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Marvin Gaye – What’s Going On (1971)

Puntaje del Disco: 10

  1. What’s Going On: 10
  2. What’s Happening Brother: 9
  3. Flyin’ High (In the Friendly Sky): 8.5
  4. Save the Children: 8.5
  5. God Is Love: 8.5
  6. Mercy Mercy Me (The Ecology): 10
  7. Right On: 9
  8. Wholy Holy: 8.5
  9. Inner City Blues (Make Me Wanna Holler): 9.5

La historia de Marvin Gaye sería para cualquier director de cine, el guion ideal para una película. De origen humilde Marvin Prentz Gay Jr., nació a fines de la década del treinta en Washington D.C. Su padre era Reverendo que le impuso estrictos códigos de conducta marcarían su vida. A corta edad la música se hizo presente y sirvió como refugio ante el maltrato que recibía. Luego de graduarse en el colegio secundario se enlistó en la Armada de los Estados Unidos y una vez concluido su labor regresó a su ciudad natal para cantar en diversos sitios, apoyado por su mentor Bo Diddley.

A partir de 1961 Gaye (agregó la “e” un tiempo antes) comenzó la carrera solista de este artista que a través de numerosos discos desarrollaría un estilo propio que lo convertiría en un visionario en el Motown. Sin embargo, fue diez años después con el lanzamiento de What’s Going On que Marvin Gaye alcanzaría el punto más alto de su fructífera trayectoria.

What’s Going On es una declaración en contra de las injusticias sociales que se vivían en los setenta en los Estados Unidos, tan convulsionados por la Guerra de Vietnam. En el tema que da nombre al material, Gaye reflexiona y se pregunta por qué tantos hermanos estaban muriendo. Con su voz melosa y cálida el disco invita a pensar, relajadamente, sobre las desgracias que aquejan a miles de sus compatriotas, como en “Save the Children” y “God Is Love”. “Mercy Mercy (The Ecology)” es otra gran pieza que le otorga a la ecología el papel fundamental que se merece en la conciencia humana.

Con este álbum Marvin Gaye logra condensar sus mayores pesares, en un modo más ameno y con una sensibilidad digna de un gran artista como fue.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 5)

Villanos – Sacate Todo (1999)

Puntaje del Disco: 4

  1. Sacate todo3
  2. Sale caro4
  3. Mi pobre corazón4
  4. Sauna: 4.5
  5. No tires arroz5
  6. Alma en llamas: 3
  7. Línea: 4
  8. Rocanrol kabeza4.5
  9. Claudia Trampa4
  10. Johnny botón3
  11. Villanos: 4

Villanos es una banda que se inició en el barrio de Villa Celina, en la localidad bonaerense de La Matanza. El debuto oficial se produjo el 8 de abril de 1995 en Planta Alta, un bar ubicado en Floresta y a partir de ese momento, tocaron por diversos lugares incluyendo el clásico Cemento, templo donde han tocado grandes bandas del rock nacional. En 1998 el Suplemento Sí de Clarín eligió al grupo como revelación del año y a fines de siglo, saldría el ansiado disco debut.

“Sacate Todo”, que da nombre a este álbum, es un desenfrenado deseo de un grupo de adolescentes con la libido sexual en su máximo potencial, pero no más que eso ya que tanto griterío carece de sentido. “Sale Caro” baja un poco el tono y en un estilo rollinga mejora levemente la producción del tema anterior. “Mi Pobre Corazón” por otro lado muestra la poca creatividad compositora y “Sauna” es una canción más para los Auténticos Decadentes.

Promediando el disco, “Alma en Llamas” aparece como la “balada”, aunque lejos está de estremecer o mejor dicho, da ganas de llorar. A esta altura las ganas de seguir escuchando a esta banda que supuestamente hace punk rock son casi nulas. “Rocanrol kabeza” sería la expresión simplista para definir el verdadero estilo que esta banda intenta hacer. Lo que más indigna es el paupérrimo “homenaje” al gran tema de Chuck Berry en “Johnny Botón”; un verdadero desastre.

