Catupecu Machu – Laberintos Entre Aristas y Dialectos (2007)

 

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Puntaje del Disco: 7,5

Disco uno (Tratado de la materia en estudio):

  1. Viaje del Miedo: 7
  2. Dialecto: 6
  3. Foto en Blanco y Negro: 7,5
  4. Magia Veneno: 8
  5. Grandes Esperanzas: 6,5
  6. El Lugar: 8

Disco dos (De la materia en concierto):

  1. El Número Imperfecto: 8
  2. En Los Sueños: 7,5
  3. Entero o a Pedazos: 8
  4. Magia Veneno: 7
  5. Refugio: 7
  6. Cuadros Dentro de Cuadros: 8
  7. Seguir Viviendo Sin Tu Amor: 8,5
  8. A Veces Vuelvo: 8,5
  9. Cuentos Decapitados: 7

El trágico accidente de Gabriel Ruiz Díaz, bajista de Catupecu Machu, aunque no le quitó la vida le imposibilitó seguir haciendo lo que más amaba.

El golpe ciertamente fue muy duro para la banda pero su hermano Fernando explicaría porque la situación no lo paralizó: “Hay una cosa que escribí hace mucho, cuando todavía no existía Catupecu, que decía: «Ya habrá tiempo para la era de las almas». Ya habrá tiempo para eso. Una cosa muy importante con Gabriel es que siempre fuimos parámetro uno del otro. Personas muy distintas, con una búsqueda en común pero métodos diferentes. Desde que pasó esto, el solo hecho de mirarlo me obliga a no quedarme quieto. Desde el primer momento yo les expliqué a los médicos que, cuando Gabriel movía algo, sabía lo que estaba haciendo, porque en el escenario no necesitamos mirarnos, y sabemos lo que está pensando el otro, y establecemos una conexión que parece planificada, pero no. Con Catupecu nunca hubo una estrategia, y cuando la había se iba al carajo. Esa intuición se aplicó más que nunca en esta situación. Por eso yo siempre supe lo que le está pasando, desde el primer momento: sé por qué mueve la boca, por qué mueve las piernas, por qué no las mueve, y cuando no movía nada, yo sabía que estaba ahí. El primer día salí y pensé: si Gabriel optó por esto, si su subconsciente optó por esto, y si no lo optó y el destino fue el que lo impuso, bueno, que esté acá como tenga que estar; y si se tiene que ir, que se vaya.”

A fines de Octubre de 2007 saldría al mercado en formato de cd doble, Laberintos Entre Aristas y Dialectos, dividido en dos capítulos: “Tratado de la materia en estudio” (tres temas nuevos y tres viejos en versión casera) y “Registro de la materia en concierto” (un vivo realizado en septiembre de 2005. grabaciones registradas por Gabriel Ruíz Díaz antes de su trágico accidente).

Lógicamente lo más esperado fueron las canciones nuevas donde “Viaje del Miedo” y “Foto en Blanco y Negro” son las más compactas y mantienen vivas el espíritu de la banda y demuestran en sus letras el impacto que le provocó a Fernando la convalecencia de su hermano. El resto del álbum tanto la parte en estudio como en vivo es una colección de buenas versiones de sus mejores canciones destacándose, “Magia Veneno”, “El Número Imperfecto”, “A Veces Vuelvo” y el agregado de un cover muy bien interpretado del clásico de Luis Alberto Spinetta: “Seguir Viviendo Sin Tu Amor”.

Teniendo en cuenta el momento crítico que atravesaba el grupo este nuevo lanzamiento es más que digno. Haciendo hincapié en su beta acústica y tranquila, algo a lo que no está acostumbrado el fanático de Catupecu, lograron resolver con mucha solvencia lo complicado que significaba editar nueva música en este delicado momento.

F.V.

