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Oblivians

Oblivians – Soul Food (1995)

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Puntaje del Disco: 5,5

  1. Viet Nam War Blues: 7,5
  2. And Then I Fucked Her: 5
  3. Big Black Hole: 5
  4. Jim Cole: 4
  5. Mad Lover: 7,5
  6. Sunday You Need Love: 6,5
  7. Never Change: 8
  8. No Reason To Live: 7
  9. I’m Not a Sicko, There’s a Plate in My Head: 7
  10. Blew My Cool: 7
  11. Cannonball: 6
  12. Nigger Rich: 7,5
  13. Bum a Ride: 5
  14. Anyway You Want It: 6
  15. Static Party: 5,5
  16. Ja Ja Ja: 5

A mediados de los noventa nacería un grupo punk que pareció una nueva generación de los Ramones: Oblivians. La banda estaba conformada por Eric Oblivian, Greg Oblivian y Jack Oblivian, imitando claramente el estilo de los Ramones para apellidarse. Lo curioso y distintivo de este trío es que los tres eran responsables por igual en las composiciones de sus canciones y en sus interpretaciones en vivo rotaban en Guitarra, Bateria y Voz (nada de bajo) como si fuera un equipo de Voley.

Musicalmente Oblivians es Garage Punk que en cierto punto es original por remitirse al rockabilly “Presleyano” que también desarrollo The Cramps en otra época. Sin embargo, la banda también es lastimosamente monótona y su álbum debut Soul Food es un buen ejemplo de ello.

Soul Food es un disco integrado por muchas canciones de uno o dos minutos de duración, que nuevamente demuestra su fuerte influencia Ramona. Estas canciones (como el genero lo sugiere) son violentas, sucias, furiosas y muy explicitas en sus letras (“And Then I Fucked Her” y “Nigger Rich” dan sobradas muestras para preguntarse qué diablos les pasa a estos tipos). Y como no podía ser de otra forma, Oblivians lamentablemente también copia la tediosa formula del éxito de los Ramones: canciones calcadas y vulgares, riffs repetitivos y ausencia general de buenos ganchos melódicos. Si le sumamos a eso una interpretación vocal estruendosa y cruda genera un coctel tan explosivo como desagradable.

A su favor Soul Food cuenta con algunos buenos riffs agresivos. Pero se pierden en la masa rabiosa del disco de forma tal que uno no recuerda un solo tema. Exceptuando a “Never Change” que es lo más memorable de Oblivians en Soul Food. Mucho más no hay para remarcar. Solo decir que a pesar de ser un disco regular, es disfrutable dentro de los estandartes del punk.

Persy

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King Crimson

King Crimson – In the Wake of Poseidon (1970)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Peace – A Beginning: –
  2. Pictures of a City: 10
  3. Cadence and Cascade: 8,5
  4. In the Wake of Poseidon: 7,5
  5. Peace – A Theme: –
  6. Cat Food: 9
  7. The Devil’s Triangle: 8

En plena etapa de efervescencia y florecimiento del rock progresivo King Crimson nos volvería a deleitar con su segundo trabajo. In the Wake of Poseidon (1970) significo la primera variante en la formación de la banda, cuando el disco salio ya Michael Giles y Ian McDonald no formaron parte de la misma, especialmente se sintio la baja de McDonald que en los principios del grupo era el principal compositor y un verdadero talento y multiinstrumentista (destacándose particularmente en el mellotron, estas partidas le dejaron el absoluto liderazgo creativo Robert Fripp aunque la falta de composiciones fuertes de McDonald se notaron de sobremanera.

In the Wake of Poseidon es generalmente uno de los trabajos de Crimson menos valorados comparándola constantemente con su excelente disco debut y criticando querer copiar la formula del éxito del mismo. Mas haya de esto se notan ciertas diferencias, una orientación mas jazzera y con menos excesos, cuenta con momentos mas que valiosos como “Cat Food”, “Cadence and Cascade” y la mas interesante de todas “Pictures of a City” no tienen desperdicio alguno.

Las idas y venidas de integrantes, una de las características principales del grupo, continuarían acentuándose luego de su segundo material se alejaría Greg Lake para formar parte de Emerson, Lake & Palmer. Por suerte Fripp el principal integrante y verdadero núcleo del sonido de la banda siempre mantuvo su liderazgo y se las rebusco para convertir a King Crimson en un grupo emblemático en la historia del rock capaz de seguir editando materiales de primer nivel por mas de treinta años y con constantes cambios en su formación.

