Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Hard to Believe: A Kiss Covers Compilation (1992)

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Puntaje del Disco: 7

  1.  Detroit Rock City (Bullet LaVolta): 8
  2. Parasite (Smelly Tongues): 7
  3. Snowblind (Skin Yard): 7
  4. Deuce (Hellmenn):  6
  5. Christine 16 (All): 7
  6. Dr. Love (Hullabaloo): 6
  7. God of Thunder (Melvins): 7.5
  8. Beth (Coffin Break): 5
  9. Rip It Out (Chemical People): 6.5
  10. I Want You (King Snake Roost): 7
  11. Do You Love Me? (Nirvana): 6
  12. Lick It Up (Hard-Ons): 6.5

Entre los distintos álbumes tributo a KISS, tal vez el más destacado haya sido Hard to Believe: A KISS Covers Compilation; no sólo por ser el primer disco editado homenaje a una de las bandas más longevas en la historia del rock, sino también por la calidad de las bandas y artistas que a principios de los años noventa participaron y que tiempo después, sus carreras siguieron por la senda del éxito.

El caso más resonante es la versión de Nirvana de “Do You Love Me?”, que por entonces aún no había explotado como la banda ícono del grunge, y que contó con Jason Everman en guitarra, siendo uno de los dos únicos temas grabados con su participación. Aunque esta interpretación del clásico de Kiss muestra que todavía Nirvana estaba en búsqueda de su sonido, el disco presenta mejores versiones, como es el caso de “Detroit Rock City” a cargo de Bullet LaVolta, que le imprimió una impronta más rockera que el tema original.

Más adelante está una versión bastante pop de «Christine 16» por parte de All y Melvins se encarga de encausar el disco nuevamente hacia el poderoso sonido de Kiss con «God of Thunder». Coffin Break, en cambio, no da en la tecla con esa versión acelerada de «Beth» que destiñe completamente al gran clásico.

En el final Hard-Ons cierra con una aceptable interpretación de «Lick it Up» este interesante material tributo a una de las bandas más seguidas e imitadas del rock.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 3)

King Tuff – Black Moon Spell (2014)

King Tuff - Black Moon Spell (2014)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Black Moon Spell: 8,5
  2. Sick Mind: 7
  3. Rainbow Run: 7,5
  4. Headbanger: 8,5
  5. Beautiful Thing: 8
  6. I Love You Ugly: 6,5
  7. Magic Mirror: 7
  8. Madness: 7
  9. Demon From Hell: 7,5
  10. Black Holes in Stereo: 8
  11. Radiation: 7
  12. Eyes of the Muse: 7,5
  13. Staircase of Diamonds: 7,5
  14. Eddie’s Song: 7,5

Si te gusta el Garage Rock Revival con toques de Glam que han presentado artistas como Ty Segall, entonces no puedes dejar pasar la oportunidad de escuchar a King Tuff que en su tercer trabajo Black Moon Spell ha creado un disco fresco y juvenil que se desenvuelve entretenidamente a lo largo de sus 41 minutos de duración.

King Tuff es Kyle Thomas, un alocado y divertido sujeto que tiene carisma tanto en su persona como en su música, tan solo basta ver sus imágenes en google y ver sus múltiples expresiones faciales hiperactivas o entrar a su caricaturesca pagina web para darnos cuenta de que es alguien que se deja llevar por su euforia y locuras musicales, hablando sobre Black Moon Spell, Tuff menciona “Cada canción [En Black Moon Spell] fue escrita sin importar un mínimo carajo sobre nada” añade además que “Por alguna razón nadie puedo explicar como el Black Moon Spell llegó a existir. Simplemente apareció un día y demandó música de rock pesado y submarinos de albóndigas” ¿Cómo se creó el disco? “El fuego jugó un rol muy importante en la creación de este album. King Tuff ama el fuego”… creo que estas declaraciones dejan bien claro qué clase de artista es Kyle Thomas.

