Faith No More y su obstinada ausencia de fe

Faith No More Argentina 2015

«¿Cuántas veces vinimos acá, wey? ¿Cuatro? ¡Más bien cuarenta!». En un perfecto español chicano, Mike Patton inauguró el regreso de Faith No More a la Argentina con un show electrizante el 20 de septiembre en el Luna Park.

En un escenario vestido de blanco y ornamentado con vistosas plantas y flores, el grupo -también de blanco- compuesto por «Juancito» Hudson, «ese puto del bajo» Gould, «viejo pervertido» Bordin, Bottum y «Piñón Fijo» Patton, según la presentación de este último, dio un espectáculo intenso y fiel al lugar que supieron ganarse en la historia del metal, el rock, el funk… y de las baladas.

Abrieron sin vaselina con una novedad: “Motherfucker”, al que le siguió el poguero “Be Aggressive” que despertó a los vivaces fanáticos. Nota aparte merecen los fieles seguidores de la banda, muchos de los cuales peinan canas añosas y largas barbas. Solos, o acompañados de sus hijos a quienes pretenden con justicia iniciar en el fraternal mundo del metal, saltaron y vitorearon a la altura de los más jóvenes que ya nacieron con FnM y que deliraron con su energía saturada.

Presentando varios temas de Sol Invictus, su nuevo disco, como “Black Friday”, “Matador”, “Separation Anxiety” y el mencionado “Motherfucker”, no se privaron de tocar los clásicos como “Epic”, “Ashes to Ashes” y el cover de los Commodores, “Easy”. Patton hizo gala de sus más de seis octavas de rango vocal que sonó a la perfección, acompañada en ocasiones de una pedalera en el escenario. El resto del sonido estuvo ligeramente saturado, lo que impidió que se disfrutaran algunos de los característicos matices musicales de la banda, pero que compensaron con actitud rockera a pesar de ser, admitámoslo, señores de media edad pelados y panzones. El mismo Patton se burló de esto: “¿Qué me dicen? ¿Lechón? ¿Hijo de qué?”.

La banda hizo dos bises, el primero con “Cone of Shame”, “Digging the Grave” y “Just a Man”. Durante este último, «rickrollearon» a los presentes con un fragmento del infame “Never Gonna Give You Up” de Rick Astley, con el que hubiera sido ciertamente indignante abandonar de forma definitiva el escenario. Por eso, volvieron a aparecer con un segundo bis con el clásico “We Care a Lot”, del primer disco, cerrando ahora sí una noche impecable y estridente que confirmó, sin tapujos, que «No más fé» (sic) tiene fe en el metal.

Barba

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Jorge Drexler – 12 Segundos de Oscuridad (2006)

 

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Puntaje del Disco: 7

  1. 12 Segundos de Oscuridad: 8
  2. La Vida es Más Compleja de lo Que Parece: 7,5
  3. Transoceánica: 6,5
  4. Disneylandia: 8,5
  5. El Otro Engranaje: 8
  6. High and Dry: 8,5
  7. La Infidelidad en la Era Informática: 7
  8. Hermana Duda: 7
  9. Inoportuna: 7
  10. Quienquiera Que Seas: 8
  11. Soledad: 7
  12. Sanar: 7
  13. El Fuego y El Combustible: 6,5
  14. Desvelo: 6

Grabado en Madrid y con la producción de Juan Campodónico, Jorge Drexler editaría en 2006 prácticamente en todo el mundo, 12 Segundos de Oscuridad, tal vez el más melancólico y personal de su carrera.

Afirmaba Drexler: “Es el más emocional de mis discos. ese año viví y sufrí constantes movimientos externos e íntimos”. En el describe como vivió de forma autorreferencial la fama, una ruptura sentimental y nueva novia famosa.

