Bad Company – Run With The Pack (1976)

MI0000717813Puntaje del Disco: 7

  1. Live for the Music: 7
  2. Simple Man: 8
  3. Honey Child: 7
  4. Love Me Somebody: 6
  5. Run with the Pack: 7
  6. Silver, Blue & Gold: 7
  7. Young Blood: 7.5
  8. Do Right by Your Woman: 7
  9. Sweet Lil’ Sister: 7
  10. Fade Away: 7

Con Straight Shooter de 1975, Bad Company había utilizado la fórmula que tanto éxito le había dado desde el primer disco. Sin embargo, para el lanzamiento al año siguiente de su tercer material de estudio, Run With the Pack, las dosis habían dejado de tener el mismo efecto.

Grabado en Francia durante 1975, el disco alcanzó una increíble cantidad de ventas en los Estados Unidos, donde logró el Platinuim, aunque la calidad interpretativa no mejoró respecto a los trabajos anteriores. La falta de temas emblema quizás haya sido una de las principales razones.

Aun así, el disco mantiene la esencia del grupo, con buenas melodías como en “Simple Man”, “Honey Child” y “Run With the Pack”. Destacada es la versión de “Young Blood”, el tema de The Coaster, que le da un poco más de distinción a este álbum del cual los fanáticos seguramente esperaban más.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Nick Drake – Pink Moon (1972)

Nick Drake - Pink Moon (1972)

Puntaje del Disco: 9,5

  1. Pink Moon: 10
  2. Place To Be: 9,5
  3. Road: 9
  4. Which Will: 8,5
  5. Horn: –
  6. Things Behind the Sun: 9
  7. Know: 7
  8. Parasite: 8,5
  9. Free Ride: 8,5
  10. Harvest Breed: 8
  11. From the Morning: 8,5

El disco final del talentoso artista folk Nick Drake llegó en 1972, en una temporada en que el joven se encontraba pasando por un duro periodo de depresión grave y con la gran decepción tras no lograr un buen reconocimiento ni ventas en su obra Bryter Layter. Nick vivía recluido en casa de sus padres, fumando droga y dirigiéndose sin rumbo; sin embargo a pesar de todo, tuvo un momento de inspiración que dio a luz en forma de Pink Moon.

Pink Moon es el disco en el que Drake se desnuda completamente y deja salir su sufrimiento emocional en forma de música. El resultado es su disco más minimalista, crudo y sombrío entre sus tres breves pero magníficos trabajos; acompañado únicamente con su fiel guitarra acústica (y el apoyo ocasional del teclado), Nick expresa la soledad y la intimidad de forma magistral en forma de 11 canciones que en total le pegan a penas a los 28 minutos. Un disco muy directo y honesto sin duda.

El trabajo abre con la canción más conocida y “comercializada” de Drake (hecha famosa por un anuncio de Volkswagen) la pieza que resultó la presentación de Nick para muchos, una joya; la homónima “Pink Moon” que marca el compás de lo que se viene en todo el disco, temas sencillos, resonantes y cortos pero con profundidad lírica y una sensación de paz (solo déjense llevar por ese interludio de teclado, exquisito). Igualmente “Place to Be” es un tema destacado y tremendamente personal “Yo era verde, mas verde que la colina, donde las flores crecen y el sol brilla aun. Ahora soy más oscuro que el mar más profundo, solo dame un lugar a donde estar” canta Drake en referencia a su estado depresivo, buscando quizás una salida ¿o acaso rindiéndose a su destino? Efectivamente una fortaleza de las canciones de Drake es que se dan a muchas interpretaciones.

Si bien los dos primeros temas son lo más resaltante en el disco, la calidad sigue es excelente en las demás canciones. En “Road” Drake se luce con su guitarra inventándose un maravilloso arpeggio. “Which Will” es poesía pura, compuesta de preguntas sobre que decisiones tomar, sobre cuáles son los motivos detrás del interlocutor. La primera mitad del disco termina con el breve instrumental “Horn”, la representación máxima del minimalismo del álbum.

De la segunda parte me encanta “Things Behind the Sun”, de un melodioso y limpio arreglo instrumental y una letra muy profunda, muy bien elaborada. “Parasite” es una canción de lo mas melancólica, depresiva y solitaria, donde el acongojado Nick llega al punto de compararse a un parasito. De “Free Ride” me quedo con la guitarra que marcha perfectamente a la par de la sincera voz de Nick. “Harvest Breed” es un pequeño poema y el disco cierra con un tema que se diferencia del resto por ser  y más positivo “From the Morning” se siente pacifico y esperanzador, transportando a uno a los mejores tiempos de una mañana feliz. Un digno final para un introspectivo disco.