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(Votos: 0 Promedio: 0)

Duran Duran – Duran Duran (1981)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Girls On Film: 7
  2. Planet Earth: 8
  3. Anyone Out Here: 8
  4. To The Shore: 7
  5. Careless Memories: 8
  6. Night Boat: 6
  7. Sound of Thunder: 7
  8. Friends of Mine: 9
  9. Tel Aviv: 7

¿Qué música se puede hacer con un bajo, un teclado y una máquina de ritmos? La banda sonora de una película porno de antaño es la apuesta más viable. Quizás por eso, los ingleses John Taylor y Nick Rhodes, bajista y tecladista, respectivamente, decidieron añadir más instrumentos a su proyecto musical. Tras varias formaciones, el dúo sumó finalmente a Roger Taylor en batería, Andy Taylor en guitarra (al parecer, Taylor no es un apellido particularmente raro en Gran Bretaña) y como cantante a un extraño personaje llamado Simon LeBon. Influenciados por el Glam Rock de David Bowie y Roxy Music, así como la música Disco que ya estaba agonizando, los cinco de Birmingham se bautizaron Duran Duran, en honor al villano de la película ‘Barbarella’, y grabaron su primer LP en 1981, inaugurando una década ansiosa por su original sonido.

«Girls on Film» y «Planet Earth» fueron los primeros singles y , no casualmente, los dos temas que abren la placa. Aprovechando el por entonces novedoso concepto del videoclip, los Duran Duran causaron revuelo con un corto plagado de mujeres semidesnudas luchando en crema (al final, lo de la música de película porno resultó más o menos cierto). El resto del disco se debate entre más buenas canciones que tranquilamente pudieron haber sido cortes de difusión (la melancólica ‘Anyone Out There’, la atmosférica ‘Sound of Thunder’ y la oscura y pegadiza ‘Friends of Mine’) y composiciones más experimentales como ‘To the shore’, ‘Night Boat’ o el instrumental ‘Tel Aviv’.

Cabe señalar que la edición norteamericana del disco omitió ‘To the shore’ en favor de un remix extendido de ‘Planet Earth’, y en su re-edición de 1983 la reemplazó con un tema nuevo, «Is There Something I Should Know?», grabado durante las sesiones de «Seven & The Ragged Tiger», su tercer álbum. El sonido de la banda ya era otro y es por eso que dicha canción no cuadra con el resto del material. Finalmente, en 2010, una edición remasterizada de lujo en 2 CDs incluyó todo el material de ambas ediciones, así como numerosos lados B, demos, tomas en vivo y remixes.

Camilo Alves

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(Votos: 1 Promedio: 4)

Katatonia – The Great Cold Distance (2006)

Puntaje del Disco: 9

  1. Leaders: 9
  2. Deliberation: 8,5
  3. Soil’s Song: 8
  4. My Twin: 9
  5. Consternation: 8
  6. Follower: 9
  7. Rusted: 9
  8. Increase: 8,5
  9. July: 9,5
  10. In The White: 8,5
  11. The Itch: 9
  12. Journey Through Pressure: 8,5

Luego de 3 años de trabajo constante, en una lucha por tratar de cambiar, pero a la vez mantener al público concentrado y enfocado en ellos, Katatonia preparó el sucesor de Viva Emptiness del 2003. El resultado fue el trabajo The Great Cold Distance del año 2006, y por lejos, el trabajo que más pauta marcó para la banda.

Si bien, Viva Emptiness resultó ser un disco muy complejo y diverso de estilo, la banda decide finalmente tomar un camino mucho más fácil y más accesible para su próximo disco. Al principio la gente estuvo un poco dividida con esto, pero cuando salió el vídeo de «My Twin», toda la gente quedó con la mandíbula por el suelo. Siendo este el primer vídeo oficial de la banda en toda su carrera.

Más tarde, The Great Cold Distance sale a la luz el 13 de marzo del 2006 a nivel mundial. El disco es el más vendido de la banda.