En fin, al enfrentarnos “al hechizo de la luna negra” nos topamos con canciones coloridas, enérgicas y de un sonido saturado con riffs de guitarras sucios y las letras humorísticas y demenciales de K.T. El Power Pop y el Glam Rock de los 70s se respiran en todo el disco, de hecho la interpretación de Thomas es de lo más cercano que me he encontrado al legendario icono glam Marc Bolan de T. Rex.

Con temas como “Black Moon Spell” (respecto a la cual he de decir que tiene uno de los mejores riffs del año 2014), la salvaje y pegadiza “Headbanger” y la punkera “Black Holes in Stereo” no hay momento para el aburrimiento y dejan a Black Moon Spell como un disco muy divertido y con atractivo.

Gera Ramos

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Robert Plant – lullaby and… The Ceaseless Roar (2014)

Robert Plant - lullaby and... The Ceaseless Roar (2014)

Puntaje del Disco: 8

  1. Little Maggie: 8,5
  2. Rainbow: 9
  3. Pocketful of Golden: 8
  4. Embrace Another Fall: 8,5
  5. Turn It Up: 6
  6. A Stolen Kiss: 7
  7. Somebody There: 9
  8. Poor Howard: 8
  9. House of Love: 8
  10. Up on the Hollow Hill (Understanding Arthur): 8
  11. Arbaden (Maggie’s Babby): 8,5

Al igual que en Band of Joy, Robert Plant nos sigue demostrando que se preocupa por mantener su vigencia tratando de no caer en la redundancia de hacer siempre lo mismo ni ser un dinosaurio chapado a la antigua. De hecho el ex vocalista de Zeppelin, tampoco parece estar muy preocupado por seguir lo que está de moda. Pero se las arregla para ser moderno a su manera.

Para su nuevo disco, lullaby and… The Ceaseless Roar, Plant se vuelve a juntar con the Sensational Space Shifters pero no cambia mucho la idea de lo que fue Band of Joy. Es más bien una continuación, donde exploran desde el folk/country en un sonido que puede ser atmosférico, psicodélico e incluso bizarro. Y en ese sentido Juldeh Camara que le da un color especial con sus instrumentos exóticos. Así que no esperen algo muy del estilo del hard rock de Led Zeppelin. Solo se parece un poco Zeppelin III en su ambición de innovar un poco.

Canciones como “Little Maggie” y “Poor Howard” suenan a folk y country por su sonido acústico pero llevado a un nivel de locura interesante por sus arreglos que los hacen singulares. Y en esa búsqueda Plant y sus Shifters son diversos. Hay temas oscuros en los que hay sintetizadores como “Embrace Another Fall” (con Julie Murphy agregando su voz), bizarreadas para entrar en transe como “Arbaden” y hasta una balada a piano cautivante pero demasiado lenta “A Stolen Kiss”. De todas formas el álbum no se destaca por sus melodías. Pero cuando Plant logra combinar una buena melodía con la sonoridad del álbum alcanza sus mejores momentos. Y estos son “Rainbow” y “Somebody There”.

lullaby and… The Ceaseless Roar es un muy buen disco. Muchos lo tuvieron en cuenta como uno de los mejores del 2014. Aunque para mí no llega a superar el nivel de Band of Joy.

Persy

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Buddy Guy – Stone Crazy! (1981)

Buddy Guy - Stone Crazy! (1981)

Puntaje del Disco: 10

  1. I Smell A Rat: 10
  2. Are You Losing Your Mind?: 9
  3. You’ve Been Gone Too Long: 9
  4. She’s Out There Somewhere: 9
  5. Outskirts of Town: 9
  6. When I Left Home: 9

Si hay un trabajo en donde Buddy Guy se siente más a gusto, con una libertad poco frecuente desde sus días de interminables jam sessions en el West Side, sin dudas nos estamos refiriendo a Stone Crazy! del 81 .

Un disco editado por el sello galo «Isabel» en el 79 y por Alligator dos años después; contó con el aporte de su hermano Phil (el mejor guitarrista rítmico de Chicago), el gran Otis Spann (legendario pianista de Muddy Waters) y la armónica de Junior Wells (inseparable compañero de Guy con varios discos a dúo).