F.V.

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Bat for Lashes

Bat for Lashes – Fur and Gold (2006)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Horse and I: 8
  2. Trophy: 7
  3. Tahiti: 6
  4. What’s a Girl to Do?: 7,5
  5. Sad Eyes: 7
  6. The Wizard: 7,5
  7. Prescilla: 7
  8. Bat’s Mouth: 7
  9. Seal Jubilee: 6
  10. Sarah: 6,5
  11. I Saw a Light: 6

Bat for Lashes es en realidad el nombre artístico de Natasha Kahn, una cantante británica que se destacó como artista revelación en 2007 luego de la salida de su disco debut “Fur and Gold”.

De padre paquistaní y madre inglesa, Natasha nació en Londres a fines de los setenta y durante la adolescencia tras experimentar actos de racismo en el colegio, encontró en la música un refugio y un modo de expresión. Se graduó en música y artes visuales en la universidad, sus primeros trabajos estuvieron influenciados por Steve Reich Susan Hiller.

Con un estilo muy parecido a Bjork y también a Siouxsie Sioux, Bat for Lashes editó su primer álbum en Septiembre de 2006. El clima despojado creado por los particulares instrumentos que la artista toca, genera una atmósfera de misterio y fantasía que bien encajarían con un cuento de leyendas nórdicas. Las alegorías a ciertas criaturas extrañas también ayudan a la formación de este singular clima.

Entre los temas más destacados del disco se encuentran “Horse and I”, “What’s a Girl to Do?” y “The Wizard” que fue el primer corte. Son en general canciones que mantienen siempre un mismo tono sin despegarse de la delicadeza de la voz de Kahn. Este punto también puede ser visto como algo flojo del material, aunque si se analiza en su conjunto, parece correcto que siga esta misma estructura. Por último, en la versión estadounidense se incluyó un bonus track del tema de Bruce Springsteen “I’m on Fire”.

Piro

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Joe Cocker

Joe Cocker – Joe Cocker! (1969)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Dear Landlord: 9,5
  2. Bird On A Wire: 8
  3. Lawdy Miss Clawdy: 8
  4. She Came In Through The Bathroom Window: 9
  5. Hitchcock Railway: 9
  6. That’s Your Business: 7,5
  7. Something: 8
  8. Delta Lady: 8,5
  9. Hello Little Friend: 7,5
  10. Darling Be Home Soon: 8,5
  11. She’s Good To Me: 6,5
  12. Let It Be: 7,5

Impulsado por el éxito de su presentación en Woodstock y por su excelente álbum debut, Joe Cocker se encontraba en el mejor momento de su carrera. Por eso no extraña que nuevamente en 1969 haya editado otro disco: Joe Cocker!.

El segundo disco de Cocker es una prolongación de lo que ya venía realizando. Una nueva colección de canciones en donde lo más destacado es su voz. Pero esta vez con una mayor abundancia de covers, algunos en donde la interpretación de Joe le da un toque distintivo y apasionante, y otros donde no le agrega mucho respecto de la versión original.

Entre los covers más destacados podemos encontrar en primer lugar el tema de Dylan “Dear Landlord”, en cual Cocker hace una versión más dinámica y divertida que la que se puede escuchar en John Wesley Harding. Tan divertida como la enérgica “Hitchcock Railway”. También hay canciones de cantautores como Leonard Cohen y John Sebastian, “Bird On A Wire” y “Darling Be Home Soon” respectivamente, que no están nada mal.

De sus adorados Beatles, en plena época de Abbey Road, Joe eligió justamente interpretar el tema de Harrison “Something”, que pese al esfuerzo y a la voz de Joe en esta chance no supera al encanto de la versión original. Lo mismo sucede con la balada “Let It Be”. Todo hace pensar que no se repetiría otro “With A Little Help From My Friends”, aunque en realidad “She Came In Through The Bathroom Window” aparece como el pop rocker beatle que prevalence sobre el resto.

