10 Grandes Power Tríos

Cream

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The Jimi Hendrix Experience

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Nirvana

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The Police

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Grand Funk Railroad

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Rush

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The Jam

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Emerson, Lake & Palmer

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Green Day

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Placebo

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Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Aeroblus – Aeroblus (1977)

Puntaje del Disco: 9,5

  1. Vamos a buscar la luz: 9,5
  2. Completamente nervioso: 9
  3. Tema solísimo: 8,5
  4. Árboles difusores: 8,5
  5. Vendríamos a buscar: 10
  6. Aire en movimiento: 9
  7. Vine cruzando el mar: 8,5
  8. Nada estoy sabiendo: 9
  9. Sofisticuatro: 9,5
  10. Buen tiempo: 8,5

Tormenta de Rock!! Cuanto poder que tiene este disco!! Es una aplanadora, uno de los mejores proyectos y lamentablemente más esporádicos de Pappo. Aeroblus es una especie de transición entre lo que fue para el Carpo Pappo’s Blues y Riff. El trío se conformó, además del legendario guitarrista, por uno de los mejores bajistas del rock nacional, el ex Manal Alejandro Medina y el demoledor baterista brasilero Rolando Castello Junior.

Su unión dejaría como legado este espectacular disco que cualquier fan del hard rock va a disfrutar muchísimo. El álbum es una vorágine de rock pesado y veloz, con estos tres monstruos demostrando lo virtuosos que son en cada corte con sus riffs super pulentas y extraordinarios solos.

El disco es muy parejo y sólido en todo momento. Ningún corte tiene desperdicio, desde el aplastante inicio con “Vamos a buscar la luz” y “Completamente nervioso”, pasando por la intensa “Vendríamos a buscar” y la excelente instrumental “Sofisticuatro”. Aeroblus es una sobredosis de rock.

Desafortunadamente el proyecto no pudo continuar debido a la situación que atravesaba el país con la dictadura militar que determinó el retorno de Rolando Castello Junior a Brasil, más las constantes reuniones intermitentes del Carpo con Pappo’s Blues que frenaba los ensayos y conciertos de Aeroblus.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Black Rebel Motorcycle Club – B.R.M.C. (2001)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Love Burns: 9
  2. Red Eyes and Tears: 9
  3. Whatever Happened to My Rock’n’roll: 8,5
  4. Awake: 8,5
  5. White Palms: 7,5
  6. As Sure as the Sun: 7,5
  7. Rifles: 8
  8. Too Real: 8
  9. Spread Your Love: 9
  10. Head Up High: 8
  11. Salvation: 8

Pedazo de power trío si lo hay! Con una formación básica de guitarra, bajo y bateria BRMC es una de las bandas que más puede volar tu cabeza de la actualidad.

En sus inicios el trío (que tomó el nombre de una pandilla de la película de Marlon Brando “The Wild One”) estaba conformado por Peter Hayes, Robert Levon Been y Nick Jago.

Musicalmente en su álbum debut, BRMC incursiona en un garage rock con riff estridentes, que por momentos puede ser tornarse en un punk más rebelde y crujiente y en otros tramos un estilo más alternativo y espacial que toma influencias de la Velvet, los Mary Chain y My Bloody Valentine.

Al principio del disco esta lo mejorcio del disco, que arranca muy bien con “Love Burns” por su dinámica y su estribillo. “Red Eyes and Tears” también  es excelente por su riff poderoso y un aire especialmente oscuro y amenazador. Mientras que “Whatever Happened” es puro punk, y “Awake” demuestra lo versátiles que pueden ser sus atmósferas espaciales, desde voladoras hasta pesadas.

En la segunda parte del álbum decae un poco el nivel, porque los melodías no atrapan tanto y los temas parecen más extensos de lo que deberían ser. Aún así no dejan de ser muy buenas canciones. El que más sobresale entre ellos es “Spread Your Love” con su riff clásico. También están “Too Real” y “Head Up High” que vendrían a ser las baladas del disco.

Muy buen disco. Tiene mucha energía y potencia, ingredientes básicos que todo Power Trío debe tener.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Soda Stereo – Cancion Animal (1990)

Puntaje del Disco: 10

  1. (En) El Séptimo Día9
  2. Un Millón de Años Luz10
  3. Canción Animal9
  4. 19908
  5. Sueles Dejarme Solo8
  6. De Música Ligera10
  7. Hombre al Agua8
  8. Entre Caníbales8.5
  9. Té Para Tres9
  10. Cae el Sol8

Sólo cinco años habían pasado desde el disco debut de Soda Stereo y Doble Vida, el cuarto material del grupo; y el trio argentino escaló de manera ininterrumpida peldaños en la escena musical, tanto a nivel nacional como a nivel latinoamericano. Las monumentales giras daban cuenta de la Sodamanía y la cantidad de discos vendidos crecía rápidamente.

