Puntaje de la Temporada:
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Puntaje del Disco: 8
1974 sería un año de cambios para Todd Rundgren. En Febrero comenzaría editando un nuevo trabajo el quinto de su extensa discografía, Todd, que es una especie de continuación de la experimentación y la rareza que significó su antecesor, A Wizard, a True Star.
Pero el cambio en su carrera comenzaría por otro lado, formaría un nuevo grupo, Utopia, donde se acerca a la música electrónica y al rock progresivo, y a su vez empieza a trabajar como productor e ingeniero de sonido de muchos grupos y artistas de diversos estilos.
Volviendo a Todd, si bien demuestra sus intenciones de darle cada vez más importancia a los sintetizadores y a la experimentación con muchos pasajes instrumentales, todavía hay ciertos temas de rock y pop como “Useless Begging”, “No. 1 Lowest Common Denominator”, “Heavy Metal Kids”, entre otros. Aunque para mi gusto el más destacado es una rareza “Lord Chancellor’s Nightmare Song”, una versión de la canción de Gilbert & Sullivan de su opera Iolanthe de 1882.
Otra curiosidad que podemos señalar en Todd fue la batalla entre Rundgren y su compañería discográfica por el deso de esta última de lanzar «Izzat Love?» (una de las más flojitas del álbum) como single. El se negaba porque ese tema era indicativo del estilo de música que ya no le interesaba y llegó a amenazar con nunca más grabar si lo llegaban a desobedecer.
F.V.
Puntaje del Disco: 8,5
My Bloody Valentine es una banda muy singular y Loveless tiene un sonido irrepetible. Pero si buscamos bandas que se acerquen a lo que logró Kevin Shields y sus “Valentinos”, una que la emula bastante bien es Lush.
Ahora bien, Lush, la banda liderada por las guitarristas Miki Berenyi y Emma Anderson, desarrolla un sonido menos complejo que el de MVB. Es un poco más pop, más “Dreamy”. No tiene tanto Noise en sus guitarras distorsionadas. De hecho, en su sonido también se nota la influencia de bandas de fines de los setenta y principios de los ochenta como Joy Division y The Jesus and Mary Chain.
Eso es lo que van a encontrar en su disco debut, Spooky, que se caracterizó por contar con Robin Guthrie de Cocteau Twins como productor. Con su ayuda hicieron de Spooky un disco bastante parejo, de muy buenas melodías y atmosferas que tienen su encanto, pero que también pueden ser un tanto más oscuras. Entre ellas “Nothing Natural” es la que más se resalta en esa onda. Pero también hay que destacar a “Superblast!”, que sobresale por sí sola por ser más agresiva y revolucionaria en su actitud, apelando más al Noise con sus guitarras.
Spooky es un muy buen puntapié inicial de otro grupo británico que vale la pena escuchar pero que no muchos conocen.
Persy
https://www.youtube.com/watch?v=DO7bRDKP0R0
Finalmente apareció el primer trailer de la nueva temporada de Game of Thrones. La gran novedad de esta nueva temporada es que no hay libro de George Martin en el que se base. El auto de la saga de Canción de Hielo y Fuego no llegó a terminar su sexto libro aún. Esperemos lo pueda publicar este año, pero le está costando…
Puntaje del Disco: 7
Sin Shannon Hoon entre nosotros era difícil imaginarse que una banda como Blind Melon “reviviera”, pero para sorpresa de muchos (aunque tampoco se enterara tanta gente) en Septiembre de 2006 anunciaron que regresarían con nuevo vocalista: Travis Warren.
Una década después de su apogeo noventoso, Blind Melon decidió lanzar tres singles «Make a Difference», «For My Friends» y «Harmful Belly» en 2007, los cuales integrarían meses más tarde su cuarto álbum oficial titulado, For My Friends.
El grupo vuelve a la vida con un disco que pareciera ser la continuación de su trabajo anterior, cumpliendo con las expectativas, sonando muy bien y con un esfuerzo destacable de Warren tratando de llenar el espacio de Hoon con un timbre de voz similar pero con personalidad propia.
Desafiando todas las apuestas Blind Melon no volvió para superarse a si mismos, ni ampliar su base de seguidores, ni para hacer nada nuevo ni extraordinario, su intención fue juntarse a tocar una diez años más tarde, reconectarse con sus raíces y emular sus mejores momentos.
