Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Gong – Angel’s Egg (Radio Gnome Invisible, Pt. 2) (1973)

Gong - Angel's Egg (Radio Gnome Invisible, Vol. 2) (1973)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Other Side Of The Sky: 8,5
  2. Sold To The Highest Buddha: 8,5
  3. Castle In The Clouds:
  4. Prostitute Poem: 7,5
  5. Givin’ My Luv To You:
  6. Selene: 8
  7. Flute Salad:
  8. Oily Way: 7,5
  9. Outer Temple:
  10. Inner Temple: 8
  11. Percolations:
  12. Love Is How You Make It: 9,5
  13. I Never Glid Before: 9
  14. Eat That Phone Book Coda: 8,5
  15. Ooby-Scooby Doomsday or The D-Day DJ’s Got The DDT Blues: 8

Angel’s Egg es la segunda parte de la trilogía de Gong conocida como Radio Gnome. Aquellos que escucharon Flying Teapot, pueden quedarse tranquilos, porque la calidad se mantiene respecto de lo que fue su prometedora primera entrega.

De hecho, no hay grandes variaciones en el estilo de la banda. El rock espacial de atmosferas flasheras, cuasi psicodélicas, combinadas con Jazz es brillante. Se siguen resaltando los pasajes instrumentales con tramos que son realmente surrealistas para meternos de lleno en la mitología de Gong.

De todas formas tengo que decir que Angel’s Egg no es tan sólido como su predecesor.  Empiezan a aparecer cortes que suenan más a relleno.  Y por otra parte, la primera parte es buena, pero lo más divertido y destacado del álbum lo encontramos recién sobre el final. Es decir, hay que pasar por 11 canciones antes de llegar a lo mejor. Aunque no es un camino tortuoso. Para nada. La experiencia bizarra que ofrece Gong  siempre es un atractivo. Y cuando llegamos a “Love Is How You Make It”, sentimos una gran gratificación, por su excelente melodia pop/psicodélica donde se destaca su marimba. “I Never Glid Before” lo sucede como el mejor tema en materia de su rock progresivo jazzero.

Si todavía no escucharon a Gong haganlo. Es una de esas bandas que uno siente gusto por haberla descubierto al escucharla por primera vez.

Persy

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Keith Richards – Main Offender (1992)

Keith Richards - Main Offender (1992)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. 999: 8
  2. Wicked as It Seems: 9
  3. Eileen: 8,5
  4. Words of Wonder: 6,5
  5. Yap Yap: 7,5
  6. Bodytalks: 7
  7. Hate It When You Leave: 7,5
  8. Runnin’ Too Deep: 7,5
  9. Will But You Won’t: 7
  10. Demon: 7,5

La curiosa carrera solista de Keith Richards, guitarrista y alma de los Rolling Stones, parecía estar acabada contaba al menos hasta hoy con dos incursiones: Talk Is Cheap (1988) y Main Offender (1992), pero hace pocos días sorprendió al anunciar que tiene un nuevo disco terminado y que seguramente saldrá en Septiembre de 2015, más de veinte años después de su ultima experiencia por su cuenta.

Centremosnos ahora en el segundo Main Offender. Lanzado entre los ambiciosos proyectos con maratónica gira incluida de sus majestades satánicas Steel Wheels y Voodoo Lounge. Contó con el apoyo de su anterior colaborador Steve Jordan y el agregado de Waddy Wachtel en producción y fue trabajado y perfeccionado por el artista en California y Nueva York durante seis meses de Marzo a Septiembre de 1992, para lanzarse finalmente en Octubre de este mismo año.

Al igual en Talk Is Cheap estamos ante un material recomendable, un valioso listado de temas, dejando en claro lo creativo y enfocado que se encontraba Keef por aquellos años, se lucen “999”, “Eileen” y “Wicked as It Seems”, quizás la más conocida de todo el repertorio. Se dice que Mick Jagger se inspiró en aquel single para lo que sería la onda y el estilo de su siguiente hit “Love Is Strong”.

F.V.