Lamentable Drake murió por una sobredosis accidental de antidepresivos en 1974, en su tiempo nunca fue reconocido su talento lo cual es una lastima, sin duda que el día de hoy de haber seguido vivo Drake sonreiría ante el reconocimiento póstumo que se ha ganado con el paso de los años; Nick Drake en definitiva es una verdadera leyenda en el folk que sigue y seguirá cosechando fans con sus únicas y bellas canciones.

Gera Ramos

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 5)

Coldplay – Mylo Xyloto (2011)

Coldplay – Mylo Xyloto (2011)

Puntaje del Disco: 5,5

  1. Mylo Xyloto: –
  2. Hurts Like Heaven: 6
  3. Paradise: 7
  4. Charlie Brown:6
  5. Us Against the World: 5,5
  6. M.M.I.X.:
  7. Every Teardrop Is a Waterfall: 6,5
  8. Major Minus: 5,5
  9. U.F.O.: 6
  10. Princess of China: 5
  11. Up in Flames: 5
  12. A Hopeful Transmission: –
  13. Don’t Let It Break Your Heart: 6
  14. Up with the Birds: 5,5

Nunca fui un gran seguidor de Coldplay. Pero siempre respete bastante sus primeros trabajos discográficos. Lamentablemente no puedo decir lo mismo del quinto: Mylo Xyloto.

Si bien para Coldplay abandonar ese sonido tristón y desahuciado parecía difícil, con Viva la Vida se marcó un especie de quiebre hacia lo que vendría de la banda. Desafortunadamente no es muy positivo. A estos tipos se les subió el optimismo a la cabeza, pero no de la mejor manera. Tomando la referencia del hit de su anterior disco “Viva la Vida” y “Lovers In Japan” hicieron con Mylo Xyloto un álbum íntegramente cargado de un sonido esperanzador en canciones de amor, pero sin darse cuenta que suenan un poco huecos, inmaduros, aburridos y hasta idiotas. Acercándose en cierta forma a lo que The Killers es hoy en día: una banda de minas sobrevalorada.

En Mylo Xyloto hay varios singles promocionales. Primero tenemos a “Paradise” que es lo más cercano al hit marca registrada de Coldplay, donde el estribillo pega un poco y la orquestación y arreglos acompañando no están nada mal, y aún así me resulta bastante inferior a cualquiera de sus clásicos. “Every Teardrop Is a Waterfall” es el otro gran hit, que tiene esa mística colorida y molesta de este nuevo Coldplay. Y por último el más pecaminoso de todos: “Princess of China”, que no me gusta porque es una clara movida comercial en la que incluyeron a Rihanna. El tema es audible, pero es la canción menos Coldplay que escuché de ellos. No suena ni a su nuevo estilo ni al anterior. Es como si fuera una canción compuesta por otro grupo totalmente distinto y que no conocemos.

Lo que queda del disco son principalmente baladas melancólicas y aburridas como “Us Against the World” y “Up in Flames”. Y algún tema colgado como  “Major Minus” por ser de lo más oscuro que ofrecen. Pero no esperen mucho más de Coldplay.

Al fin de cuentas el estilo lento y letárgico con el que nacieron termina siendo mucho mejor que esta nueva incursión.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 3 Promedio: 4)

Eminem – Encore (2004)

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Puntaje del Disco: 6,5

  1. Curtains Up:
  2. Evil Deeds: 7
  3. Never Enough: 6
  4. Yellow Brick Road: 7
  5. Like Toy Soldiers: 8,5
  6. Mosh: 8,5
  7. Puke: 5
  8. My 1st Single: 6,5
  9. Paul:
  10. Rain Man: 7,5
  11. Big Weenie: 7
  12. Em Calls Paul:
  13. Just Lose It: 6
  14. Ass Like That: 4
  15. Spend Some Time: 6
  16. Mockingbird: 6,5
  17. Crazy in Love: 5
  18. One Shot 2 Shot: 6,5
  19. Final Thought:
  20. Encore / Curtains Down: 7

Luego de protagonizar su primer film, el autobiográfico 8 Mile (2002), Eminem se tomaría un descanso. Aunque a decir verdad por ese entonces parecía imposible, ya que había alcanzado un nivel de celebridad tan grande que noticias sobre el no paraban.

Por aquel entonces Marshall Mathers se mantuvo ocupado produciendo para otros artistas de rap como sus protegidos el grupo D12, Obie Trice y 50 Cent, todos éxitos y el último de ellos más aún sería la reveleación del hip hop en el año 2003.