F.V.
Puntaje del Disco: 7
11 es el número clave del tercer trabajo de Ella es tan Cargosa, 11 salió a la venta en 2011 compuesto por 11 canciones para festejar el 11° aniversario de la banda de Castelar que supo hacerse un lugar en el rock nacional gracias a su rock pop pegadizo.
Rodrigo Manigot, vocalista de la banda, hablaba en una entrevista de la época sobre sonido que estaba buscando el grupo por aquellos años: “Hay un sonido que ya está en nuestro ADN: nacimos escuchando Beatles, Stones, Bob Dylan, Fito Paez, Charly García, Calamaro, el Flaco Spinetta, Tom Petty. Ya esa escucha te condiciona a la hora de componer, porque vas a intentar siempre apuntar para allí. Pero también es cierto que hay una búsqueda puntual, deliberada, que se va dando con el tiempo. Queríamos en 11 sonar más crudo, más parecido al vivo. Creo que le arrimamos bastante. También está la búsqueda del productor Germán Wiedemer, que en este tercer CD eligió no usar cuerdas ni vientos, y que el disco sonara más de guitarras.”
11 tiene sus momentos iluminados como sus temas deslucidos, entre los primeros la melódica “La Mano del Knock Out” funciona muy bien y la performance de Ella es tan Cargosa mejora en sus momentos guitarreros (que lamentablemente no son tantos) como «Una Noche de Aquellas» y «A Trasluz».
A pesar de lo dificil que resulta hacerse un lugar en el rock nacional Ella es tan Cargosa sin demasiadas pretenciones, y con sus virtudes y defectos supo ganarselo merecidamente, sobre la actualidad del rock en argentina Rodrigo dejaría esta interesante reflexión: “Creo que es muy caótica la movida, como lo fue siempre, pero que hay siempre gente talentosa dando vueltas y haciendo maravillas. Argentina en un punto no ha resuelto un karma que es su embudo cultural: produce muchísima cultura, pero su industria cultural no consume ni el 30 por ciento de eso que produce. Si no salís al exterior te quedás con tu CD en tu casa, o colgándolo. Por suerte existe esta especie de bendición que es la web, y que tan bien nos hubiese venido que existiera en los 90 con nuestros proyectos anteriores (Los Mareados y Demente Caracol).”
F.V.
Puntaje del Disco: 8.5
Asentada en los primeros planos del Jazz Pop desde el lanzamiento de su exitoso disco debut, Norah Jones editó en 2004 su segundo material de estudio, que en su primera semana alcanzó records de venta que aún perduran.
Feels Like Home, influenciado por la música country, muestra a la artista mucho más madura y logra a través de este interesante disco crear un ambiente de relajación y lleno de canciones sentimentales. “Sunrise” y “Who I Am to You?”, dos de los singles, en un clima íntimo dan comienzo a un álbum que encuentra también algunos rasgos de los setenta como en “Carnival Town”.
La excelente voz de Jones y la buena combinación de estilos son la razón fundamental del éxito de este maravilloso disco, que siguió impulsando a la cantante a los escalones más altos del género musical.
Piro
Puntaje del Disco: 8,5
Banda con letras sobre coches, carreteras y escapismo. Creo que no recuerdo ninguna con esa particularidad y en especial de Rock Alternativo. Pero aquí la tenemos, Swervedriver, un grupo británico que nació a fines de los ochenta, liderada por Adam Franklin y Jimmy Hartridge como guitarristas y vocalistas.
Por la época en que nació y por su estilo Swervedriver fue emparentado con el Shoegaze de por ejemplo My Bloody Valentine. Aunque a decir verdad en su álbum debut, Raise, diría que se parece más a Sonic Youth y especialmente a Dinosaur Jr. De hecho, en varios pasajes parece que J Mascis está interpretando los temas. El punto es que Swervedriver nos ofrece un álbum en donde hay una abundancia de guitarras híper distorsionadas.
