Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Machine Head – The More Things Change… (1997)

Machine Head - The More Things Change... (1997)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Ten Ton Hammer: 8,5
  2. Take My Scars: 8
  3. Stuck A Nerve: 8,5
  4. Down To None: 8
  5. The Frontlines: 8,5
  6. Spine: 9
  7. Bay of Pigs: 8,5
  8. Violate: 8
  9. Blistering: 8,5
  10. Blood of the Zodiac: 8
  11. The Possibility of Life’s Destruction: 6
  12. My Misery: 8,5
  13. Colors: 3,5

The More Things Change… es el segundo disco de Machine Head y el primero con el baterista y actual Dave McClain tras la salida de Chris Kontos. Fue lanzado al mercado en 1997, casi 3 años después de Burn My Eyes y supuso un cambio en la rutina de la banda. Además es el último álbum con el guitarrista Logan Mader.

A partir de este disco las cosas se van tornando peores para los Machine, ya que pasaron de ser la fusión de Pantera y Slayer para adaptarse más a bandas como los Deftones. Claramente se orientaron más al Nu Metal, que en ese año el género estaba a punto de estallar exitosamente, por lo cual la banda se dirigió a un público más Mainstream. Con esto surgieron opiniones variadas acerca de este LP, algunos estuvieron muy decepcionados con el cambio, otros lo aceptaron y otros dijeron que era una obra maestra mejor que el anterior. En mi opinión, The More Things Change… no deja de ser tan bueno como Burn My Eyes pese a que tenga menos calibre. No es para nada un mal álbum, pero con el estilo que adaptaron se terminaría gastando mucho en Burning Red y Supercharger, sus siguientes discos y los peores de sus trayectorias, los cuales son los únicos que no voy a reseñar, ya que me aburrieron mucho como para seguir escuchándolos y peor aún para escribir una crítica sobre ellos.
Olvidemos el pasado y el futuro de la banda. El álbum arranca con ese chirrido característico en «Ten Ton Hammer». Más tarde se muestra un poco de cambio en los riffs, ahora suenan más a bandas como a Korn o Deftones, pero a veces sin perder el thrash, el groove y aún menos la agresividad. Aunque lo peor es que algunos temas suenan similares o los riffs repetitivos. Así la misma fórmula se repite en el resto del disco. Por otro lado, hay menos solos que en su predecesor, solamente en temas como «Stuck a Nerve», «The Frontlines», «Spine» y «Blood of the Zodiac» se hayan pero con menos técnica.

Intercaladamente los temas tienen la misma calidad en el tracklist, solo interfiriendo con canciones más gordas como «Spine» o la repetitiva y corta «The Possibility of Life’s Destruction». En el bajo, Adam Duce sigue teniendo esa agilidad que quedó marcada en su anterior LP y resulta mejor que los propios riffs de Flynn y Demmel. Pero mejor ni hablemos del nuevo baterista, Dave McClain, es un tipo fenomenal que tiene el mismo don que Chris Kontos, aunque le faltaban calentar motores para los próximos álbumes. En cuanto a técnica y agilidad no quedan dudas de que es un grande. En fin, en cada canción se presenta una técnica muy buena de la banda.
Lo peor se encuentra al final del disco, la canción «Colors», un cover de Ice-T es realmente innecesario, ya que ni siquiera suenan a Machine Head sino a una banda de Nu Rap tipo Linkin Park, donde apenas hay riffs y el rapeo de Flynn ni siquiera tiene sabor. Es sin duda lo peor que compuso la banda y dios quiera que nunca la toquen en vivo. Aunque sí, Robb haría lo mismo en los próximos 2 mediocres CDs.

Quitando este cover de lado, The More Things Change… resulta un trabajo muy bueno de la banda aunque tengan que cagarla con los próximos discos al incluir a Ahrue Luster como guitarrista que cambiaría el estilo de la banda hasta su expulsión, para que luego recuperen el poder con Phil Demmel en Through the Ashes of Empires del 2003. Muy recomendable al igual que el anterior.