Canciones de la autoría de Cocker hay muy pocas, contaron con la colaboración del pianista Chris Stainton y tampoco son las más distinguidas (la escritura no es lo suyo): “That’s Your Business” y “She’s Good To Me”. Pero el aporte de su nuevo productor Leon Russell sí sería importante, componiendo un par de canción, donde “Delta Lady” es la que más se resalta.

Esto fue lo que nos dejó el segundo disco de Cocker, otro muy buen disco, que junto a With A Little Help From My Friends conformaron lo mejor de su carrera.

Persy

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Novedades de la pagina

“Estos sí que son desconocidos… ¿Sonic Youth?”

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Palabras textuales de Homero J. Simpson, en su afán por conocer nuevos grupos que estén más de moda que los que escuchaba en su juventud. Lamentablemente, mucha gente al igual que Homero desconoce a Sonic Youth hoy en día.

Pero si hablamos de este importante grupo, su obra cumbre Daydream Nation estuvo lejos de ganar la encuesta del mes al mejor de los ochenta. En una contienda muy pareja Back in Black se consagró como el más votado con el 15,46% de los votos. Más atrás quedaron Appetite For Destruction de los Guns con el 14.43% y el álbum debut de The Stone Roses con el 13,4%.

Y para terminar este Festival de Rock Alternativo les dejamos un nuevo episodio del Seven Ages of Rock sobre Rock Alternativo:

[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=HUdQRGDzIhg]

[Parte 1] – [Parte 2] – [Parte 3.1 – Parte 3.2] – [Parte 4.1 – Parte 4.2] – [Parte 5.1 – Parte 5.2]

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Sonic Youth

Sonic Youth – Daydream Nation (1988)

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Puntaje del Disco: 10

  1. Teen Age Riot: 10
  2. Silver Rocket: 10
  3. The Sprawl: 8,5
  4. ‘Cross the Breeze: 9
  5. Eric’s Trip: 10
  6. Total Trash: 9
  7. Hey Joni: 9,5
  8. Providence: –
  9. Candle: 8,5
  10. Rain King: 8,5
  11. Kissability: 9
  12. Trilogy: The Wonder: 9
  13. Trilogy: Hyperstation: 7
  14. Trilogy: Eliminator Jr.: 8

Los neoyorquinos Sonic Youth lanzarían al mercado su quinto trabajo Daydream Nation en 1988, luego de dos primeros LP experimentales difíciles para el gran público (Confussion is Sex y Bad Moon Rising) y los dos siguientes mas accesibles que les abrieron la puerta a una audiencia mas amplio (Evol y Sister).

Daydream Nation representa una conversión en el estilo de música del grupo, desde sus raíces Noise-rock hacia una sutil combinación de experimentación con guitarra y rock alternativo. Así se dispusieron a profundizar los caminos abiertos por sus dos últimos discos, el resultado fue una obra maestra de post-punk que representaría un aire fresco, teniendo en cuenta los dominantes sonidos de la época como el pop comercial y el insoportable hair metal que copaban la creciente señal MTV y la mayoría de las radios.

El cuarteto neoyorquino prefiere orientarse hacia un sonido lo mas sucio y estridente posible, un sonido revolucionario, explosiones sonoras, estructuras imposibles y textos tan impredecibles como su sonido, ubicándose claramente en las antípodas de la escena musical de la época.

Como nunca antes en un disco del grupo sus miembros principales brillan en forma bastante pareja, Thurston Moore, aporta guitarra y las melodías más pegadizas del álbum, poniendo la voz a la explosiva “Silver Rocket” y al anti himno “Teen Age Riot”. Lee Ranaldo aporta guitarra, oscuridad y los momentos mas confusos de Daydream Nation, sobresaliendo en “Eric’s Trip” y “Hey Joni”. No menos genial es la participación de Kim Gordon, una de los personajes femeninos mas interesantes en la historia del rock, dándole voz y toda su energía a “’Cross the Breeze” y “Kissability”.

Innumerables artistas se declararon admiradores de Sonic Youth, y particularmente de Daydream Nation, que significo el momento justo de madurez del grupo, empleando el ruido y el caos como vehicula para dar rienda suelta a toda su creatividad pero incorporando conceptos mas roqueros que resultaron mas que impactantes y determinarían su sonido de aquí en adelante.

F.V.