Para muchos, The Great Cold Distance es el mejor disco de Katatonia por lejos y el más exitoso sin dudas. Yo creo que con todos los discos que tienen, si se hace una encuesta musical para ver cuál es el mejor, diría que eso terminaría en un empate a cero. Katatonia es bestialmente creativa, y con muchísima propuesta musical sólida, y considerar un solo disco como el mejor, puede resultar algo inusual y casi imposible. Pero lo que estoy seguro que se puede decir, es que The Great Cold Distance afirma totalmente que Katatonia es ESA banda «bestialmente creativa». Es sin duda el disco más accesible de la banda por lejos, junto a Last Fair Deal Gone Down. La banda optó por hacer un trabajo con un estilo mucho más comercial, y así la gente pudo acceder fácilmente a la banda.

Normalmente la banda opta por hacer canciones muy oscuras y nítidamente profundas, pero acá con The Great Cold Distance, la cosa cambia y la banda opta por hacer canciones mucho más pegadizas y con un estilo parecido al de bandas como Tool o de Karnivool, y por lo cual, también, nos vamos a encontrar con un álbum plagado de canciones excelentes, y sumamente enganchables. Por lo pegadizo de los temas, se podría decir que la banda descubrió su lado Pop pero de una manera muy oscura y al estilo de ellos.

Pero eso no solamente es el cambio que se produjo en The Great Cold Distance, sino la fuerte inclusión de géneros como el Metal Progresivo. Por eso dije más arriba que se parecían un poco a Tool o a Karnivool. De todas maneras, este cambio se produjo en Viva Emptiness, pero acá lo expresan en su totalidad. Y esto se debe a los grandes cambios de tempos, más caracterizados por el espectacular, pegadizo, duro y pesado trabajo de las guitarras de Fredrik Andersson y Anders Nyström, que acá por lejos, lo considero el mejor trabajo de ambos. Una canción que demuestra esto? «July», sin duda de las mejores canciones de la banda. Una canción que resume absolutamente todo el disco, y que te dice que es lo que vas a estar a punto de escuchar.

A pesar de que el álbum adquiere mucho de Viva Emptiness, el disco suena muy diferente a éste, y más relacionado con la música comercial. Pero es aún más diferente respecto a otros trabajos de la banda, por ser el que más te engancha y te mete de lleno en lo que es Katatonia. Es por eso que este disco es lejos, uno de los más logrados del grupo.

Un disco muy recomendable. Si no escuchaste Katatonia antes, empieza por este.

Toto

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The Guess Who – So Long, Bannatyne (1971)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Rain Dance: 7,5
  2. She Might Have Been a Nice Girl: 7
  3. Goin’ a Little Crazy: 8,5
  4. Fiddlin’:
  5. Pain Train: 7,5
  6. One Divided: 6,5
  7. Grey Day: 8
  8. Life in the Bloodstream: 6
  9. One Man Army: 6,5
  10. Sour Suite: 7,5
  11. So Long, Bannatyne: 7,5

Sin un talentoso guitarrista como Randy Bachman, resultaba incierto el futuro de The Guess Who, pero lo cierto es que tanto en su primera experiencia sin el, Share The Land (1970) y en este segundo So Long, Bannatyne (1971) los canadienses continuaron produciendo rock de gran calidad.

Producidos por Jack Richardson, So Long, Bannatyne se grabó en dos intensas semanas de trabajo en Junio de 1971 en Chicago. Con la imrponta de los violeros Kurt Winter y Greg Leskiw y la voz protagonista de Burton Cummings, los Guess Who demuestran sus raices y amor por el rock y blues nostálgico entregando temazos como “Goin’ a Little Crazy”, “Rain Dance” y “Grey Day”, entre otros.

