Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Tricky – Maxinquaye (1995)

Tricky - Maxinquaye (1995)

Puntaje del Disco: 9,5

  1. Overcome: 9
  2. Ponderosa: 8,5
  3. Black Steel: 9,5
  4. Hell Is Round the Corner: 8
  5. Pumpkin: 9
  6. Aftermath: 7,5
  7. Abbaon Fat Tracks: 8,5
  8. Brand New You’re Retro: 9,5
  9. Suffocated Love: 9,5
  10. You Don’t: 8
  11. Strugglin’8,5
  12. Feed Me: 9

El británico Tricky, una de las figuras fundamentales de la escena del trip hop en los noventa, se hizo conocido mundialmente por participar como vocalista invitado de los brillantes primeros discos de Massive Attack Blue Lines y Protection.

Al demostrar su talento con la banda de Bristol Tricky es fichado por Island para grabar su propio disco debut, Maxinquaye (1995). Pero nadie esperaba tan buen resultado, un álbum de una creatividad, audacia e imaginación superior sin precedentes que logro fusionar de maravillas el rap, rock, R&B y creo una nueva forma de trip hop, se puede decir que lo redefinió. Y a pesar del correr de los años y que el genero predominante haya pasado de moda sigue sonando original, sorprendente, oscuro e inquietante.

La vida de Adrian Taws, AKA Tricky, fue dura desde su infancia, su padre abandonó a la familia antes de que naciera y su madre Maxine Quaye (de allí proviene el nombre de su debut) se suicidó cuando el tan solo tenía cuartro años. Al escuchar una canción suya se puede observar su descontento sobre la vida: “Es increíble lo oscura que tu vida se puede llegar a convertir sin que ni siquiera te des cuenta”. Por suerte la vida le sonrió años más tarde y pudo plasmarlo todo en su música.

Una pieza clave de esta mítica placa es la participación de la cantante Martina Topley-Bird, que además sería pareja de Tricky, la química entre ambos se encontraba en su mejor momento en Maxinquaye y se nota lo bien que se llevan también profesionalmente haciendo una excelente dupla.

Entre los tesoros que nos ofrece el disco podemos citar algunas piezas que sobresalen como “Overcome”, “Black Steel”, “Pumpkin” con voces de Alison Goldfrapp y sample de “Suffer” de los Smashing Pumpkins, “Brand New You’re Retro” con samples de “Bad” de Michael Jackson y “Mind Terrorist” de Public Enemy, “Suffocated Love” y “Feed Me”.

Maxinquaye es junto a los primeros años de Massive Attack y de Portishead el punto más elevado del trip hop. Ni siquiera el propio Tricky pudo alcanzar tal nivel en sus discos posteriores. Pero esta gran obra noventosa serviría como legado e influencia para muchos otros grupos de distintos estilos que aparecieron posteriormente.

F.V.

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Youth Lagoon – The Year of Hibernation (2011)

Youth Lagoon - The Year of Hibernation (2011)

Puntaje del Disco: 8

  1. Posters: 8
  2. Cannons: 8,5
  3. Afternoon: 7,5
  4. 17: 8
  5. July: 7
  6. Daydream: 7,5
  7. Montana: 8
  8. The Hunt: 7,5

Youth Lagoon (nombre real Trevor Powers) es un artista proveniente de Idaho, Estados Unidos, que cosechó un buen recibimiento en su entrada al mundo de la música con The Year of Hibernation, un disco muy íntimo y reverberante de Dream Pop.

Creado durante un frío invierno (de donde toma el título de “Hibernation”), el disco fue realizado como un tipo de terapia personal para Powers quien venía sufriendo de crisis de ansiedad. Encerrándose en su recamara y armándose de teclado, guitarra y una maquina de percusión, el joven de 22 años capturó la nostalgia de los años de juventud, la soledad y los cambios de la vida en ocho atmosféricos temas de baja fidelidad y ambientes soñadores.

Lo que más llama la atención respecto a Youth Lagoon es la peculiar voz infantil que despliega Powers, dando una impresión de adolescencia y de fragilidad, cualidades que explota al máximo con sus canciones que constantemente pasan de estar en calma a levantarse con coros reanimados impulsados por guitarras. A pesar de ser temas muy similares entre sí, cada uno tiene momentos interesantes, sean el outro de guitarra de “Posters”, los pasajes electrónicos de “Daydream”, la fragilidad y añoranza de “17”, la narrativa de “Montana” o la firmeza y resiliencia del coro de “Cannons”.