Toto

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Status Quo – Spare Parts (1969)

Status Quo - Spare Parts (1969)

 Puntaje del Disco: 6,5

  1. Face Without a Soul: 6,5
  2. You’re Just What I Was Looking for Today: 6
  3. Are You Growing Tired of My Love: 6,5
  4. Antique Angelique: 7
  5. So Ends Another Life: 6
  6. Poor Old Man: 7
  7. Mr. Mind Detector: 7,5
  8. The Clown: 5,5
  9. Velvet Curtains6
  10. Little Miss Nothing: 6,5
  11. When I Awake: 6
  12. Nothing at All: 8

Siguiendo los pasos de su disco debut, Status Quo buscó imitar con Square Parts (1969), la formula de sonido psicodélico que estaba tan en boga por aquellos años. Pero el resultado no fue igual de efectivo y termino recibiendo nula atención por parte de los mercados y siendo criticado por su nivel musical que decayó bastante de un disco al otro.

La realidad es que Status Quo nunca fue una banda puramente psicodélica, sino que su discográfica Pye Records los llevó a enfocarse en esas aguas para vender más discos y ganar mucho dinero con ellos pero el resultado final demostraría que no era la mejor idea y viéndose frustrados los deseos de su compañía sería el último trabajo con esta orientación musical en su carrera.

Este álbum irregular no alcanza la creatividad e imaginación de sus primeras canciones salvo en contadas excepciones como “Mr. Mind Detector”, “Antique Angelique” y “Nothing at All” la banda se nota forzada a crear canciones que no sienten.

Unos pocos meses después del lanzamiento de Square Parts los británicos comenzarían su metamorfosis hacia el hard rock y boogie rock que los convertiría en ricos y famosos durante la década del setenta.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

Aerosmith – Get a Grip (1993)

Aerosmith - Get a Grip (1993)

Puntaje del Disco: 5

  1. Intro: –
  2. Eat the Rich: 6,5
  3. Get A Grip: 4,5
  4. Fever: 4
  5. Livin’ On The Edge: 8
  6. Flesh: 4
  7. Walk On Down: 5
  8. Shut Up And Dance: 4,5
  9. Cryin’: 7
  10. Gotta Love It: 6
  11. Crazy: 7
  12. Line Up: 5
  13. Amazing: 7,5
  14. Boogie Man:

El disco más popular de Aerosmith no lo encontramos en su mejor momento en los setenta, ni en su declive en los ochenta, lo encontramos en una de sus peores épocas en los noventa. Get a Grip logró ubicarse como su mejor álbum a nivel mundial con 20 millones de copias vendidas. Pero en Persi Music la ecuación “Nivel de Ventas = Gran Disco” no aplica. Así que vamos a desmitificar, a desmentir y un poquito a destruir a Get a Grip, un álbum que genera suspiros de amor entre una porción de fans de Aerosmith (de quienes me ganaré su puteada) y un tanto de odio en adoradores de su época más gloriosa.

Luego del lanzamiento de Pump, los chicos malos de Boston tenían pasta para seguir existiendo. Se nota que Tyler tenía la garganta a punto caramelo con muchas ganas de agitar y gritar, y que Perry tenía para ofrecer una buena cantidad de riffs y solos de guitarra. Y así lo hicieron en este disco. Si algo no se puede negar es que Get a Grip tiene energía. Aunque lamentablemente desperdiciada, orientándola a un costado más superficial y manteniendo las influencias del Hair Metal que los perjudicó en los ochenta (y que ya estaba sepultado en los noventa). Por eso Get a Grip es un disco muy hueco y poco interesante en el que se intercalan cortes dinámicos, fervorosos, genéricos e irrelevantes de Hard Rock (o lo que algunos llamarían “Cock Rock”) y hits absolutamente comerciales y vacíos pero muy efectivos.

Justamente para entender el éxito comercial de Get a Grip, basta con ver en su tracklist la serie de temas populares que lo integran aunque no son los mejores de su carrera. Pero por mal que pese, son lo más destacable del álbum. Entre ellos están dos de las power ballads más famosas de Aerosmith “Cryin’” y “Crazy”, que son más o menos la misma canción y que popularizarían a Alicia Silverstone (cuyo mayor mérito fue ser Batichica en la peor película de Batman de la historia). “Amazing” también entra en la misma categoría y es la que más rescato de las tres por ser la menos inflada. El otro conocido es “Livin’ On The Edge”, fácilmente el mejor tema del disco por romper un poco con el esquema genérico que ofrece la banda en todo el trabajo.

