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Chris Cornell

Chris Cornell – Scream (2009)

4 comentarios

Puntaje del Disco: 5,5

  1. Part of Me: 5
  2. Time: 6
  3. Sweet Revenge: 4
  4. Get Up: 5
  5. Ground Zero: 5
  6. Never Far Away: 8
  7. Take me alive: 7
  8. Long Gone: 5
  9. Scream: 6
  10. Enemy: 4
  11. Other Side of Town: 5
  12. Climbing Up the Walls: 7
  13. Watch Out: 5,5
  14. (Hidden Track) Two Drink Minimum: 8

En la tapa de Scream, Chris Cornell parece estar a punto de romper su guitarra contra el suelo. Y basta escuchar las dos primeras canciones del disco para desear que lo hubiera hecho.

La experiencia de escuchar Scream deja toda una serie de profundos interrogantes. ¿Que le pasó a este buen muchacho? ¿Desde cuándo canta como Britney Spears? ¿Era necesario el uso y abuso del Auto-Tune, un recurso digital típico del pop que se utiliza cuando el cantante canta mal? No podemos decir que Chris Cornell sea un revolucionario, pero francamente se esperaba más de él que un disco deliberadamente comercial, producido específicamente para ser utilizado en cortinas de programas de televisión y escuchado por quinceañeras que se creen re-rebeldes. (El “re” es indispensable. La rebeldía ya pasó de moda, lo que se viene es ser re-rebelde. Tomen nota chicos).

Empezamos con “Part of me”. En ella, un hombre está justificándose con su novia/pareja/mujer, diciendo que tal vez pudo haber pensado estar con otra mujer, pero finalmente no lo hizo. El estribillo, que chorrea machismo, dice “esa perra no forma parte de mí”. Todo un intelectual, ¿eh? Y pensar que para escribir la letra de esta canción sólo hicieron falta… ¡seis personas! Timothy Mosley, Jerome Harmon, Johnkenun Spivery, Ezekiel Lewis, Balewa Muhammad y el propio Chris Cornell.

Musicalmente hablando, Cornell abandonó la contundencia de las guitarras eléctricas, tan características de sus anteriores bandas Soundgarden y Audioslave, para encarar su disco sazonado con lo más tipificado del R&B, hip-hop, y pop. El uso de nuevos recursos y sonoridades no es, demás está decirlo, criticable. Sólo que Chris Cornell, y su productor, Timbaland, tomaron lo más gastado de esos significantes y los usaron mal. Con la honrosa excepción de “Never Far Away”, que demuestra que hacer buen pop, hoy en día, también es posible.

Lo más triste de todo, es que cuando uno se pone a escuchar el álbum, después de pasada una hora empieza a sonar un blues con todas las de la ley y Cornell en lo mejor de su vocalización y uno dice “¡Epa! No está todo perdido”, y cuando nos queremos fijar en el título del tema, (“Two Drink Minimum”, nombre blusero si los hay) ¡resulta que es un Track oculto! Lo mejor del disco está oculto, literalmente. ¿Vergüenza de ser rockero, tal vez? ¿No quería ofender a los púberes re-rebeldes con una demostración de su verdadera habilidad musical? No lo sabremos, hasta su próximo disco.

La curiosidad: El disco debutó Nº 10 en los Billboard de Estados Unidos, siendo el primer disco de Cornell como solista que llega al top ten.  Sin embargo, a la semana siguiente bajó al Nº 65, rompiendo el récord del peor desplome de posición en la segunda semana en dos años y medio.