Year of Hibernation cumple en recrear el ambiente de una recamara y compartir letras bien realizadas. Youth Lagoon se ha forjado un estilo propio que le vuelve bastante distintivo que se dio para continuar experimentando en su siguiente disco Wondrous Bughouse.

 Gera. Ramos

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Deep Purple – The House of Blue Light (1987)

Deep Purple - The House of Blue Light (1987)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. Bad Attitude: 6,5
  2. The Unwritten Law: 5,5
  3. Call Of The Wild: 5
  4. Mad Dog: 7,5
  5. Black & White: 7
  6. Hard Lovin’ Woman7
  7. The Spanish Archer: 8,5
  8. Strangeways: 5,5
  9. Mitzi Dupree: 7
  10. Dead Or Alive: 6

Luego de una serie de discos de pobres resultados, con varios cambios de formación en el medio, la historia de Deep Purple parecía sentenciada. Y con Perfect Strangers, si bien había una luz de esperanza por el retorno de su alineación clásica conocida como Mark II, el resultado de este álbum fue bastante malo. Pero se tomarían revancha y así saldría a la luz 3 años más tarde un nuevo disco de Mark II: The House of Blue Light.

Hay fans que odían este disco, a punto tal de preferir a Perfect Strangers. Y a decir verdad no es un gran trabajo discográfico pese al esfuerzo que puedan poner para mantener con vida a Purple. Pero tampoco es tan malo.

The House of Blue Light tiene sus problemas en su inconsistencia, en no ofrecer nada innovador ni que revitalice a la banda y principalmente en su mala producción que se nota que está muy arraigada por lo que hacían otros grupos en los ochenta. Se intenta tornar todo más electrónico, en especial en la batería y en los sintetizadores que tapan la labor que nos tenían acostumbrados Ian Paice y Jon Lord. En cambio, el que más se hace notar es Blackmore, soltando por momentos solos y riffs que le dan cierto valor al álbum. De todas formas el mismo Ritchie remarcó lo difícil que fue para ellos grabar el disco, por constantes disputas entre los mismos miembros.

El resultado de todo fue un trabajo que pasa sin pena ni gloria en la discografía de Purple. Siendo la primera parte la más vulnerable, donde se nota fuertemente los problemas de producción. A partir de  “Mad Dog” levanta un poco el nivel del hard rock de la banda, encontrando su cúspide (sin ser una maravilla) en “The Spanish Archer” que tiene una melodía decente, velocidad y con Blackmore inspirando dibujando con maestría en guitarra.

Lamentablemente, el álbum vuelve a decaer al final, no dejando mucho para recordarlo, sino más bien para añorar el pasado de la banda.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 3)

The Moody Blues – In Search of the Lost Chord (1968)

The Moody Blues - In Search of the Lost Chord (1968)

 Puntaje del Disco: 7,5

  1. Departure:
  2. Ride My See-Saw: 8
  3. Dr. Livingstone, I Presume: 7,5
  4. House of Four Doors: 7
  5. Legend of a Mind: 8,5
  6. House of Four Doors (Part 2): 6,5
  7. Voices in the Sky: 7
  8. The Best Way to Travel: 7,5
  9. Visions of Paradise: 7,5
  10. The Actor: 8,5
  11. The Word:
  12. Om: 7

In Search of the Lost Chord, tercer álbum de estudio de la banda de Birmingham The Moody Blues, es el más psicodélico de su carrera. A su mezcla de R&B y rock sinfónico se le agrega la del rock psicodélico tendencia inexorable en la época para la mayoría de las bandas que brillaron en aquellos años.

En In Search of the Lost Chord los Moody Blues fueron mas allá y hasta le compusieron un tema, “Legend of a Mind”, al famoso guru del LSD Timothy Leary, que además es uno de los mejores momentos del disco junto a pasajes épicos como “Ride My See-Saw”, “The Actor” y “Visions of Paradise”, aunque no encontramos ninguna obra maestra como “Nights in White Satin”.

Otro dato a destacar es que sería en este trabajo donde el grupo descartaría a la orquesta que los acompañó con efectividad en Days of Future Passed y pondría en primer plano al mellotron de of Mike Pinder. El resto lo acompañó para consolidar la experiencia psicodélica con flautas, sitar, tablas y cellos.

