugs: 5
  11. Remember You’re a Girl: 7

Desde su aparición, los Kaiser Chiefs siempre fueron un grupo decente, con melodías accesibles y canciones divertidas, pero nada del otro mundo. No son grandes ni están cerca de competir con las mejores bandas de su época. De todos modos, no son “Kaiser Shit” o “Shit Blur” como Liam Gallagher dijo en su momento. Los Chiefs están simplemente bien, y en esta posición “cómoda” siguen editando discos, como en este caso Off With Their Heads.

En esta oportunidad contaron con Mick Ronson como productor, cuyo aporte creativo se distingue en los arreglos electrónicos y bailables de las canciones. Útil para tapar un poco los puntos flojos del disco y darle un aire distinto, pero manteniendo la esencia de lo que venían realizando los Chiefs en sus anteriores discos.

El álbum fue muy bien recibido por la crítica, incluso considerandolo el mejor de su corta trayectoria. Pero mi impresión no llega a esa altura. Puedo decir que es un disco más consistente e interesante que Yours Truly, Angry Mob, pero no me atrapa, ni me resulta más agradable que Employment. Es muy bueno y efectivo, y eso es todo.

En su haber no abundan clásicos para nada. Pero hay un hit que sobresale remarcadamente sobre el resto: “Never Miss a Beat”. Su tremenda letra sobre la ignorancia te anuncia la llegada de un clásico que supera a “Ruby”. ‘What did you learn today?/ I learnt nothing/ What did you do today? /I did nothing/ What did you learn at school?/ I didn’t go/ Why didn’t you go to school?/ I don’t know’. Y el estribillo es muy pegadizo: ‘It’s cool to know nothing’. Bravo!! Luego hay un par de canciones que intentan imitar ese estilo marcando su fortaleza en los estribillos como “Like It Too Much”. Y a su vez nos topamos con canciones más bailables como “Good Days Bad Days”, y otras atípicas lindas melodías pop como la de “Tomato in the Rain”.

Después de este último, Off With Their Heads se desploma, baja la calidad. Las canciones son peligrosamente más bailables y las composiciones intrascendentes. Solo escuchen “Addicted to Drugs”, los tipos parecen totalmente perdidos. Indicios de que todavía tienen puntos por mejorar.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)
Bob Marley & The Wailers

Bob Marley & The Wailers – Kaya (1978)

Deja un comentario

Puntaje del Disco: 8

  1. Easy Skanking: 7
  2. Kaya: 7
  3. Is This Love: 9
  4. Sun Is Shining: 7.5
  5. Satisfy My Soul: 8.5
  6. She’s Gone: 7
  7. Misty Morning: 7.5
  8. Crisis: 7
  9. Running Away: 6.5
  10. Time Will Tell: 6

Luego de la salida del exitosísimo “Exodus”, Bob Marley se consolidó como una estrella internacional y un líder del pacifismo y el movimiento rastafario. La expansión de varios sencillos de aquel disco fueron el instrumento que el jamaiquino utilizó para llevar consciencia a las sociedades y pregonar por un mundo mejor.

En 1978 Bob Marley & The Wailers editaron el décimo álbum, “Kaya” que en dialecto rastafario se traduce como marihuana. Este material, siendo uno de los mejores en la carrera de la banda, recibió críticas referidas a lo suave que era en relación con otros trabajos. En realidad se podría considerar un poco menos frontal en las letras en cuanto a los significados políticos, tal como expresa “Easy Skanking” con esa línea que dice «discúlpeme mientras me fumo mi porro».  Sin embargo, el espíritu de vida relajada y en comunidad que Marley inculcaba siguen estando presente y por supuesto también su deseo de paz.

A pesar de las críticas “Kaya” es un muy buen disco que permite ver la evolución de un Marley que ha alcanzado el punto máximo con “Exodus”. La vigencia de Bob quedó demostrada con el multitudinario concierto One Love Peace que significó su regreso a Jamaica tras el éxodo en Londres. Las letras de las canciones hablan justamente de eso, del amor, siendo “Is This Love” el exponente más claro de esa temática. “Satisfy My Soul” y “Sun Is Shinning” son otros de los clásicos en la carrera de Bob.

