Supertramp – Free as a Bird (1987)

 

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Puntaje del Disco: 4

  1. It’s Alright: 4
  2. Not the Moment: 4.5
  3. It Doesn’t Matter: 5
  4. Where I Stand: 4
  5. Free as a Bird: 4
  6. I’m Beggin’ You: 6
  7. You Never Can Tell with Friends: 4
  8. Thing for You: 4.5
  9. An Awful Thing to Waste: 4

El pobre desempeño que había tenido el disco Brother Where You Bound de 1985 parece no haber causado el impacto necesario para que Supetramp volviese al camino que años antes había comenzado a andar. Dos años después de aquel lanzamiento, Free as a Bird, el noveno álbum de estudio del grupo volvió a defraudar.

De acuerdo al compositor y tecladista Rick Davis admitiría luego que este disco  fue un experimento para tratar de ser moderno y construirlo con ordenadores y máquinas de ritmo, y que la gente viniese de uno en uno, lo cual te hacía perder el espíritu de grupo un poco. Una declaración muy objetiva y cierta.

“It’s All Right”, más que una composición de una banda como Supertramp, parece una canción pop hecha a la medida de cualquier serie de comedia estadounidense. “Not the Moment”, “It’ Doesn’t matter” y “Where I Stand” son sencillamente olvidables, mientras que “Free as a Bird” intenta ser una balada pero sin definir un estilo.

A esta altura del disco escuchar los sintetizadores de “I’m Beggin’ You”, uno entiende cómo esta canción llegó al primer puesto en la lista Billboard de Hot Dance Music, pero el resto del material resulta por momentos intolerable.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 2)

Alice Cooper – Lace & Whiskey (1977)

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Puntaje del Disco: 5,5

  1. It’s Hot Tonight: 7,5
  2. Lace and Whiskey: 5
  3. Road Rats: 7
  4. Damned If You Do: 4
  5. You and Me: 6
  6. King of the Silver Screen: 5,5
  7. Ubangi Stomp: 6
  8. (No More) Love at Your Convenience: 5
  9. I Never Wrote Those Songs: 7,5
  10. My God: 5,5

¿Alice Cooper haciendo Soft Rock? Si, el mismo que editó discazos en la década del setenta de rock potente y conceptual (Love it to Death ,Killer, School’s Out, Billion Dollar Babies) se tomaría una licencia con el pobrismo Lace & Wishkey (1977).

Los riffs adictivos de “It’s Hot Tonight” abren el álbum que prometía más de lo que sería con este inicio sumado a otro interesante track como “Road Rat” pero luego entra en un declive difícil de salir, que incluye alguna de las peores canciones de Cooper en su carrera y que nunca abrían pasado el corte en sus anteriores trabajos, con la excepción de “I Never Wrote Those Songs” cercano al cierre. La balada “You and Me” fue un hit en su época, aunque no es para nada memorable.

Claramente atentaron para el resultado final de Lace & Wishkey el mal estado de Alice agotado por tantas giras y envuelto en un alcoholismo crónico y hasta su productor Bob Ezrin tenía sus problemas también.

Lace & Wishkey será recordado por su mala combinación de soft rock con rock «Retro» de los cincuenta y por sus melodías mediocres, es un disco promedio para una estrella del rock and roll que había reinado desde comienzos de la década, por suerte lograría recuperarse y enterrar este mal paso en el olvido.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

Bob Dylan – Saved (1980)

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Puntaje del Disco: 3,5

  1. A Satisfied Mind: 4,5
  2. Saved: 4,5
  3. Covenant Woman: 4,5
  4. What Can I Do For You: 4
  5. Solid Rock: 4,5
  6. Pressing On: 3,5
  7. In The Garden: 3,5
  8. Saving Grace: 4
  9. Are You Ready: 3,5

Si hay una etapa que hay que olvidar de Dylan esa fue la conocida como su “trilogía cristiana”, que comenzó con Slow Train Comming en 1979, pero que tocaría su punto más bajo con su siguiente trabajo, Saved.

