Caifanes – El Diablito (1990)

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. Detrás De Ti: 7,5
  2. Antes De Que Nos Olviden: 8,5
  3. La Vida No Es Eterna: 7
  4. De Noche Todos Los Gatos Son Pardos: 5,5
  5. Sombras En Tiempos Perdidos: 7
  6. El Negro Cósmico: 8,5
  7. La Célula Que Explota: 8,5
  8. Aquí No Pasa Nada: 8
  9. Los Dioses Ocultos: 9
  10. El Elefante: 4,5
  11. Amárrate a una Escoba y Vuela Lejos: 5,5

Para su segundo disco los Caifos incorporarían en sus filas al notable guitarrista argentino Alejandro Marcovich, quien ayudo a consolidar un estilo y un sonido más maduro de la banda. Por esa razón El Diablito resulta un disco más interesante que el debut de los Caifanes.

De todas formas, es una especie de álbum intermedió, porque se sigue notando el arraigado sonido ochentoso de la banda. Pero esta vez no focalizando tanto en The Cure, sino más bien en otro tipo de bandas contemporáneas como U2, acompañados por una producción más elocuente.

Esto hace que El Diablito por un lado tenga composiciones mejores que lo que se venía escuchando antes, pero presentando falencias que no cierran ni ayudan con la solidez del disco.

A muchos temas además de repetir su tendencia les falta pasta para tener una mayor calidad, e incluso la voz de Saúl Hernández llega a cansar con las sucesivas escuchas del disco. Así aparecen las flojeras del trabajo como “De Noche Todos Los Gatos Son Pardos”, una canción regular por ese tecladito que agota y por la ausencia de una melodía que pegue. Aún peor es “El Elefante”, un experimento fallido con una melodía que deja bastante que desear. E incluso la canción atmosférica que cierra el disco “Amárrate Una Escoba Y Vuela Lejos” es chata y completamente inmemorable.

Sacando estos desperfectos, el resto del álbum no esta mal. Y cuanta con cuatro canciones que se resaltan principalmente. “Antes De Que Nos Olviden” es agradable, tiene una buena melodía con rasguidos de guitarra y una percusión muy ochentosa. “El Negro Cósmico” es muy buena, rockea como ninguna gracias a Marcovich. “La Célula Que Explota” es una especie de balada más acústica que tiene sus buenos momentos e incluso tiene detalles que la hacen muy mexicana. Y “Los Dioses Ocultos” es el más notable y trascendente por su estribillo.

Por todo esto, El Diablito es un disco con sus pro y sus contras. Pero lo que importa al fin es que es un paso adelante en su carrera.

Persy

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Fleet Foxes – Helplessness Blues (2011)

Puntaje del Disco: 8

  1. Montezuma: 8,5
  2. Bedouin Dress: 9
  3. Sim Sala Bim: 9
  4. Battery Kinzie: 8
  5. The Plains/Bitter Dancer: 7,5
  6. Helplessness Blues: 8
  7. The Cascades: 7
  8. Lorelai: 9
  9. Someone You’d Admire: 6,5
  10. The Shrine/An Argument: 6
  11. Blue Spotted Tail: 5
  12. Grown Ocean: 8

Tras idas y vueltas por problemas con las grabaciones y sesiones, tres años tardaría Fleet Foxes en lanzar su segundo trabajo luego de su aclamado álbum debut. Y en esta oportunidad la recepción de Helplessness Blues también fue muy positiva. Para muchos uno de los mejores discos, y para otros incluso el mejor, un rótulo que puede resultar bastante exagerado.

Uno entiende el particular encanto de Helplessness Blues que los distingue de otros trabajos y grupos de la época y eso hace que tenga una remarcable consideración. ¿Cuántas bandas de hoy en día desarrollan el folk exquisito de Fleet Foxes? No deben ser muchas. De hecho parece una banda de los sesenta que nació en la época equivocada. Canciones de folk, acústicas, con tintes barrocos y extraordinarias armonías vocales. Un homenaje de primera a Crosby, Stills, Nash & Young y a los Beach Boys.

