Supergrass – Supergrass (1999)

Puntaje del Disco: 7

  1. Moving: 8
  2. Your Love: 7
  3. What Went Wrong (In Your Head): 6,5
  4. Beautiful People: 7
  5. Shotover Hill: 7
  6. Eon: 7,5
  7. Mary: 7,5
  8. Jesus Came from Outta Space:7
  9. Pumping on Your Stereo: 9
  10. Born Again:6
  11. Faraway: 8,5
  12. Mama & Papa: 6

Tras un periodo de descanso Supergrass daría el puntapié inicial a su nuevo proyecto en 1999 con la salida del exitoso single “Pumping on Your Stereo”, acompañado por su video musical producido por el creador de Los Muppets Jim Henson que alcanzo gran difusión.

La publicación de su tercer trabajo de estudio Supergrass, no se hizo esperar y recibió una buena acogida por la crítica y alcanzó de nuevo el disco de platino en el Reino Unido. A pesar de esto al escucharlo por completo el disco te deja una sensación agridulce, una de cal y una de arena, además del hit antes mencionado “Pumping on Your Stereo”, podemos rescatar otro clásico del grupo de Oxford como “Moving” y la intensa “Faraway”. Después no hay demasiado original mas teniendo en cuenta lo que prometía el grupo tras sus excelentes dos primeros trabajos. El espíritu descontracturado y casual que Supergrass había patentado, aquí se confunde a veces con pereza compositiva y conformismo.

Su tercer material será recordado por un puñado de canciones interesantes y su buena portada que le gano el mote de X-Ray álbum. No por mucho más, la disparidad en la calidad del material, pasando por momentos interesantes y otros corrientes, no nos genera más que darles el crédito por los temas mas logrados, su pasado reciente y esa capacidad de ser uno de los grupos roqueros más irresistibles de las últimas décadas.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Yeah Yeah Yeahs – Fever to Tell (2003)

Puntaje del Disco: 8

  1. Rich: 9
  2. Date With the Night: 9,5
  3. Man: 6,5
  4. Tick: 5
  5. Black Tongue: 5,5
  6. Pin: 7,5
  7. Cold Light: 7
  8. No No No: 5,5
  9. Maps: 9,5
  10. Y Control: 9
  11. Modern Romance: 8

Fever to Tell es el álbum debut de otra de las bandas decentes que se mueve dentro del Indie en lo que se conoce como Garage Punk: Yeah Yeah Yeahs. Para quienes no lo conocen tiene un sonido similar a grupos como The White Stripes y The Kills, pero con mucho más volumen, rockeando por momentos, así como  resultando mucho menos interesante y abombante en otros pasajes. Incluso Karen O tiene un estilo similar al de Alison Mosshart como vocalista, aunque no llega a ser tan seductora pero sí más rechinante.

Su primer trabajo discográfico pone en manifiesto sus mejores cualidades y sus defectos simultáneamente. Por eso Fever To Tell tiene un terrible problema: es tremendamente inconsistente. Varios temas son absurdos descartables y tediosos para cualquier oyente. Especialmente en el medio del álbum están estos defectos que se traducen en ruido sin sentido, sonido elevado pero hueco y especialmente la monotonía de sus composiciones. Los que mejor lo representan son “Tick” y “Black Tongue”, que son tan monótonos que te desborda. Así como “No No No”, un experimento fallido que no cierra por ningún lado. Mientras que cosas como “Pin” y “Cold Light” zafan.

Lo mejor de Fever to Tell esta al principio y al final. El álbum arranca de gran forma con el combo entre “Rich” y “Date With the Night”, que rockean en forma aplastante, como se debe y como lamentablemente vas a dejar de escuchar en los que lo suceden del disco. Después hay que destacar la hermosa balada “Maps”, una luz de esperanza dentro del peor momento del disco. Y así como “Maps levanta el nivel del álbum, también lo hace “Y Control”. También hay que remarcar a “Modern Romance” como cierre del álbum, que tiene un ritmo calcado a “Heroin” de la Velvet Underground (tranquilamente puede ser tomado como plagio).