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Rammstein – Rosenrot (2005)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Benzin: 7,5
  2. Mann Gegenn Mann: 8,5
  3. Rosenrot: 8,5
  4. Spring: 7,5
  5. Wo Bist Du: 6,5
  6. Stirb Nicht Vor Mir: 6
  7. Zerstoeren: 8
  8. Hilf Mir: 7,5
  9. Te Quiero Puta!: 9
  10. Feuer Und Wasser: 7
  11. Ein Lied: 5

Rosenrot es el quinto álbum de estudio de la banda alemana Rammstein, fue lanzado al mercado mundialmente en 2005. Este disco fue un punto más comercial para la banda y es quizás el más vendido de ellos, aunque este considerado el peor del grupo. Tal vez no va a decepcionar a los que busquen un nuevo sonido en la banda, pero aquellos que estabamos acostumbrados al sonido clásico de la banda, mejor evitarlo.

Como ya se venía desperdiciando el synth-rock en Reise, Reise, con Rosenrot remataron el trabajo. Ya no suenan a synth pop como los primeros 2 trabajos, sino que ahora se ofrecieron por hacer un trabajo muy metalero con riffs muy sucios, incluyendo de vez en cuando trompetas. El uso de sintetizadores es escaso, solamente en temas como «Wo Bist Du» se escuchan. Lo malo del álbum es eso, que es mucho más simple que sus otros LPs, y también hay puntos bajos que desvirtuan la imagen y el sonido de Rammstein. Temas como «Stirb Nicht Vor Mir» o «Ein Leid» lo demuestran. La primera es más una canción de grupos de los 90’s, nada nuevo, y no hablemos de la segunda que parece más un tema de cuna que una de Rammstein. Sin dudas la peor del disco y quizás la peor de la banda también.

Pero no nombremos los puntos bajos del disco, también están esas canciones como «Mann Gegen Mann» y «Rosenrot» que respetan la imagen de la propia banda, tenemos también la pesadísima «Zerstoeren», y lo más raro del disco, es la canción «Te Quiero Puta!», la única canción de Rammstein en español. Muchos la consideran la peor del disco, para mí es la canción más negra de la banda. Probablemente sea esa letra llena de perversión (y de mala pronunciación) y ese ambiente mexicano con trompetas mezclado con el típico sonido de la banda es lo que me hace echar unas risas cuando la escucho. Para mi gusto es el punto más alto del álbum.
Por cierto las letras ya no tienen tanto poder y expresión como las de los primeros CDs, son buenas pero les falta ese algo que si tenían Herzeleid, Sehnsucht y Mutter.

Puedes odiar o amar Rosenrot, pues es el peor disco de Rammstein aunque eso no quiere decir que sea malo. Pero como ya dije, los que estabamos acostumbrados a esos adictivos sintetizadores con música pesada van a decepcionarse con este trabajo. Algo recomendable.

Toto

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(Votos: 1 Promedio: 5)

America – Homecoming (1973)

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Puntaje del Disco: 8.5

  1. Ventura Highway: 9
  2. To Each His Own: 8
  3. Don’t Cross the River: 8.5
  4. Moon Song: 8
  5. Only in Your Heart: 9
  6. Till the Sun Comes Up Again: 8.5
  7. Cornwall Blank: 7.5
  8. Head and Heart: 8.5
  9. California Revisited: 8
  10. Saturn Nights: 8

Luego del exitoso disco debut, America editó el 1973 Homecoming, uno de los más brillantes y destacados materiales en la carrera del grupo. Basado en la guitarra acústica como principal instrumento, a diferencia del trabajo anterior, los sonidos se presentan más electrónicos y con una mayor injerencia de los teclados, en detrimento, de los instrumentales.

Claro y colorido es como se plantea Homecoming, con mixturas de variados sonidos, a lo largo de los diez temas. Desde “Ventura Highway”, uno de los mayores clásicos de la banda, pasando por “Don’t Cross the River” hasta “California Revisited”, de lo más rockeros del disco.