Luego están los dichosos cortes de “Cock Rock”, empezando por “Eat a Rich”, que es más o menos una reescritura de “Walk This Way”. Al menos “Eat a Rich” es una apertura que lo suficientemente entretenida. Pero el resto de los cortes de su misma índole como “Get A Grip”, “Fever”, “Flesh” y “Shut Up And Dance” son realmente malos.

Así que si te gustan las power ballads y los temas populares de Aerosmith, este disco es lo tuyo. Sino no te dejes engañar por la publicidad. “La hamburguesa no es igual a la de la foto”.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4.5)

The Smashing Pumpkins – Adore (1998)

The Smashing Pumpkins - Adore (1998)

Puntaje del Disco: 8

  1. To Sheila: 8
  2. Ava Adore: 9
  3. Perfect: 7,5
  4. Daphne Descends: 7
  5. Once Upon a Time: 8
  6. Tear: 7,5
  7. Crestfallen: 7
  8. Appels + Oranjes: 7
  9. Pug: 7,5
  10. The Tale of Dusty and Pistol Pete: 8
  11. Annie-Dog: 8,5
  12. Shame: 8
  13. Behold! The Night Mare: 7,5
  14. For Martha: 8,5
  15. Blank Page: 8
  16. 17:

Para finales de la década del noventa Billy Corgan y sus Smashing Pumpkins eran una de las últimas esperanzas estadounidenses de rock alternativo que aún quedaba en pie dentro de una escena global donde la electrónica ganaba cada vez más adeptos y parecía arrasar con todo.

A pesar de contar con un suceso desmedido en sus dos anteriores placas, Siamese Dream y Mellon Collie and the Infinite Sadness, la banda comenzó desde antes del lanzamiento de su cuarto disco a deslizar que harían algo distinto a lo que nos tenían acostumbrados. James Ilha declaró: “el futuro está en la música electrónica. Realmente se hace aburrido sólo tocar música rock” y Corgan agregaba: “Ya no hablo con adolescentes. Ahora le hablo a todo el mundo. Es un diálogo más amplio. Hablo con gente más mayor que yo y más jóvenes que yo, y con nuestra generación también”. Y a su vez generaría incertidumbre con lo que iban a ofrecer: “La gente que dice que será acústico se equivocará. La gente que dice que será electrónico se equivocará. La gente que dice que será un álbum de Pumpkins se equivocará. Intentaré hacer algo indescriptible”.

El 2 de Junio de 1998 se develaría el misterio y se lanzaría al mercado Adore. Primer trabajo de la banda sin su baterista fundacional Jimmy Chamberlin, quién fue despedido después de sufrir una sobredosis de heroína junto al tecladista Jonathan Melvoin, este último tuvo peor suerte y fallecería en ese espisodio.

Como se esperaba Adore significó un cambio en el sonido de la banda. Menos presencia de guitarras distorsionadas, serían reemplazadas con más temas tranquilos y pop y mayor presencia de música electrónica y sintetizadores. El control de las baterías en Adore estuvo en casi todo el trabajo a cargo de Matt Walker, aunque también participarían en un par de temas el baterista de Beck Joey Waronker y el ex Soundgarden y actual Pearl Jam, Matt Cameron.

A pesar de ser uno de los discos más esperados para 1998 el disco no funcionó del todo bien. Al parecer la gente no compró mucho el cambio de “onda” del grupo. Su primer sencillo el gótico y frenético “Ava Adore” tuvo bastante repercusión pero el resto de las canciones no alcanzaron demasiada rotación. Con su segundo single “Perfect” buscaron emular canciones del estilo de “1979” pero sin tanta efectividad. Aún así encontramos dentro del nutrido listado de temas varios momentos agradables como «To Sheila», «Once Upon a Time», «Annie-Dog», «Shame», «For Martha» y «Blank Page».

Al margen de ser bastante bastardeado y criticado por el público tuvo bastante aceptación por parte de la crítica especializada. Alabando el crecimiento tanto en sus letras como en el crecimiento de su sonido y a pesar de que no fue muy valorado con el tiempo por el propio Billy: “Fue la imagen de una banda rompiéndose en pedazos”, con el tiempo se lo valoró mucho más teniendo en cuenta que estamos ante quizás el último momento realmente valioso en la carrera del conjunto de Chicago.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Living Colour – Vivid (1988)

Living Colour - Vivid (1988)

Puntaje del Disco: 9,5

  1. Cult Of Personality: 10
  2. I Want To Know: 9,5
  3. Middle Man: 9
  4. Desperate People: 10
  5. Open Letter (To a Landlord): 9,5
  6. Funny Vibe: 8,5
  7. Memories Can’t Wait: 9
  8. Broken Hearts: 8,5
  9. Glamour Boys: 9
  10. What’s Your Favorite Color?: 8
  11. Which Way To America?: 7,5

Living Colour  es una banda procedente de Nueva York de Hard Rock/ Funk Metal que además involucra otros géneros a su propuesta como el Free Jazz o el Hip Hop.

La banda inició fundamentalmente cuando el guitarrista Vernon Reid escucho cantar “cumpleaños feliz”  a un joven llamado Corey Glover. Desde ese momento nacería este grupo, que en sus inicios se dedicaría  a tocar en distintos clubes de Nueva York. En uno de esos tantos conciertos, un tal Mick Jagger quedaría impresionado con la performance de estos cuatro chicos de color con ropas excéntricas, que hacían un rock potente pero sumamente pegajoso y atrayente.
Esto llevó a Mick Jagger a apadrinarlos, promocionándolos,

llevándoselos de gira y, claro (como no podía ser de otra manera), coproduciendo su primer álbum titulado Vivid.

El disco comienza con la canción más conocida de la banda: “Cult Of Personality”, un potente tema de hard rock con fuetes influencias funk. Las melodías de prácticamente todas las canciones son totalmente irresistible, aunque a lo mejor van variando dependiendo del corte. En “Desperate People” resalta más el apartado rítmico, en el cual se engloban todas las cualidades de la banda con potencia y hermosura. En  “Glamour Boys” se vislumbra más lo melódico y  pegajoso. En  “Open Letter (To a Landlord)” y “Broken Hearts”  se resalta la vertiente más melancólica, matizado secciones con más fuerza. También están aquellas canciones, que no se ubican en ninguno de los extremos como “I Want To Know”, que posee otra melodía fácilmente recordable,

Una de las cosas más destacables, es la química que transmite el grupo en este disco .No solo porque compusieran buenos temas, sino más bien porque se nota diversión en las canciones. Son capaces de cambiar un estado de ánimo. Incluso en canciones más tristes se encuentra algo de esperanza.

Vivid posee un sonido de gran hermosura, con gran sensibilidad cuando deben serlo, y con suficiente caña para aquellos más rudos. Una calidad técnica fuera de discusión. En definitiva un disco que no encaja con los sonidos de moda de aquel entonces. Pero tampoco se alejan tanto, porque la buena música no pertenece a ninguna época sino a todas. Así son los clásicos.

Diego

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(Votos: 0 Promedio: 0)

Marilyn Manson – Mechanical Animals (1998)

Marilyn Manson - Mechanical Animals (1998)

 Puntaje del Disco: 8,5

  1. Great Big White World: 8,5
  2. The Dope Show: 9
  3. Mechanical Animals: 8
  4. Rock Is Dead: 9
  5. Disassociative: 8,5
  6. The Speed of Pain: 8
  7. Posthuman: 6
  8. I Want to Dissapear: 7,5
  9. I Don’t Like Drugs (But The Drugs Like Me): 8
  10. New Model No.15: 7,5
  11. User Friendly: 7,5
  12. Fundamentally Loathsome: 7
  13. The Last Day on the Earth: 9
  14. Coma White: 9,5

Habré odiado álbumes de rock hace mucho, mucho tiempo cuando los escucho por primera vez, pero no hay nada mejor que escuchar algo que odiaste hace mucho tiempo y que al final te termine gustando, solamente por un malentendido, o porque pasa el tiempo y la música mejora. Es puramente típico, todos estarán de acuerdo. Bueno, con Mechanical Animals me ha pasado.

En sabores musicales para el paladar, no esperes encontrarte con otro Antichrist Superstar en tus oídos, aunque pertenezca a la «trílogia anticristiana antisocial» (o como llaman los fans de Manson, el cual el primer álbum es el Antichrist Superstar, el segundo este, y el tercero el Holy Wood In The Shadow Of the Valley of Death), tiene un estilo completamente distinto. Este LP no cuenta con la producción de su mentor, Trent Reznor. Los sintetizadores sucios desaparecieron y se reemplazaron por otro tipo de sonidos ambientales. Este disco, podría ser considerado un nuevo género, al cual yo llamo «Industrial Glam Rock», que quiere decir, que combinan los pocos sonidos industriales pesados que tenía Manson en este disco con el Glam Rock de los 70’s. Muchos críticos consideraron que Manson fue como el Alice Cooper o el David Bowie de los 90’s con la salida de este álbum. Hay temas más lentos y baladas que en Antichrist Superstar, pero sin quitarles poder del género, las guitarras distorsionadas siguen allí aunque tampoco son grandes protagonistas.

Lo que capta la atención del disco es su gráfica y sorprendente portada. Quizás esa fue la razón por la cual me hizo escuchar este LP y ésta tiene un concepto claro, pero su concepto fue una razón que me hizo odiar el álbum. Con el paso de los años sin escucharlo, todo lo que tenía que hacer era ponerle un poco de humor y no tomárselo tan en serio. El concepto clarísimo, trata sobre un alienígena llamado Omega (alter-ego de Manson), que tiene el fin de captar la atención en un mundo sedado de «conciencia colectiva»; por lo cual este crea una banda rock ficticia llamada Omega and the Mechanical Animals.

Ya con el éxito hecho, lo que Omega hizo antes eran canciones reflexivas que se terminan convirtiendo en canciones vacías de drogas y sexo. Esto se divide en 2 partes: Alfa, que muestra a un Omega antes del éxito que escribe canciones reflexivas aunque sumamente depresivas, es el lado más «humano»; luego, la parte Omega, tiene las temáticas ya dichas: drogas y sexo, y muestra una representación gráfica de lo que es la vida de rock star en el Alter Ego de Manson. Es una parodia clarísima del discazo Ziggy Stardust and the Spiders From Mars de David Bowie en 1972.

Podríamos decir que es el álbum más controvertido de 1998 y que levanto mucha polémica sobre Manson, tanto la portada, la supuesta relación falsa que guardaba con el tema de La Masacre de Columbine en 1999 (al cual respondió con Holy Wood en 2000), el concepto, las letras, la música, los vídeos (el peor de ellos fue «Coma White», que tenía como un fragmento del asesinato de John F. Kennedy). Todo fue un momento polémico para este bizarro artista. Y hasta se podría decir que es el mejor disco de este maniático, pero eso va por gustos. Recomendable si te gustan conceptos bizarros como este.

Toto

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Marvin Gaye & Diana Ross – Diana & Marvin (1973)

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Puntaje del Disco: 7.5

  1. You Are Everything: 7
  2. Love Twins: 7
  3. Don’t Knock My Love: 8
  4. You’re a Special Part of Me: 8
  5. Pledging My Love: 7
  6. Just Say, Just Say: 7.5
  7. Stop, Look, Listen (To Your Heart): 7
  8. I’m Falling in Love With You: 7
  9. My Mistake (Was to Love You): 8
  10. Include Me in Your Life: 7.5

La idea original de grabar un disco dueto entre Diana Ross y Marvin Gaye comenzó en 1970. Sin embargo, no se concretaría sino hasta tres años después cuando Marvin finalmente accedió a formar nuevamente dúos con artistas femeninas porque consideraba que les traía mala fortuna, en especial tras la muerte de Tammi Terrel con quien había grabado la exitosa “Ain’t No Mountain High Enough”.

Después de sus dos grandes discos What’s Going On y Let’s Get It On, Marvin accedió a juntarse con otra estrella de Motown como Diana Ross para darle forma a Diana & Marvin de 1973. La química entre ambos fluyó inmediatamente y ambas voces congeniaron muy bien dando buenos resultados como “Don’t Knock My Love”, “You’re a Special Part of Me” y “My Mistake (Was to Love You)”.

Aunque no hubo un tema en particular que se convirtiera en un super hit, la buena calidad del disco y sobre todo dinámica entre ambos es lo que hace de éste un recomendable material.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Brian Eno – Before and After Science (1977)

Brian Eno - Before and After Science (1977)

Puntaje del Disco: 9

  1. No One Receiving: 8
  2. Backwater: 8,5
  3. Kurt’s Rejoinder: 8
  4. Energy Fools the Magician: 8
  5. King’s Lead Hat: 9
  6. Here he Comes: 9,5
  7. Julie with…: 8
  8. By This River: 10
  9. Through Hollow Lands: 8,5
  10. Spider and I: 8,5

Los finales de los setentas fueron la etapa más productiva de Brian Eno. En primer lugar se encargó de producir la trilogía de Berlin de David Bowie (Low (1977), Heroes (1977), Lodger (1979)) así como los mejores trabajos de Talking Heads (Fear of Music (1979), Remain in Light (1980)). En su trabajo como artista independiente no se quedó atrás y creó su obra más par; su cuarto disco Before and After Science (1977).

Eno se tomó su tiempo para la creación de este trabajo, creándolo poco a poco a lo largo de dos años en el que grabó alrededor de 120 canciones diferentes y de todos los estilos que había manejado en su carrera (Art Rock, Ambiental, Glam Rock, Pop Experimental), de las cuales eligió las diez canciones que más le llenaron, buscando sin duda replicar la forma que logró con su anterior disco.

Y los esfuerzos de Eno rindieron frutos ya que Before and After Science es un gran disco en el que logra el equilibrio entre el pop cerebral de Here Comes the Warm Jets, la experimentación rara de Taking Tiger Mountain y la atmosfera ambiental de Another Green World. Es las mejores cualidades de Brian condensadas en un solo disco.

Lleno de ganchos, imaginativo y de temática oceánica, este trabajo se podría dividir en dos secciones; la primera mitad del disco son temas enérgicos de Pop artístico, mientras que la segunda mitad son temas más ambientales y tranquilos.

De la parte pop resaltan “Backwater” una melodía juguetona con una letra bastante realizada, pero aun más me agrada “King’s Lead Hat” una acelerada pieza pop donde relucen las combinaciones entre los trucos de sintetizador de Eno y las guitarras de Phil Manzanera y Robert Fripp. Los otros tres temas también son buenos, consecuencia de la ausencia de relleno en el disco.

En lo personal la segunda parte del disco me agrada más, contiene la suave balada etérea “Here he Comes”, “By This River” que con su teclado melancólico y su lirica nostálgica se convierte en una de las canciones más destacadas de la carrera de Eno. “Through Hollow Lands” es éxtasis ambiental y “Spider and I” es un adecuado cierre con su atmosfera escapista a base de minimalistas arreglos de teclados.

Sea que te haya agradado la hiperactividad de Here Comes the Warm Jets, o el ambiente de Another Green World. Before and After Science es un disco que no defrauda ni por un lado ni por el otro y en lo personal lo considero el disco definitivo de Brian Eno.

Gera Ramos

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Foster the People – Supermodel (2014)

Foster the People - Supermodel (2014)

Puntaje del Disco: 5,5

  1. Are You What You Want to Be?: 5
  2. Ask Yourself8
  3. Coming of Age: 6
  4. Never Mind: 6
  5. Pseudologia Fantastica: 6,5
  6. The Angelic Welcome of Mr. Jones:
  7. Best Friend: 4,5
  8. A Beginner’s Guide to Destroying the Moon: 6,5
  9. Goats in Trees: 6
  10. The Truth: 4,5
  11. Fire Escape: 5,5

“Pumped Up Kicks” fue un hitazo que catapultó a la fama a Foster the People, aunque su álbum debut no lo acompañó tanto. De hecho los hacía parecer una banda “One Hit Wonder”. Con ese paradigma de fondo, el grupo de Mark Foster tendría el desafío de autosuperarse con su nueva entrega. Teniendo la posibilidad de crecer artísticamente descartarían esa chance para intensificar más la idea de ser un grupo con premisas indies que apuntan a un sonido más comercial y bailable.

Así que su segundo disco, Supermodel, no mejora respecto de lo que fue su irregular debut. Tratando de hacer un álbum conceptual de crítica sobre el consumismo y la cultura popular, Supermodel tiene el gran problema de sonar asquerosamente marketinero con el pelotón de sintetizadores que usan para darle aires más electrónicos. Se nota de entrada con “Are You What You Want to Be?” que la fórmula que usan y el destino que buscan es deliberadamente el de vender un dance pop careta y muy recurrente en muchos de los peores artistas de estos años.

Además hay que decir que Supermodel es más constante en el uso de esta fórmula. En Torches había algunos buenos pasajes de indie rock, pero acá desaparecen.

El álbum no parece tener nada bueno, pero a decir verdad, Foster the People se esfuerza tanto en que sus melodías sean pegadizas sumando esa interpretación vocal tipo Beach Boys, que por lo menos se pueden escuchar. Y por eso hay algunos temas aceptables con alguna guitarra acústica como “Ask Yourself”. El resto simplemente no vale la pena. Es un tómalo o déjalo que de acuerdo a tu preferencia por el dance electrónico puede agradarte un poco más o un poco menos.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

Primal Scream – Evil Heat (2002)

Primal Scream - Evil Heat (2002)

 Puntaje del Disco: 7,5

  1. Deep Hit of Morning Sun: 7,5
  2. Miss Lucifer: 8
  3. Autobahn 66: 8,5
  4. Detroit: 8,5
  5. Rise: 8
  6. The Lord Is My Shotgun: 7,5
  7. City: 7
  8. Some Velvet Morning: 9,5
  9. Skull X: 7
  10. A Scanner Darkly: 6
  11. Space Blues #2: 7,5

Para su séptimo trabajo de estudio Primal Scream decidió hacer un puente entre dos de sus discos más trascendentes en su carrera y combinar todo lo positivo de ambos, el psicodélico y bailable Screamadelica (1991), que significó su despegue y mayor éxito y el agresivo, político y complejo XTRMNTR (2000) su más reciente obra hasta aquel entonces que había desorientado un tanto a sus seguidores pero que contaba con bastantes momentos interesantes.

Evil Heat contaría con la participación distintos productores en los diversos tracks pero el que más injerencia tuvo en el sonido del álbum en forma positiva sería Kevin Shields, el ex My Bloody Valentine le aportaría variedad y consistencia a su sonido en las mejores pistas como “Miss Lucifer”, “Detroit”, “Rise” y “Some Velvet Morning”.

Párrafo aparte merecen estas últimas dos canciones. “Rise” cuenta con la curiosa historia de que estaba originalmente compuesta para ser titulada «Bomb the Pentagon», y debió ser reelaborada después de los atentados del 11 de septiembre de 2001 y rebautizada como “Rise”. En cuanto a “Some Velvet Morning” el track más famoso de la placa se trata de un cover de un tema originalmente interpretado por Lee Hazlewood y Nancy Sinatra, en este caso la voz femenina que acompaña a Bobby Gillespie es la hermosa modelo Kate Moss, que haría su debut como cantante y lo hace bastante bien. Otra participación sorpresa es la de nada mas y nada menos que la de Robert Plant, el mítico cantante de Led Zeppelin en este caso participa en “The Lord Is My Shotgun” en la harmónica.

Quizás en Evil Heat los escoceses traicionen alguna de sus virtudes como su admiración por el rock clásico pero aún así estamos ante un material valioso, intenso y que mejora con cada escucha, ratificando a Primal Scream como una verdadera banda clase A.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)