La mitad de las canciones son realmente de muy buenas a excelentes, pero la otra mitad no alcanza las expectativas. Aun así, pese a su irregularidad, los aspectos positivos de Fever to Tell son los que lo hacen muy bueno.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Los Piojos – 3er Arco (1996)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Esquina Libertad: 7,5
  2. Taxy Boy: 8
  3. El Farolito: 9
  4. Shup – Shup: 8,5
  5. Al Atardecer: 9
  6. ¿Qué Decís?: 7
  7. Don’t Say Tomorrow: 8,5
  8. Todo Pasa: 9,5
  9. Intro Maradó:
  10. Maradó: 9
  11. Gris: 8
  12. Muévelo: 8,5
  13. Verano Del ’92: 9

3er Arco encuentra a Los Piojos al tope de su forma, tanto musicalmente como en popularidad el disco significo un momento crucial en su carrera, grabado en Julio de 1996 en Del Cielito Records, seria presentado en el Teatro Arpegios para luego copar dos veces el mítico estadio Obras.

Gracias a los hits “El Farolito”, “Verano Del ’92” y «Maradó» (esta ultima lógicamente dedicada al mejor futbolista de todos los tiempos) Los Piojos se convirtieron en el grupo de moda en el verano de 1997, se vivió una especie de revolución piojosa. Siendo cabeza de ranking en todas las radios y el tanto el clip de «Maradó» y “Verano Del ’92”  trepaban a la cima de los canales de televisión. Una nueva sorpresa llegó a principios del ’97, En julio, Dos conciertos a sala llena convocaron a más de 10.000 personas en el microestadio de Rácing Club de Avellaneda. Unos meses más tarde la banda volvió a los escenarios de Capital Federal. En el microestadio del Parque Sarmiento se dieron cita más de siete mil fanaticos dejando muy claro que la banda está incorporada a las ligas mayores del rock nacional.

3er Arco también incluyó baladas memorables como “Todo Pasa” y “Al Atardecer”, una especie de fusión de tango y rock como “Gris” y temas típicos “piojosos” entre los que podemos destacar a “Shup – Shup”, “Don’t Say Tomorrow” y “Muévelo”.

A partir de 3er Arco cada movimiento del grupo de El Palomar seria tomado mas en cuenta y se convertiría en uno de los grupos mas convocantes e importantes de la escena del rock nacional, lugar que conservaron hasta su disolución en 2009.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Frank Zappa – Sheik Yerbouti (1979)

Puntaje del Disco: 9,5

  1. I Have Been In You: 8,5
  2. Flakes: 10
  3. Broken Hearts Are For Assholes: 8
  4. I’m So Cute: 8
  5. Jones Crusher: 8
  6. What Ever Happened To All The Fun In The World?:
  7. Rat Tomago: 8,5
  8. Wait A Minute:
  9. Bobby Brown Goes Down: 8
  10. Rubber Shirt: 9
  11. The Sheik Yerbouti Tango: 7,5
  12. Baby Snakes: 9,5
  13. Tryin’ To Grown A Chin: 8,5
  14. City Of Tiny Lights: 8
  15. Dancin’ Fool: 9
  16. Jewish Princess: 8
  17. Wild Love: 8,5
  18. Yo’ Mama: 10

Junto a Adrian Belew (guitarra), Patrick O’Hearn (bajo), Tommy Mars y Peter Wolf (teclados), Ed Mann (percusiones) y Terry Bozzio (batería) nuestro amigo bigotudo sacaría su álbum con mayores ventas: Sheik Yerbouti. El álbum es un compendio de devastadores rockers, mucho humor y sarcasmo satírico (típico de Zappa), increíbles melodías y ante todo: canciones aplastantes, complejas, pero accesibles.

El álbum comienza con la sensual (JA!) “I Have Been In You” (una parodia a “I’m In You” de Peter Frampton) para continuar con la INCREIBLE mini-suite “Flakes” con la participación de…Bob Dylan?! Jajajaja, en realidad es Belew imitándolo con maestría total, aparte dicho tema tiene devastadores solos de teclados y guitarra.

Hay también increíbles pasajes instrumentales, el orgasmo guitarrístico de “Rat Tomago”, la inquietante “The Sheik Yerbouti Tango” y la FANTASTICA “Rubber Shirt” (ese bajo se apoderara de tu alma). Hay dos canciones cantadas por Belew, Jones Crusher y la hipnótica “City Of Tiny Lights”, y dos cantadas por Bozzio, las devastadoras “I’m So Cute” y “Tryin’ To Grown A Chin” (para poguear de lo lindo). Esta también lo que es (junto a “Valley Girl”) el único GRAN hit de Zappa: la explícita y censuradísima “Bobby Brown Goes Down” (en cuya letra no falta una cachetada total al sueño americano).