Barba

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(Votos: 2 Promedio: 3.5)
Jamiroquai

Jamiroquai – Emergency on Planet Earth (1993)

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Puntaje del Disco: 8

  1. When You Gonna Learn (Didgeridoo): 8
  2. Too Young to Die: 8,5
  3. Hooked Up: 6
  4. If I Like It I Do It: 7
  5. Music of the Mind: 6
  6. Emergency on Planet Earth: 7
  7. Whatever It Is, I Just Can’t Stop: 7,5
  8. Blow Your Mind: 8
  9. Revolution 1993: 7,5
  10. Didgin’ Out: 6

En 1993 Jamiroquai causó un gran impacto con la salida de su disco debut “Emergency on Planet Earth” al punto de convertirse en un clásico de la discografía británica de los últimos años del siglo pasado. La combinación de elementos del jazz, funk y hip-hop creó lo que se conoció, a fines de los ochenta y principios de los noventa en el Reino Unido, como el acid jazz. El resultado de aquella mixtura junto a destellos de soul de los setenta, dan forma a este interesante material.

El extraño nombre de la banda proviene de las sesiones de “Jam” y “iroquai” de los Iroquois, una tribu nativa americana. Liderados por el Jason “Jey” Key y encargado de las composiciones, el grupo en sus inicios tuvo en sus filas a Toby Smith en teclados, Stuart Zender en el bajo, Nick Van Gelder en la betría y Wallis Buchanan a cargo del didgeridoo (un antiguo instrumento de viento desarrollado por los aborígenes australianos). La agrupación luego sufriría varios cambios a pesar de que Jay Key fue siempre el frontman y cuyo particular sombrero hacen inconfundible su figura a Jamiroquai.

El disco abre con “When You Gonna Learn”,  lanzada originalmente en 1992 por Acid Jazz Records y que se transformó en uno de los más populares hits en la carrera del grupo. La letra expresa, con clara alusión en el título, a un llamado al despertar sobre el ambiente. “Too Young to Die” es otro clásico de Jamiroquia y uno de los puntos fuertes de “Emergency on Planet Earth”. “Music of the Mind” a modo de instrumental combina eso diversos estilos de acid jazz que la banda propone y en “Whatever It Is, I Just Can’t Stop” domina un sonido funky.

“Emeregency on Planet Earth” alcanzó los charts británicos el mismo año de lanzamiento y significó el despegue en la carrera de un grupo que supo combinar diversos estilos que hasta ese entonces no eran demasiados difundidos.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)
New Order

New Order – Power, Corruption and Lies (1983)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Age of Consent: 8,5
  2. We All Stand: 9
  3. The Village 9
  4. 586: 8
  5. Blue Monday: 10
  6. Your Silent Face: 7
  7. Ultraviolence: 8
  8. Ecstasy: 7,5
  9. Leave Me Alone: 9
  10. The Beach: 8

Si su primer álbum Movement encarno la transición entre lo que fue el sonido de Joy Division a lo que seria y representaría  New Order en la década de los ochenta, con su segundo trabajo editado en Mayo de 1983, Power, Corruption & Lies el grupo de Manchester terminaría de adquirir un nuevo estilo basado mucho mas en la electrónica y la música que en los ochenta tanto auge alcanzaría en el Reino Unido.

En esta oportunidad el grupo experimentaría de lleno en el uso de sintetizadores, representando un cambio drástico a lo que venían haciendo en Joy Division y su disco debut, al estar contaminados por la euforia de las pistas de baile y la inmediatez del pop, se inclinaron por una música melódica, muy vital. Que seria imitada por muchos nuevos grupos que surgieron en esta década.

La edición del single de más éxito en la historia del cuarteto “Blue Monday” abrió la veda del dance, y desde entonces mostraron de forma recurrente a lo largo de su producción (principalmente en la década del ochenta) una la vertiente dance con sintetizadores.