Sin embargo los dos temas fuertes del álbum fueron dos versiones con resultados certeros “Disneylandia” de los brasileños Titás y “High and Dry” de los británicos Radiohead. Entre sus propios temas los mejorcitos son el de apertura que le da el nombre a la placa, “El Otro Engranaje”, “Quienquiera Que Seas” y “Soledad” en dueto con la cantante brasilera Maria Rita.

En esta ocasión este gran artista uruguayo no nos entrega demasiada originalidad ni temas de calidad como nos venía acostumbrando y como siguió haciendo en sus posteriores entregas.

F.V.

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Ben Harper – The Will to Live (1997)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Faded: 7
  2. Homeless Child: 8
  3. Number Three: –
  4. Roses from My Friends: 7
  5. Jah Work: 7
  6. I Want to Be Ready: 7
  7. The Will to Live: 7
  8. Ashes: 7
  9. Widow of a Living Man: 7.5
  10. Glory & Consequence: 7
  11. Mama’s Trippin’: 7.5
  12. I Shall Not Walk Alone: 7

En 1997 y tras haber editados dos promisorios discos, Ben Harper lanzó al mercado The Will to Live, su tercer material de estudio.

Continuando con el estilo folk que lo había caracterizado, y como ya lo había demostrado con el disco anterior, el músico presenta claros síntomas de mejoría en cuanto a la identidad que quiere darle a sus composiciones. “Faded” y “Homeless Child” dan inicio a este álbum y luego de una especie de interludio con “Number Three”, “Roses from My Friends” se presenta como una agradable melodía muy relajante.

Adhiriendo algunos aires de funky, The Will to Live es un disco que muestra un desempeño bastante parejo con momentos destacados como con “Widow of a Living Man” y “Mama’s Trippin’”.

Sin ser su material más profundo, Harper logró con este disco condensar en buenas baladas, todo su talento.

Piro

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Snow Patrol – Fallen Empires (2011)

Snow Patrol - Fallen Empires (2011)

Puntaje del Disco: 7

  1. I’ll Never Let Go: 8
  2. Called Out in the Dark: 9
  3. The Weight of Love: 7
  4. This Isn’t Everything You Are: 6,5
  5. The Garden Rules: 7
  6. Fallen Empires: 8,5
  7. Berlin: 5
  8. Lifening: 6,5
  9. New York: 7
  10. In the End: 6,5
  11. Those Distant Bells: 8
  12. The Symphony: 7
  13. The President: 7,5
  14. Broken Bottles Form a Star (Prelude):

Fallen Empires, sexta placa de estudio de Snow Patrol, se lanzó primero en Europa, en Noviembre de 2011, y unos meses después en Norteamérica, y fue el primero en contar con las participaciones del guitarrista Johnny McDaid y del tecladista Tom Simpson (quien luego abandonaría la banda en 2013).

Cuando se le consulto a Gary Lightbody, vocalista y líder, sobre Fallen Empires, no tuvo miramientos para afirmar: “Es el álbum mas largo que hicimos y el mejor. Nos tomamos un tiempo largo para grabarlo. Pero me alegro porque los resultados son excelentes”.

Lo cierto es que si bien es un buen disco, esta lejos de Final Straw (2003) o Eyes Open (2006). Al pop alternativo que nos tienen acostumbrados le agregaron toques electrónicos que decoran un poco mas los temas y que dejan una buena base para seguir expandiendo su sonido de aquí en más. Predominan los temas emocionales y las baladas, rememorando por momentos su adoración hacia Coldplay y U2, aunque los momentos más agradables los encontramos en sus números más movidos como las extraordinarias “Called Out in the Dark” y “Fallen Empires”. No hay mucho más para destacar en un disco fiel a su estilo, atándose demasiado a su formula y sin demasiadas sorpresas.