La atmosfera pura de Helplessness Blues lo hace un disco de una belleza celestial. La calidad de canciones encantadoras como “Bedouin Dress”, “Lorelai” y la barroca “Sim Sala Bim” nos transportan a otra época. Aún así el disco no es tan grandioso. Ser un grupo de folk tampoco significa ser original o innovador. No veo un gran salto en estilo y calidad respecto de su primer álbum. Además hay varios temas con melodías que no atrapan como “Someone You’d Admire” y la aburrida “Blue Spotted Tail”. En este montón también se incluye “The Shrine/An Argument”, que no solo peca por su falta de gancho sino también por lo larga y sobreproducida que resulta.

Pese a que estos números afectan en la consistencia de Helplessness Blues, no deja de ser un muy buen disco, aunque algo sobrevalorado para mi gusto al igual que su álbum debut. Uno de los destacados del 2011 pero no el mejor.

Persy

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King Tubby – Dub From the Roots (1974)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Dub from the roots: 7,5
  2. Iyaha: 8,5
  3. Mine Field: 8
  4. Hi Jack the Barber: 9
  5. African Roots: 7,5
  6. Double Cross: 8
  7. East Of (Arrows Hi Fi): 6
  8. Invasion: 9
  9. Dub of a Woman: 6,5
  10. Dub on My Mind: 7,5
  11. Steeling: 6,5
  12. Dub Experience: 9,5
  13. Declaration of Dub: 10
  14. A Truthful Dub: 7

Osbourne Ruddock, conocido popularmente bajo el nombre de King Tubby, es junto con su compatriota jamaiquino Lee «Scratch» Perry uno de los responsables de que exista un género musical llamado dub.

Ingeniero de sonido y compañero fiel del Sound System en la Jamaica de fines de los ’60, se lo considera como el creador de una herramienta esencial para el desarrollo de la música contemporánea: el «remix». Esta herramienta, valga la redundancia, es la que lo lleva a notar que al modificar una canción de Duke Reid (sacándole la voz, agregando una alta dosis de reverberación y delay a los diferentes instrumentos, aumentando los bajos, implementando el eco; es decir, toda una serie de modificaciones que serían parte de la idiosincrasia propia del dub) lograba un sonido totalmente diferente al original, motivándolo a hacerlo con otras canciones. Es decir, es un género que nace de la experimentación a través de la mezcla en estudios de sonidos y no de músicos principalmente -algo esencial para comprender su origen-, y que además es instrumental, enfocándose en la ambientabilidad a través de paisajes sonoros, incentivados en las melodías del reggae, el rocksteady y la música jamaiquina en general.

Producido por Bunny Lee y mezclado por King Tubby (en su rol de ‘Dubmaster’), «Dub from the roots» cuenta con músicos tales como Robbie Shakespeare, Augustus Pablo, los hermanos Aston y Carlton Barret, entre otros. Todos del más alto nivel y que acompañarían a exponentes de la música jamaiquina de la talla de Bob Marley y Peter Tosh con el correr de los años.

King Tubby sin ser músico, es un artesano que logra conseguir sonidos y ambientes únicos, ya sea cuasi-hipnóticos como en «Iyaha», «Hi Jack the Barber» o «Invasion», o festivos como en «Mine Field», «Double Cross» o «Dub Experience». Ambientes que hacen de «Dub from the roots» un disco tan primitivo como esencial para empezar a entender un poco de que se trata este género llamado dub.

Bari

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Bersuit Vergarabat – Asquerosa Alegría (1993)

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Puntaje del Disco: 7.5

  1. Fuera de acá:
  2. Sin son: 6.5 
  3. Tu pastilla fue: 7.5 
  4. Clara7.5
  5. Cha cha cha7
  6. Ausencia de estribillo: 8
  7. Si amanece7
  8. Decile a tu mamá7.5
  9. Balada de Guang Chang Kein: – 
  10. Los elefantitos: 6
  11. Vamos, no llegamos: 7.5 
  12. Nepore’y (Tu ausencia): 6
  13. Buceando en el Riachuelo: 6

“Y Punto” de 1992 le dio a Bersuit Vergarabat cierta masividad que quizás no habían esperado en un principio. Las letras que se oponían y denunciaban la corrupción de la sociedad política argentina habían provocado un cimbronazo que llegó a las jóvenes generaciones que vieron en Gustavo Cordera a un personaje bastante particular. La noche y los excesos comenzaron a ser frecuentes en “el pelado”, quien sentían por entonces que el cantante estaba consumiendo a la persona.