Recién para finales de 2004 Eminem lanzaría su quinto álbum de estudio Encore. Un éxito rotundo en ventas, en especial en Estados Unidos, demostrando que la estrella del rapero blanco no se había apagado y todavía lograba captar la atención de las masas como pocos artistas de su generación lo hacían, pero a pesar de esto es uno de sus discos más criticables de su carrera. Tanto la lírica como las composiciones en si bajaron notablemente su nivel y prueba de ello son lo pobre que resultaron los singles elegidos como “Just Lose It” y “Ass Like That”, que intentan ser gracioso como en otras ocasiones lo supo ser pero que son realmente olvidables y hasta desagradables, una verdadera decepción para los que lo creíamos un poco más inteligente.

Entre lo más rescatable encontramos el otro single de Encore, que le hace mejor honor a sus anteriores hits, “Like Toy Soldiers” y “Mosh”, esta última es una crítica al por entonces presidente de su país George W. Bush, en una campaña expresa en su video contra la reelección del presidente republicano. . Cuando Bush ganó las elecciones, se editó un segundo video de «Mosh», donde Eminem y su gente atacan la Casa Blanca. Como siempre contó con el apoyo de otros artistas que enriquecieron algunos de los temas o algunos pasajes aunque sea de los mismos como 50 Cent, Nate Dogg, Obie Trice, Dr.Dre y D12.

Mucho se especuló sobre si Encore significaría su última producción y los rumores comenzaron a circular como moneda corriente por aquellos años. Algunos especulaban que la portada donde Eminem aparece despidiéndose del público y cerrándose un telón sería una señal. Durante el 2005 se especuló sobre el retiro del rapero pero esto sería constantemente desmentido y se editaría en ese año su primer grandes exitos, Curtain Call: The Hits. Las especulaciones terminaron cuando el propio Eminem declararía que se tomaría un descanso prolongado pero que no estaba en sus planes retirarse.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 3.5)

R.E.M. – Automatic for the People (1992)

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Puntaje del Disco: 9,5

  1. Drive: 9
  2. Try Not to Breathe: 9
  3. The Sidewinder Sleeps Tonite: 9
  4. Everybody Hurts: 10
  5. New Orleans Instrumental No1: 7,5
  6. Sweetness Fallows: 8
  7. Monty Got a Raw Deal: 8
  8. Ignoreland: 7,5
  9. Star Me Kitten: 8
  10. Man On The Moon: 10
  11. Nightswimming: 9,5
  12. Find The River: 8,5

Es el principio de los 90, el grunge era el fenómeno de masas que imperaba en escena mundial, grupos como Nirvana  y Pearl Jam gozaban de un éxito arrollador, con temáticas de sus canciones basadas en el nihilismo y el dolor  de una generación de jóvenes que se  sentían totalmente  desarraigada de su realidad y entorno, no  solo en los Estados Unidos sino en gran parte del mundo. En este contexto, R.E.M. uno de los grupos  de  Rock Alternativo más regulares de los 80, eran objeto de admiración por los lideres de este nuevo movimiento imperante, especialmente de Nirvana. Que veían en ellos un ejemplo de integridad más allá de tener éxito comercial  o no. Es por eso  que con el lanzamiento del single “Losing my Religion” del  álbum Out Of Time de 1991, la banda liderada por Michael Stipe saltó a la fama, cosechando múltiples premios por dicha canción y  video promocional, convirtiendo  a R.E.M. en uno de los grupos más conocidos y requeridos por la industria y los fans. Lo que al igual que sus compañeros  de Seattle los estaba  atosigando por las exigencias de ser ricos y famosos. Con la situación ya dada, tienes dos opciones: seguir lo que te demandan tus jefes; o hacer lo que realmente sientes. En este caso fue la segunda.

El disco comienza con toda una declaración de intenciones, como es “Drive” a base de un sonido lento y sombrío al ritmo del arpegio repetitivo e hipnótico de la guitarra acústica  de Peter Buck, la canción  deambulo por la confusión (por su letra) y oscuridad. Gran comienzo. Luego vendrán dos canciones con sonidos un poco más optimistas, uno es  “Try Not To Breath” que recuerda más a los R.E.M. del disco anterior, solo en el sonido porque la letra trata sobre un tipo que está a punto de suicidarse con frases como: “Voy a tratar de no respirar. Esta decisión es mía. Viví una vida entera. Y estos son los ojos que quiero que recuerdes”. El optimismo fue una errónea impresión de la canción. La siguiente es la pegajosa “The Sidewinter Sleeps Tonite” que vendría a ser el único sol en este día nublado. “Everybody Hurts” puede ser probablemente una de las mejores creaciones de R.E.M de su carrera, desde su simple pero a la vez perfecta letra, que nos habla de superar los momentos difíciles de la vida y del daño que recibimos y realizamos a otros. Cualquier persona se puede identificar con esto, y con un estribillo tan bueno que piensas que ya lo has oído antes. Excepcional.