Están las pulverizantes “Baby Snakes”, y “Broken Hearts Are For Assholes” (si recién te separaste, esta canción te abrirá los ojos), la intensa “Wild Love” (cantada por Napoleon Murphy Brock, en la misma se oye un segmento que luego se usaría de vuelta para Sinister Footwear del genial álbum Them Or Us), la filosa “Jewish Princess” y sus chiflados kazoos, la sátira a la música disco “Dancin’ Fool” y increíble conclusión a este discazo: la monumental “Yo’ Mama”, un final a todo trapo donde Zappa hace LLORAR a su guitarra. En síntesis, un tremendo disco de uno de los más grandes y versátiles artistas de todos los tiempos.

PD: cuanto a que no pueden contener la risa en los bizarrísimos intermedios “What Ever Happened To All The Fun In The World?” y “Wait A Minute”, eh? Los desafío!

Watanuki Li

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

The Rolling Stones – Some Girls (1978)

Puntaje del Disco: 9,5

  1. Miss You: 9,5
  2. When the Whip Comes Down: 9
  3. Just My Imagination (Running Away with Me): 8
  4. Some Girls: 9,5
  5. Lies: 7
  6. Far Away Eyes: 9
  7. Respectable: 8
  8. Before They Make Me Run: 8,5
  9. Beast of Burden: 9,5
  10. Shattered: 9

Indicado por muchos como el último gran álbum de sus majestades satánicas, Some Girls (1978), grabado en Paris entre Noviembre de 1977 y Marzo del año siguiente, fue el primer trabajo donde Ron Wood participó en su totalidad y donde Keith Richards reasumió el rol creativo del grupo. Mientras Mick Jagger se entretenía con su status de superestrella en la vida nocturna de Nueva York, ciudad en donde residía por aquel entonces.

Para finales de los setenta tanto el punk como el disco dominaban la escena y en una decisión inteligente los Stones buscaron acercarse a generaciones jóvenes incorporando sonidos propios de estos géneros a Some Girls, empezando desde la funky con ribetes disco «Miss You» (single principal y más recordado del disco). Por otra parte sus números roqueros sonaban pesados con «When the Whip Comes Down», “Shattered” y “Respectable” como estandartes. Todo esto sin descuidar un lugar donde la banda siempre se movió muy bien como las baladas en este caso “Beast of Burden”, que se convertiría en una de las mejores de su repertorio, “Far Away Eyes” es un tema country parodiado por Jagger en su voz muy entretenido y para no perder la costumbre de letras convertidas nos ofrecen en esta ocasión “Some Girls”, un catálogo de las preferencias sexuales de las mujeres según nacionalidad y raza, que le ocasionó a Jagger acusaciones de misógino y racista.

A pesar de no conservar la brillantes de épocas anteriores los Stones gracias a todos estos ingredientes se las ingeniaron para reunir la más directa y diversa colección de canciones de la banda en muchos años. Ningún disco Stone volvería a conjugar espontaneidad, decadencia, energía, y el espíritu de la época como Some Girls.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 3 Promedio: 4.3)

Pappo’s Blues – Pappo’s Blues Volumen 4 (1974)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Fiesta Cervezal: 9
  2. Gato de la Calle Negra: 9
  3. Abelardo el Pollo: 9,5
  4. Semilla de Sésamo: 8,5
  5. Con Elvira es Otra Cosa: 7
  6. Sol de Armónica: 9
  7. El Palacio de la Montaña en Invierno: 8

Así como Led Zeppelin editó Led Zeppelin I, II, III y IV, Pappo’s Blues tampoco se quedó de brazos cruzados y en 1974 nos trajo otro de sus grandes clásicos: Volumen 4. Comparar a Zeppelin con Pappo’s Blues puede ser un poco chocante. Pero no olvidemos que fue uno de los grandes exponentes de Hard Rock y Hard Blues en Argentina. De hecho, para Volumen 4, el Carpo se reagruparía con viejos conocidos armando una banda más que competente. Reaparecerían de David Lebon pero en guitarra y Black Amaya en batería al igual que en su álbum debut, a los que también se sumaron integrantes de La Pesada del Rock and Roll: Alejandro Medica en bajo e Isa Portugheis en percusiones. Con su “nueva vieja formación”, la banda nos traería en Volumen 4 esencialmente blues rock del más sucio y agresivo. En el que aparecen nuevos clásicos de Pappo.