A pesar de encontrarse algo subvalorados por aquellos años, The Guess Who, entrega todo lo que esperamos de ellos. Sin significar un paso adelante ni un formar parte de un movimiento revolucionario en el rock de los años setenta, fueron capaces de mantenerse fieles a su estilo y en un buen nivel, por lo menos hasta este material.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Adrian Belew – Twang Bar King (1983)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. I’m Down: 8,5
  2. I Wonder: 9
  3. Life Without a Cage: 9
  4. Sexy Rhino:
  5. Twang Bar King: 8
  6. Another Time: 8,5
  7. The Rail Song: 9,5
  8. Paint the Road: 8,5
  9. She Is Not Dead: 7,5
  10. Fish Head: 7,5
  11. The Ideal Woman: 8
  12. Ballet for a Blue Whale: 8

Twang Bar King es el segundo disco solista del ex integrante de King Crimson, Adrian Belew. En Lone Rhino nos había deleitado con esos extravagantes sonidos de animales que hacía con su guitarra, y en esta segunda entrega perpetua su experimentación guitarrera exótica metiéndose de lleno en el New Wave.

Twang Bar King en ese sentido tiene una gran influencia de Talking Heads y de David Bowie en su música. Belew de hecho amolda más su forma de canto como si fuese David Byrne.

Como resultado, Twang Bar King es un álbum muy entretenido, no solo desde el costado musical, haciendo hablar a su guitarra, sino también en sus letras. Que no los engañe el comienzo con el cover de los Beatles, “I’m Down”, transmitiendo un sonido que es más propio del pop rock de los sesenta, en “I Wonder” nos mete de lleno en el New Wave de los ochenta que podría ser confundido con Talking Heads tranquilamente.

Y en este álbum muy parejo, tal vez la más destacada sea “The Rail Song” (no confundir con “The Rain Song”), donde le canta nada menos que al sistema ferroviario ofreciendo una de las mejores melodías de su carrera.

Persy

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La 25 – Mundo Imperfecto (2008)

Puntaje del Disco: 5

  1. Desertando: 6
  2. Solo Esta Noche: 5
  3. Primavera Light: 3,5
  4. Nadie: 5
  5. Dejar De Ser: 6,5
  6. Perdiéndome: 5,5
  7. Suelas Embarradas: 5
  8. Rocanrol Hasta el Amanecer: 5,5
  9. El Antro: 7
  10. La Rockera: 6
  11. Antifaz: 4
  12. Andrajoso: 5

Esta claro que cuando nos disponemos a escuchar un disco de La 25 no esperamos virtuosismo ni música sofisticada, sino buenos temas de rock and roll puro y básico, como en algunos de sus anteriores materiales. Pero en Mundo Imperfecto ni siquiera estamos cerca de esto.

En 2008 lo lanzaron como contracara de su antecesor, Mundo Perfecto (2006), el cual ya mostraba cierto declive en sus composiciones en relaciones a sus primeros discos. Esto en Mundo Imperfecto empeoraría con un tema olvidable tras otro.

Mauricio “Junior” Lescano, guitarra y voz del grupo “stone” surgido en Quilmes contaría acerca de la diferencia para el entre ambos: “Yo creo que el anterior tuvo buena aceptación, con cinco cortes difusión. Por eso, este tuvo que esperar dos años. Y a su vez fue mejor para nosotros, porque en este tiempo salieron temas nuevos y pudimos innovar en cosas distintas.” Y sobre la contraposición de los títulos explicaría: “Creo que corresponde un poco a como estamos viviendo. Teníamos un mundo perfecto y construimos nuestro propio holocausto.”