Power, Corruption & Lies nos deja algunas joyas mas haya de “Blue Monday”, como “Age of Consent”, “We All Stand”, “The Village” y “Leave Me Alone”. Mas haya de que personalmente me guste mas la búsqueda de Ian Curtis y el sonido de Joy Division corresponde reconocer a New Order como un grupo fundamental en la década de los ochenta y en popularizar el uso de la electrónica en el mundo del rock.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
The Velvet Underground

The Velvet Underground – Squeeze (1973)

2 comentarios

Puntaje del Disco: 3,5

  1. Little Jack: 5,5
  2. Crash: 4
  3. Caroline: 5
  4. Mean Old Man: 4
  5. Dopey Joe: 4
  6. Wordless: 3
  7. She’ll Make You Cry: 4,5
  8. Friends: 6
  9. Send No Letter: 3,5
  10. Jack And Jane: 4
  11. Louise: 3,5

Después de la aparición de Loaded, The Velvet Underground lentamente comenzó a desintegrarse. El primero en decir adios fue Lou Reed para abocarse en su carrera como solista. Sin Reed la Velvet ya no tenía su máximo mentor. Maureen Tucker y Sterling Morrison le siguieron los pasos. Solo quedó Doug Yule quien tomó “control de la banda”. ¿Control de la Banda? ¡¿Qué?! Realmente no se en qué estaba pensando Yule. Sin siquiera ser uno de los miembros fundadores de la banda tomó la posta para grabar un disco malísimo como Squeeze, y, encima de todo, lo hizo bajo el nombre de The Velvet Underground. Un inconciente total, un desalmado, un completo desubicado.

Retomemos un poco la historia de este letárgico culpable. Doug Yule había sido un muy buen reemplazo de John Cale. Como bajista había logrado acoplarse bien a la banda, incluso interpretando varias canciones como “Who Loves The Sun”, ayudando a imbuir uno de las mejores épocas de la Velvet. Sin embargo, en esta oportunidad se transformó en el Superman del desastre. Se encargo de componer todas las canciones, tocando mayoría de instrumentos (un detalle no menor: la bateria estuvo a cargo de Ian Paice de Deep Purple) y hasta lo produjo por su cuenta. El resultado fue Squeeze, un disco de pop/rock muy convencional, plagado de canciones inmundamente “normales” y desechables que nada tienen que ver con la historia, el legado y la música de la Velvet Underground. Ni siquiera el sonido de Loaded, el disco más pop de la verdadera Velvet, se acerca un poco a esta pavorosa obra de Yule.

Es un completo desastre donde nada es rescatable. Tal es así que me cuesta mucho hablar de las canciones individualmente o encontrar alguna que haga la diferencia sobre el resto. Por ahí una pizca de la balada “Friends”, auque en realidad también es media pobre. El resto de los temas van desde lo mediocre hasta lo insufrible. Para escuchar y llorar de la desolación noches enteras.

Squeeze sería tan despreciado por todo el mundo que con el tiempo dejó de considerarse parte de la discografía oficial de The Velvet Underground. Y al poco tiempo de realizarlo, como era de esperarse, The Velvet Underground terminó disolviéndose en forma definitiva.

Persy

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(Votos: 2 Promedio: 3.5)
Moby

Moby – 18 (2002)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. We Are All Made of Stars: 9
  2. In This World: 8,5
  3. In My Heart: 7
  4. Great Escape: 8
  5. Signs of Love: 8
  6. One of These Mornings: 8
  7. Another Woman: 7,5
  8. Fireworks: 8
  9. Extreme Ways: 8,5
  10. Jam for the Ladies: 8,5
  11. Sunday (The Day Before My Birthday): 8
  12. 18: 7
  13. Sleep Alone: 7,5
  14. At Least We Tried: 9
  15. Harbour: 8,5
  16. Look Back In: 7
  17. The Rafters: 8
  18. I’m Not Worried at All: 8,5

Tres años le tomaron a Moby asimilar la fama, el éxito mundial y buenas críticas que finalmente recibió con su quinto álbum Play, para luego editar un disco con dieciocho temas que suenan más bien como la continuación de su antecesor, y al que simplemente nombro 18. Se puede decir que 18 es un paso al costado en la carrera de Moby no avanzo demasiado pero siguió manteniendo la calidad, perfecta generación de climas y detalles que logro alcanzar en Play.