El disco abre con “Fiesta Cervezal” con su riff sucio y letra graciosa que rockea fiel del estilo de Norberto Napolitano: “Quiero tomar, un trago de, cerveza fresca, para mi sed,  hace calor, en esta fiesta”. Después esta “Gato de la Calle Negra” que tiene un riff aún más maloso e incluso oscuro. Lo sucede mi favorito, “Abelardo el Pollo”, un clásico con otro brutal riff del Carpo. A la altura de estos tres temazos hay que ubicar a “Sol de Armónica”, una improvisación instrumental de más de 14 minutos en el que Pappo tira unas líneas y parafraseos geniales. Un poco largo es cierto, pero con mucho rock y armónica de por medio que te mantienen entretenido hasta el final.

En lo que nos queda del álbum está “Semilla de Sésamo” un instrumental rock and rollero bastante divertido, aunque un poco constante, con Pappo haciendo lo que quiere en guitarra. El otro corte instrumental es “El Palacio de la Montaña en Invierno” pero está vez tenemos un tema mucho más tranquilo, un suspiro al final del álbum. “Con Elvira es Otra Cosa” es el más flojito, es rock and roll normalito y genérico aunque no desechable, por lo cual no afecta lo excelente que resulta el álbum.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Arctic Monkeys – Suck It and See (2011)

Puntaje del Disco: 8

  1. She’s Thunderstorms: 9
  2. Black Treacle: 7,5
  3. Brick by Brick: 9
  4. The Hellcat Spangled Shalalala: 8
  5. Don’t Sit Down ‘Cause I’ve Moved Your Chair: 9
  6. Library Pictures: 7
  7. All My Own Stunts: 7,5
  8. Reckless Serenade: 7,5
  9. Piledriver Waltz: 8,5
  10. Love Is a Laserquest: 8
  11. Suck It and See: 8
  12. That’s Where You’re Wrong: 7,5

Este debe ser uno de los discos más esperados del 2011, y para algunos cuantos críticos uno de los mejores. Lo interesante de Suck It And See es que por sí solo sabe diferenciarse de los discos anteriores. Se podría decir que es casi el opuesto a Humbug, ya que escasean las canciones sombrías, pero tampoco tenemos la rebeldía adolescente de su disco debut, ni mucho menos la velocidad de Favourite Worst Naightmare. Los Arctic Monkeys suenan como un grupo Indie más sensato que maduró bajando sus revoluciones.

Las melodías y los riffs son siempre buenos haciendo que los temas sean escuchables por sobre todo. Aunque no siempre memorables. Los Monkeys parecen adoptar un sonido más pop con reminiscencias psicodélicas de la onda de “Cornstorne”. Esta es una tendencia de ellos: siempre toman un tema de su disco anterior para construir su nuevo álbum. En Favourite Worst Naightmare se basaron en canciones veloces como “From the Ritz to the Rubble”, en Humbug en cosas como “505” y ahora en “Cornstorne”. ¿Qué seguirá para el próximo? ¿Un disco basado en “Brick By Brick” o “Don’t Sit Down”? Si lo pienso no estaría tan mal. Son desde mi punto de vista las canciones más distintivas del disco. Debo confesar que al principio no me gustaba lo suficiente “Brick By Brick”, pero tiene un riff de garage que no recuerdo haber escuchado antes en ellos. Se te mete en la cabeza y es de lo más divertido del álbum. “Don’t Sit Down” en cambio es más brutal y pesado.

Y dentro de las más pop “She’s Thunderstorms” es la mejorcita, un arranque muy motivante y fiel a lo que es Suck It and See, al igual que la catarata de baladas que los Monkeys lanzan sobre el final. Primero tenemos a “Piledriver Waltz”, la misma balada que Alex Turner había incluido en su primer EP como solista. Después esta la agradable “Love Is a Laserquest”, la homónima “Suck It And See” que tiene un buen estribillo y “That’s Where You’re Wrong” que es más o menos lo mismo que las anteriores.