En seis tracks el artista nos conmueve con una contundencia en donde su guitarra y voz son dueños absolutos de la obra, desde la desgarradora apertura con «I Smell a Rat» hasta la explosiva «When I Left Home» del final. La Stratocaster de Buddy nos transporta a esos días en donde el blues de la vieja escuela de Chicago se mezcló con el buen blues rock de los 70.

A nuestro parecer Buddy Guy tardó mucho en registrar este disco, principalmente por los consejos de los hermanos Chess que le indicaban que tocando tan fuerte nadie lo escucharía arriba del escenario, pero una vez que apareció Hendrix y tiró por la borda este mito, nuestro muchacho ya estaba listo para arremeter con este trabajo que goza nuestra preferencia de su extensa discografía.

Stone Crazy! se convierte en una pieza fundamental a la hora de descubrir el blues rock, una pieza de culto para los bluseros y un verdadero tesoro para los que inician el camino del blues. Buddy saca su armamento más pesado en este álbum. Un registro no apto para fundamentalistas. Escasos bluseros están a su altura al momento de tocar. Freddie King, Alvin Lee y Clapton podríamos nombrarlos como un grupo de violeros comparables a Guy, en cuanto a su técnica, dominio del «feeling» y excelencia vocal.

Goza cuando toca y no solo se le nota, sino que ese disfrute se vuelca en su música, transformando el tema más singular en una verdadera obra maestra.

El único Buddy «mothefucker» Guy.

Luther Blues

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(Votos: 0 Promedio: 0)

Hot Chip – One Life Stand (2010)

Hot Chip - One Life Stand (2010)

 Puntaje del Disco: 6,5

  1. Thieves in the Night: 8
  2. Hand Me Down Your Love: 6,5
  3. I Feel Better: 4
  4. One Life Stand: 7
  5. Brothers: 6,5
  6. Slush: 6
  7. Alley Cats: 7
  8. We Have Love: 6
  9. Keep Quiet: 6,5
  10. Take It In: 8,5

Por primera vez en su corta pero vertiginosa carrera, el grupo electrónico Hot Chip se pudo tomar su tiempo y elaborar a su manera un nuevo álbum, en este caso su cuarta placa, One Life Stand, que saldría a las ventas en Febrero de 2010.

Según Joe Goddard una de las dos cabezas creativas detrás de Hot Chip, junto a Alexis Taylor, este nuevo disco se diferencia del anterior que tenía una búsqueda futurista y loca en este caso estamos ante una predilección por la simpleza y coherencia, una especie de vuelta a lo básico que según ellos necesitaban. Inclusive en sus canciones más energéticas suenan calmados en relación a lo que conocíamos de ellos.

El resultado final de esta experiencia tiene sus buenos pasajes con canciones bien elaboradas como “Thieves in the Night” y “Take It In” pero se extrañan horrores tracks bailables que los distinguieron por sobre otros contemporáneos como “Over and Over” y “Ready for the Floor”, por solo nombrar los más conocidos.

A pesar de no ser lo que se esperaba para obtener mayor atención comercial y la falta de temas de peso, para verlo desde un lado optimista como punto positivo podemos señalar lo uniforme de este trabajo, cada tema suena para configurar un todo sonando más enfocados y con un rumbo claro.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 3)

Madvillain – Madvillainy (2004)

Madvillain - Madvillainy (2004)

Puntaje del Disco: 9,5

  1. The Illest Villains:
  2. Accordian: 10
  3. Meat Grinder: 9,5
  4. Bistro:
  5. Raid (Ft. M.E.D. AKA Medophar): 9,5
  6. America’s Most Blunted: 9
  7. Sickfit (Instrumental): 8
  8. Rainbows: 9
  9. Curls: 9
  10. Do Not Fire! (Instrumental): 9
  11. Money Folder: 9,5
  12. Shadows of Tommorrow (Ft. Lord Quas): 7,5
  13. Operation Lifesaver AKA Mint Test: 7
  14. Figaro: 10
  15. Hardcore Hustle (Ft. Wildchild): 7,5
  16. Strange Ways: 8,5
  17. Fancy Clown (Ft. Viktor Vaughn): 9
  18. Eye (Ft. Stacy Epps): 8
  19. Supervillain Theme (Instrumental): 9,5
  20. All Caps: 10
  21. Great Day: 9
  22. Rhinestone Cowboy: 8,5