Más allá de estos deslices típicos de la fama, Bersuit seguía enfocado en su carrera y buscaba continuar produciendo y mejorar a cada paso. En 1993 se editó el segundo material del grupo, “Asquerosa Alegría”. Si bien el estilo provocativo de Bersuit se agudizaba cada vez más, también puede apreciarse un notorio mejoramiento en las composiciones.

Desde el inicio “Fuera de acá” se destaca y de a poco el disco va tomando ritmo, haciéndose bastante entretenido y dinámico. “Ausencia de estribillo” también tiene una pegajosa melodía al igual que “Decile a tu mamá”.

Tanto la voz de Cordera como la diversidad de estilos que la banda interpretar llevan a querer escuchar con mayor detenimiento las letras que fiel al estilo de Bersuit, no se guardan nada.

Piro

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Travis – The Invisible Band (2001)

Puntaje del Disco: 8

  1. Sing: 9
  2. Dear Diary: 7
  3. Side: 8.5
  4. Pipe Dreams: 8
  5. Flowers in the Window: 9
  6. The Cage: 8
  7. Safe: 8
  8. Follow the Light: 8
  9. Last Train: 7
  10. Afterglow: 7.5
  11. Indefinitely: 7.5
  12. The Humpty Dumpty Love Song: 8.5

La banda escocesa Travis tuvo el privilegio de comenzar el nuevo milenio como una de las bandas más destacadas de Gran Bretaña gracias a sus primeros dos discos. “The Man Who” de 1999 obtuvo numerosos premios y un reconocimiento meritorio por parte de la prensa especializada. Este éxito le permitió al grupo salir de gira como soporte de Oasis, una de sus bandas inspiradoras e impulsoras de la oleada pop en los noventa.

En 2001 y con la producción de Nigel Goldrich (que trabajó entre otros con Beck y Radiohead), Travis editó su tercer material. “The Invisible Band” hacía referencia a la idea que la banda tenía sobre sí misma, ya que consideraba que su música trascendía al grupo; una concepción semejante a los tonos de las canciones que, siguiendo el estilo de “The Man Who”, presentaban un acercamiento hacia lo acústico.

“Sing”, el primer corte lanzamiento, se transformó inmediatamente en un éxito casi mundial, con gran repercusión en los charts y en América Latina, con el banjo dándole un toque más sentimental. “Side” y “Flowers in the Window” son los otros dos temas que definitivamente sobresalen del disco, siendo temas pegadizos que dan ganas de cantar y que además marcan una notoria evolución en las composiciones de Healy, el vocalista y líder del grupo.

Este disco no generó las críticas positivas sólo por esos tres temas, sino que contó con otros muy buenos momentos como “Pipe Dreams” y “Safe” (este último con notorias influencias de Radiohead). Otra mención especial merece “The Humpty Dumpty Love Song”, una hermosa balada que confirma que lo de Travis definitivamente venía en serio.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Traffic – On the Road (1973)

Puntaje del Disco: 9

  1. Glad/Freedom rider: 8,5
  2. Tragic Magic: 9,5
  3. (Sometimes I feel so) Uninspired: 10
  4. Shoot out at the fantasy factory: 8,5
  5. Light up or leave me alone: 7,5
  6. Low spark of high-heeled boys: 9

Traffic fue un grupo de rock procedente de Mirmingham, Inglaterra, liderado por el cantante y multiinstrumentista Steve Winwood (quien venía de “The Spencer Davis Group”), con Jim Capaldi, Chris Wood y Dave Mason, a la batería, instrumentos de viento y guitarra respectivamente. El grupo se formó a finales de los años sesenta en plena efervescencia de rock psicodélico y durante su trayectoria ofrecieron una música muy particular entre el rock progresivo y la psicodelia del momento.