Me gusta el disco, es muy bueno. Nuevamente demuestra nos muestra a Turner como un compositor ya más crecido, esta vez en una faceta más “romántica” (como en Submarine). Aunque el disco tiene menos entretenimiento que en sus años iniciales.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

La Renga – Despedazado Por Mil Partes (1996)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Despedazado Por Mil Partes: 8.5
  2. A la Carga Mi Rocanrol: 8.5
  3. El Final Es Donde Partí: 9
  4. Balada del Diablo y la Muerte: 10
  5. Cuando Vendrán: 8
  6. Psilocybe Mexicana: 8
  7. Paja Brava: 7
  8. Lo Frágil de la Locura: 8
  9. Veneno: 9
  10. El Viento Que Todo Empuja: 7.5
  11. Hablando de la Libertad: 8.5

Con la edición de A Donde Me Lleva la Vida de 1993, La Renga había pasado de ser una banda que distribuía su producción por sus propios medios, a colmar en 1994 el Estadio Obras Sanitarias cuando el grupo fue telonero de Pedro El Ermitaño. Aquella fue sólo uno de los muchos conciertos que la banda liderada por Chizzo organizaba en distintos puntos de Buenos Aires y del conurbano provincial. Esa presentación en Obras, al año siguiente, fue lanzada como el primer disco en vivo del grupo; y a partir de allí todo cambió radicalmente. La popularidad fue en aumento y de a poco La Renga captaba más seguidores. Sin embargo, uno de los puntos de inflexión en la carrera de la banda se produjo en 1996 con el tercer disco de estudio: Despedazado Por Mil Partes.

El evidente desarrollo musical que la banda experimentó desde sus inicios se vio potenciado con la colaboración de Ricardo Mollo, líder de Divididos. La Renga encontró en este material, el tono perfecto que en los discos anteriores venía buscando. Buenos riffs combinados con adecuados arreglos y la voz del cantante en su apogeo, hacen de éste uno de los mejores discos del grupo. El primer tema, que da nombre al álbum, y “A la Carga Mi Rocanrol” despliegan ese vendaval de rock que La Renga mejor maneja. Incluso en temas de estilo totalmente diferente como “Psilocybe Mexicana” o esa aproximación al reggae con “El Viento Que Todo Empuja”, le dan un condimento especial al disco. Por otro lado, “El Final Es Donde Partí” es uno de los primeros clásicos, mientras que “Balada del Diablo y la Muerte” es, con ese aire pantanoso y lúgubre el tema por excelencia.”Veneno”, por su parte, también condensa mucha atención y se convirtió en otro tema muy popular.

El éxito de este disco le permitió a La Renga expandir sus horizontes rumbo a México y Estados Unidos al año siguiente y continuar llenando, como ya era costumbre, estadios repletos de fanáticos rengueros.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Van Halen – Women and Children First (1980)

Puntaje del Disco: 8.5

  1. And the Cradle Will Rock…: 8.5
  2. Everybody Wants Some!!: 9
  3. Fools: 8
  4. Romeo Delight: 8
  5. Tora! Tora!: 7
  6. Loss of Control: 8
  7. Take Your Whiskey Home: 8
  8. Could This Be Magic?: 9
  9. In a Simple Rhyme: 8

Con dos muy buenos discos y una reputación que iba en aumento en el mundo del rock, Van Halen continuó con una seguidilla ininterrumpida de producciones. A principios de la década del ochenta, la banda alternaba entre los recitales y las producciones, dando vida al nuevo proyecto que fue lanzado a comienzos de 1980.

Women and Children First, significó un paso importante en la maduración del grupo. Ese estado de fiesta constante y de jolgorio que exhibían los dos primeros discos había dado lugar a un material más aceitado en cuanto a las composiciones y a lo musical. Desde el comienzo con “And the Cradle Will Rock…” se puede apreciar un sonido más oscuro, que combina con buenas descargas de metal puro como en “Romeo Delight”. A diferencia de Van Halen I y II, los primeros temas no causan tanto impacto como el clásico “Runnin’ With the Devil” o la inigualable “Eruption”. Pero aún así, el disco se las ingenia para mantener las dosis necesarias de explosión que la banda nos tiene acostumbrados.