Luego de los exitosos Signos y Doble Vida, en 1990 Soda editó el quinto disco de estudio: Canción Animal. Considerado como uno de los más grandes álbumes en la historia del rock latino, esta nueva producción mostró la maduración total de la banda y marcó el punto más alto de su carrera.

Con un estilo más rockero o alternativo, Canción Animal explora una faceta diferente a la que Soda venía desarrollando. El New Wave y el Post Punk son dejados de lado, dando lugar a un rock crudo y llano. Plagado de temas que luego se convertirían en clásicos  como “(En) el séptimo día”, “Un Millón de años Luz” y “Sueles dejarme solo”, Canción Animal cuenta también con la hiper conocida “De Música Ligera”, un verdadero himno de Soda.

Piro


Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Nirvana – Incesticide (1992)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Dive: 9
  2. Sliver: 8,5
  3. Stain: 8,5
  4. Been a Son: 8,5
  5. Turnaround: 7,5
  6. Molly’s Lips: 7
  7. Son of a Gun: 7,5
  8. (New Wave) Polly: 8
  9. Beeswax: 8
  10. Downer: 7,5
  11. Mexican Seafood: 7,5
  12. Hairspray Queen: 8,5
  13. Aero Zeppelin: 7
  14. Big Long Now: 8,5
  15. Aneurysm: 10

Incesticide (1992) es un disco de colección que cualquier verdadero fanático de Nirvana sabría apreciar. La idea de este material surgió cuando Nirvana y su disquera DGC decidieron editar un disco de rarezas, lados B y otras yerbas para finales de 1992.

La idea de Kurt era que los fanáticos dejaran de comprar las cintas piratas de Nirvana grabadas en mala calidad que abundaban en ese entonces en pleno auge del grunge.

Incesticide tiene de todo, no es un disco tan uniforme como Nevermind (claro está), pero encierra el encanto y la esencia que el trío de Seattle trasmitía como ningún otro material. Aunque hay temas poco logrados, particularmente en la segunda parte, el disco cuenta con verdaderos temazos quedaran en la historia de la banda como “Dive”, “Sliver”, “Stain”, “Been a Son” y uno de sus mejores o quizás su mejor tema para mi gusto personal la desgarradora “Aneurysm”.

Un momento exclusivo para fanáticos como las presentaciones en la BBC en programas como el de John Peel y Mark Goodier deambulan por la mitad del disco con covers de Devo y The Vaselines como “Turnaround”, “Molly’s Lips”, “Son of a Gun” y una versión acelerada de “Polly”.

Aparte de dejarnos grandes temas como los anteriormente mencionados, Incesticide permite acercarnos a un Nirvana autentico, así es como el trío de Seattle sonaba realmente y siempre será una buena noticia contar con un material adicional, mas haya de su discográfica oficial, para deleitarnos con el talento de un genio que tuvo un paso tan efímero por el mundo del rock.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4.5)

Muse – Origin of Symmetry (2001)

Puntaje del Disco: 8.5

  1. New Born: 8.5
  2. Bliss: 8
  3. Space Dementia: 8
  4. Hyper Music: 9
  5. Plug in Baby: 8.5
  6. Citizen Erased: 7.5
  7. Micro Cuts: 8
  8. Screenager: 8
  9. Darkshines: 8
  10. Feeling Good: 8.5
  11. Megalomania: 8

La aceptación que recibió Showbiz, el álbum debut de, significó un importante avance en la carrera de Muse. Luego de varios años de estar tocando juntos y con algunos demos lanzados, finalmente el golpe de timón se produjo en 1999 con el lanzamiento del mencionado disco. La combinación entre la electrónica y la psicodelia fue rápidamente bien recibida por la crítica.

El impulso que generó la calidad del primer material motivó al grupo conducido por Matthew Bellamy a editar en 2001 su segundo disco. Origin of Symmetry (inspirado en el libro Hyperspace del físico Michio Kaku), fue grabado en diferentes estudios de Inglaterra; desde Wiltshire, pasando por los Studios Astoria de David Gilmore hasta Abbey Road en Londres. Sería la inspiración de grabar en lugares emblemáticos para la música británica o simplemente un ataque de creatividad, lo cierto es que Origin of Symmetry logró englobar lo mejor de Muse para dar como resultado uno de los mejores discos en su trayectoria.