Durante todo 2012 la banda se dedicó a presentar su flamante trabajo en la denominada Fallen Empires Tour, que los llevó a recorrer casi todos los continentes (excepto Africa). Luego lanzarían en 2013 su segundo grandes éxitos, esta vez más selectivo con menor cantidad de temas, y desde entonces se esperan novedades de su próxima placa que se estima conoceremos a comienzos de 2016.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 3)

Thee Oh Sees – Help (2009)

Thee Oh Sees - Help (2009)

Puntaje del Disco: 8

  1. Enemy Destruct: 8,5
  2. Ruby Go Home: 8,5
  3. Meat Step Lively: 9
  4. A Flag in the Court: 8,5
  5. The Turn Around: –
  6. Can You See?: 8
  7. Rainbow: 7,5
  8. Go Meet the Seed: 8,5
  9. I Can’t Get No: 7,5
  10. Soda St. #1: 8
  11. Destroyed Fortress Reappears: 8
  12. Peanut Butter Oven: 7,5

Thee Oh Sees es la banda precursora del movimiento de Garage Psicodélico, marcando el paso para el surgimiento de artistas como Ty Segall, White Fence y King Gizzard & The Lizard Wizard. La banda originaria de San Francisco California, existe desde 1997, pasando por diversos nombres (OCS (1997-2006) y The OhSees (2006-2008)), pero fue hasta el 2008 cuando llegaron a su fórmula definitiva y exitosa al obtener su nombre actual y con una formación de cuatro integrantes encabezada por su líder John Dwyer.

Para hablar de Thee Oh Sees, considero lo mejor empezar por el disco que les consolidó, y que además es considerado por muchos como uno de sus mejores trabajos, por su diversidad y su sonido crudo: Un Garage Rock que va al grano, adornado con trazos de psicodelia e influencias rítmicas claramente sesenteras es el sonido que se encuentra en Help.

Y si, esta banda desde un principio demuestra su intensidad, así como su actitud volátil y divertida. Thee Oh Sees dan la apariencia de una banda a la que nunca se le acaba el gas, constantemente caóticos y fuera de control, centrándose más que nada en la interacción de los instrumentos ¿Qué hay de las letras? Permítanme decirles que de entre los discos que he escuchado este es uno de los tienen menos cantidad de lirica ¡Pero qué importa! De cualquier manera el loco John Dwyer (al lado de su vocalista de soporte femenina Brigid Dawson) se la arregla con su divertida manera de cantar para hacer todo más interesante… He aquí la regla principal de Thee Oh Sees: El Groove es lo que manda.

Temas como la ensuciada psycho-garagera “Enemy Destruct”, el duelo travieso de vocales que es “Ruby Go Home”, la enviciante “Meat Step Lively” y “Go Meet the Seed” con sus coros simplones al estilo de las bandas antecesoras del genero, conforman lo más brillante dentro de un disco simple pero a la vez creativo y entretenido, pero que sobretodo captura perfectamente el Garage de los sesentas.

Actualmente Thee Oh Sees se encuentran vigentes dentro de las bandas más prolíficas dentro de la actualidad, incapaces de frenar su energía latente, sacando trabajos año con año. Además son todo un espectáculo en vivo. Claro no son infalibles y suelen tener algún periódico bajón (como es natural en toda banda que saca tanto disco sin parar), pero si algo puedo asegurar es que siempre tienen algo que decir y eso hace que nunca aburran.

Gera Ramos

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Penny Dreadful: Segunda Temporada

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Puntaje de la Temporada: star-rating 3m

  • Año: 2015
  • Género: Drama, Terror
  • Show Runner: John Logan
  • Reparto: Eva Green , Josh Hartnett, Timothy Dalton, Harry Treadaway, Reeve Carney, Rory Kinnear, Billie Piper, Danny Sapani, Helen McCrory, Simon Russell Beale

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Cocteau Twins – Head Over Heels (1983)

Cocteau Twins - Head Over Heels (1983)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. When Mama Was Moth: 8
  2. Five Ten Fiftyfold: 8,5
  3. Sugar Hiccup: 9
  4. In Our Angelhood: 9
  5. Glass Candle Grenades: 7
  6. In the Gold Dust Rush: 9
  7. The Tinderbox (Of a Heart): 7,5
  8. Multifoiled: 7,5
  9. My Love Paramour: 7,5
  10. Musette and Drums: 8