En el concierto One Love Peace, Marley logró que los opositores políticos de Jamaica estrecharan sus manos en un acto que sólo un genio como él podía lograr.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Cafe Tacvba

Cafe Tacvba – Re (1994)

Deja un comentario

cafe-tacuba-re-6161970

Puntaje del Disco: 9

  1. El Aparato: 9,5
  2. La Ingrata: 8,5
  3. El Ciclón: 8,5
  4. El Borrego: 8,5
  5. Esa Noche: 7
  6. 24 Horas: 9
  7. Ixtepec: 8
  8. Trópico de Cáncer: 9
  9. El Metro: 8,5
  10. El Fin de la Infancia: 8
  11. Madrugal: –
  12. Pez: 7,5
  13. Verde: 8
  14. La Negrita: 8,5
  15. El Tlatoani del Barrio: 9
  16. Las Flores: 8
  17. La Pinta: 9,5
  18. El Baile y el Salón: 9
  19. El Puñal y el Corazón: 8
  20. El Balcón: 7,5

Anteriormente conocidos como “Alicia Ya No Vive Aquí (en honor a un film de Martin Scorsese con ese nombre) el grupo mexicano Café Tacvba finalmente tomaría su nombre definitivo de una añeja cafetería ubicada en México DF (el Café de Tacuba).y para evitar problemas sobre derechos por el uso del nombre, utilizaron una grafía antigua de «Tacuba», sustituyendo la «u» con una «v», de allí la peculiaridad de la escritura del nombre del grupo.

Formados en 1989 por Rubén Isaac Albarrán Ortega (voz y guitarra), Emmanuel «Meme» del Real Díaz (teclados, guitarra y piano), José Alfredo «Joselo» Rangel Arroyo (guitarra y voces) hicieron su incursión musical en 1992, pero seria su segundo álbum Re (1994) el que los consagraría, señalado como la contribución mas importante en la historia del rock mexicano y yendo aun mas lejos algunos medios como el New York Times lo bautizarían como “el equivalente al Album Blanco de los Beatles para el rock en español”, no sólo por su duración y cantidad de temas, sino por la exploración hacia distintos géneros musicales y su complejidad en cuanto a composición. Re proviene lógicamente de la segunda nota musical simbolizando el avance hacia el segundo disco en la carrera de Café Tacvba.

La producción del argentino Gustavo Santaolalla ayudo bastante a la solidez y la diversidad que se abarcan en Re. El disco gira alrededor de las diferencias culturales a través de lo cíclico del sonido, maneja una gran paleta de instrumentación y se mueve dentro de diversos estilos musicales como el rock latino, funk, parodias de sonidos regionales, samba brasileña, heavy metal, baladas, pop, bailables, ska, todos interpretados con mucha calidad.

Actualmente Café Tacvba cuenta con diez materiales de estudios editados, desde su debut y con casi veinte años de carrera son una de las bandas más influyentes e innovadoras en el rock latinoamericano, por lo difícil de catalogar y encasillar de su musical y la versatilidad de ritmos que manejan a la perfección.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Sui Generis

Sui Generis – Vida (1972)

Deja un comentario

sui-generis-vida-4601833Puntaje del Disco: 9

  1. Canción Para Mi Muerte: 10
  2. Necesito: 7,5
  3. Dime Quien Me Lo Robó: 9,5
  4. Estación: 8
  5. Toma Dos Blues: 7,5
  6. Natalio Ruiz: 8
  7. Mariel y el Capitán: 9
  8. Amigo Vuelve A Casa Pronto: 8,5
  9. Quizás, Porque: 7,5
  10. Cuando Comenzamos A Nacer: 8,5
  11. Posludio: –

Como si fueran Simon y Garfunkel, el rock argentino también tuvo su propio dúo de músicos que dio de que hablar en la década de los setenta. Sui Generis estaba conformado por dos figuras preponderantes como lo son Charly Garcia y Nito Mestre. Juntos lograron desarrollar un enternecedor folk rock que se puede deslumbrar en su primer trabajo: Vida.

Tal como el nombre lo sugiere y por palabras de sus propios autores, Vida es un trabajo muy puro e inocente. Es eminentemente acústico, remarcando nuevamente la influencia de Simon y Garkunkel, pero especialmente en las armonías vocales de sus interpretaciones. Aún así lo que llegó a diferenciar a Sui Generis del dueto yankee es que abordaron una mayor variedad de estilos.

De esta forma, si bien en Vida predomina el folk rock, también podemos encontrar excelente rock progresivo en “Dime Quien Me Lo Robó”, blues puro en “Toma Dos Blues”, clásicos que incorporan el piano/teclado como “Natalio Ruiz” y “Amigo Vuelve A Casa Pronto”, y luego flautas medievales en “Cuando Comenzamos A Nacer”. Sin embargo, la gran destacada del disco es la famosa “Canción Para Mi Muerte”, una preciosa canción acústica que te enamora con su melodía.