Luego de presentar su disco por todo el país La 25 sufrió dos perdidas importantes, con el alejamiento de su baterista Noly y más importante aún del bajista Pablo «Ponch» Poncharelo , quien había sido uno de los fundadores y principal co-compositor en muchas de las canciones de la banda.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Frank Zappa – The Man From Utopia (1983)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Cocaine Decisions: 8.5
  2. SEX: 8.5
  3. Tink Walks Amok: 8
  4. The Radio Is Broken: 9
  5. We Are Not Alone: 8.5
  6. The Dangerous Kitchen: 8
  7. The Man From Utopia Meets Mary Lou: 6
  8. Stick Together: 5
  9. The Jazz Discharge Party Hats: 5
  10. Luigi & The Wise Guys: 4
  11. Moggio: 10

En una discografía tan extensa como la de Frank Zappa (109 álbumes oficiales y cientos de bootlegs) es natural encontrar discos buenos y malos, si bien hay mucho de donde elegir y podríamos decir que cada uno tiene algo que puede interesarle a quien sea es innegable que dentro de las muchas obras maestras que Zappa entregó hay una cantidad considerable de basura y aquellos que no están cegados por el fanatismo hacia este hombre lo saben perfectamente. Pero si hay un disco que siempre divide la opinión es “The Man From Utopia”, unos lo consideran fundamental en la discografía de Frank y otros lo tienen como uno más del montón.

Primero hay que dejar en claro que para 1983 Frank Zappa ya había creado un legado impresionante pero, aunque siempre estaba activo, nunca dejaba de componer y grabar, nunca retomó el curso de su era dorada dándonos en 1981 su última gran obra “You Are What You Is”, un disco que nos introduce a un sonido más Hard Rock y que sería guía para sus demás lanzamientos en los 80’s.

“The Man From Utopia” empieza con dos canciones, siendo la primera una crítica hacia las drogas y la segunda obviamente una canción sobre distintas fases del sexo, que aunque son muy buenas canciones, pegajosas, incluso deberían ser hit radiales (de no ser por las letras), se sienten innecesarias a estas alturas del partido, Zappa ha criticado las drogas de una manera excelente en los 60’s y 70’s y en “Sheik Yerbouti” el tema principal es el sexo y prácticamente dice todo lo que un músico puede decir acerca del tema, SEX hubiera sido un tema excelente en ese álbum pero acá se siente algo perdido.

Hay tres instrumentales, Tink Walks Amok es un semi solo de bajo bastante bueno, We Are Not Alone es un tema totalmente atrapante, con un saxofón y un vibráfono llevando la batuta, desgraciadamente ninguno termina de cuajar, no lleva a nada,  y no me malentiendan, me encantan estas dos canciones pero como los otros dos temas antes mencionados parecen perdidos, como si Zappa los hubiera metido ahí solo porque sí. Por otra parte, el tercer instrumental es una de las piezas fundamentales de Frank, Moggio es todo un viaje a la música del futuro, algo que sólo él podría componer y su instrumentación es bestial, una pieza complicada en cualquier aspecto que vale la pena escuchar y re escuchar.

The Dangerous Kitchen tiene a la banda tocando mientras Zappa improvisa (eso creo) una historia sobre una cocina peligrosa donde las bananas son negras y la leche puede dañarte, tiene la particularidad de que la grabaron sin guitarra y después Steve Vai transcribió todo el dialogo de Frank para poder tocarlo, es un tema bastante entretenido, adictivo también y con una duración de dos minutos que es suficiente. Desgraciadamente no podemos decir lo mismo de The Jazz Discharge Party Hats, la cual es la única canción en vivo de este disco, y tiene una estructura parecida a The Dangerous Kitchen pero quitándole lo divertida (la historia trata sobre un hombre con fetichismo por las pantis y es bastante aburrida) y tiene el doble de duración lo que la vuelve tediosa pero aun así tiene un par de momentos interesantes en el lado instrumental.

Uno de los mejores temas es sin duda The Radio Is Broken, una historia de ciencia ficción cantada de la manera más ridícula posible pero es divertidísima, la música es totalmente atrapante y debe ser una de las canciones más menospreciadas del bigotón (curiosamente era una de sus favoritas).