Saved es no solo el momento más infame de esta etapa de Dylan sino tal vez el peor disco de su carrera. En sus primeros años Bob lanzó trabajos flojos como Self Portrait o que eran compendios desechables como Dylan de 1973, pero nunca van a encontrar algo más decepcionante y paupérrimo que Saved.

El grandísimo problema de este álbum, es que Dylan comparte su devoción por Dios y Jesús, que no solo apesta en términos de Rock, sino que lo hace con una pomposidad tan fervorosa y constante que satura tu paciencia. No es que tenga algo contra el cristianismo, pero las letras de Dylan son tan dogmáticas y religiosas que resultan muy poco interesantes y bastante decepcionantes. Especialmente sabiendo de quién viene: uno de los mejores letristas, de los más inteligentes y poéticos que se conocen, y no olvidemos que fue recientemente galardonado como Nobel a mejor escritor.

Y así como sus letras están infestadas por esta nueva onda que adquirió a fines de los setenta, su música tampoco se salva. Dylan recurre al Góspel que le dan un aire santurrón y religioso realmente insoportable. Y cuando no hay coros femeninos de Góspel, apela a un Blues Rock cuanto menos genérico, o por lo menos que hubiera estado bien hacía 10 años.

A su favor, si así se lo puede decir, las canciones no son estrictamente horribles, hay ciertas melodías, que se pueden escuchar sin que te atrofien los oídos. Pero son tan mediocres en su mensaje que se transforman en un lamento. Además, con el correr de los minutos Saved se vuelve aún más molesto en su idea de disco para iglesia. Nunca van a escuchar un álbum en el que mencione tanto la palabra “Lord”, o hablando de Jesus como “He”, al igual que Cristina Fernández de Kirchner cuando se refiere a Néstor como “Él” en sus discursos.

¿Pero saben que es lo más feo del disco? La tapa, pintada por Tony Wright, representando la mano de Jesucristo que alcanza desde el cielo a las manos de sus creyentes…

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 2)

Michael Jackson – Invincible (2001)

 

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Puntaje del Disco: 5

  1. Unbreakable: 6
  2. Heartbreaker: 4
  3. Invincible: 5
  4. Break Of Dawn: 5
  5. Heaven Can Wait: 6
  6. You Rock My World: 7
  7. Butterflies: 6
  8. Speechless: 5
  9. 2000 Watts: 5
  10. You Are My Life: 6
  11. Privacy: 5
  12. Don’t Walk Away: 5
  13. Cry: 6
  14. The Lost Children: 5
  15. Whatever Happens: 4
  16. Threatened: 5

Luego de casi cuatro años de producción, en octubre de 2001, el Rey del Pop lanzó Invincible, su sexto y último álbum de estudio. Este material lo encontraría en una situación muy alejada al título del disco, envuelto en escándalos mediáticos y muy alejado del éxito comercial que Jackson había logrado en las décadas pasadas.

El disco se convirtió en el más costo en la historia con una ampulosa producción que si bien en los rankings de algunos pocos países alcanzó buenas posiciones, musicalmente no presenta demasiados aspectos a destacar. Compuesto principalmente de R&B, hip hop, dance pop, este material se torna por momentos demasiado extenso y muestra a Michael intentando expresarse mediante diferentes letras, aunque sin llegar a conmover, más allá de “Butterflies” y “You Rock My World”, que podría catalogarse como el hit del disco.

Invicible es un disco marcado por la nostalgia de ver a un Rey de capa caída, cuyos últimos esfuerzos se enfocaron en generar algo comercialmente aceptable, aunque eso dejando de lado el desarrollo musical.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 4 Promedio: 3.5)

Discos Malos de Grandes Bandas – Parte 5: «La Resurrección del Mal»

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Al igual que esas películas de Terror que fomentan lo desagradable e innecesario con continuaciones que parecen infinitas solo para seguir explotando su marca y prolongar su existencia, los discos malos son un mal caracterizado por su abundancia desmesurada.