Tanto el rapero británico (nacionalizado estadounidense) MF Doom y Madlib en sus proyectos a finales de los 90’s y principios de los 2000’s demostraron bastante calidad en sus álbumes de estudio. Y lo mejor que pudieron hacer fue colaborar los 2 en un proyecto con un solo disco de estudio. Ese proyecto se llamó Madvillain y el disco Madvillainy lanzado en 2004. Es considerado por algunos como el mejor disco de rap de la historia y a medida que pasa el tiempo este LP va cobrando esa razón.

Madvillainy está compuesto de 22 canciones cortas que no pasan más de los 3 minutos (excepciones son «America’s Most Blunted» y «Rhinestone Cowboy») y muchas de ellas son interludios, otras son instrumentales y musicalmente es uno de los discos de Hip-Hop más experimentales que se han hecho. Madlib produce y dirige las bases del disco de una manera asombrosa y espectacular con un sonido para nada comercial. Hay una gran cantidad de diálogos de películas (especialmente los de Melvin Van Peebles, cosa con la que Madlib se obsesiona y ya utilizó bastante sus proyectos) para darles mucho ambiente a los rapeos y rimas súper inteligentes y profundas de MF Doom. En este LP se incluyen breves apariciones de los alter-ego de DOOM y Madlib creados por ellos y utilizados en sus proyectos anteriores (Viktor Vaughn de MF Doom, utilizado en su álbum Vaudeville Villain en 2003 y Quasimoto o Lord Quas de Madlib utilizado en el conceptual The Unseen del 2000 y luego en sus otros dos discos The Further Adventures of Lord Quas del 2005 y Yessir Whatever del 2013) y también colaboraciones de otros raperos del Underground como Medophar en «Raid» y Wildchild en «Hardcore Hustle».

Qué decir de la música del disco. No se la puede definir en un solo género, hay incontables cantidades de sonidos, desde el acordeón en la asombrosa «Accordion» hasta bajos, sáxofones, guitarras jazzísticas, pianos, violines, órganos Hammond, mellotrones y un PUTO LARGO ETC…. (MIERDA!!…xD) que recurren desde canciones de circo, sinfonías de música clásica hasta melodías de música cubana e italiana, con mucha inspiración en el jazz y el soul. Describir todas las canciones del disco tomaría un trabajo bastante grande, es más podría hasta escribir como 5 párrafos describiendo sonidos y rimas de cada tema. Cosas como «Figaro» no tienen descripción y sinfonías como las de «Supervillain Theme» y «All Caps» tampoco. Es quizás la producción más dotada y lograda de Madlib de toda su magnífica discografía.

Madvillainy es el álbum que más impacto ha causado al Underground Rap, tanto por el éxito con poca comercialidad que tuvo como por la grandísima experimentación y ambientación de las 22 canciones. Es un disco que te va a dejar con la boca bien abierta si buscas nuevos sonidos en el rap. Prepárate, porque Madvillainy es eso, un álbum bastante grande con solamente 46 minutos. Una lástima que el proyecto no siguiera adelante. Súper recomendable.

Toto

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(Votos: 0 Promedio: 0)

Bruno Mars – Doo-Wops & Hooligans (2010)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Grenade: 8
  2. Just The Way Your Are: 8
  3. Out First Time: 7
  4. Runaway Baby: 7.5
  5. The Lazy Song: 8
  6. Marry You: 7.5
  7. Talking to the Moon: 7
  8. Liquor Store Blues: 7
  9. Count on Me: 7
  10. The Other Side: 7

Nacido en Honolulu, Hawaii, bajo el nombre de Peter Hernandez, Bruno Mars se convirtió en uno de los cantantes pop más destacados de los últimos cinco años  y el primero en dos décadas en colocar cuatro temas de su disco debut en el Top Ten.