Ahora viene el lado más feo del disco, The Man From Utopia Meets Mary Lou es un tema agradable pero sin sentido alguno, recuerda a la etapa donde Frank parodiaba a las bandas de Doo-Woop y Rhythm & Blues, solo que acá se siente muy tarde, pasa lo mismo con Luigi & The Wise Guys, un tema a capela aburridísimo y enfadoso, y Stick Together es un tema medio Funk, medio Reggae que se repite una y otra vez sin cambio alguno que me dan ganas de saltarme siempre.

La conclusión que puedo sacar es que entiendo a la perfección a quienes dicen que es uno de los peores discos de Zappa, pero también a los que dicen que es uno de los mejores pues pasa lo mismo que con “Weasels Ripped My Flesh”, los temas buenos son muy buenos pero los malos son asquerosos. Personalmente lo considero un álbum regular pero totalmente desubicado, no tiene una línea ni un seguimiento, son solo un montón de canciones puestas para armar un disco, peor aun viniendo de un artista del que sabemos es capaz de mucho más y lo demostraría en años siguientes con “Them Or Us”, “Jazz From Hell” o “Broadway The Hardway”, pero esa es otra historia.

La curiosidad: La portada está inspirada en un evento real que sucedió en 1982, Zappa y su banda estaban tocando en Italia cuando comenzaron a llegar muchos mosquitos de la nada y tuvieron que tocar todo el concierto peleándose contra ellos.

Gabriel Franco

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

Moby – Destroyed (2011)

Puntaje del Disco: 6

  1. The Broken Places: 6
  2. Be the One: 7
  3. Sevastopol: 6
  4. The Low Hum: 5,5
  5. Rockets: 6
  6. The Day:
  7. Lie Down in Darkness: 6,5
  8. Victoria Lucas: 7,5
  9. After: 7,5
  10. Blue Moon: 6
  11. The Right Thing: 6,5
  12. Stella Maris: 5
  13. The Violent Bear It Away: 5
  14. Lacrimae: 7
  15. When You Are Old: 5,5

La mayor parte del décimo trabajo de Moby, Destroyed (2011), se grabó cuando el artista calvo se encontraba de gira: “Me quedaba despierto de noche por mi insomnio y trabajaba en nueva música durante la madrugada. Tenía la sensación que todo el mundo estaba durmiendo, como si fuera la única persona despierta (o viva) en una ciudad vacía”.

Lo último que habíamos conocido de Moby había sido dos años antes con, Wait for Me, una colección de canciones simples que intentaba rememorar sus años de gloria y de mayor repercusión medíatica. Destroyed es puramente electrónico, con inexistentes guitarras y mucha participación vocal de varias invitadas femeninas y bases sampleadas algunas valiosas pero la mayoría absurdamente aburridas y demasiados tracks instrumentales.

Esta nueva incursión del neoyorquino difícilmente sea recordada y pase a la historia. De hecho se convirtió en el que más bajo cayó en los rankings en toda su carrera en Estados Unidos. Así y todo en 2012 lanzó Destroyed Remixed, una edición limitada con dos discos de versiones aún más electrónicas, con remixes a cargo de David Lynch, Holy Ghost! y System Divine, entre otros.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

OSI – Office of Strategic Influence (2003)

Puntaje del Disco: 9

  1. The New Math (What He Said): 9
  2. OSI: 9
  3. When You’re Ready: 8
  4. Horseshoes and B-52’s: 8,5
  5. Head: 9
  6. Hello, Helicopter!: 7
  7. ShutDOWN: 10
  8. Dirt From a Holy Place: 7,5
  9. Memory Daydreams Lapses: 8
  10. Standby (Looks Like Rain): 8

OSI es un proyecto musical formado por Jim Matheos y Kevin Moore en 2002, y ambos comparten cosas en común, y es que los 2 provenían de la misma banda, Fates Warning, más conocidos por haber sido los principales pioneros del Metal Progresivo. Sin embargo, Kevin Moore fue mucho más conocido estando en Dream Theater por un tiempo determinado hasta irse de la banda y concentrarse en un proyecto sumamente diferente, bajo el nombre de Chroma Key.