En el año 1973 Traffic recogería parte de las canciones escritas en los últimos años para concebir “On the Road” un interesantísimo álbum en vivo en el dejarían de lado sus influencias de finales de los sesenta para reivindicar con el puño sobre la mesa el rock más clásico, con interminables solos de saxofón, guitarra, y demás instrumentos sobre una base rítmica impecable.

La canción que más sobresaldría del disco seria “(Sometimes I feel so) Uninspired”, una inspiradísima balada con un piano sobresaliente y varios solos de guitarra.

También vale la pena destacar “Tragic Magic” y “Low spark of high-heeled boys”, dos temas jazzeros con un sensacional trabajo a manos de el saxofonista Chris Wood.

Por su parte, las demás canciones mantendrían un buen nivel y mostrarían el virtuosismo de los integrantes de Traffic con sus instrumentos (especialmente “Glad/Freedom rider”) pero su innecesaria larga duración las haría algo pesadas a ratos.

Mauricio G.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Gorillaz – Demon Days (2005)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Intro:
  2. Last Living Souls: 9
  3. Kids with Guns: 8
  4. O Green World: 8
  5. Dirty Harry: 9
  6. Feel Good Inc.: 9,5
  7. El Mañana: 7,5
  8. Every Planet We Reach Is Dead: 8,5
  9. November Has Come: 8
  10. All Alone: 8,5
  11. White Light: 7,5
  12. Dare: 8,5
  13. Fire Coming Out of the Monkey’s Head: 8,5
  14. Don’t Get Lost in Heaven: 7
  15. Demon Days: 7,5

Para todos los que pensaron que la banda virtual Gorillaz sería solo un divertimento momentáneo del inquieto Damon Albarn, su segundo álbum Demon Days, lanzado en Mayo de 2005, cuatro años después de su elogiado debut. Con una tapa en la que los personajes de Gorillaz hacen referencia clara a Let It Be de los Beatles.

En esta ocasión el trío creativo detrás de Gorillaz que se basaba en el ex cantante de Blur, el caricaturista Jamie Hewlett y el productor Dan the Automator quedaría sin efecto. Ya que Dan the Automator abandonaría el proyecto dejando a Damon Albarn como responsable incuestionable en la parte musical y a Hewlett en la creativa continuando aportando sus dibujos e ideas. Este nuevo contexto en lugar de preocupar a Albarn le proveyó cierta libertad a la hora de generar ideas y la oportunidad de probar cosas nuevas que no pudo en su momento llevar a cabo dentro de los límites que un grupo de rock como Blur tenía (en Think Tank, ultimo disco de Blur hasta la fecha editado en 2003 tampoco lo puedo hacer incluso sin la presencia de Graham Coxon en el grupo).

Como resultado nos encontramos con algo conceptualmente distinto a lo que conocimos de Gorillaz cuatro años antes, en Gorillaz daba la sensación que Albarn se estaba divirtiendo con amigos, sacándose un gusto, Demon Days tiene un mensaje mas profundo centrándose en el malestar inquietante de la vida en el siglo veintiuno algo que se percibe hasta en el titulo del disco. El disco cuenta con algunas colaboraciones que apoyarían a Damon como el rapero De La Soul en el tema más hitero “Feel Good Inc.”, la cantante Sueca Neneh Cherry en “Kids with Guns”, un pionero del rock and roll como Ike Turner “Every Planet We Reach Is Dead”, el actor Dennis Hopper recitando una letra en “Fire Coming Out of the Monkey’s Head” y tal vez la mas notable la del emblema de Manchester el ex líder de Happy Mondays Shaun Ryder en “Dare”, canción que explota las virtudes de Ryder al máximo. Otros momentos que merecen no ser dejar de lados son la bella «Last Living Souls» en especial su parte final y “Dirty Harry” con un coro de niños bastante simpático. Tampoco hay que dejar de lado la presencia en la producción de Danger Mouse que ayudo a amalgamar estas colaboraciones y las ideas y especialmente el enorme ego de Albarn de manera impecable.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Turf – Siempre Libre (1999)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Siempre Libre: 8,5
  2. Me Hacés Sentir: 8,5
  3. El Jugador: 7,5
  4. Aterrizar: 9
  5. Valle de la Luna: 6,5
  6. Esa Luz: 8,5
  7. Piolines: 6
  8. Tu Sam: 7
  9. Mas Loca que Yo: 7,5
  10. Fuera del Mundo: 8
  11. Miniturismo: 8
  12. Valeria del Mal: 8
  13. Siempre Libre II: 7

Luego de que la discográfica Universal les rescindiera el contrato Turf encontró refugio en la compañía Musimundo para la producción de su segundo disco Siempre Libre (1999) señalado por muchos como el ultimo buen material del grupo comandado por el arrogante y controvertido Joaquin Levinton antes de que se vuelque a su veta totalmente comercial desde Turf Show en adelante.