Caluroso y a la vez dinámico, Homecoming, se ubicó en los primeros lugares de los charts y le dio a America el rumbo para continuar en el camino de éxito.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)

Of Montreal – The Gay Parade (1999)

Of Montreal – The Gay Parade (1999)

Puntaje del Disco: 8

  1. Old Familiar Way: 8,5   
  2. Fun Loving Nun: 8
  3. Tulip Baroo: 8,5
  4. Jacques Lamure: 9
  5. The March of the Gay Parade: 7
  6. Neat Little Domestic Life: 8
  7. A Collection of Poems About Water: 8,5
  8. Y the Quale and Vaguely Bird Noisily Enjoying Their Forbidden Tryst/I’d Be a Yellow Feathered Loon: 6,5
  9. The Autobiographical Grandpa: 7,5
  10. The Miniature Philosopher: 7,5
  11. My Friend Will Be Me: 7
  12. My Favorite Boxer: 8
  13. Advice From a Divorced Gentleman to His Bachelor Friend Considering Marriage: 8
  14. A Man’s Life Flashing Before His Eyes While He and His Wife Drive off a Cliff Into the Ocean: 8
  15. Nickee Coco and the Invisible Tree: 7,5
  16. The Gay Parade Outro: –

Of Montreal podría considerarse la definición viviente de banda prolífica, a lo largo de sus actuales dieciocho años de existencia nunca han dejado pasar más de dos años entre cada lanzamiento de sus discos. Pero aun mas sorprendentemente fue que sus primeros tres discos fueron presentados de forma anual; el último de estos es The Gay Parade.

Nuevamente Kevin Barnes se decidió a crear un disco pseudo-conceptual que acrecentase sus gustos Vaudevillianos, algo que había reflejado en sus anteriores dos trabajos, con la diferencia de que en este nuevo trabajo se refleja mas orden y más gancho en las composiciones, pero aun más evidente es el cambio del estado de ánimo que refleja el disco, mientras The Bedside Drama poseía un toque depresivo y de resignación, The Gay Parade es colorido, alegre y glamoroso.

El concepto del disco es contar crónicas acerca de las vidas diarias de un grupo de personajes que en conjunto conforman “el desfile gay” (en la portada del disco se pueden observar dichos personajes en tal desfile), excéntricos y alocados, dichos personajes dan lugar a historias bizarras, algo muy propio de esta banda.

La música de este trabajo muestra una evolución en el sonido de Of Montreal; las guitarras acústicas dan paso al piano, el teclado deja lugar al pop experimental, los sonidos festivos y cirquenses predominan dando un aire relajado. Los coros vocales armónicos al estilo de Rubber Soul de The Beatles están presentes, recalcando la fascinación de Of Montreal por la música de finales de los sesentas/principios de los setentas. Pero el mayor progreso es la perdida de la linealidad en los temas; ya hay mas variaciones dentro de las mismas canciones y sobretodo empiezan a aparecer más clásicos de la banda: la ascendente  “Jaques Lamure”, la inocente “Old Familiar Way”, el ataque de rimas que es “Tulip Baroo”.

Añadiendo piezas solidas como “Fun Loving Nun”, “Neat Domestic Life”  y “My Favorite Boxer” se tiene como resultado un progreso en el camino artístico de la agrupación.

Por sus cualidades y ambiente, The Gay Parade es considerado como el mejor disco de la etapa inicial de Of Montreal (1997-2002),  por lo que es el recomendado para familiarizarse con el Of Montreal que hacia Twee Pop, antes de que Barnes comenzara a volverse más complejo.

Gera Ramos

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(Votos: 0 Promedio: 0)

David Bowie – Never Let Me Down (1987)

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Puntaje del Disco: 4,5

  1. Day-in Day-out: 5
  2. Time Will Crawl: 4,5
  3. Beat Of Your Drum: 6
  4. Never Let Me Down: 5,5
  5. Zeroes: 5,5
  6. Glass Spider: 6
  7. Shining Star (Makin’ My Love): 4,5
  8. New York’s In Love: 4,5
  9. ’87 and Cry: 4,5
  10. Bang Bang: 4,5

Tonight, pese a ser la pesadilla que nos regaló David Bowie en la década de los ochenta, tuvo su éxito a nivel comercial. De hecho, fue creado para eso y es su principal virtud. Para su siguiente trabajo, no abandonaría esa tendencia, y Bowie volvería a hacer un disco de dance pop con Never Let Me Down.