Luego de su álbum debut, la banda escocesa sufriría la baja de uno de sus miembros fundadores, Will Heggie. En estas situaciones algunos grupos suelen decaer si es importante su ausencia. Pero no fue el caso de Cocteau Twins. Con su partida el dúo conformado entre la cantante Elizabeth Fraser y el guitarrista Robin Guthrie tomaría la posta definitiva para empezar a darle forma a lo mejor de la banda.

Así llegaría en 1983, Head Over Heels, su segundo trabajo discográfico en el que evocan a un sonido bien oscuro, combinado con el rock gótico de aquellos años y con atmósferas propias del Dream Pop. Algo también conocido como “Dark Wave”, en el que bandas como Joy Division fueron precursores. Guthrie en guitarra empieza a desarrollar su estilo sombrío y la voz de Fraser se mimetiza muy bien en la penumbra constante que logran.

Pero lo más remarcable de Cocteau Twins es que van un poco más allá. Su estilo logran combinarlo con algunos tintes jazzeros que se pueden escuchar en canciones como “Five Ten Fiftyfold”. También diversifican logrando melodías más pop muy buenas como en “Sugar Hiccup”. Así como tramos más dinámicos que me hacen acordar a los primeros años de U2 en “In Our Angelhood”. Además, tenemos a “In the Gold Dust Rush” que parece el corte en el que Jesus and The Mary Chain se inspiraría para componer “Just Like Honey”.

Head Over Heels es un progreso notable respecto de su primer disco. Aunque en lo personal no lo encuentro un álbum enteramente perfecto. Pero hay más material de ellos paras seguir repasando de los ochenta.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)

Sonic Youth – Experimental Jet Set, Trash and No Star (1994)

Sonic Youth - Experimental Jet Set, Trash and No Star (1994)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Winner’s Blues: 6,5
  2. Bull in the Heather: 8
  3. Starfield Road: 7,5
  4. Skink: 7
  5. Screaming Skull: 6,5
  6. Self-Obsessed and Sexxee: 9
  7. Bone : 7
  8. Androgynous Mind: 8
  9. Quest for the Cup: 7
  10. Waist: 7,5
  11. Doctor’s Orders: 7,5
  12. Tokyo Eye: 7,5
  13. In the Mind of the Bourgeois Reader: 7,5
  14. Sweet Shine: 8

Experimental Jet Set, Trash and No Star, el octavo disco de estudio de Sonic Youth lanzado en Mayo de 1994, fue bastante maltratado (injustamente) por los especialistas al momento de su debut. Pero pasados los años y alejados del frenesí momento podemos afirmar que es cierto que la banda bajo en algo su nivel pero en lineas generales no esta nada mal.

Los neoyorquinos nunca fueron un grupo demasiado popular ni fácil de apreciar, pero a comienzos de los noventa atravesaban su etapa de gloria, Dirty (1992), además de ser fundamental musicalmente en su carrera, había funcionado muy bien comercialmente por ello resultaba entendible continuar bajo la producción de Butch Vig.

A pesar de repetir el productor Experimental Jet Set, Trash and No Star tuvo ciertas diferencias con lo que venían ofreciendo. Se trato de un disco más ambiental, tranquilo y relajante, dejando de lado un poco la distorsión, la intensidad y su noise rock caracteristico. Sin temas compuestos e interpretados por el guitarrista Lee Ranaldo, se destaca la participación de Kim Gordon en “Bull in the Heather” y “Sweet Shine”, aunque el momento de mayor lucidez lo aporta el gran Thurston Moore en “Self-Obsessed and Sexxee”.