Su primer material, Doo-Wops & Hooligans de 2010 resultó un éxito inmediato  y catapultó a Mars al estrellato mundial. La clave de este suceso estuvo signada por las colaboraciones que realizó con otros intérpetes como Travie McCoy y especialmente Phillip Lawrence, quien convenció al jóven Bruno a realizar sus propias composiciones. Los tiempos de imitaciones de Elvis y Michael Jackson habían quedado atrás y ahora Mars buscaba un estilo propio.

Con una voz suave y temas simples y fácilmente cantables, Mars basa su repertorio en composiones que puedan llegar al público en general. «Just the Way You Are» y «Marry Me», se convirtieron en citas obligadas en los momentos románticos, mientras que «The Lazy Song», en una agradable melodía para el receso.

Piro

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(Votos: 0 Promedio: 0)

The Cramps – Psychedelic Jungle (1981)

The Cramps - Psychedelic Jungle (1981)

Puntaje del Disco: 9

  1. Green Fuz: 8,5
  2. Goo Goo Muck: 9
  3. Rockin’ Bones: 8
  4. Voodoo Idol: 9
  5. Primitive: 7,5
  6. Caveman: 8,5
  7. The Crusher: 8,5
  8. Don’t Eat Stuff off the Sidewalk: 9
  9. Can’t Find My Mind: 8,5
  10. Jungle Hop: 7,5
  11. Natives Are Restless: 9
  12. Under the Wires: 8
  13. Beautiful Gardens: 8,5
  14. Green Door: 9

La historia de The Cramps, grupo tan clave como subvalorado en la historia del rock and roll por su mezcla del rockabilly de los sesenta y el naciente punk rock de los setenta denominada a partir de ellos como psychobilly, comenzó en la ciudad de Sacramento (California) cuando Lux Interior (Erick Purkhiser) conoció a Poison Ivy (Kristy Wallace). Pronto surgió el amor pero lo más importante fue su pasión compartida por la música que los llevó a formar una banda con Poison Ivy en guitarra y Lux en voz.

El siguiente paso fue mudarse a Nueva York y reclutar nuevos integrantes para completar el conjunto, con ellos comenzarían a tocar en shows del under neoyorkino. Su estética entre película de serie B, sexo masoquista y glamour logró captar atención desde un inicio y con su acertado primer trabajo Songs the Lord Taught Us (1980) no harían más que reconfirmar las expectativas.

Psychedelic Jungle, su segundo LP, significaría una evolución en como suenan y en sus composiciones transformándose con el tiempo en un disco de culto y legendario. Los punteos hipnóticos de Ivy hacen un tándem de guitarras de maravillas con su nuevo violero Kid Congo Powers, canciones como “Green Fuz”, “Goo Goo Muck”, “Voodoo Idol”, “Don’t Eat Stuff off the Sidewalk”, “Natives Are Restless” y “Green Door” son un claro ejemplo de lo extremos y brillantes a la vez que The Cramps fueron en su esplendor.

 F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

INXS – INXS (1980)

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Puntaje del Disco: 8

  1. On A Bus: 8
  2. Doctor: 8
  3. Just Keep Walking: 8,5
  4. Learn to Smile: 7,5
  5. Jumping: 6,5
  6. In Vain: 7,5
  7. Roller Skating: 8
  8. Body Language: 7,5
  9. Newsreel Babies: 8
  10. Wishy Washy: 8

A mediados de los 70’ el vocalista Michael Hutchence y el tecladista Andrew Farris (en ese entonces compañeros de la Preparatoria) decidieron formar una banda junto al bajista Gary Garry Beers. Más tarde, en 1977, se unieron a la banda el saxofonista Kirk Pengilly y el guitarrista Tim Farris (hermano de Andrew), formando así “The Farris Brothers”. Dieron su primer concierto el 16 de agosto de 1977, día marcado en la historia de la música por el fallecimiento de Elvis Presley.