Totalmente consumido y sumergido por la década asesina, el Duque Blanco nos ofrece un disco que como decía no varía prácticamente de lo que fue su predecesor. La producción horrible, el bajo nivel compositivo y las melodías pop orientadas a lo hueco y al mainstream del momento son común denominador en Never Let Me Down.

Así que el álbum es obviamente malo. Su sonido te agota y sus 50 minutos de duración se hacen eternos. Pero no llega a ser tan deplorable como Tonight. Tal vez porque hay una pisca de experimentación, que no tiene todas las luces pero que se puede notar en números como “Glass Spider”, que parece futurista. También se puede destacar que con mucho esfuerzo se puede encontrar alguna melodía potable en “Beat Of Your Drum” y la homónima “Never Let Me Down”, pero lamentablemente esa caja de sonidos de su tétrica producción las terminan arruinando.

No hay mucho más que decir. Es otro disco inaguantable por el uso intensivo de lo que es cliché en una época, que todo seguidor de Bowie debería omitir de su discografía.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 4 Promedio: 3)

The Sunshine Underground – Nobody’s Coming to Save You (2010)

The Sunshine Underground - Nobody's Coming to Save You (2010)

 Puntaje del Disco: 7,5

  1. Coming to Save You: 8,5
  2. Spell It Out: 7
  3. We’ve Always Been Your Friends: 7,5
  4. In Your Arms: 7
  5. A Warning Sign: 8
  6. Change Your Mind: 7,5
  7. Any Minute Now: 7
  8. Here It Comes: 7,5
  9. One by One: 7,5
  10. The Messiah: 8

Nobody’s Coming to Save You, es el título escogido para su segundo álbum por la banda de indie rock electrónico The Sunshine Underground, quienes habían generado buenas impresiones y mucha aceptación gracias a su debut y se encontraba ante la dificil tarea que significa consolidarse y no ser solo parte de una moda pasajera.

El esperado segundo paso se materializó en Febrero de 2010 y musicalmente hablando la banda proveniente de Leeds demostró estar a la altura y es inclusive un poco mejor con grandes temas como “Coming to Save You”, “A Warning Sign” y “The Messiah”. El problema fue comercialmente donde el grupo no logró despegar ni igualar su anterior performance y caería desde entonces en la total intrascendencia.

Craig Wellington, frontman de la banda, regaló algunas reflexiones sobre Nobody’s Coming to Save You y el futuro de la banda en aquella época. Sobre su flamante disco decía lo siguiente: “Nos tomó como tres años hacerlo, fue bastante tiempo ya que fue entre el 2006 y 2007 que salió nuestro primer disco. Ahora queríamos hacer algo más osucro y más pesado, diferente a nuestro debut.”

Para cerrar les dejamos su reflexión sobre el crecimiento de bandas como The Sunshine Underground gracias a las nuevas tecnologías como los blogs o revistas electónicas, por fuera de los medios tradicionales de difusión: “Sin duda es muy importante, ya que nosotros no tenemos todo el presupuesto de una gran disquera para poder promocionarnos en todos lados. Lo nuestro es más bien que los fans hablen y escriban sobre nosotros, el clásico boca en boca. Además, puedes tener contacto directo con otras bandas, hablar con ellas y hacer amistad e invitarlos a tus shows. Sin duda eso ayuda a las bandas pequeñas a darse a conocer.”

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Incubus – S.C.I.E.N.C.E. (1997)

Incubus - S.C.I.E.N.C.E. (1997)

Puntaje del Disco: 9

  1. Redefine: 8
  2. Vitamin: 8
  3. New Skin: 9,5
  4. Idiot Box: 9
  5. Glass: 8,5
  6. Magic Medicine: 5
  7. A Certain Shade of Green: 9,5
  8. Favorite Things: 8
  9. Summer Rommance (Anti-Gravity Love Song): 8,5
  10. Nebula: 9
  11. Deep Inside: 8,5
  12. Calgone: 8,5

Tras el fracaso de su pésimo debut en 1995, Incubus decidió cambiar y dar un paso más adelante con S.C.I.E.N.C.E. de 1997, para algunos el mejor álbum de la banda y sin duda el más pesado. Otros prefieren quedarse en el estilo que enfocaron sus siguientes discos, Make Yourself de 1999 y Morning View del 2001. Pero ahora concentrémonos en este. En la portada del álbum se usó por segunda y última vez de icono a un tío bigotudo. La primera fue en el EP Enjoy Incubus. Fuentes aseguran que ese fue el profesor de ciencia de la banda mientras estaban en su período musical. El logo de los Incubus cambió totalmente a un estilo más común y no tan irreconocible como el anterior.