Por eso, para que no pierdas el apetito por degustar los momentos más nefastos del Rock, esta semana desarrollaremos el Festival de Discos Malos de Grandes Bandas. Es la quinta vez que hacemos este maratón. Así que no nos hacemos cargo de las consecuencias que sufran de este cóctel explosivo.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Kevin Johansen – Logo (2007)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Logo: 7
  2. Anoche Soñé Contigo8
  3. Susan Surrender: 6,5
  4. Ese Lunar: 7,5
  5. Fantasmas de Carnaval: 8
  6. Funny Face: 7
  7. Road Movie: 7,5
  8. Son del MP3: 6
  9. La Hamaca: 6,5
  10. Por Las Ruas Pelas Calles: 7,5
  11. Chica Rollinga: 4
  12. SOS Tan Fashion (Emergency!) : 7
  13. Oh My Love My Love: 6,5
  14. Everybody Says: 7,5
  15. Luna Sobre Porto Alegre: 9
  16. Amistad de Borrachera: 5
  17. Cliche Latino Cliche Gringo: 6,5

Kevin Johansen es un personaje que cae simpático por su música alegre y letras ingeniosas, aunque por momentos resulta indescifrable, tiene temas de alta calidad y otros bastante flojos tal cual podemos verificar en su cuarto trabajo: Logo.

En Abril de 2007 Kevin Johansen+The Nada volvieron a escena con un disco que continúa con su estilo particular que alcanzaría su máximo esplendor en el triunfal City Zen (2005), aunque sin tantas composiciones para el recuerdo. Algunas como “Anoche Soñé Contigo”, “Fantasmas de Carnaval” y especialmente “Luna Sobre Porto Alegre” dan la talla pero también hay ciertas experimentos fallidos en tono cómico que salieron bastante mal como “Chica Rollinga” y “Amistad de Borrachera”.

Al igual que en City Zen contaría con un buen reparto de invitados como la puertoriqueña Ileana Cabra (Calle 13), la colombiana Andrea Echeverri (Aterciopelados), el brasilero Paulino Moska, la española Amparo Sánchez (Amparanoia) y el también español Albert Plá.

En 2008 luego de presentar Logo por España, América Latina y Argentina Kevin encararía un proyecto junto al popular dibujante Liniers. La editorial “De La Flor” editó OOPS!, libro en el que las letras de los temas de Kevin se unieron a las ilustraciones que el dibujante Liniers hizo de sus canciones y que fueron llevadas al vivo. Llevadas astutamente a presentaciones en vivo y un tour de gran repercusión internacional. Esta exitosa sociedad se coronó con el registro en CD y DVD de Vivo en Buenos Aires.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Fantômas – Director’s Cut (2001)

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Puntaje del Disco: 10

  1. The Godfather: 10
  2. Der Golem: 9
  3. Experiment In Terror: 9.5
  4. One Step Beyond: 9
  5. Night Of Hunter (Remix):
  6. Cape Fear: 8.5
  7. Rosemary’s Baby: 10
  8. The Devil Rides Out (Remix):
  9. Spider Baby: 8
  10. The Omen (Ave Satani): 9
  11. Henry: Portrait Of A Serial Killer: 8
  12. Vendetta: 7.5
  13. Untitled:
  14. Investigation Of A Citizen Above Suspicion: 10
  15. Twin Peaks: Fire Walk With Me: 10
  16. Charade: 10

Justo después de la ruptura de Faith No More, Mike Patton se encerró en su casa y creó una serie de demos experimentales caracterizados por una velocidad extrema y ritmos frenéticos y se los mandó a Trevor Dunn (Mr. Bungle), Buzz Osborne (Melvins) e Igor Cavalera (Sepultura) quien declinó la oferta pero recomendó a Dave Lombardo (Slayer) quien fue el ultimo en aceptar para crear la mejor superbanda de la historia de la música moderna: Fantômas.