Piro

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(Votos: 0 Promedio: 0)

Sister Sledge – We Are Family (1979)

Puntaje del Disco: 9

  1. He’s the Greatest Dancer: 9
  2. Lost In Music: 9
  3. Somebody Loves Me: 8
  4. Thinking of You: 8
  5. We Are Family: 10
  6. Easier to Love: 8
  7. You’re a Friend to Me: 9
  8. One More Time: 8

A pesar de haber comenzado su carrera en 1972, Sister Sledge no tendría un gran cartel hasta finales de la década del ochenta. Habian cosechado un par de hits como «Love, Don’t You Go Through No Changes on Me» y «Blockbuster Boy». Pero no seria hasta la aparición de su recordado single “We Are Family” que explotarían comercialmente

Sister Sledge consistía en la unión de cuatro hermanas de color oriundas de Filadelfia Kim, Debbie, Joni y Kathy Sledge con unas voces soberbias capaces de alcanzar tonos inusitados. El verdadero clic para su éxito fue la participación en la producción de We Are Family (1979), su tercer placa de estudia, de Nile Rodgers y Bernard Edwards, integrantes del grupo Chic, como productores. Ellos escribirían todas las canciones y las acercaron al sonido en boga en ese momento el disco. Que combinado con el soul y el funk de sus anteriores materiales generarían un disco soberbio donde no solo llama la atención el tema que le da nombre al trabajo también nos ofrece a la sexy «He’s the Greatest Dancer», la adictiva “Lost In Music” y algunas baladas bien logradas como “You’re a Friend to Me”, “Easier To Love” y «Somebody Loves Me».

En 1995 se decidió la reedición de We Are Family con algunos remixes agregados, interesantes para ponerle algo de electrónica a las canciones bailables del álbum, pero no dejan de ser solo un agregado extra, las versiones originales son por lejos superiores y altamente recomendables.

F.V.

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(Votos: 0 Promedio: 0)

Callejeros – Señales (2006)

Puntaje del Disco: 4,5

  1. Daños: 4
  2. Puede: 7
  3. Limites: 3,5
  4. Creo: 4,5
  5. Frente al Río: 5
  6. Sin Paciencia: 4,5
  7. Día a Día: 6
  8. Sueño: 4
  9. Hoy: 6
  10. 9 de Julio: 5
  11. Señales: 4,5
  12. Desencuentro: 4

Una tragedia de tal magnitud como la acontecida en el boliche Republica de Cromañón durante un concierto propio marca un antes y un después en la vida de una banda difícil de superar. Callejeros edito su primer disco luego de la tragedia en 2006, Señales.

Este material sirvió como una especie de catarsis para la banda y como un consuelo de los fieles fanáticos del grupo que en las buenas y en las malas los apoyaron. Prueba de esto es que sin ninguna publicidad y su excesivo precio a la venta a las cinco horas del lanzamiento el disco se agotó y vendería más de veinte mil copias, llegando a ser disco de oro.

A lo largo de las doce canciones Callejeros desnudan su dolor, la bronca, las conclusiones y los fantasmas que visitan a los músicos de la banda desde ese trágico día. A pesar de que fueron grabadas después de esa fecha solamente cuatro «Frente al Río» (dedicada a la novia de Pato Fontanet que falleció en Cromañón), «Hoy», «Sueño», «Día a día» y «Señales». El resto ya estaban grabadas de sesiones anteriores pero encuadran perfecto en el espíritu del álbum.

Hasta aquí todo bien. Pero musicalmente, que es lo que realmente importa, no hay nada nuevo. Desde que el grupo comenzó a sonar en las radios, su rock cuadrado y sin ninguna variación nunca pareció aportar nada nuevo, quizás llamaron la atención solamente por algunas letras y un par de temas rescatables como “Prohibido” y “una Nueva Noche Fría”, pero hasta ahí llegamos.