El disco cuenta con una gran cantidad de artistas invitados, la más ilustre y que mejor resultado consigue es la vocalista irlandesa Sinead O’Connor en la bella “Harbour”. Los temas que mas se difusión alcanzaron fueron “We Are All Made of Stars” y “Extreme Ways” que junto a “At Least We Tried”, “Jam for the Ladies” y “In This World” son los tracks mas logrado en este trabajo.

18 No será recordado como lo mejor y más inspirado de Moby artísticamente pero lo cierto es que lo encuentra en el mejor momento de su carrera y muestra la gran la virtud de mantenerse y no bajar el nivel de sus composiciones cosa que lamentablemente se ve con frecuencia en la industria musical en los últimos años.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Queen

Queen – A Day At The Races (1976)

2 comentarios

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Tie Your Mother Down: 8
  2. You Take My Breath Away: 6
  3. Long Away: 7
  4. The Millionaire Waltz: 7,5
  5. You And I: 7
  6. Somebody To Love: 9
  7. White Man: 6,5
  8. Good Old-Fashioned Lover Boy: 7,5
  9. Drowse: 6
  10. Teo Torriatte (Let Us Cling Together): 7

Sería difícil para Queen superar la performance de “A Night At The Opera”, disco que forjó gran parte de la mística de la banda inglesa. Como sucede en la mayoría de los casos, el siguiente trabajo no superaría a su antecesor, sin embargo, en “A Day At The Races” surgirían otros grandes hitos en la carrera del grupo. También inspirado en el título de un film de los hermanos Marx, el quinto álbum de estudio salió a la venta a fines de 1976.

Si bien podrían ser parecidos, “A Day At The Races” presenta un sonido diferente a “A Night At The Opera” ya que en esta ocasión abunda más el piano y las canciones casi sinfónicas. Antes de “Tie Your Mother Down”, uno de los puntos altos del disco, un instrumental de un minuto inicia un círculo que concluye con “Teo Torriatte”, semejante a los discos conceptuales de Pink Floyd. “You Take My Breathe Away” fue compuesta y grabada por Freddie en escala armónica menor mientras que las voces en “Long Away” están a cargo de Brian May.

Un tema destacado que no tuvo la misma repercusión que otros como “Good Old-fashioned Lover Boy” (incluido en “Greatest Hits” a pesar de no ser una gran pieza) es “The Millionaire Waltz”, una canción de múltiples ritmos al estilo “Bohemian Rhapsody”. Si de referencias a los mejores temas de Queen se trata, “Someebody to Love” llena ese formulario con creces. Una fantástica canción que combina arreglos de góspel para producir las voces de los músicos en forma de coro.

Cerrando el disco, Queen dedica una pieza a sus fanáticos de Japón y como en “Las palabras de amor”, “Teo Torriatte” contiene dos versos en el idioma nipón y se caracteriza también por ser el único que no incluye el piano de Freddie.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Garbage

Garbage – Garbage (1995)

1 comentario

Puntaje del Disco: 9

  1. Supervixen: 8,5
  2. Queer: 9
  3. Only Happy When It Rains: 9,5
  4. As Heaven Is Wide: 8
  5. Not My Idea: 8
  6. A Stroke of Luck: 8
  7. Vow: 9
  8. Stupid Girl: 9
  9. Dog New Tricks: 8,5
  10. My Lover’s Box: 7,5
  11. Fix Me Now: 7
  12. Milk: 7

Garbage fue uno de los grupos alternativos mas interesantes que surgió en la década del noventa. Formados por la sexy cantante escocesa Shirley Manson, anteriormente vocalista del pequeño grupo de ese país Goodbye Mr. Mackenzie, y los músicos americanos Duke Erikson, Steve Marker y Butch Vig. Quisaz este último nombre les resulte familiar, Butch antes de ser baterista de Garbage se habia destacado por ser un reconocido productor del ambiente alternativo norteamericano habiendo participado en la producción de discos emblemáticos como Nevermind de Nirvana, y de otras estrellas en ese ámbito como Sonic Youth y Smashing Pumpkins. Grupos que sin duda adquirieron un estilo característico y repletos de sonidos hasta el momento poco utilizados que también influirían en la música de Garbage.