En 1999 sacaron Fantômas su primer álbum que fue muy bien recibido por la crítica, pero no sería hasta 2001 que sacaron Director’s Cut que se ganaron el respeto del público y crítica por igual.

Este disco contiene puros covers de películas de terror, thrillers y series de T.V. pero antes de que te alejes de él por leer la palabra «covers» tienes que darle una escuchada a uno de los discos más originales y vanguardistas del siglo XXI. Describir el sonido de Fantômas es todo un caso, tenemos una batería endemoniada, una guitarra densa y pesada, un bajo electico a más no poder y una voz totalmente impredecible.

Este discazo comienza con «The Godfather» de una forma tranquila adentrándonos al tema original de la película para después volarnos la cabeza con thrash metal haciendo oda a la locura de la banda, que dura menos de un minuto para devolvernos al ambiente tranquilo del tema de origen pero sin dejar de sonar totalmente desquiciado con las voces agudas y graves de Patton.

«Der Golem» es un doom metal que parece grabado bajo el agua, es como un martillazo en la sien tras otro. Este tema es Melvins puro, al menos es el que más influencia de la guitarra de Osborne tiene, un tema lento hasta los últimos segundos que comienza una suerte de death metal demoledor.

Pasamos a «Experiment In Terror» que comienza parecido a «Der Golem» pero de nuevo nos engaña cambiando a una de las canciones más tranquilas y dulces del disco, una especie de jazz/sludge metal (por más loco que suene eso).

«One Step Beyond» es pura locura de voces y tarola, solo para devolverte a la idea de que no sabes que diablos estás a punto de escuchar, aquí las voces de Patton son hasta de miedo. Sigue «Night Of Hunter (Remix)» que no es nada más que un pequeño interludio, bastante terrorífico también, de un minuto; sigue «Cape Fear» que es un poco inferior a lo que venía demostrando el disco pues es un tema de doom metal con la tonada de la película, aún así, no es mala, es bastante entretenida por (de nuevo) las voces dulces de Patton.

Se viene otro diez en este disco y es: «Rosemary’s Baby» que es el tema más escalofriante del concepto, iniciamos con unas voces casi femeninas por parte de Patton que me recuerdan incluso un poco a Björk, y el tema crece de poco en poco hasta reventarse con una guitarra sucia y unos sonidos de bebé que te ponen los pelos de punta. De ahí sigue «The Devil Rides Out (Remix)», otro interludio oscuro pero no pasa de ser eso y llega «Spider Baby», un tema que jamás he sabido encasillar en ningún género y es, como todos los temas, entretenido hasta la médula.

«The Omen (Ave Satani)» inicia como un oratorio emulando el la esencia del tema fuente y cuando menos te los esperas se transforma en el tema más pesado de todos, rápido, tajante, y ensordecedor. «Henry: Portrait Of A Serial Killer» nos regresa a un tono calmado por decirlo de alguna forma, pues es un tema lento pero enérgico, poderoso y aplastante, sin embargo «Vendetta» baja los decibeles dándonos el tema más tranquilo pero no por eso un tema malo, solo se siente un poco fuera de tono, demasiado feliz podría decirse, con una mezcla rara de funk jazzero bastante llevadero y más que nada una antesala al final del disco.
Después de cinco segundos de puro silencio en «Untitled» se viene la triada perfecta que cierra esta obra, «Investigation Of A Citizen Above Suspicion» adentra a un ambiente casi circense con un teclado que recuerda a Mr. Bungle por momentos hasta que se vuelve una masa de sonidos electrónicos y riffs pesados y lentos para terminar descomunalmente con el bajo de Dunn y la batería de Lombardo casi hablando entre ellas a una velocidad que nos recuerda mucho a cualquier tema del «Reign In Blood» de Slayer pero si Mike Patton liderara dicha banda, solo imaginen eso. «Twin Peaks: Fire Walk With Me» es otro tema que no tengo géneros para resumir, quizá jazz, quizá hip hop instrumental (supongo que no puede ser por que hay voces), sonidos electrónicos, Patton de nuevo usando su voz femenina y las guitarras doom a pulso, una locura digna de escucharse. Y para cerrar con broche de oro empieza el scat de Patton en «Charade» con otro tema que parecerá oscuro a más no poder pero utiliza percusiones étnicas y una batería jazz pero un bajo blusero por momentos, de nuevo: una mezcla de cosas inclasificables y es que eso es lo que busca Fantômas, ir a la vanguardia y logra dar una música nada convencional pero al mismo tiempo bastante pegajosa algo que es bastante difícil.