En Señales nos encontramos con “Puede” un buen tango/rock, el hit “9 de Julio” tiene algo de pegadizo, pero el resto es bastante intrascendente y hasta difícil de escuchar. Las guitarras, la batería y el bajo pasan de climas rústicos a otros más serenos sin producir quiebres abruptos ni dejar lugar a las sorpresas. La voz aporta una sensación amarga y el saxo una cuota de dulzura, pero no se complican con ideas rebuscadas, todo se enmarca en un rock simple y directo bastante monótono. Dejando como lo mas rescatable a las letras confesionales y sentidas de Fontanet.

Como era de esperarse los padres de los jóvenes fallecidos en Cromañón y muchos medios, criticaron el hecho que la banda vuelva a publicar un disco (y posteriormente criticarían que Callejeros vuelvan a tocar en vivo). Luego de ello editarían un disco más, fueron absueltos en el juicio iniciado por los hechos de la fatídica noche del 30 de Diciembre de 2004 y en 2010 se disolverían definitivamente. Actualmente Fontanet comanda un nuevo proyecto Casi Justicia Social con quien ya se presentó en el festival “Cosquín Rock 2012” y diversos puntos del interior del país en lo que va del 2012.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Stevie Wonder – Talking Book (1972)

Puntaje del Disco: 10

  1. You Are The Sunshine Of My Life: 8,5
  2. Maybe Your Baby: 10
  3. You And I: 8,5
  4. Tuesday Heartbreak: 7,5
  5. You’ve Got It Bad Girl: 8,5
  6. Superstition: 10
  7. Big Brother: 9,5
  8. Blame It On The Sun: 9
  9. Lookin’ For Another Pure Love: 9
  10. I Believe (When I Fall In Love It Will Be Forever): 9,5

Stevie Wonder es una de esas personalidades que a todo el mundo le cae bien, a diferencia de… digamos Bono. Pese a ser ciego desde su nacimiento, inspirándose en distintos músicos, especialmente Ray Charles, Stevie se logró transformar en una de las personales más importantes dentro del soul y el funk. Y Talking Book uno de sus trabajos más reconocidos dentro de su discografía.

Me gusta mucho el disco, especialmente el uso creativo que Stevie le da a los sintetizadores y la diversidad de instrumentos que se pueden escuchar. Talking Book también se caracteriza por ser bastante accesible. Es bastante melódico (se lo podría tildar de comercial) y muy sólido en la calidad de sus composiciones.

El álbum arranca con “You Are The Sunshine Of My Life”, uno de los temas que lo llevaría al éxito, muy bueno por su percusión. Después esta una de mis favoritas la funky “Maybe Your Baby”, que rockea, a pesear de ser larga y repetitiva, pero es divertida, no aburre nunca. Y que decir de “Superstition”, el claro hit del disco, uno de los clásicos mas brillantes y rutilantes de funk que van a existir. También esta “Big Brother”, impresionante por su combinación de arreglos y uno de los primeros de Stevie en hacer criticas en relación a la política.

Las baladas tampoco se pueden pasar por alto. Son profundas, de un encanto tremendo, ya sea “Lookin’ For Another Pure Love” (que incluye solo de guitarra de Jeff Beck), las baladas a piano “You And I”, “Blame It On The Sun”, y especialmente la atmosférica “I Believe (When I Fall In Love It Will Be Forever)”.