El álbum mantiene el tono sombrío a lo largo de toda la placa, exceptuando únicamente la canción “Ignoreland” que es la única que siento que no encaja en el concepto general del disco. Para el final queda un trió  de temas que se convirtieron en clásicos de la banda, como “Man On The Moon”, inspirada en el comediante Andy Kaufman, con una hermosa melodía que recuerda a Elvis Presley, con arropan tés y lindas guitarras que hacen el tema uno de los mejores de la placa. Luego viene “Nightswimming”  un canción basada en un simple melodía de piano con bellos arreglos de cuerdas, que relata un viaje a la infancia y raíces del grupo.  Para finalizar otra bella y nostálgica  canción llamada “Find The River”.

Automatic For The People  es la cúspide en la carrera de R.E.M. Es la mayor colección de clásicos de la banda, mostrando una banda madura que no necesitaban adaptarse a la moda actual, sino que recorrían su propio camino. Algunos pueden tildar que es monótono, que solo toca el tema de la tristeza. Eso no es verdad. También habla de desolación, dolor, depresión, sufrimiento  y cosas peores.

Diego

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Paul McCartney – McCartney (1970)

mccartney

Puntaje del Disco: 8

  1. The Lovely Linda:
  2. That Would Be Something: 8
  3. Valentine Day: 7
  4. Every Night: 8,5
  5. Hot As Sun/Glasses: 8
  6. Junk: 9
  7. Man We Was Lonely: 7,5
  8. Oo You: 8
  9. Momma Miss America: 8
  10. Teddy Boy: 8,5
  11. Singalong Junk: 8,5
  12. Maybe I’m Amazed: 9,5
  13. Kreen-Akrore: 7

Después de anunciar la separación de The Beatles, Paul McCartney publicó una semana despues su primer álbum solista, titulado simplemente “McCartney”.

Es un álbum hecho enteramente por Paul, desde la producción, voces y ejecución de cada instrumento presente en la grabación, acompañado por Linda en algunas canciones.

No es demasiado variado en cuanto a su sonido, pero la canción que resalta por sonar diferente a las otras es “Maybe I’m Amazed” una balada con el sello de McCartney, siendo este su primer hit, no fue lanzado como single en su tiempo pero es una de las canciones mas conocidas de su discografía.

Cuando digo que no es tan variado en cuanto a su sonido me refiero a que la mayoría de las canciones son acústicas, bastante simples y de corta duración, y la canción acustica que se destaca es “Junk” que había escrito previamente en 1968, en época del “Album Blanco”, pero no fue incluida en el mismo. Terminó en este disco, y es una versión bastante buena, con un sonido intimista y bastante agradable.

Otras canciones buenas son “Teddy Boy” y “Every Night”, la primera grabada durante las sesiones de “Let It Be”, pero finalmente descartada y regrabada para este disco y la otra es un agradable numero acustico, que resulta bastante pegadizo. También contamos con la versión instrumental de “Junk” titulada “Singalong Junk”, que dura más que la versión original y tiene algunos instrumentos más, podría parecer innecesario tener el mismo tema dos veces en el mismo álbum, pero es una versión bastante buena.

Contamos también con la corta “The Lovely Linda” y la instrumental “Kreen-Akrore”, canciones que, a decir verdad, no habrían afectado la calidad del álbum si no hubieran sido incluidas, bastante innecesarias sin ir más lejos.

Para terminar, resulta un trabajo agradable a los oídos este debut de Paul McCartney en solitario, pero habría cosas mucho más importantes al año siguiente, que resultó muy importante con el lanzamiento de su primer gran disco, Ram y la formación de Wings.