Pese a que no escuche el debut de los Incubus, les puedo asegurar que van a disfrutar de este LP. La influencia que dejó en muchas bandas fue impresionante que hasta pudo haber iniciado la moda del Nu Metal si sacaban otro álbum similar a este. Pero al final cambiaron el estilo. S.C.I.E.N.C.E. es uno de los LP más cañeros y diversos que se pueden encontrar en el Metal. Podría decir que es como que si Red Hot Chili Peppers o Faith No More hicieran un jam session con Primus, de las primeras bandas Funk Metal, donde se nota la gran cantidad de recursos que influenciaron a S.C.I.E.N.C.E.

En el álbum el bajista Dirk Lance explota su instrumento por completo, crea unas espectaculares líneas que suenan al propio Les Claypool (cantante y bajista de Primus, espectacular bajista). Mike Einziger es todo un monstruo en la guitarra y la fuerza Funk, Nu, Jazz Fussion, etc… que pone al disco es interminable. En esa formación DJ Lyfe, estaba presente y utilizaba mucho el Scratching característico en esa época para muchos álbumes del Underground Rap, pero él lo hizo en un álbum de Metal. Brandon Lloyd Se mostraba mucho más influenciado por un montón de cantantes como Maynard James Keenan, Mike Patton y Anthony Kiedis por su forma de cantar en este LP, cosa que cambiaría mucho con el siguiente álbum. Luego, la batería de José Pasillas logra cambios de ritmo constantísimos que retumban en nuestras cabezas y nos dejan sin respiro.

Desde el primer riff sucio de Einziger «Redefine» con los scratching nada comunes en el Metal y funk de todos los instrumentos con el Rapeo de Lloyd, el disco engancha por completo. Luego, otros temazos se presentan en el trabajo como la pesada «New Skin» con un djembe tocado de manera magistral de Lloyd y acompañado de esos pesadisimos riffs de Einziger. Le sigue «Idiot Box» y «Glass» que no dejan respiro. Lamentablemente el rollo se corta con «Magic Medicine», un instrumental de scratching que mejor es ponerlo en un disco de Hip Hop más que este (pista de relleno). Después se estampa fuertemente «A Certain Shade of Green», la mejor del álbum. Ah,  se me olvido nombrar que lo más característico de S.C.I.E.N.C.E. son los excesivos cambios de ritmo sin perder improvisación. «A Certain Shade of Green» es la que más cambios de ritmo tiene en ese sentido.

Esperen, no solo una cantidad de instrumentos como el Bombo y Djembe son utilizados, también hay elementos de Jazz Fussion en «Summer Romance (Anti-Gravity Love Song)» y por lo tanto saxofones son aprovechados aquí, este es el track más tranquilo del album. En cambio, «Nebula» tiene constantes cambios de ritmo pero sin sentido, aquí Einziger juega con las guitarras y el carácter divertido y estúpido de la canción. Podría haber sido muy influyente para bandas como System of a Down, al menos en su debut. «Deep Inside» se caracteriza por tener elementos de Soul y R&B. Eso sí, también explotan los instrumentos para hacerla más agresiva por momentos y además tiene 2 excelentes solos de guitarra. El álbum finaliza con la psicodélica «Calgone», arrancando con un acorde acústico acompañado de una voz sucia de Brandon y sonidos espaciales para luego, ya saben, explotar todos los instrumentos.