La producción estuvo a cargo de Coty Sorokin y juntos concibieron una búsqueda totalmente distinta a la que percibimos en Una Pila de Vida, que les había rendido sus frutos tanto en críticas como en ventas, pero aun así cambiaron hacia un estilo hippie, experimental y maduro a la vez. El track uno es el que le da nombre al disco nos sorprende con una melodía instantáneamente pegadiza que comienza con un mensaje que se replica a lo largo de las trece canciones: «Canten conmigo esta canción de libertad, siempre libre, para las almas que nunca dejan de estar, sienten, viven…», inmediatamente después encontramos el primer corte del álbum y el que mas alcanzo a rotar en las radios la relajada “Me Hacés Sentir”, la sigue un tema mas movido y veloz como “El Jugador” para luego volverse a relajar con «Aterrizaje” en la que la banda despega con un mensaje pacifista y melodías que emulan a alguna que podríamos haber escuchado en un disco de Oasis. Para cerrar la primera parte nos encontramos con la “drogona” y alucinógena “Esa Luz” que vuelve a contar con la colaboración de Charly García que ya los había acompañado en un tema de su disco debut.

A esta altura parecemos estar frente a un discazo con las melodías intactas que Levinton es capaz de ofrecer y hasta con instantes distintos con cierta búsqueda superior pero en la segunda parte no hay ningún tema que se destaque mucho mas que otro podemos mencionar otra canción experimental como “Miniturismo” hasta llegar al final con “Siempre Libre II” totalmente distinto a la primera con un ritmo hipnótico.

En resumen Siempre Libre termina siendo un muy buen álbum capaz de sorprender y hacer callar a los prejuiciosos que solo conocen momentos más comerciales de Turf con la que nos encontraremos en los años subsiguientes, como por ejemplo “Pasos al Costado”, “Loco un Poco” o “Yo No Me Quiero Casar y Usted”.

F.V.

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Eric Clapton en Argentina – Estadio River (14/10/2011)

Tras 10 años largos de espera, el Dios blanco del blues arribaría a Buenos Aires con la difícil tarea de exorcizar la cancha de River Plate luego de las dos presentaciones de Justin Bieber.

Al presenciar este tipo de shows uno se da cuenta que cada recital puede ser muy distinto entre sí, en cuanto al público que lo acompaña y a la forma de disfrutarlo. El concierto de Clapton es el tipo de presentación que uno tiene que sentarse, relajarse y abrir su mente para regocijarse con el buen blues que nos brinda esta leyenda viviente. Ideal para escuchar en un bar tomando una cerveza o incluso comiendo nachos con queso. Pero la convocatoria y la importancia de Eric hacen que una multitud se movilice y llene un estadio. Había más gente en la cancha de River de lo que imaginábamos, sabiendo que las entradas no eran “TAN” caras y que no estaban agotadas. Y en la general había que molestar a otros para hacerse un lugar.

Clapton salió al escenario a la hora estipulada, sería tan puntual que llegamos tarde e incluso nos perdimos un par de canciones. Y ya desde entonces empezaría a demostrar su genio blusero, siendo versátil, improvisando mucho con su guitarra celeste y blanca, con varios solos tremendos, pero cantando bastante poco (él solo hacía hablar a su guitarra) e incluso dando lugar a teclado y órgano a cargo de Tim Carmon y Chris Stainton, que le dieron nuevas alternativas a los clásicos y sobre todo a las canciones no tan conocidas, extendiéndolas, por momentos, demasiado.