Gran álbum!! Talking Book es un disco indispensable que no puede faltar dentro de tu colección de imprescindibles.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Kapanga – Un Asado en Abbey Road (1999)

Puntaje del Disco: 3,5

  1. Un asado en Abbey Road:
  2. La Momia Blanca: 3
  3. Amor Pulpo: 2
  4. Robar para Vivir: 3,5
  5. Elvis: 4,5
  6. Indultados: 5,5
  7. X 2 la Caravana: 4,5
  8. Demasiado: 7
  9. Maté a Mi Madre: 4,5
  10. Mini Tango: 4
  11. Casi: 6
  12. Quiero llenarte de Mi: 6
  13. Romance Enfermo: 3
  14. Argentina… y Siga la Joda: 2,5
  15. Miami (Guarda a la Salida): 3,5
  16. El cuento de los 3 kovanys: 4,5
  17. Psíquico: 5

Si un merito tiene Kapanga ese es ser uno de los máximos exponentes de rock mersa que se hayan concebido a nivel nacional. Su mezcolanza innecesaria de rock con cumbia, reggae, metal, ska y sobredosis de cuarteto es tan absurda que genera nauseas. Así nacieron ellos, combinando influencias de lo más desparejas desde los Beatles hasta la Mona Jimenez (!!!), de quien interpretaron varios temas en su primer disco A 15 cm de la realidad.

En este, su segundo disco se van un poco más “al carajo”. Ya el nombre y la tapa de disco dice lo grasa que es el álbum. ¿“Un Asado en Abbey Road”? ¿WTF? ¿Cual era su intensión? ¿Hacerse los Beatles argentinos? ¿Hacer una sátira de Abbey Road? ¿Cagarse en Abbey Road haciendo un homenaje que no tiene NADA de los Beatles? ¿Representarnos como el “toor” como argentinos? ¡¡Muchachos, no son Frank Zappa y The Mothers of Invention!! ¡¡No jodamos!! No tienen ni una pizca de su gracia e inteligencia. En lo único que se parecen es que Martín “el Mono” Fabio tiene bigote como Zappa. Pero de talento y capacidad compositiva mejor no entremos en comparaciones.

En Un Asado en Abbey Road Kapanga se preocupa más por sonar como un grupo «jodón», que en hacer algo serio (el disco termina siendo tan poco serio que es ridículo). Ya de por sí, musicalmente los temas son olvidables, ordinarios y enmarañados. Pero no se confundan, esto no es rock experimental. Esto es una ensalada de géneros combinados con mal gusto. Y en su búsqueda de «joder» las letras a veces rozan lo “cabeza”: “Que voy a hacer, si nací chorizo, que voy a hacer, soy así.” Poesía pura!

Pocas canciones son las rescatables. “Demasiado” es el mejor tema del disco sin ser una maravilla por la colaboración de Ricardo Mollo en voz y guitarra, y porque dejan (gracias a dios) un poco de lado el cuarteto. “Casi” y “Quiero llenarte de Mi” (con coros de los Super Ratones) son otros de los cortes escuchables. Y por último, “Indultados” es uno de los pocos con una letra más o menos comprometida, en este caso en contra de la dictadura militar, aunque musicalmente es tan bajo como el resto del álbum.

El disco es malísimo. No esperaba mucho más de Kapanga… Aún así hay varios defensores de la banda que argumentan que es música “para armar una fiesta y divertirse”… como si uno con la buena música no se pudiera divertir…

Persy

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(Votos: 0 Promedio: 0)

Otis Redding – Otis Blue/Otis Redding Sing Soul (1965)

Puntaje del Disco: 10

  1. Ole Man Trouble: 9
  2. Respect: 10
  3. A Change Is Gonna Come: 9
  4. Down in the Valley: 8.5
  5. I’ve Been Loving You Too Long: 10
  6. Shake: 8.5
  7. My Girl: 8.5
  8. Wonderful World: 8.5
  9. Rock Me Baby: 9
  10. (I Can’t Get No) Satisfaction: 9
  11. You Don’t Miss Your Water: 9.5

A principios de los sesenta el mundo de la música estaba revolucionada con los nuevos sonidos que bandas como The Beatles y The Rolling Stones le habían dado a la historia del rock n’ roll como se conocía hasta entonces. Las Invasiones Inglesas estaban en su apogeo y habían conquistado casi todo el terreno estadounidense. Sin embargo, había una serie de artistas que encontraron otras formas de expresar su talento. Fue así como el Soul se convirtió en la música que los cantantes de raza negra vieron propicia para manifestar su mejor repertorio.