Su disco debut Garbage (1995) fue un inesperado éxito vendiendo mas de 4 millones de copias a nivel mundial y especialmente lograron destacarse en Europa donde fueron elegidos en varios encuestas como la revelación del año.

En el disco el grupo se inclina por guitarras podridas, pulsos electrónicos y un sonido pop que estaba dado mas que nada por la voz de Manson.

Rapidamente los singles “Only Happy When It Rains” y “Stupid Girl” arrasaron en todas las radios y se convirtieron en canciones emblemáticas del grupo, pero otros temas interesantes “Vow”, “Supervixen” y “Queer” también representarían la búsqueda que Garbage recién iniciaba y los posicionaría entre las bandas alternativas mas interesantes de Estados Unidos, tomando cosas de grupos que claramente los influenciaron como My Bloody Valentine, Sonic Youth, entre otros pero transformándolo en rock alternativo mas pop y accesible para el gran publico.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Aerosmith

Aerosmith – Draw the Line (1977)

1 comentario

Puntaje del Disco: 6

  1. Draw The Line: 8,5
  2. I Wanna Know Why: 8
  3. Critical Mass: 7,5
  4. Get It Up: 6,5
  5. Bright Light Fright: 6
  6. Kings And Queens: 4,5
  7. The Hand That Feeds: 6
  8. Sight For Sore Eyes: 4,5
  9. Milk Cow Blues: 6

Rocks se transformaría en el trabajo discográfico más propicio de Aerosmith. Su importancia sería tan alta para la banda que todos sus trabajos posteriores no pudieron alcanzarlo.

Draw the Line es el primer caso de retracción en su carrera. Al escucharlo por primera vez deja un sabor desconcertante. Uno se pregunta ¿Dónde quedó ese excelente nivel que habían logrado? Al parecer su cuota de éxito se estaba extinguiendo y por eso Draw the Line parece un intento de Aerosmith por hacer algo con la absoluta necesidad de propagar su buen momento. Como resultado el hardrock de Aerosmith se torna en algo genérico y muy poco interesante. Se transforma en algo que cualquier banda semidecente puede hacer: poco memorable, sin la firmeza de Rocks, sin clásicos como en Toys in the Attic y, por sobre todo, poco pensado.

Draw The Line es una aglomeración de canciones de hardrock en las cuales Aerosmith en lo único que se preocupa es por romper traseros con su máxima vulgaridad posible. Entre ellas la única destacada es agraciadamente “Draw the Line”, simplemente por su buen riff. En el resto justamente lo que están ausentes son los buenos riffs de Joe Perry y hay un enorme vacío de ideas. Aún así el disco no es tan horrible. Estos maléficos cortes por separado califican (con la mínima), pero en conjunto lo único que pueden generarte es un fuerte dolor de cabeza, como en la repetitiva “Sight For Sore Eyes”. Y en algunos casos alteran los nervios como en la power ballad “Kings And Queens”, sobre la cual tenía un poco más de expectativas por el solo hecho de ser el segundo tema más destacado del disco. Pero la verdad, busca recrea una fabula como la de Zeppelin en “Stairway to Heaven”, tratando de transmitir una intensidad emocional que nunca logran y encima con una letra malísima sobre vikingos, doncellas y otras cosas trilladísimas (seamos honestos, las letras nunca fueron el fuerte de Aerosmith).

Draw The Line marcaría la transición a hacia una de sus peores etapas y sería el último álbum de la formación original de Aerosmith en los setenta antes de su separación y retorno en la siguiente década.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)