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My Bloody Valentine

My Bloody Valentine – Loveless (1991)

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Puntaje del Disco: 10

  1. Only Shallow: 10
  2. Loomer: 9
  3. Touched: –
  4. To Here Knows When: 9
  5. When You Sleep: 8,5
  6. I Only Said: 9
  7. Come In Alone: 9,5
  8. Sometimes: 8
  9. Blown A Wish: 10
  10. What You Want: 7,5
  11. Soon: 9,5

En el año 1991 se dieron a conocer una serie de legendarios discos que marcarían un hito en la historia del rock, como Nevermind, Ten y Achtung Baby. En el mismo año también nacería un álbum que desde mi punto de vista es una maravilla del shoegazing, pero que lamentablemente quedaría en un segundo plano por los otros colosales trabajos mencionados. Ese disco es Loveless, la obra maestra de My Bloody Valentine.

Mucho tiempo y mucho dinero gastó su guitarrista Kevin Shields para grabar este disco en la búsqueda del perfeccionamiento. Y lo lograría procesando su ruido melódico de Isn’t Anything, para generar una atmósfera celestial inigualable. De alguna manera en Loveless el pelotón de guitarras típicas del rock alternativo se convierten en magia que te mantiene maravillado, estupidizado y completamente enamorado de su sustancia. Es un ensueño constante, repleto de canciones neo-psicodélicas que nos trasmiten la sensación de estar en un paraíso del cual no queremos despertar.

Mucho tiene que ver en esto no solo el cerebro de Shields para ensamblar melodías de primer nivel con guitarras experimentales, sino también el protagonismo que adquiriría Bilinda Butcher en la interpretación de las canciones. Su voz encantadora y sensual formaría parte de la mayoría de los cortes de Loveless, dándole un toque de fantasía distintivo. Esto se puede escuchar en “Blown A Wish”, donde la melodía vocal de Bilinda es irresistible. Y se repite en otro de los mejores temas del disco, “Only Shallow”, esta vez en un ida y vuelta entre guitarras estridentes y la maravillosa interpretación vocal de Butcher.

Kevin Shields tampoco se quedaría atrás y se daría el gusto de cantar bastante bien en un par de canciones como “When You Sleep” y “Sometimes”. Otra virtud notable para destacar de Shields es que los temas de Loveless no tienen estribillos, son sustituidos por sus interesantes efectos de guitarra como en “Loomer”, “I Only Said” y “Come In Alone”.

En lo que queda de Loveless podemos seguir descubriendo y redescubriendo sus apasionantes atmósferas como la psicodelia encantadora de “To Here Knows When” y el extraordinario experimento bailable “Soon”.

Lamentablemente el lanzamiento del álbum también dejaría sus consecuencias negativas como la quiebra de su compañía discográfica y la separación del grupo. Aún así, Loveless se convertiría en un disco revolucionario que transformaría a My Bloody Valentine en fuente de inspiración de bandas contemporáneas y futuras generaciones.

Persy

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Pixies

Pixies – Doolitle (1989)

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Puntaje del Disco: 10

  1. Debaser: 10
  2. Tame: 8,5
  3. Wave of Mutilation: 9
  4. I Bleed: 9
  5. Here Comes Your Man: 10
  6. Dead: 7,5
  7. Monkey Gone to Heaven: 9,5
  8. Mr. Grieves: 8,5
  9. Crackity Jones: 7,5
  10. La La Love You: 8
  11. No. 13 Baby: 9
  12. There Goes My Gun: 7
  13. Hey: 9,5
  14. Silver: 8
  15. Gouge Away: 9,5

Uno de los discos clásicos y emblemáticos en el rock alternativo y tal vez el mas importante, que marco un antes y un después, fue Doolitle (1989) el segundo trabajo de los Pixies, un batallón de grupos de los noventa de la escena alternativa que alcanzaron una gran repercusión lo citan como inspiración, transformándose en uno de los discos que mas influenciaron en la historia del rock.