Vida también da lugar a temas más sonsos (escuchen el conocido “Necesito”, es practico pero puedo ser confundido por una composición de Ignacio Copani), además de otros desperfectos que hacen del álbum un producto no tan redondo. De todas maneras, Vida es uno de los mejores discos del dúo y también del rock argentino.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)
Blind Melon

Blind Melon – Blind Melon (1992)

Deja un comentario

Puntaje del Disco: 9

  1. Soak the Sin: 9
  2. Tones of Home: 8,5
  3. I Wonder: 7.5
  4. Paper Scratcher: 8,5
  5. Dear Ol’ Dad: 8,5
  6. Change: 9
  7. No Rain: 10
  8. Deserted: 9
  9. Sleepyhouse: 8
  10. Holyman: 9
  11. Seed to a Tree: 8
  12. Drive: 7
  13. Time: 8

La ascendente carrera de Blind Melon duro trágicamente tan solo tres años desde su álbum debut en 1992 hasta la muerte de su talentoso cantante, guitarrista y compositor Shannon Hoon por sobredosis de droga en Octubre de 1995.

La historia de Blind Melon comenzó bastante distinto a la mayoría de grupos alternativos que surgieron a principios de los noventa, que se orientaron a un sonido predominante y exitoso como el grunge. Una excepción a la regla fue la aparición de Blind Melon con raíces claras de rock clásico como Lynyrd Skynyrd, Led Zeppelin y hasta de los mas recientes y Guns N’ Roses, con los que forjaría una relación Hoon llegando a participar en algunos temas de Use Your Illusion I.

Su homónimo disco debut se basó en temas de rock clásico muy bien interpretados todos apoyados en la difusión que el grupo alcanzaría con su gran y único hit “No Rain” (conocido como la canción de la abejita por el personaje principal de su video) que sonó constantemente en MTV y todas las radios. A pesar de ser un grupo bastante subvalorado por la critica desde mi óptica Blind Melon es un excelente disco debut con muchos ingredientes interesantes mas haya de “No Rain”. Baladas, temas roqueros, épicos se suceden a lo largo del álbum, que se convertiría mas adelante en Multi platino alcanzando un interesante numero de ventas teniendo en cuenta lo competitivo que era el mercado discográfico en ese período.

El grupo se gano el reconocimiento de pares y publico en general. Pasaron casi todo el año siguiente a su debut en giras primero teloniando a Neil Young y Lenny Kravitz para luego presentarse en teatros con su merecida propia gira mas adelante. Lamentablemente su prometedora carrera se desmoronaría poco tiempo después con la perdida del talentoso Shannon Hoon.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Art Brut

Art Brut – Bang Bang Rock & Roll (2005)

Deja un comentario

Puntaje del Disco: 9

  1. Formed A Band: 9
  2. My Little Brother: 8
  3. Emily Kane: 9
  4. Rusted Guns of Milan: 9,5
  5. Modern Art: 8,5
  6. Good Weekend: 9
  7. Bang Bang Rock And Roll: 8,5
  8. Fight: 8
  9. Moving To L.A.: 9
  10. Bad Weekend: 7,5
  11. Stand Down: 8
  12. 18,000 Lira: 6,5

Si te gustan The Strokes o los Arctic Monkeys tenes que conocer a esta banda. Art Brut, sin ser tan populares, es otro de los grupos prometedores de indie rock que nacieron en esta última década. Desarrollando un estilo punky o de garage rock (con influencia de bandas como The Velvet Underground y The Sex Pistols) estos muchachos supieron demostrar su talento en su primer disco Bang Bang Rock & Roll, considerado uno de los mejores del 2005.

¿Pero, qué distingue a este grupo? Art Brut es por sobre todas las cosas muy original. Su principal virtud son sus muy buenas y sarcásticas letras, sin ellas no sería lo mismo. Uno se ríe solo al escuchar estrofas satíricas de canciones como “My Little Brother” (para que le dediques a tu hermano): “My little brother just discovered Rock & Roll/ He’s only 22 and he’s out of control/ He no longer listens to A-sides/ He made me a tape of bootlegs and B-sides”. Si a eso le sumamos mucha actitud y energía, y un cantante desopilante como Eddie Argos (que no canta, habla y escupe las palabras con su verborragia británica), todo esto hace de Art Brut un conjunto único. Su espíritu irónico y fresco para interpretar sus canciones es algo para felicitar.

Es así como en Bang Bang Rock & Roll nos encontramos con excelentes temas como “Emily Kane”, una adorable canción de Argos sobre su novia de la adolescencia. Otras canciones son ataques de guitarras alternativas más poderosas como “Formed A Band” y “Modern Art”. Mientras que “Good Weekend” recuerda al mejor indie rock de esta época. Y también esta mi preferida “Rusted Guns of Milan”, un tema oscuro sobra la impotencia, con la repetición constante de los “I Know I Can” y una interpretación fantástica de Eddie.

Indie rock divertido, inteligente y dinámico. ¿Qué más puedo pedir?

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)