Por otro lado, Raise fue armado incluyendo canciones que ya habían lanzado en EPs previos. Varios de estos temas son justamente los más destacados del álbum. “Rave Down” y “Sandblasted” son excelentes ejemplos, donde logran muy buenas melodías en base a las variaciones de sus guitarras. “Sunset” también podría ser ubicado dentro de esta categoría. Y además se podría destacar a “Son of Mustang Ford” por su actitud aplastante y veloz que podría ser comparable con digamos… Motörhead.
Raise es un muy buen trabajo. Les va a gustar a aquellos gustosos de Shoegaze guitarrero que busquen descubrir bandas infravaloradas como esta, más aún si les gustan los autos.
Persy
Puntaje del Disco: 8,5
Pocas cosas originales se pueden escribir sobre la hiper promocionada y esperada vuelta a los estudios de uno de los grupos más importantes de la década del noventa, Blur, que finalmente se concretó en 2015 con su primer disco en doce años pero en realidad deberían ser dieciséis si se cuenta desde el último de la dupla Damon Albarn – Graham Coxon juntos.
En The Magic Whip tenemos de todo un poco, evocaciones del Brit Pop, rock alternativo del bueno, melodías orientales y momentos intimistas a lo Everyday Robot (El más reciente trabajo solista de Damon), pero principalmente estamos ante las mentes creativas de Blur en su máximo potencial, con buenas ideas, composiciones y tomándose en serio esta vuelta como lo merecía la historia de esta legendaria banda.
Mucho se especulo con si retomarían el ritmo de los noventa y grabarían muchos discos después de The Magic Whip, Sobre el retorno a los estudios con Blur y el futuro inmediato Albarn diría lo siguiente: “Para mí, es solo un disco más. Tiene la particularidad de haber sido grabado junto a mi viejo amigo Graham Coxon, pero la verdad es que hago discos todo el tiempo, con un montón de gente, con estilos muy distintos. Y cuando trabajo en esos proyectos, me entrego totalmente. No hay jerarquías entre las bandas en las que participo. Estoy igual de implicado en cada una. Doy todo. No me guardo ninguna idea bajo la manga para privilegiar a Blur. No siento que yo forme parte de Blur más que de Gorillaz, por ejemplo, ni de los grupos de Mali con los que toco. Lo que me excita es siempre la siguiente etapa. Es más, en este momento mi cotidianeidad tiene que ver con este nuevo disco, porque estamos ensayando y pronto vamos a salir a tocar.”
También contaría sobre el proceso de grabación y de componer juntos nuevamente: “Estábamos de gira en Asia en mayo de 2013 y de un día para el otro se canceló una fecha que teníamos en Tokio. Así que, en lugar de volver a Inglaterra, decidimos ver si todavía podíamos componer juntos. Hicimos todo en cinco días, en Hong Kong. Creo que en ese momento no nos dimos cuenta de que pasaba algo tan intenso, tan colectivo. Nos hacía muy bien volver a estar los cuatro juntos, sin objetivos, en un pequeño estudio caótico. Íbamos cada mañana en subte, nos quedábamos encerrados diez horas en ese sauna y volvíamos para acostarnos. Tres de nosotros ahora tienen hijos, así que habría sido muy complicado conseguir esa libertad y esa concentración en Inglaterra. Y también habría sido imposible empezar de cero en un estudio tradicional, en el que tuviéramos disponibles una determinada cantidad de horas. En Hong Kong redescubrimos la felicidad de tocar canciones de diez minutos. Las ideas volaban… Y Graham Coxon agregaría: “Mi conclusión es que entre nosotros está todo bien siempre y cuando nos dediquemos a un proyecto en común y tengamos cosas concretas para hacer. En cambio, si empezamos a holgazanear en el estudio y a sentir la desocupación, termina todo mal. Acá no hubo tiempo para eso. Damon llegó con ideas frescas y secuencias excitantes en su computadora. Nadie sabía que estábamos grabando, y además elegimos la intimidad de un pequeño estudio: eso crea condiciones muy particulares y relajantes. Parecía casi un milagro después de todo lo que habíamos pasado.”
The Magic Whip es un regreso triunfal para la banda icono del brit pop en los noventa. Suena familiar, pero a la vez exploratorio, hay estribillos, canciones, ideas locas, experimentación probando otra vez la inigualable sociedad creativa entre dos grandes genios en la historia moderna del rock.
F.V.
Puntaje de la Película: