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Daft Punk

Daft Punk – Alive 2007 (2007)

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Daft Punk - Alive 2007 (2007)

 Puntaje del Disco: 8,5

  1. Robot Rock / Oh Yeah: 9
  2. Touch It / Technologic: 9
  3. Television Rules the Nation / Crescendolls: 7,5
  4. Too Long / Steam Machine: 8,5
  5. Around the World / Harder, Better, Faster, Stronger: 8,5
  6. Burnin’ / Too Long: 8
  7. Face to Face / Short Circuit: 8
  8. One More Time / Aerodynamic: 9
  9. Aerodynamic Beats / Forget About the World: 7,5
  10. The Prime Time of Your Life / The Brainwasher / Rollin’ & Scratchin’ / Alive: 8,5
  11. Da Funk / Daftendirekt: 8,5
  12. Superheroes / Human After All / Rock’n Roll: 8

Diez años después de su primer CD en vivo, Alive 1997, el dúo francés electrónico Daft Punk editaría su segundo trabajo en directo denominado como era de esperarse, Alive 2007.

Basado en una presentación en Paris Bercy que data del 14 de Junio de 2007, donde Guy Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter estaban realmente encendidos ofreciendo un festival de mezclas, loops, samples, distorciones y buen gusto musical, nace este nuevo trabajo en vivo merecido para sus fanáticos porque podían disfrutar de un arsenal de canciones extraidas de dos discos nuevos con relación a su primer directo como Discovery (2001) y Human After All (2005).

En Alive 2007 cada tracks tiene al menos dos temas originales de la banda francesa conectados siempre a la perfección y con un sentido con Daft Punk siempre teniendo el control de la situación, tal es el caso de momentos arrasadores como “Robot Rock / Oh Yeah”, “Robot Rock / Oh Yeah”, “Around the World / Harder, Better, Faster, Stronger”, “One More Time / Aerodynamic”, “Da Funk / Daftendirekt” y el transe que significa la pista más larga del álbum y la que involucra a más temas unidos como “The Prime Time of Your Life / The Brainwasher / Rollin’ & Scratchin’ / Alive”.

Con el correr de los minutos se puede notar en las grabaciones como el su público local deliró con el talento de sus compatriotas y el set list presentado por el dúo estrella de la música electrónica, asimismo recibió buena acogida por parte de los críticos e inclusivo gano un Grammy por Mejor Álbum Electrónico/Dance.

F.V.

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(Votos: 2 Promedio: 5)
Johnny Cash

Johnny Cash – At Folsom Prision (1968)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Folsom Prison Blues: 10
  2. Dark as a Dungeon: 8
  3. I Still Miss Someone: 9
  4. Cocaine Blues: 9
  5. 25 Minutes to Go: 8.5
  6. Orange Blossom Special: 8.5
  7. The Long Black Veil: 9
  8. Send A Picture of Mother: 8.5
  9. The Wall: 8.5
  10. Dirty Old Egg-Sucking Dog: 8.5
  11. Flushed From The Bathroom of Your Heart: 8
  12. Jackson: 9
  13. Give My Love to Rose: 8.5
  14. I Got Stripes: 8
  15. Green, Green Grass of Home: 8.5
  16. Greystone Chapel: 8.

El 13 de Enero de 1968 Johnny Cash se dio uno de los mayores gustos que un artista puede darse: tocar donde realmente quería. Su deseo era ofrecer dos conciertos en la Prisión de Folsom, el escenario que trece años antes le había dado la inspiración para grabar el mayor éxito en su carrera.

Con su tradicional ingreso, los primeros acordes de “Folsom Prision Blues” comenzaron a sonar y los prisioneros inmediatamente vitorearon a su ídolo vestido de negro. El estilo enigmático y gótico y por supuesto las canciones orientadas al vandalismo y los crímenes fueron las principales características que hicieron de Cash una figura admirada y respetada por los convictos que se amotinaban en la prisión.

Impecable de principio a fin Johnny demostró por qué en aquel entonces era un verdadero show man y sobre todo con canciones como “Cocaine Blues” y “The Long Black Veil” demostró el gran material del que estaba hecho.

Por último y como no podía ser de otra manera en una ocasión tan especial para Cash, June Carter también fue parte del espectáculo y brindó sus melodías en “Jackson” y “Give My Love to Rose”, para darle un final magnífico a esta recordada presentación.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 5)
Pink Floyd

Pink Floyd – Delicate Sound of Thunder (1988)

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Pink Floyd - Delicate Sound of Thunder (1988)

Puntaje del Disco: 7

Disco 1:

  1. Shine On You Crazy Diamond: 8
  2. Learning to Fly: 8
  3. Yet Another Movie: 6,5
  4. Round and Around: –
  5. Sorrow: 5
  6. The Dogs Of War: 4,5
  7. On The Turning Away: 7

Disco 2:

  1. One of These Days: 8
  2. Time: 8
  3. Wish You Were Here: 8
  4. Us and Them: 8
  5. Money: 8,5
  6. Another Brick in the Wall (Part 2): 5,5
  7. Comfortably Numb: 7
  8. Run Like Hell: 6

¿Cómo puede ser posible que una banda tan grande como Pink Floyd no tenga un disco en vivo oficial de sus primeros años o de su mejor época? Ok, tenemos a Ummagumma, con su primera parte en el que nos regalan unos pocos temas muy buenos en vivo, pero deja sensación a poco, ya que solo repasa algo de los primeros años psicodélicos del grupo. Durante toda su etapa progresiva de los setenta no hay discos en vivo. Lo que sí hay son Bootlegs no oficiales y tenemos a Live at Pompeii que es más un concierto en DVD. Recién en su peor momento, cuando ya Waters se había apartado del grupo y Gilmour tomaba la batuta, aparecieron los primeros discos. El que aquí tenemos Delicate Sound of Thunder y luego Pulse en los noventa.

No da muchas ganas de repasar estos trabajos ya que ni siquiera tenemos a Pink Floyd con su formación completa ni en su plenitud. Aunque a decir verdad Waters para generar su sonido en vivo tampoco es TAN importante. Toca el bajo e interpreta algunos temas, de todas formas su sola presencia suma. Aun así Pink Floyd no se caracteriza por ser una banda que te deleite escuchar en vivo.

Y solo me refiero a “escuchar”, ya que visualmente es impactante. No ofrecen nada particularmente revelador con las versiones en vivo de sus temas. No son de improvisar tanto, sino de recrear meticulosamente el mismo sonido del álbum. Por lo que difícilmente algún tema en vivo suene mejor que su versión de estudio, a lo sumo lo igualan en calidad. Me pasó cuando fui a presenciar a Roger Waters en vivo, un espectáculo de la puta madre en la recreación de The Wall (show de luces, imágenes, muñecos gigantes y un muro que se arma de a poco), pero que musicalmente no ofrece nada nuevo que cuando te pones a escuchar el disco en tu casa. De hecho Roger hacía playback…

En fin, con Delicate Sound of Thunder tenemos un poco mucho de lo que hablo. Y para colmo de males, el primer disco contiene en su mayoría cortes de A Momentary Lapse of Reason, su peor álbum de todos los tiempos, el horror. Canciones como “Sorrow” y “The Dogs Of War” son inexplicables que estén incluidas. Pero saben qué, es en donde más improvisa Floyd o por lo menos Dave Gilmour. Aunque desafortunadamente la calidad de los temas no acompañan y sus solos de guitarra no son los mejores. De hecho la voz de David tampoco está en su esplendor.

El segundo disco es un mix de clásicos principalmente de The Dark Side of the Moon y The Wall. Ya con solo considerar que tocan mejores canciones, esta segunda parte de Delicate Sound of Thunder es mejor. De todas formas ningún tema está a la altura de las versiones de estudio. A “Time” le falta un poco de fuerza para mi gusto. Otros como “Us and Them” (el cual me gusta en sus cambios de ritmo) es innecesariamente largo. Por su parte “Money” presenta las mayores improvisaciones de esta segunda parte, con solos de guitarra, órgano, etc. Muy floja la versión de “Another Brick in the Wall (part 2)”, tiene menos onda que un renglón. Mientras que “Comfortably Numb” tiene una interpretación vocal alarmante. Y “Run Like Hell” no sé si es la mejor elección para cerrar un concierto, es más taladrante que otra cosa. Es un cierre que te deja extrañado más que satisfecho.

Delicate Sound of Thunder es un álbum innecesario, que no agrega valor al repertorio de la banda y que llegó en un mal momento por todo lo que señalaba anteriormente. Aún así se puede escuchar, porque tiene el sonido característico de space rock de la banda, pero no esperen mucho más que eso.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Rammstein

Rammstein – Live Aus Berlin (1999)

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Rammstein - Live Aus Berlin (1999)

Puntaje del Disco: 10

  1. Spiel Mit Mir: 9,5
  2. Bestrafe Mich: 7,5
  3. Weisses Fleisch: 8,5
  4. Sehnsucht: 9,5
  5. Asche Zu Asche: 9
  6. Wilder Wein: 7
  7. Heirate Mich: 9
  8. Du Riechst So Gut: 10
  9. Du Hast: 10
  10. Buck Dich: 9,5
  11. Engel: 10
  12. Rammstein: 8
  13. Laichzeit: 9
  14. Wollt Ihr Das Bett In Flammen Sehen?: 9,5
  15. Seemann: 9

Antes de empezar la crítica, una pequeña curiosidad:
Resulta extraño que en sus primeros años Rammstein tocase en bares pequeños, con un público reducido. La tímidez de Til Lindemann fue lo culpable de esto. Algo no esperable, si ahora vamos a un concierto de la banda, donde la pirotecnia y los bailes de Til Lindemann son lo que hacen que ellos sean una de las bandas más épicas en directo.

Live Aus Berlin es el tercer disco y el primero en vivo de la banda, lanzado en 1999, tanto en formato CD, DVD y VHS, es quizás uno de los mejores conciertos en vivo que haya escuchado. Además que para mi es el mejor disco de la banda, donde muchos temas se han pulido y han tenido más enganche en este concierto que en las grabaciones originales, como «Sehnsucht», «Wollt Ihr Das Bett In Flammen Sehen?» y «Du Rieschst So Gut», mientras que otras como «Du Hast» y «Engel» no dejan de sonar tan buenas como las originales.

Obviamente, estoy analizando la versión en CD, porque la versión DVD sin censura contiene más temas que la del CD. Fue grabado durante 2 días: el 22 y 23 de agosto de 1998.

En el disco se percibe mucho que el público esta muy desesperado y emocionado ante tal concierto, y hasta le dan mas profundidad y coros a canciones como «Heirate Mich». Las guitarras están sumamente bien configuradas, hay mas emotividad en la voz de Til Lindemann, los sintetizadores sin duda están muy bien logrados y las capas de efectos están muy bien arregladas e incluso son mejores que las del estudio.  Lo que hace más bizarro al disco es que hay risas o locuras hechas por la propia banda.

En fin, es uno de los conciertos más cañeros y divertidos en vivo que he podido escuchar. Altamente recomendable. Más palabras no hay que añadirle, ya que las dije en Herzeleid y en Sehnsucht.

Toto

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Gracious!

Gracious! – Gracious! (1970)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Introduction: 8,5
  2. Heaven: 9,5
  3. Hell: 7
  4. Fugue in D Minor: 7,5
  5. The Dream: 8,5

Gracious! Fue una banda británica cuya corta carrera (desde 1967 hasta 1971) ofreció dos álbumes, Gracious!, su debut homónimo y el álbum que hoy tratamos, y This is Gracious!.

Lo que da atractivo a este grupo es cómo, con una obra tan pequeña, consiguieron desarrollar un sonido tan propio y original. Uno piensa en los primeros años de los 70s, esplendor del rock progresivo, y se da cuenta de la cantidad ingente de grupos del género que salieron, buenos y malos, cercanos al folk, al metal, a la psicodelia…

nfluenciados más por los Beatles, más por la música clásica… Era un universo sonoro nuevo con muchísimas posibilidades y con un lustro de vida, refiriéndome al máximo nivel (rock progresivo no se ha parado de hacer nunca) por delante. Al igual que en cada género o incluso arte resulta interesante ver ese primer arranque, momento en el que diferentes personas o grupos crean algo diferente sin basarse, directamente, en nada, sin reglas genéricas ni patrones con los que ayudarse; en el caso del rock progresivo, siendo un estilo tan abierto, esa magia se multiplica y da como resultado una gran cantidad de discos únicos, muchos de ellos desconocidos para el gran público.

Lo divertido es ver como muchas de esas propuestas, por poner un par de ejemplos el rock protometalero de King Crimson o el folk dónde está mal visto no incorporar rondas de solos más largas que la canción en sí de Jethro Tull, fueron de gran influencia para montones de bandas posteriores y otras en cambio se quedaron ahí, sin seguir expandirse, ya fuera porque su sonido era difícil de imitar o porque directamente el experimento salió fallido. Gracious! Se situaría sin duda en ese maravilloso primer grupo. Fresco, innovador, original…

Su debut es recomendable para cualquier fan abierto del rock, empezando por la primera canción, “Introduction”, una bomba rockera, enérgica y divertida que daría una idea, totalmente errónea, de que nos íbamos a encontrar a una muy respetable banda del estilo de Emerson, Lake and Palmer. Y digo totalmente errónea porque en la siguiente pista lo demuestran haciendo su primera canción realmente personal, “Heaven”, ocho minutos de un no parar de buenas ideas, intercalando fantásticos solos de guitarra, coros celestiales, partes pop, riffs potentes…fantástica. A esta le siguen dos temas quizás algo más flojos, pero no desechables, “Hell” y “Fugue in D MInor”. Y con esto llegamos al momento en el que sacan la artillería, “The Dream”, 17 minutos en los que parece que se han prohibido repetir una frase o estructura. Brillante.

Gracious! Conseguiría un éxito relativo, con vendas respetables y hasta una gira con The Who, pero a pesar de que en su caso lo mejor estaba por llegar, nunca acabarían de arrancar, y su manera de entender la música prácticamente moriría con ellos.

Mauricio G.

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Morcheeba

Morcheeba – Big Calm (1998)

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Morcheeba - Big Calm (1998)

Puntaje del Disco: 8

  1. The Sea: 8,5
  2. Shoulder Holster: 8
  3. Part of the Process: 9
  4. Blindfold: 8
  5. Let Me See: 8,5
  6. Bullet Proof: 7,5
  7. Over and Over: 8
  8. Friction: 6,5
  9. Diggin’ a Watery Grave: 8
  10. Fear and Love: 8,5
  11. Big Calm: 8
  12. The Music That We Hear: 7,5

Morcheeba es un grupo británico creado a mediados de los noventa por los hermanos Ross y Paul Godfrey, la banda se completo con una pieza clave la virtuosa cantante Skye Edwards, a quien conocieron en una fiesta en Londres.

Su nombre proviene de las iniciales “MOR” (Middle Of the Road) y “cheeba”, un término informal para referirse al cannabis.

Comenzaron orientándose al trip-hop de moda en las islas británicas por aquellos días, pero sería recién a partir de su segundo disco Big Calm (1998) cuando comenzarían a llamar más la atención con ritmos más movidos y accesibles con una relajada fusión de funk electrónica y pop.

De Big Calm se desprendieron varios singles adictivos como “The Sea”, “Part of the Process”, “Let Me See”, “Over and Over” y “Fear and Love” obteniendo casí unanimidad entre la crítica y el público convirtiéndolos en uno de los grupos ingleses de moda hacia finales de los años noventa.

A raíz de su cambio de onda y su alejamiento del trip hop se generó una polémica inútil sobre si Morcheeba merecía o no ser considerada una banda de ese género al igual que Massive Attack o Portishead. Sobre esto y dando por terminada cualquier tipo de controversia Paul uno de los hermanos Godfrey tendría algo contundente que decir que echaría por tierra cualquier tipo de discusión: “Para ser honesto no me importa lo que pensara la gente al principio, este disco es verdaderamente Morcheeba y no me importa si alguien piensa que deberíamos hacer trip hop y vivir permanentemente en una sombra.”

F.V.

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(Votos: 0 Promedio: 0)
The Shins

The Shins – Wincing the Night Away (2007)

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The Shins - Wincing the Night Away (2007)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Sleeping Lessons: 8,5
  2. Australia: 9
  3. Pam Berry: –
  4. Phantom Limb: 9,5
  5. Sealegs: 8,5
  6. Red Rabbits: 8
  7. Turn on Me: 8,5
  8. Black Wave: 7            
  9. Split Needles: 7,5
  10. Girl Sailor: 8,5                        
  11. A Comet Appears: 8

Pasaron cuatro años para que The Shins lanzaran su tercer disco, tras haber triunfado comercialmente los oriundos de Nuevo México se decidieron a cambiar rumbos y redefinir su sonido, hablando con Pitchfork, James Mercer se expresó “En este [disco], creo que realmente quería explorar [la producción], me doy cuenta de que hubo algunos momentos inspiradores de escuchar a Mirah y a The Microphones, cuanto obviamente le mueven a ello para obtener sonidos muy interesantes. Así que de alguna manera empecé a hacer eso y obviamente me tomé mi tiempo y me aseguré que el proceso no fuera apresurado”

Efectivamente, la banda muestra un cambio respecto a sus dos discos anteriores, el ambiente general es más limpio y atmosférico, además de que tenemos la aparición de nuevos estilos e instrumentos que no se habían utilizado antes. En pocas palabras este es el disco más experimental, variado y oscuro que tiene la agrupación.

Pero todos los amantes del Indie Pop que había desplegado la banda no tienen por qué bajar la cabeza, que aun hay canciones de dicho genero y con la marca distintiva de The Shins (gancho vocal + melodía armoniosa) y estas son la atrapante y alegre “Australia”, así como la magnánima “Phantom Limb” de vocales ascendentes y  con esos coros hermosos que dieron conocer a la banda. Estos dos temas son lo mejor del disco y se son sin duda de lo mejor del repertorio de la banda.

El resto del disco en si es oscuro para los estándares de la banda de James Mercer, “Sleeping Lessons” es algo no antes visto en The Shins, un tema de ensueño neopsicodélico desarrollado por un pasaje de xilófono, “Sealegs” es otro tema destacado con flautas y acordes sombríos con un buen estribillo y que desemboca en un jam instrumental, “Red Rabbits” también es una anomalía, canción delicada con base a teclados (en lugar de guitarras como solía ser el caso), la reflexiva “A Comet Appears” da un buen cierre a un disco que si bien no cuenta con la frescura juvenil de Oh, Inverted World y Chutes too Narrow, sigue siendo destacable y digno, otro buen trabajo de una de las bandas Indie representativas de la década pasada.

Gera Ramos

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Eagles

Eagles – Hotel California (1976)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Hotel California: 10
  2. New Kid in Town: 9
  3. Life in the Fast Lane: 9
  4. Wasted Time: 8.5
  5. Wasted Time (Reprise): –
  6. Victim of Love: 9
  7. Pretty Maids All in a Row: 8.5
  8. Try and Love Again: 8.5
  9. The Last Resort: 8.5

Hotel California de 1976 fue el resultado de un trabajo de casi ocho meses de grabación durante los cuales The Eagles logró encontrar un sonido que tanto venía buscando con los discos anteriores. Fue además el álbum mejor vendido del grupo y obtuvo un alcance mundial extraordinario.

Sin la presencia de Bernie Leadon, uno de los fundadores del grupo, pero con el ingreso del guitarrista Joe Walsh y la presencia del bajista original Randy Meisner, el éxito del disco se debió principalmente al tema que da nombre al material, en el cual se describe a una California surreal y fantasmal. También “New Kid in Town” que rápidamente se posicionó entre los primeros lugares de los rankings y “Life in the Fast Lane” contribuyeron al despegue del disco y en especial a darle el salto de calidad que Eagles estaba buscando.

La voz de Don Hanley y los buenos arreglos de guitarra Felder, como se aprecia en “Victim of Love”, terminan de dar forma a un gran disco como fue Hotel California de Eagles.

Piro

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(Votos: 2 Promedio: 4.5)
Lana Del Rey

Lana Del Rey – Ultraviolence (2014)

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Lana Del Rey - Ultraviolence (2014)

Puntaje del Disco: 8

  1. Cruel World: 9
  2. Ultraviolence: 8,5
  3. Shades of Cool: 8
  4. Brooklyn Baby: 8,5
  5. West Coast: 9,5
  6. Sad Girl: 7,5
  7. Pretty When You Cry: 7
  8. Money Power Glory: 7
  9. Fucked My Way Up to the Top: 7,5
  10. Old Money: 8
  11. The Other Woman: 7,5

Luego del éxito arrollador de su hit “Video Games”, Lana Del Rey se transformaría en otras de las nuevas interpretes femeninas estrellas de los últimos años. Sin Embargo, la bella cantante estaba en deuda en materia de trabajos discográficos. Born to Die y Paradise fueron discos que pecaban por tratar de prolongar el éxito reescribiendo “Video Games”.

Afortunadamente, para su siguiente disco, Ultraviolence, Lana se despegaría de la formula de “Video Games” para crecer artísticamente y para que su prestigio no quede reducido a un solo tema. En este cambio de timón, Dan Auerbach como productor es de vital importancia para reencausarla en el camino correcto. El guitarrista de los Black Keys la orienta hacía un costado que la permite madurar sin perder el poder de su voz, haciendo más foco en el Dream Pop, la Psicodelia y hasta el Blues Rock. De hecho Auerbach también participa como guitarrista, aportando algunos coros e incluso en sintetizadores.

Al arrancar Ultraviolence con “Cruel World”, el disco suena sólido, con sus aires psicodélicos y la voz de Lana es fuerte, penetra en tu mente. La homónima “Ultraviolence” perpetua la experiencia con su atmósfera hipnótica y orquestada (incluyendo pinceladas de Dan en guitarra), al igual que “Shades of Cool” donde su voz suena gigante. Mientras que “Brooklyn Baby” tiene una melodía más de pop agradable. Luego tenemos a “West Coast”, la demostración de lo interesante que es el álbum, con una estructura totalmente distinta a cualquier tema que podemos pensar que puede hacer Lana, con quiebres de ritmo y un muy buen estribillo, sin dejar de ser oscura y atrapante.

Hasta “West Coast” está lo mejor de Ultraviolence, luego el álbum decae un poco, simplemente porque ya los temas no son tan geniales, por repetir ciertas ideas y porque algunos cortes son más largos de lo que deberían. “Old Money” es lo más remarcable en esta segunda parte del disco, marcando un ritmo lento y nostálgico en base a su piano y orquestación.

De todas formas, tenemos que quedarnos con los aspectos positivos del disco. Es un crecimiento soberbio y muy importante de esta hermosa artista. Un muy buen disco del 2014.

Persy

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(Votos: 2 Promedio: 4.5)
Morrissey

Morrissey – Maladjusted (1997)

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Morrisey - Maladjusted (1997)

 Puntaje del Disco: 7

  1. Maladjusted: 8,5
  2. Alma Matters: 7,5
  3. Ambitious Outsiders: 6
  4. Trouble Loves Me: 8
  5. Papa Jack: 8
  6. Ammunition: 7
  7. Wide to Receive: 7,5
  8. Roy’s Keen: 7
  9. He Cried: 7
  10. Sorrow Will Come in the End: 7
  11. Satan Rejected My Soul: 6

Promediando la década del noventa Morrissey parecía estar sin ideas y lejos de su mejor forma. El 21 de Julio de 1997 aparecería en las desquerías británicas el sexto álbum de estudio de la ex voz de The Smiths, Maladjusted. Recibiendo escasa repercusión y criticas dispares.

A pesar de las malas referencias Maladjusted cuenta con sus buenas perlas emotivas e irresistibles como el tema que le da el nombre al álbum, “Trouble Loves Me”, “Papa Jack”. “Alma Matters” y “Wide to Receive”. Otro momento a destacar es “Sorrow Will Come in the End” canción interpretada en spoken word, una modalidad por la cual se entona en lugar de cantar, ideal para la voz de Mozz.

Este último tema también sería especial por su letra. Donde el cantante expresa toda su rabia contenida contra un fallo judicial a favor del ex baterista de Smiths, Mike Joyce quien recibió más de un millón de libras esterlinas, algo que indigno a su ex compañero de rutas.

Para presentar Maladjusted Morrissey se embarcaría en su mayor gira hasta ese momento visitando por primera vez en su carrera destinos donde era muy requerido desde hace años como latinoamérica. Al culminarla se tomaría un largo descanso hasta la aparición en 2004 de You Are the Quarry, trabajo que revitalizaría su carrera y que lo posicionaría en las primeras planas como no ocurría desde su esplendor en los ochenta.

F.V.

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(Votos: 0 Promedio: 0)