Otis Redding ya había editado hacia mediados de la década de los sesenta dos muy buenos discos y se consolidaba como una figura importante en el ambiente. En septiembre de 1965 Redding alcanzó uno de los puntos más altos en su carrera con la edición de su tercer disco Otis Blue/Otis Redding Sing Soul.

El álbum recibió rápidamente excelentes críticas y fue bien recibido por el público llegando a ser el disco más rentable hasta la actualidad en la trayectoria de Redding. A lo largo de once canciones Otis muestra su enorme capacidad de adaptación coral para ofrecer momentos muy intensos como en “A Change Is Change Gonna Come” de su referente Sam Cook y otros estremecedores como en la magnífica “I’ve Been Loving You”.

No sólo Cook es homenajeado en este disco, sino que Redding decidió darle su óptica a otros temas como el clásico “My Girl”, “Wonderful Word” y la maravillosa versión de “Rock Me Baby” de B.B. King. Incluso Mick Jagger y Keith Richards aportan la letra de “(I Can’t Ge No) Satisfaction” para que Otis Redding se encargue de sellar este sensacional disco.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Cabezones – Electroshock (1995)

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Puntaje del Disco: 4

  1. Luchar hasta morir: 4
  2. Rosa4
  3. Masacre3
  4. Nuestras noches: 4
  5. Justicia: 5
  6. Uniformado de cagón4.5
  7. Realidad4
  8. No sabés nada: 3
  9. Mi sangre está con vos4
  10. Traidor4.5

A mediados de la década del noventa surgieron en la Argentina una proliferación de bandas de diversos géneros. La expansión de las influencias musicales que venían del norte fue dando lugar a nuevos estilos. Entre tantas agrupaciones que tuvieron su nacimiento por aquellos años, se encontraba Cabezones. Oriunda de la provincia de Santa Fe, esta formación tomaba muchos aspectos del hard rock y del punk.

El primer material que grabaron fue Un Grito Más, que no pasó más allá de cuatro canciones. Sin embargo, gracias a la buena relación que habían entablado los músicos con Andrés Giménez, cantante de A.N.I.M.A.L., pronto surgió la posibilidad de editar el primer disco.

Electroshok, de 1995 se transformó en el álbum debut de Cabezones. Al poco tiempo de su edición, las copias se agotaron inmediatamente. La pregunta que surge es cómo hicieron estos muchachos para vender este producto tan rápido. Y la respuesta que se me viene a la mente luego de escuchar tan sólo dos temas es: no lo sé.

Puede que la punzada en la cabeza que me aqueja tenga relación, pero este disco se tornó en una verdadera tortura para los sentidos. Si lo que querían hacer estos muchachos era hard rock, no creo que lo hayan conseguido. Desde “Luchar hasta morir”, pasando por “Realidad” hasta “Traidor”, los temas no varían y son simplemente una conjunción de ruidos que sirven únicamente si uno está en un momento de rabia. De otra manera es imposible apreciar algo de este disco. “Justicia” es quizás un destacado, por llamarlo de alguna manera; aunque se torna bastante complicado encontrar qué momentos sobresalen respecto a otros.

Lo rescatable y que es una constante en los grupos metaleros es el sentido de descontento que lleva a denunciar las injusticias de nuestra sociedad. Sin embargo, ante la falta de aptitud musical que encuentro en este disco, aquel punto a favor pasa casi desapercibido.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Ray Charles – Genius + Soul = Jazz (1961)

Puntaje del Disco: 8

  1. From the Heart: 8
  2. I’ve Got News for You: 8
  3. Moanin’: 8,5
  4. Let’s Go: 7
  5. One Mint Julep: 8
  6. I’m Gonna Move to the Outskirts of Town: 9
  7. Stompin’ Room Only: 6,5
  8. Mister C: 7
  9. Strike Up the Band: 7,5
  10. Birth of the Blues: 8

Si hay un personaje determinante en la historia del soul ese es Ray Charles fue el pionero del genero durante la década del cincuenta fusionando el blues y el gospel desde sus primeras grabaciones. Y su influencia no solo se limito a lo musical, ayudo a integrar racialmente a los Estados Unidos durante los sesenta con su sorprendente suceso que lo llevo a ser el primer afro americano en recibir el total control artístico por parte de una compañía discográfica.