Sentado sobre la base del bajo como principal línea musical, las guitarras presentan una función de acompañamiento, más que protagonistas. Muse explora distintas técnicas musicales como el “broken cord” en “New Born” y “Bliss”, dos buenos temas que abren el disco. “Space Dementia” inicia con unas notas de piano a las que luego se suman los demás instrumentos, mientras que “Hyper Music” y “Plug in Baby” se destacan, promediando el álbum. Los falsetes vocales de Bellamy en “Micro Cuts” constituyen otro importante momento de este notorio disco, de una banda que busca alzarse como una de las más notorias del último tiempo

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Divididos – Narigón del Siglo (2000)

Puntaje del Disco: 9

  1. Casi Estatua: 9
  2. Par Mil: 8
  3. Tanto Anteojo: 7,5
  4. ¿Qué Pasa Conmigo?: 8
  5. Spaghetti del Rock: 9,5
  6. Elefantes de Europa: 9
  7. Vida de Topo: 9,5
  8. La Ñapi de Mamá: 8,5
  9. Como un Cuento: 9
  10. Sopa de Tortuga: 8
  11. Pasiones Zurdas Derechas: 8,5
  12. La Gente se Divierte: 7,5
  13. La Firma del Opa: 7,5

En un festival de power tríos no podía faltar el trío más emblemático en el rock nacional en la actualidad: Divididos. Uno de sus discos con mayor repercusión y mejor logrado en los últimos años fue su octava placa, Narigón del siglo (2000). Grabado en los míticos estudios Abbey Road Narigón marcaría una etapa de maduración para la banda con varios de sus temas que se convertirían en himnos para el grupo.

En cuanto al nombre del trabajo, Ricardo Mollo dijo lo siguiente: «Le pusimos Narigón del Siglo porque los que marcaron los 80 y los 90 fueron los narigones, o sea, los mentirosos y los que toman cocaína. Lo de narigón es nuestro símbolo para hablar del vicio y la hipocresía de estos últimos años.»

“Casi Estatua” con una introducción bien hindú y una potencia demoledora abre el disco con mucha energía y sirve de aviso para lo que esta por venir, bajando unos cuantos cambios le sigue la acústica “Par Mil” uno de los cortes de difusión que mas sonó en las radios en ese entonces, a continuación “Tanto Anteojo” dirigido según Mollo a “los tipos que hacen alarde de un conocimiento que debería ser tu patrimonio para ser mejor en la vida; para mí el conocimiento tiene que ver con ser más humilde, no con alardear” y “¿Qué Pasa Conmigo?” que se destaca mas que nada por su solo Hendrixiano.

Hasta aquí el disco prometía pero lo mejor empezaría ahora con “Spaghetti del Rock” una canción de amor dedicada a su ex Erica García y un verdadero clásico de Divididos y hasta del rock nacional, “Elefantes de Europa” es un contraste necesario con la balada anterior un tema bien potente donde esa parece ser la metáfora elegida para sacarse a sí mismos una instantánea londinense, luego nos encontramos “Vida de Topo”, mi favorita del álbum, que según Mollo habla de “Habla de ese universo que uno tiene dentro tuyo. El interior es una línea de subte que te puede llevar desde el Paraíso hasta la estación Catedral. Salís a la calle y sos un anónimo más que anda por ahí con su mundo interior. Si cada ser humano se detuviera a mirar al otro y reconociera que dentro de ese otro hay un mundo igual al suyo, cambiarían algunas cosas”.

Pasada la mejor secuencia del álbum aparece “La Ñapi de Mamá” que continúa con un rock monolítico más un agregado de violines que encaja justo, seguido por otro buen momento “Como un Cuento” un medio reggae, con contrabajo con la recordada frase: “un chalchalero no es un rolling stone”, entre los temas restantes nos encontramos con el funk en “Sopa de Tortuga”, otro rock fuerte como “Pasiones Zurdas Derechas” y para cerrar un par de temas de relleno como “La Gente se Divierte” y “La Firma del Opa” para terminar a puro rasguido de charango.

Narigón del Siglo recibió buenas críticas en su totalidad y paso a convertirse en uno de los mejores discos de la carrera de “La aplanadora del rock” y de todo el rock nacional de la década pasada.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Color Humano – Color Humano 2 (1973)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Sangre del sol: 8,5
  2. La tierra del gitano: 9
  3. Pascual tal cual: 8,5
  4. Humanoides: 9
  5. Va a salir un lugar: 7,5
  6. Un blues para Adelina: 8,5

Para su segundo disco de estudio Color Humano sufriría cambios en su formación. David Lebon sería reemplazado por Oscar Moro en bateria constituyendo un nuevo Power Trío que le daba más poder a la banda respecto a su disco debut.