Lo que caracterizó a Women and Children First fue, no sólo que todas las composiciones fueron originales del grupo, sino que también implícitamente comenzaron a notarse las primeras diferencias entre los miembros del grupo. En “Everybody Wants Some!!”, por errores en la grabación o por temas personales, en los coros, la guitarra de Eddie tapa la voz de David Lee Roth. Aún así, eso no empaña la buena performance que tuvo este disco para la banda norteamericana, que viviría tiempo después, momentos de tensión.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Nick Drake – Bryter Layter (1970)

Puntaje del Disco: 10

  1. Introduction:
  2. Hazey Jane II: 9,5
  3. At the Chime of a City Clock: 10
  4. One of These Things First: 9
  5. Hazey Jane I: 9,5
  6. Bryter Layter: 8
  7. Fly: 8,5
  8. Poor Boy: 8,5
  9. Northern Sky: 10
  10. Sunday: 8

Luego de la escasa repercusión que significo el álbum Five Leaves Left para este gran músico, era de esperar la enorme desilusión de Nick Drake, y es que no es posible como un público tan poco dado a la elección de lo verdaderamente bueno con lo terriblemente malo haya dejado en el olvido tan enorme disco. Aquí debo resaltar que los tres únicos LP’s que Nick Drake concibió en vida son de una calidad indiscutible y merecen una revaloración por parte de verdaderos melómanos y re descubridores de joyas perdidas en la música.

Este segundo álbum posee una belleza única que es difícil compararlo con el anterior trabajo; los arreglos de cuerdas siguen presentes aunque con una mayor presencia, además el disco contiene dejos de jazz y algunos coqueteos pop radiales, más integrantes del grupo folk rock Fairport Convention seguían de regreso y ese enorme artista sinónimo de vanguardia llamado John Cale en varios instrumentos. Nick Drake se muestra un poco más optimista y con una sensibilidad a tope, pues las letras son menos arriesgadas y  más sinceras.

Sin lugar a dudas este enorme trabajo estaba pensado para entrar de lleno a la radio, y luego de un pequeño pero hermoso intro el cambio estilístico se nota desde un  principio con la maravillosa «Hazey Jane II», para seguir con la primer joya del LP (relativamente hablando pues no hay nada de relleno en el álbum) la increíble «At the Chime of a City Clock», brillante y con ese punteo de Nick como guía para toda la canción, todo es perfecto; desde una precisa sección rítmica, pasando por los arreglos orquestales y un delicioso saxo, estupenda.

La calidad se mantiene con la bonita melodía «One of These Things First», tan dulce y con un piano constante en la canción. «Hazey Jane I» es otro de los puntos altos con un excelente arpegio de la guitarra de Nick Drake y los instrumentos de cuerda que lejos de sonar grandilocuentes le dan ese toque cuasi épico al tema.

El segundo lado del vinilo original inicia con la homónima instrumental «Bryter Layter», seguida de la breve pero sutil «Fly» con un angelical clavecín y viola cortesía claro del ex velvet John Cale; «Poor Boy» por otra parte es otro elegante corte cuasi jazzero, con un ritmo bossa-nova y excelentes coros femeninos. Por ultimo Nick Drake nos entrega “Northern Sky”, posiblemente la más bella y dulce melodía que jamás haya escrito, aquí Nick le canta al amor y como una persona puede cambiar todo nuestro rumbo y hacernos volar, resulta curioso como un músico tan dado a las letras desoladas y de temática menos convencional escribiera un alegato al romanticismo. Tan corta, tan pop pero ojala las baladas actuales tuvieran esa sensibilidad a tope caray.

Sin duda el álbum más elaborado y accesible, pero no por eso menos trascendente de este malogrado y brillante artista, El disco solo vendió unas 15,000 copias en su momento y obtuvo reseñas mixtas, la fama estaba lejos para Nick Drake, quien se reprimía y se decepcionaba de la música; afortunadamente mucha gente revalorando y a 41 años de publicado se rige como uno de los álbumes mas perfectos y hermosos, urge darle una escucha sin prejuicios.

Mich

Tu puntuación
(Votos: 4 Promedio: 5)