Bajo la producción de Gil Norton el grupo le agrego a su sonido distorsionado y casi punk, rasgos más pop, relajados y melódicos, lo que transformaría a Doolitle en un álbum más bien ecléctico una mezcla de sonidos irresistibles. En una entrevista con Rolling Stone Francis Black dejo en claro la influencia del productor en este tema: “Este disco era el (Norton) tratando de hacernos comercial y nosotras tratando de mantenernos algo así como sucios”. Los temas más comerciales como “Here Comes Your Man”, “Hey” y “I Bleed” se conjugan de maravilla con los más agresivos como “Debaser” y “Tame” por solo nombrar algunos. Haciendo a Doolitle menos crudo que Surfer Rosa, más accesible. Las letras de Black, siempre interesantes, hacen referencias polémicas a la religión, el surrealismo, la violencia, tortura y la muerte contrastaban con la “limpieza” que el productor quiso agregarle al sonido de la banda.

El resultado no podría haber sido mejor aparte de ser uno de los discos más importantes de la década, y el que los inmortalice para la historia del rock, consiguió bastante más difusión que su antecesor y un éxito inesperado en el Reino Unido, logrando atravesar las fronteras americanas.

Es un disco de los que no se pueden pasar por alto, aun si no te consideras aficionado de la música alternativa o de los Pixies, Doolitle es el punto máximo de inspiración de un grupo simple pero particular, diferente al resto, que realmente anticipo un sonido que se venia y por algo resulto de gran inspiración para grandes grupos en especial en los noventa.

F.V.

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(Votos: 2 Promedio: 5)
Radiohead

Radiohead – In Rainbows (2007)

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Puntaje del Disco: 9,5

  1. 15 Step: 9
  2. Bodysnatchers: 9,5
  3. Nude: 9
  4. Weird Fishes/Arpeggi: 9,5
  5. All I Need: 9
  6. Faust Arp: 8,5
  7. Reckoner: 8
  8. House Of Cards: 9
  9. Jigsaw Falling Into Place: 10
  10. Videotape: 8

Durante mucho tiempo los fans de Radiohead estuvieron esperando su ansiado retorno con un nuevo disco. Hasta que se oficializó finalmente el lanzamiento de In Rainbows, donde la novedad era que podías descargarte el álbum poniendo el precio que quisieras (incluso gratis). Una estrategia de “Marketing” que se transformó en una simple peculiaridad, ya que In Rainbows es un disco por el cual vale la pena gastar dinero. Puede ser considerado tranquilamente el mejor trabajo discográfico de esta última década.

In Raindows no es tan bizarro como Kid A, ni rockero como The Bends, ni tan inmaculado como OK Computer. Sin embargo denota un progreso de lo que fue Hail to the Thief, porque en esta oportunidad Radiohead nos ofrece la mejor combinación sonidos abstractos confabulados en canciones de estructuras convencionales y fácil escucha.

De esta forma, In Rainbows se presenta como un disco oscuro siguiendo la tendencia de sus trabajos previos como Hail to the Thief, aunque en este caso sin ser tan violento, sino más bien pacífico y muy rico en texturas. Es música para naufragios, para fantasear, pensar y explorar. Abundante en baladas como las sombrías y melancólicas “All I Need”, “Videotape” y “Nude”, con Thom Yorke imponiendo su mejores melodías vocales. También con baladas más simples y cálidas como “House of Cards”, con el Sr. Yorke interpretando el tema esta vez como si fuera Bono.

Del rock alternativo guitarrero de la época de The Bends hay poco y nada. Lo más rockero es “Bodysnatchers”, un fuera de serie por su bizarro riff distorsionado. A la misma altura esta la oceánica “Weird Fishes/Arpeggi”, asombrosa por como te sumerge lentamente en un profundo mar gracias a su combinación de guitarra y percusión, hasta que finalmente tocamos fondo. Pero la mejor de todas es “Jigsaw Falling Into Place”, un clásico brillante gracias a su atmósfera alienígena derivada de sus sintetizadores fantasmagóricos y buenos cambios de ritmo marcados especialmente por la voz de Yorke.

Lo que queda del álbum le agrega más color a este arco iris radioheano. “15 Step” es un tema con arreglos electrónicos muy interesantes. “Faust Arp” es bella gracias a su melodía orquestada y barroca. Y “Reckoner” es un sonajero que acapara tu atención por completo con el uso de una maraca y su percusión.

In Rainbows es magnifico en muchos sentidos. Es de lo más notable que se hizo en lo últimos años y el mejor disco de Radiohead desde OK Computer (con lo que eso significa). Así que recomiendo comprarlo, en lugar de descargarlo.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4.5)