El nombre del proyecto proviene de un subdepartamento secreto (ya extinto) creado por la Departamental de Defensa de Estados Unidos, llamado Oficina de Influencia Estratégica (Office of Strategic Influence, OSI) con el fin de propagar la guerra contra el terrorismo a través de operaciones psicológicas, quienes iban dirigidas hacia poblaciones extranjeras. Se creó el 30 de octubre del 2001, pero la información de esta se fue propagando por casi la mayoría de los medios y esto produjo su extinción en febrero del 2002.

OSI no es una banda, ya que los 2 miembros originales suelen contratar a músicos de sesiones para trabajar en sus discos. Han publicado 4 discos hasta ahora, pero el trabajo que se hizo en este debut, lanzado en el 2003, es algo incomparable. Tenemos a Jim Matheos en la guitarra, a Kevin Moore de vocalista y tecladista, Sean Malone (más conocido por haber estado en Cynic y haber liderado la banda Gordian Knot) como bajista, y finalmente, el monstruoso Mike Portnoy (Ex-Dream Theater, y Transatlantic, entre otros) en la batería.

Originalmente la música de OSI iba a tener un estilo muy parecido al de Dream Theater y Fates Warning, pero la música de Kevin Moore en Chroma Key influyó muchísimo a la hora de trabajar con Jim Matheos, por lo cual, la banda en este disco mantiene un estilo propio, parecido al de bandas modernas en aquel entonces como Tool y Porcupine Tree. Y, a palabras de Portnoy: «Esto es muy diferente a lo que hemos hecho en otras bandas»

El debut de OSI es un disco sumamente oscuro, con muchas influencias electrónicas experimentales downtempo traídas de la banda ya mencionada de Kevin Moore, pero también, sin perder absolutamente nada de la fuerza que habían dado en sus bandas anteriores, por lo que se puede decir que todavía sigue siendo un disco de Metal Progresivo.

El trabajo de Sean Malone es sumamente brillante, es un bajista muy talentoso y con muchísimo poder a la hora de ejecutar diversas secuencias. Si ya desde Cynic y especialmente en Gordian Knot había hecho un trabajo monumental, acá no es la excepción. Añade muchísimos elementos jazzísticos a la hora de ejecutar pasajes agresivos, y le da un toque más original a este trabajo.

Bueno, y sinceramente…Ya ni hablemos del trabajo de Mike Portnoy, porque aquellos que ya han escuchado a Dream Theater, sabrán de lo que hablo, una bestia en todo sentido, capaz de trabajar en 20 proyectos distintos a la vez, y que pone su alma y empeño en cada uno de ellos. Cuando estuvo trabajando en este disco, también, a la vez estuvo trabajando en el disco Train of Thought de DT, el cual se lanzó el mismo año. Así que, está más que justificado eso.

Sin dudas, el mejor momento del disco, por lejos, es la canción «ShutDOWN», contando con una participación sumamente sofocante de Steven Wilson, cantante de Porcupine Tree, y también, la canción más larga de OSI hasta la fecha, con 10 minutos de duración. Una canción 100% Porcupine Tree, y que podría haber estado en cualquiera de los discos de esta, no solo por la instrumentación, sino por las turbias letras, típicas del estilo que presenta Wilson.

En fin, el debut de OSI es un sí o sí de escucha para cualquier aficionado al Metal Progresivo, un disco plagado de canciones sumamente enganchables y potentes, y también en donde se demuestra que cada miembro tiene una musicalidad y estilo diferentes, pero que realmente combinan perfectamente sin perder ni un solo momento la excelente química que hay entre cada uno de ellos.

Un álbum sumamente recomendable si les encantan bandas como Tool, Porcupine Tree, Karnivool. No lo pierdan de vista.

Toto

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