Esta versión “light” de Sonic Youth no ayudó a continuar cultivando el momento de aceptación masivo que la banda estaba alcanzando por aquel entonces, sumado a la falta de temas memorables como nos venían acostumbrando, poniéndolos otra vez en la posición de banda de culto o para pocos, en la que se sintieron más cómodos a lo largo de su larga trayectoria.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)

Dire Straits – Communiqué (1979)

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Puntaje del Disco: 6

  1. Once Upon a Time in the West: 6
  2. News: 6
  3. Where Do You Think You’re Going?: 6
  4. Communiqué: 7
  5. Lady Writer: 7
  6. Angel of Mercy: 6
  7. Portobello Belle: 7
  8. Single-Handed Sailor: 7
  9. Follow Me Home: 6

A pocos meses de haber editado su disco debut, Dire Straits ingresó pronto en los estudios para darle forma a lo que sería su segundo material. Grabado en Nassau entre Noviembre y Diciembre de 1978, Communiqué fue producido por Barry Beckett y Jerry Wexler, dos veteranos productores que habían colaborado con otros artistas de renombre y buscaban ahora continuar con el impulso dado por el primer álbum y seguir expandiendo la música de los hermanos Knopfler.

Como si no hubiesen querido modificar lo hecho en el debut, el grupo recurre a las mismas fórmulas anteriores y peca en mostrar un producto casi idéntico a lo presentado tiempo atrás. En un tono blusero con la guitarra como principal instrumento, el disco comienza con un trío de temas que hacia el final de “Where Do You Think You’re Going?” esboza algunos atisbos ritmos más rockeros. Recién en el tema que da nombre al disco se aprecian un sonido levemente diferente y en “Lady Writer”, basado en un programa de televisión que Mark Knopfler dice haberse inspirado, el grupo intenta un acercamiento a “Sultans of Swings”, pero con un resultado de menor impacto.

El disco no logró un gran reconocimiento, sin embargo, se mantuvo en los primeros lugares en los charts de algunos países de Europa como Alemania, donde alcanzó la cima.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)

Illya Kuryaki and the Valderramas – Fabrico Cuero (1991)

 

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Puntaje del Disco: 6

  1. Jubilados Violentos: 6
  2. Amuleto: 5,5
  3. Es Tuya Juan: 8
  4. Fabrico Cuero: 7,5
  5. Nacidos Para Ser Argentos: 6,5
  6. No Caigas: 5
  7. Corrupción Gringa: 6

Cuando este par de adolescentes comenzó a rapear a principios de los noventa muchos pensaron que se trataba de solo dos chicos ricos, con apellidos ilustres, que se sacaban el gusto de grabar su propio álbum pero la carrera que supieron consolidar con el correr de los años les tapo la boca a más de uno.

Emmanuel Horvilleur y Dante Spinetta fundaron Illya Kuryaki & The Valderramas en 1990, influenciados por películas de karate, la moda de los años setenta y el rap, para ser tan jóvenes tenían la cabeza muy abierta y pusieron a este estilo musical en el mapa en su país.

Un año después de su creación lograrían editar su primer trabajo, Fabrico Cuero, con invitados de lujos como el padre de Dante, el flaco Spinetta, Javier Malosetti y Alejandro Rozitchner, entre otros. La mezcla de hip hop, sintetizadores, letras irónicas y melodías en algunos casos adictivas son la síntesis del disco que cuenta con temas recordados como “Es Tuya Juan”, “Fabrico Cuero” y “Jubilados Violentos” y otros que pasarían sin pena ni gloria, son bastante flojos y demuestra que a los jovencitos todavía les faltaba madurar mucho.

Pese a su corta edad llegaron a tener cierto éxito por aquel tiempo y fueron elegidos como revelación en varios medios, Fabrico Cuero significó solo el puntapié inicial de una carrera larga y fructífera de dos chicos que hoy en día se encuentran pisando las cuatro décadas y ya son nombres consagrados dentro de la escena musical latinoamericana.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 3)