Dos años después, la banda se trasladaba a Perth con un nuevo miembro, Jon Farris en la batería, y allí adoptaron su nombre definitivo: “INXS”. Comenzaron tocando en pubs, donde más tarde lanzarían su primer single Simple Simon. A lo cual, en 1979 comenzarían a grabar su primer álbum.

El álbum finalmente salió a la venta en 1980 y fue un gran éxito en Australia. Con composiciones muy inspiradas en el ska, su música era rápida y salvaje, marcado por el carisma vocal de Michael Hutchence y los riffs punkies de Tim Farris, INXS comenzaba a construir su sonido, a lo que más tarde desembocaría en obras maestras como Listen Like Thieves, Kick y X.

El álbum no fue lanzado internacionalmente hasta 1984, pero les fue suficiente para conseguir bastante éxito en Australia. Su canción más hitera hasta ese entonces, “Just Keep Walking”, llegó a los primeros 20 del los charts Australianos, seguidas por otras canciones muy buenas como “On A Bus”, “Doctor”, melodías rápidas como en “Body Language”, otras algo punkies como “Roller Skating”. Sumado a su estilo de New Wave hace de este álbum una obra fácil de escuchar y bastante entretenida.

Damian

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(Votos: 1 Promedio: 3)

The Dead Weather – Horehound (2009)

The Dead Weather - Horehound (2009)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. 60 Feet Tall: 9
  2. Hang You from the Heavens: 8,5
  3. I Cut Like a Buffalo: 6,5
  4. So Far from Your Weapon: 6
  5. Treat Me Like Your Mother9
  6. Rocking Horse: 7,5
  7. New Pony: 7
  8. Bone House: 6
  9. 3 Birds: 7,5
  10. No Hassle Night: 8
  11. Will There Be Enough Water?: 8

La historia cuenta que durante una presentación de The Raconteurs, en Memphis, Tennessee, Jack White se quedaría sin voz y la banda pediría por la cantante de The Kills, Alison Mosshart, quien terminaría interpretando algunos temas de la banda. Jack luego le pediría a Alison que grabé un tema con él y al bajista Jack Lawrence. Y en los estudios conocerían al guitarrista Dean Fertita de Queens of the Stone Age. Juntos no solo grabarían una canción, sino que se empezaría a conformar un súper grupo que se llamaría The Dead Weather.

Este nuevo proyecto de White, tendría la particularidad de que nuestro querido Jack no sería el guitarrista principal de la banda como uno puede esperar sino que ocuparía su lugar como baterista, redescubriéndose a sí mismo en algo que ya había  hecho de chico y antes del nacimiento de The White Stripes.

De esta forma, The Dead Weather lanzaría su álbum debut en el 2009: Horehound. El disco se podría catalogar como garaje rock (algo común en las bandas de las que provienen) con acercamientos al blues, con solos y riffs llenos de distorsión y algo heavys. Es interesante porque la banda tiene un sonido atractivo que toma las influencias que traen de sus grupos, pero generando una identidad propia para The Dead Weather. Así su sonido por momentos es intenso, tenso, oscuro, caótico y en otros tramos se toma sus tiempos dando lugar a que suene cada elemento o instrumento.

El gran problema es que no acompañan su excelente sonido con grandes composiciones que valgan la pena. Horehound es un álbum irregular en su nivel, que difícilmente te apasione. Y es un poco difícil porque las melodías no es lo que más lo destaca. En ese sentido entre todos los integrantes se complementan en las composiciones, sobresaliendo tal vez Mosshart. Y logran algunos buenos resultados como el prometedor arranque conformado por “60 Feet Tall” y “Hang You from the Heavens”, y la agresiva y explosiva “Treat Me Like Your Mother”, que cuenta con un muy buen ida y vuelta vocal entre Alison y Jack. Pero como comentaba no llegan a mantener este nivel durante todo el álbum. De todas formas es una propuesta que, si llegan a pulir volviendose a reunir, podría lograr grandes cosas.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)