El setlist no difirió mucho de lo que venía tocando en Brasil. Fiel a su estilo, interpretó varios covers como “Hoochie Coochie Man” de Muddy Waters y “I Shot the Sheriff” de Bob Marley y luego tuvo una seguidilla de temas acústicos con el “viejo” Eric sentando como si diera lecciones, finalizando esa serie con una pálida versión semi blusera de “Layla” que dejó bastante que desear. Un clásico ansiado que podría haber sido un momento clave para levantar el espectáculo tirando la casa por la ventana pero que se perdió en la nada. Una de las cuestiones más reprochables del show, junto con la ausencia de algunos clásicos indispensables como “Sunshine of Your Love”. No así, “Badge”, el temazo de su época en Cream, fue uno de los puntos más altos de la noche, rockeando más alto, dibujando una sonrisa en cada fan por lo que este maestro hacía.

Luego de rockear con “Badge”, “Wonderful Tonight” le puso letra a hermosa balada que fue del deleite de las parejitas que colmaron el Estadio. Después vino una gran versión de “Before You Accouse Me” y tras el clásico de Robert Johnson, “Littel Queen of Spades”, “Cocaine” tuvo a cargo el cierre a pura emoción.

Tras un breve receso los músicos retornaron a escena en lo que parecía una culminación con varios clásicos más. Sin embargo, sólo “Crossroads” fue la elegida para darle fin a un concierto muy apreciable pero con ciertas sensaciones de vacío. De todos modos nos fuimos sabiendo que vimos a un grande y recitales así son difíciles de olvidar.

Persy/Piro

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(Votos: 1 Promedio: 5)

Playlist: Mejores Discos y Canciones de 1995

Persy

Discos

  1. Oasis – (What’s the Story) Morning Glory?
  2. Radiohead – The Bends
  3. Blur – The Great Escape
  4. Pulp – Different Class
  5. Björk – Post
  6. Supergrass – I Should Coco
  7. PJ Harvey – To Bring You My Love
  8. Pavement – Wowee Zowee
  9. Elastica – Elastica
  10. Foo Fighters – Foo Fighters

Canciones

  1. Oasis – Wonderwall
  2. Radiohead – My Iron Lung
  3. Blur – The Universal
  4. Pulp – Common People
  5. Bjork – Army of Me
  6. Pavement – Grounded
  7. Supergrass – Alright
  8. The Verve – History
  9. Garbage – Only Happy When It Rains
  10. Foo Fighters – This is a Call

F.V.

Discos

  1. Pulp – Different Class
  2. Oasis – (What’s the Story) Morning Glory?
  3. Radiohead – The Bends
  4. Supergrass – I Should Coco
  5. Blur – The Great Escape
  6. The Chemical Brothers – Exit Planet Dust
  7. PJ Harvey – To Bring You My Love
  8. Elastica – Elastica
  9. Foo Fighters – Foo Fighters
  10. The Smashing Pumpkins – Mellon Collie and the Infinite Sadness

Canciones

  1. Pulp – Common People
  2. Oasis – Wonderwall
  3. The Smashing Pumpkins – 1979 
  4. Blur – Charmless Man
  5. Radiohead – Just
  6. Foo Fighters – This Is a Call
  7. Supergrass – Alright
  8. PJ Harvey – To Bring You My Love
  9. Underworld – Born Slippy
  10. Garbage – Only Happy When It Rains

Piro

Discos

  1. Oasis – (What’s the Story) Morning Glory?
  2. Radiohead – The Bends
  3. Pulp – Different Class
  4. Foo Fighters – Foo Fighters
  5. Blur – The Great Escape
  6. Björk – Post
  7. Alanis Morissette – Jagged Little Pill
  8. PJ Harvey – To Bring You My Love
  9. Elastica – Elastica
  10. Supergrass – I Should Coco

Canciones

  1. Oasis – Wonderwall
  2. Blur – The Universal
  3. Radiohead – Fake Plastic Trees
  4. Elastica – Connection
  5. The Smashing Pumpkins – 1979  
  6. Alanis Morissette – You Oughta Know
  7. Bjork – Amy of Me
  8. Tricky – Black Steel
  9. Supergrass – Mansize Rooster
  10. Coolio feat. LV – Gangsta’s Paradise
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