Dato Curioso: Este es el único disco de la banda que contiene alguna letra pues la voz de Patton es usada como un instrumento en los discos restantes y es el más reconocido de la banda por ser el más fácil de escuchar… imaginen como están los demás.

Gabriel Franco

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4.5)

The Moody Blues – On the Threshold of a Dream (1969)

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Puntaje del Disco: 8

  1. In the Beginning:
  2. Lovely to See You: 8
  3. Dear Diary: 8,5
  4. Send Me No Wine: 7
  5. To Share Our Love: 7,5
  6. So Deep Within You: 8
  7. Never Comes the Day: 9
  8. Lazy Day: 8,5
  9. Are You Sitting Comfortably?: 7,5
  10. The Dream: –
  11. Have You Heard (Part 1): 8
  12. The Voyage: 7
  13. Have You Heard (Part 2): 8

En los sesenta las bandas tenían tiempo (e ideas) para sacar un disco por año y a veces hasta dos. El primero de los dos materiales que The Moody Blues lanzaría en 1969, On the Threshold of a Dream, se grabó durante el crudo invierno londinense en los “Estudios Decca” y fue el primero donde los ingleses tuvieron la oportunidad de preparar con calma.

La música de Moody Blues fue mutando con los años y comenzaron a dejar de lado la psicodélia y la música negra por un agradable rock elaborado y experimental que sirvió como inspiración para nuevos grupos como Genesis, Yes y King Crimson, que acentuaron y mejoraron la búsqueda conceptual e instrumental de la banda de Birmingham en algo superior como el rock progresivo. «No sabíamos realmente que estábamos contribuyendo a la formulación de un estilo nuevo, todo lo que hacíamos era escribir la música que nos agradaba y grabarla como nos gustaba», declararía Justin Hayward posteriormente.

En On the Threshold of a Dream estamos ante una banda mucho más madura que aprendió mucho codeándose en giras con otras grandes bandas contemporáneas y volcando todas sus experiencias en estudio. El lado uno en su LP original es el más roquero incluyendo buenos momentos como “Lovely to See You”, “Dear Diary” y “So Deep Within You”.  El lado dos es el más ambicioso comenzando con dos composiciones acústicas elevadas “Never Comes the Day” y “Lazy Day” y seguidas por tracks experimentales y pretenciosas donde abundan instrumentos de todo tipo sobresaliendo el melotron a cargo de Mike Pinder y la flauta.de Ray Thomas. “Have You Heard” en sus dos partes no tiene desperdicio y es un ejemplo de rock progresivo en su origen y apogeo. Sin ser su mejor obra es fundamental para entender su evolución e incursión en territorios desconocidos dentro de su repertorio.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Murió Leonard Cohen

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“I’m ready, my lord” dice Leonard Cohen en su último disco, You Want It Darker, como si se despidiera y reconociendo que estaba preparado para la muerte. Tan solo unos días después nos enteramos de la lamentable noticia de su defunción a la edad de 82 años.