En un principio Color Humano 2 había sido pensado para que fuese un disco doble, sin embargo se terminó editando en discos separados.

En esta primera parte en particular, el sonido es compacto y aplastante. Es blues rock de calidad, con ciertas incursiones progresivas, donde Color Humano rockea!!

El álbum es diverso. Hay muy buenos riffs en canciones como “Sangre del sol” y “Pascual tal cual”. “La tierra del gitano” explota en sus diversos pasajes, al igual que “Humanoides” que resulta atrapante por su aire siniestro.

El único corte que no me convence tanto es “Va a salir un lugar”, una extensa improvisación instrumental que no llega a impactar, pero que no deja de ser un buen tema.

Y por último está “Un blues para Adelina”, un blues con todas las letras, con Edelmiro extasiándose con su solo de guitarra, que cierra este muy buen disco con categoría.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Cream – Fresh Cream (1966)

Puntaje del Disco: 8

  1. I Feel Free: 9
  2. N. S. U.: 9
  3. Sleepy Time Time: 8,5
  4. Dreaming: 8
  5. Sweet Wine: 8,5
  6. Spoonful: 9
  7. Cat’s Squirrel: 7,5
  8. Four Until Late: 6
  9. Rollin’ And Tumblin’: 5
  10. I’m So Glad: 5
  11. Toad: 6

Crema Fresca!! Sí, señor. El álbum debut de uno de los primeros y más poderosos Power Trios de la historia del Rock. A pesar de ser un trío, la calidad de los tres personajes que lo componen (nada menos que Eric Clapton, Ginger Baker y Jack Bruce) lo llevaron a ser una superbanda y una de las pioneras en materia de hard blues combinado con psicodelia.

En Fresh Cream nos anticipan lo aplastante que podía ser su sonido, previo a su gran disco Disraeli Gears.

Lo mejor se encuentra al principio de este trabajo con “I Feel Free” y “N. S. U.”, los clásicos más nítidos de este trabajo, por sus melodías que son más bien pop pero rockean. En “Sleepy Time Time” ya empiezan a sacar más el blues de sus venas. Y en “Dreaming” y “Sweet Wine” el trío vibra con energía en sus combinaciones instrumentales. Al igual que en otro de sus grandes clásicos, “Spoonful”, donde hay que resaltar la interpretación vocal de Jack Bruce (es para el aplauso, parece un cantante soul).

Sin embargo, el disco no es tan perfecto, mejor dicho, es imperfecto. Al final de Fresh Cream aparecen varios cortes que son bastante monótonos como el prescindible cover de “Four Until Late”, la bochinchera versión de “Rollin’ And Tumblin’” y la (estupidamente) repetitiva “I’m So Glad”. Además de “Toad”, que es un solo de bateria, lo cual quiere decir que solo es disfrutable por bateristas (especialmente los fans de Ginger Baker), para el resto de los oyentes puede ser bastante aburrido.

Una lastima como decae el disco sobre el final. Igualmente Fresh Cream no tiene desperdicio. Hay mucho para disfrutar en este primer disco de Cream.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

A.N.I.M.A.L. – Fin de un Mundo Enfermo (1994)

Puntaje del Disco: 7.5

  1. Sólo por ser indios: 8
  2. Más cabezas para tu pared: 7
  3. Fin de un mundo enfermo: 7.5
  4. Esperando el final: 7
  5. Hijos del sol: 7.5
  6. ¡Hambre!: 8
  7. Sobrevivencia: 7.5
  8. Mi barrio: 7
  9. Vacíos de fe: 7
  10. El balz: 7
  11. Muriendo en su interior: 7.5

El año siguiente al lanzamiento del disco debut, A.N.I.M.A.L. editó Fin de un Mundo Enfermo, su segundo material de estudio. La banda, que era liderada por Andrés Giménez, tenía a Marelo Corvalán en bajo y se completaba con Martín Carrizo en batería.

El trío buscaba una vez más reivindicar los derechos de los pueblos originarios argentinos y expresar a través del heavy metal el descontento por el maltrato que éstos recibían. “Sólo por ser indios”, que abre al álbum, arranca con una poderosa explosión de guitarra, típicas del género. Las letras acompañan con un sentido apocalíptico que por momentos desespera. Sin embargo, en líneas generales este segundo material no se aparta demasiado de lo que fue el primero, ya que mantiene el poderío y los fuertes riffs.

Fin de un mundo Enfermo, se podría decir que es una continuación de su predecesor, aunque con una leve mejoría.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)