Tommy

Tu puntuación
(Votos: 3 Promedio: 3.7)

Juana Molina – Son (2006)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Río Seco: 8,5
  2. Yo No: 8
  3. La Verdad: 8
  4. Un Beso Llega: 8
  5. No Seas Antipática: 7,5
  6. Micael: 9
  7. Son: 8,5
  8. Las Culpas: 7,5
  9. Malherido: 8
  10. Desordenado: 8
  11. Elena: 8,5
  12. Hay Que Ver Si Voy: 8,5

Ya siendo una estrella dentro de la escena global alternativa, que elogió de sobremanera sus anteriores trabajos, la argentina Juana Molina edita su cuarto disco solista en 2006: Son. En la portada se puede ver una foto de ella convertida en una muñeca con un efecto de mitad fotografía y texturas acompañada en fondo con dos nenas a caballo sobre telas y texturas. Figuran dos niñas en la portada ya que el álbum fue integramente dedicado a su hermana Inés Molinda.
En Son seguimos encontrando una Juana introspectiva y experimental pero con un sonido más maduro y un retorno al formato de canción melódica folk y pop. Sonando por momentos convencional y directa, aunque también nos encontramos con pasajes atmosféricos y electrónicos. Es un disco donde encontramos varias caras de lo que Molina nos puede ofrecer.

Sobre como intentan etiquetar y describir su música Juana declaraba lo siguiente en una entrevista en su país natal: “Es gratificante el reconocimiento, pero no entiendo mucho lo que quieren decir con blop, blitch… Al principio buscaba en el diccionario, después elegí entender la idea general de la crítica y a veces ni las leo. Sí es verdad que las francesas son mejores críticas, quizás porque ellos tienen una educación en literatura mucho más amplia y por eso describen mejor y no necesitan comparar. Porque la comparación aleja y al que lo acerca lo puede decepcionar. No se puede comparar la música con la de otras personas, a menos que estés en un estilo definido: folclore con guitarras y bombo.” Y agregaba: “Cuando recién empecé era muy notable que no sabían dónde ponerme. En las disquerías estaba en rock, en avant-garde, en electrónica, en folk, en montones de rubros porque todos reconocían algo de varias otras cosas.”

El cantar en español no fue una barrera para que Juana pudiera ser reconocida en tantos lugares del mundo y curiosamente su música fue más valorada en paises europeos que en latinoamérica. Sobre esto diría: “No puedo cantar en inglés. Perdería autenticidad en el acto mismo de hacerlo. Tengo una canción en inglés, pero es un chiste porque la letra está llena de errores gramaticales. Vivía en Estados Unidos cuando la hice, entonces tiene un sentido. Podía cantarla allá pero me imagino cantando en inglés y de golpe tengo que tocar en Buenos Aires, ¿de qué me disfrazo? ¡No puedo! quizás tengo que sacarme ese prejuicio.”

F.V.

 

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Mother Love Bone – Apple (1990)

Mother Love Bone - Apple (1990)

Puntaje del Disco: 9

  1. This Is Shangrila: 8
  2. Stardog Champion: 9,5
  3. Holy Roller: 9
  4. Bone China: 8
  5. Come Bite the Apple: 8,5
  6. Stargazer: 9
  7. Heartshine: 8
  8. Captain Hi-Top: 8
  9. Man of Golden Words: 8,5
  10. Capricorn Sister: 9
  11. Gentle Groove: 8,5
  12. Mr. Danny Boy: 7,5
  13. Crown of Thorns: 9

Antes de Pearl Jam existió Mother Love Bone. Los futuros miembros fundacionales de Pearl Jam el guitarrista Stone Gossard y el bajista Jeff Ament fundaron a finales de los ochenta un grupo que prometía mucho pero tragicamente duraría poco por la temprana muerte de su carismático y extravagante cantante Andrew Wood.

En un punto medio entre el glam de los ochenta y la explosión alternativa de los noventa Mother Love Bone tenía de todo para triunfar. Cosas de glam, grunge, hard rock y heavy metal se pueden escuchar en su primer y único LP, Apple (1990), un sólido debut con intensos y melódicos temas pesados como “Stardog Champion”, “Capricorn Sister” y “Holy Roller”, que junto a las baladas “Man of Golden Words” y “Crown of Thorns” forman parte de los momentos más inspirados de la novata banda de Seattle.

Parrafo aparte merece Andy Wood. Un frontman completamente distinto al prototipo de las bandas grunge. Su apariencia y voz se asemajaban más a otro tipo de líderes de banda como Freddie Mercury y Marc Bolan. Andy estaba predestinado a ser una estrella del rock, lo fue por poco tiempo pero sus adicciones a la heroína pudieron más. El 16 de Marzo de 1990 fue encontrado inconciente en su cama y a pesar de los esfuerzos de recomponerlo fue declarado muerto tres días después. Curiosamente no pudo ver las repercusiones del disco debut de su banda que se editaría unos meses después.

Mother Love Bone tenía gran potencial y tristemente nunca sabremos lo que hubiera ocurrido con ellos. El resto es historia Gossard y Ament formaron parte de una de las bandas más importantes de los noventa y una de las más importantes de la actualidad como Pearl Jam.

F.V.

 

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