Genius + Soul = Jazz (1961) es una de las mejores muestras de la cruza entre en soul y el jazz que solo Ray era capaz de hacer por ese entonces. Junto a Charles estaría la big band Count Basie Band que suena impecable de principio a fin del disco. En un disco con mayoría de temas instrumentales, lo que por momentos aburre un poco, entre los que se destacan “One Mint Julep”, “Moanin’” y “From the Heart”, también hay un par donde Charles canta que son de lo mas valioso “I’ve Got News for You” y en especial la impecable “I’m Gonna Move to the Outskirts of Town”.

Genius + Soul = Jazz fue reeditado en varias oportunidades agregándole nuevas grabaciones que habían quedado afuera del mismo con el correr de los años y fue introducido recientemente a la colección del salón de la fama del Grammy. Creado en 1973 para honrar las grabaciones de mayor calidad y relevancia de los últimos 30 años. Tal vez por momentos pueda sonar un poco anticuado pero este tipo de tesoros musicales son la memoria viva de la música y merece ser recordado y reconocido.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 2)

Miranda! – Es Mentira (2002)

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Puntaje del Disco: 5,5

  1. Bailarina: 5
  2. Hóroscopo: 3,5
  3. Romix: 4
  4. Imán: 7
  5. Tu Juego: 7
  6. Agua: 5
  7. Ven: 6
  8. Mentira: 5
  9. Tiempo: 5,5
  10. Casualidad: 5,5

Para principios de la década pasada sorprendía en los escenarios porteños un grupo particular y bizarro habitúe de fiestas electrónicas y recitales under, Miranda!, que pocos años mas tarde se convertirían en la revelación musical en Argentina de los últimos años. Formados por los cantantes Alejandro Sergi y Juliana Gattas el guitarrista Leandro “Lolo” Fuentes y el programador Bruno de Vincenti, su nombre se lo deben al actor Osvaldo Miranda, del que se declararon fanáticos y deseaban conocer, emotivo encuentro que finalmente se concreto a finales del año 2002 en un bar del barrio de Palermo.

Su primer material discográfico Es Mentira (2002) fue grabado en forma casera en la casa de Bruno de Vicenti y consiguió ser editado por el sello Secsy Discos en asociación al canal televisivo Locomotion, que aposto a ellos e impulsó con una enorme promoción al grupo, rotando todos sus videos durante su programación insesablemente. El estilo techo pop del grupo sorprendió por su originalidad. Pero ser original no es sinónimo de calidad. En Es Mentira encontramos canciones muy flojas y desconcertantes como “Agua “, “Hóroscopo”, “Romix” y “Mentira” con algunas que son bastante buenas como “Imán “y “Tu juego” que  sorprenden a los que solo escucharon sus temas mas conocidos. Pero el grado de irritabilidad que produce el resto del material no logra salvarlo a nivel general.

Tanto este disco debut como su continuación Sin Restricciones (2004), álbum que los catapulto a la fama y cosecho éxitos en toda Latinoamérica gracias a su hit “Don”, son señalados por los fans del grupo como su mejor material y el que refleja su verdadera esencia que combina melodías pegadizas con sonidos electrónicos. Afirmación que hace presagiar que si esto es lo mejor como será lo peor de este grupo que está demasiado “inflado” por la prensa desde su aparición. A pesar de esto habría reconocerles algunos meritos como la creación de algunos temas divertidos que sirven para animar alguna que otra fiesta aburrida, pero no mucho más que ello.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)