Cuando uno habla de Leonard Cohen no alcanzan los elogios para describir lo grande que fue. Desde los años sesenta con su álbum debut, Songs of Leonard Cohen, empezó a demostrar todo su talento como referente de Folk Rock y además como letrista, llegando a estar a la par de Bob Dylan. Justamente, cuando hace unas semanas se anunció que Dylan iba a recibir el Premio Nobel como Mejor Escritor, algunos comentarios que surgieron fueron: “¿Y por qué no dárselo a Leonard Cohen?”.

Aunque no hay que quedarse solo con sus letras, Leonard era un poeta pero además fue el autor de grandes clásicos que incluso diversos artistas tomaron para hacer covers. “Hallelujah” es tal vez uno de los más conocidos.

Y además lo mejor de Cohen es que supo mantenerse y reinventarse a lo largo de los años. Incluso en sus momentos de déficit financiero. Un claro ejemplo de ello son sus últimos grandes discos, Old Ideas, Popular Problems y You Want It Darker. Estos grandes trabajos discográficos no solo reinstalaron su figura, sino que también llegarían a destacarse como unos de los mejores discos de los últimos años. Entre ellos You Want It Darker sería su último testamento, con su sonido muy oscuro y casi fúnebre, que terminaría profetizando su propia partida. Un adiós similar al de David Bowie con Blackstar a principios de año.

Así se nos fue otro genio y la lista de leyendas inolvidables que pasaron a la eternidad se sigue agrandando. Descansa en paz Leonard…

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Nine Inch Nails – Year Zero (2007)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. HYPERPOWER!: 8,5
  2. The Beginning of the End: 9
  3. Survivalism: 7,5
  4. The Good Soldier: 8
  5. Vessel: 8,5
  6. Me, I’m Not: 9
  7. Capital G: 9,5
  8. My Violent Heart: 8,5
  9. The Warning: 8
  10. God Given: 9
  11. Meet Your Master: 8
  12. The Greater Good: 7,5
  13. The Great Destroyer: 6
  14. Another Version of the Truth: 7
  15. In This Twilight: 8,5
  16. Zero-Sum: 8

Year Zero (2007) de Nine Inch Nails quedará en la historia contemporánea como uno de los lanzamientos más ambiciosos de los últimos años en la historia musical.

Se trata de un disco conceptual crítico de las políticas estadounidenses presentando su visión desde el año 2022, bautizado año cero por tomarlo como la fecha de renacimiento de aquel país a raíz de las derivaciones de su política exterior. No obstante el proyecto Year Zero no solo fue ambicioso por su temática sino por la forma en que se instaló mediáticamente, incluyendo desde una película hasta un juego de realidad virtual que consistió en series de websites, números telefónicos, corres electrónicos, MP3s, videos y murales con el fin de promocionarlo con una historia ficticia sobre el álbum.

El marketing del trabajo pergeñado por el cerebro de Trent Reznor incluyó hasta “pendrives” y discos USB encontrados por fans en conciertos de NIN durante su gira europea en Europa con canciones en alta calidad de material todavía no lanzado de Year Zero.

Desde lo musical estamos ante un trabajo sólido, aunque poco amigable, intenso, conceptual y opuesto a su antecesor el más convencional With Teeth (2005). En su mayoría creados desde la laptop de Reznor mientras se encontraba de gira. Year Zero es difícil de clasificar signado por un clima claustrofóbico, tenso y oscuro, un puñado de tracks se ubican por encima del resto como “The Beginning of the End”, “Vessel”, “Me, I’m Not”, “Capital G”, “My Violent Heart”, “God Given”, “In This Twilight” y “Zero-Sum”, coherentes con la temática conceptual apocalíptica que domina el proyecto.

Year Zero es la grabación más acertada y compleja de NIN desde The Downward Spiral (1994). Y es a su vez es una especie de manifiesto profético de cómo puede terminar el mundo si las cosas no cambian, contado desde el heavy metal, el rock industrial, la electrónica, el hip hop todo en poco más de una hora de duración.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)