Encasillar en un solo género a S.C.I.E.N.C.E. es casi imposible. Con la gran cantidad de influencias que Incubus tuvo en este período, se podría decir claramente que con este disco querían innovar. Lo mejor es eso, pero a la banda nunca le fueron bien los principios y decidieron quedar en evolucionar a su propio sonido con sus siguientes LP. Esto no le gusto al bajista Dirk Lance, por lo cual se retiró en 2003 antes de la salida de A Crow Left of The Murder…, también DJ Lyfe se marchó en 1998 y fue reemplazado por Chris Kilmore.

En fin, es un álbum innovador, experimental y con muchas canciones originales que no suenan para nada a ningun artista. Muy recomendable.

Toto

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4.5)

Foreingner – Foreigner (1977)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Feels Like the First Time: 8
  2. Cold as Ice: 8.5
  3. Starrider: 7.5
  4. Headknocker: 7
  5. The Damage Is Done: 7
  6. Long, Long Way from Home: 8
  7. Woman Oh Woman: 7.5
  8. At War with the World: 8
  9. Fool for You Anyway: 8
  10. I Need You: 7

Después de la disolución de Leslie West Band en 1976 el músico británico Mick Jones se instaló en la Ciudad de Nueva York impulsado por el manager Bud Prager, para continuar con sus composiciones en suelo norteamericano. Pronto Jones conoció al saxofonista y ex miembro de King Crimson Ian McDonald y al baterista Dennis Eliot. Junto a Al Greenwood en teclados, Ed Gagliardi en bajo y Luo Gramm como vocalista, sembraron las bases de una nueva agrupación.

Foreigner editó su primer disco homónimo en 1977 en un momento en el cual la escena musical se encontraba dominada por el punk rock. Como Boston o Journey Heart, Foreigner se encargó de incluir una oleada de pop rock a los últimos años de los setenta, con temas sonaron en las principales radios. “Feels Like The First Time” fue el primer sencillo y uno de los más populares en la carrera del grupo.

Sobre la base de buenos instrumentos, las composiciones y sobre todo el profesionalismo de los músicos se han convertido también en grandes clásicos “Cold as Ice” y “Long, Long Way from Home”, que hacen de éste un interesante y esencial disco de finales de los setenta.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Southside Johnny and The Asbury Jukes – I Don’t Want To Go Home (1976)

Southside Johnny & The Asbury Jukes

Puntaje del Disco: 9

  1. I Don’t Want to Go Home: 9
  2. Got To Get You Off My Mind: 9
  3. How Come You Treat Me So Bad: 8
  4. The Fever: 9
  5. Broke Down Piece of Man: 8
  6. Sweeter Than Honey: 9
  7. Fanny Mae: 8
  8. It Ain’t the Meat (It’s the Motion): 8
  9. I Choose To Sing the Blues: 8
  10. You Mean So Much to Me (with Ronnie Spector): 9

Acompañando el notable suceso de Born to Run de Springsteen, un año antes otra banda de Asbury Park comenzaba sus incursiones editando su primer disco I Don’t Want to Go Home para el sello Epic.
Liderados por el vocalista John Lyon más conocido en el mundillo como Southside Johnny, se hicieron camino en los bares de la ciudad a base del sonido emergente del sello Stax. Entre sus filas contaban con Miami Steve Van Zandt que por ese entonces y al concluir la empresa decidió enfilar hacia la E Street Band pero dejando un par de buenas canciones para el debut como los super exitazos “I Don’t Wanna Go Home”, “How Come You Treat Me So Bad” y “Sweeter Than Honey”, además de una excelente producción.

Dos veteranos del ambiente de Jersey como Ronnie Spector (“You Mean So Much To Me”) y Lee Dorsey (“How Come You Treat Me So Bad”) aportaron su talento junto a un puñado de clásicos soul del catálogo de Solomon Burke, Steve Cropper, Bobby Brown y Ray Charles.

Por supuesto el jefe máximo de la ciudad también hizo lo suyo con “The Fever” y “You Mean So Much To Me” acercando gran cantidad de fanáticos springstinianos atraídos por este debut.

Southside Johnny and The Asbury Jukes, una banda de forajidos con más de cuarenta años en la ruta siguen hoy en día demostrando que el aire de Asbury Park tiene algo especial.

Luther Blues

Tu puntuación
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