Si bien In Search of the Lost Chord no emula el nivel de sus anteriores composiciones es también valorable la creatividad y la búsqueda de variantes que siempre caracterizo a The Moody Blues y no sería la excepción en esta oportunidad, un disco para explorar como toda su discografía en los sesenta.

F.V.

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Mr. Bungle – Mr. Bungle (1991)

Mr._Bungle_-_Mr._Bungle

Puntaje del Disco: 9,5

  1. Quote Unquote: 9,5
  2. Slowly Growing Deaf: 9,5
  3. Squeeze Me Macaroni: 9
  4. Carousel: 9
  5. Egg: 9,5
  6. Stubb (a Dubb): 9,5
  7. My Ass is on Fire: 8
  8. The Girls of Porn: 8
  9. Love is a Fist: 8
  10. Dead Goon: 7,5

Mr. Bungle es un grupo que se desenvuelve en distintos géneros musicales, lo cual dificulta la clasificación del mismo. Para poder facilitarme la tarea solo diré que es un grupo experimental, que posee sonidos relacionados con el metal, punk, jazz, funk, ruido, gritos, sonidos raros, videojuegos, ska, hardcore, death metal, electrónica, pop, klesmer. Y así podría seguir nombrando los distintos géneros con que se relaciona este grupo. Algunos derechamente no aparecían en mi diccionario .

Formados con Mike Patton (Voz), su amigo el multifacético Trey Spruance (Guitarra), Trevor Dunn (Bajo y otros), Danny Heifetz (Bateria), Clinton Mckinnon, (Saxo) y producidos por el genial John Zorn.

La historia es así. Faith No More había saltado a la fama con su disco The Real Thing. Esto le daba a Mike Patton una oportunidad para poder conseguirle un contrato a su grupo de toda la vida. ¿De que manera dirán ustedes? Bueno, condicionando su presencia en Faith No More, que en ese momento su popularidad crecía de manera progresiva. Entonces Warner Music no le quedo otra que aceptar el grupo, anotándose un autogol a nivel comercial, tanto así que se limitaron simplemente decir que Mr Bungle era Funk Metal.

El disco, pese a ser muy experimental es muy divertido, con muchos cambios de ritmo y mucho virtuosismo de cada uno de los elementos de la banda. La guitarra no tiene problemas de moverse de un estilo a otro en una misma de canción. El bajo marca el sello de cada canción con su sostén rítmico Funk que le da una identidad y coherencia a las canciones de la placa. La batería también se mueve con mucha naturalidad en la locura compositiva del disco, desde los silencios hasta el momento de afilar las baquetas. El saxofón se encuentra presente en casi todo el álbum con apariciones esporádicas continuas que enriquecen las canciones. Bueno y Mike Patton se encuentra en el momento de transición de su voz aguda a su mas grave, desplegando toda su locura, cualidades y humor.

En fin, más que detallar una canción en particular, lo cual se dificulta mucho tomando en cuenta la variedad de sonidos y estilos que hay en cada una de ellas, prefiero mejor dejar el factor sorpresa como premisa. Porque de algo estoy seguro: este disco no deja indiferente. Si lo consideran un álbum difícil, mejor ni se acerquen a su próxima obra.

PD: Las mascaras que usa Slipknot las copiaron de acá.

Diego

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(Votos: 1 Promedio: 4)

The Doobie Brothers – What Were Once Vices Are Now Habits (1974)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Song to See You Through: 8
  2. Spirit: 8
  3. Pursuit on 53rd St.: 8
  4. Black Water: 9
  5. Eyes of Silver: 8
  6. Road Angel: 7
  7. You Just Can’t Stop It: 7
  8. Tell Me What You Want (And I’ll Give You What You Need): 7.5
  9. Down in the Track: 7
  10. Another Park, Another Sunday: 8
  11. Daughters of the Sea: 7
  12. Flying Cloud: 7.5

Previo a la grabación de su cuarto álbum de estudio, The Doobie Brothers, debió sortear algunos cambios en la formación. Hossack dejó abruptamente los ensayos por sentirse cansado de las contantes giras, mientras que el baterista, compositor y vocalista Keith Knudsen se incorporó al grupo en septiembre de 1973.

What Were Once Vices Are Now Habits fue el título elegido para esta producción de la agrupación californiana, que tuvo a “Another Park, Another Sunday” como primer corte de difusión. “Eyes of Silver”, una buena pieza rockera sureña es una de las principales composiciones, que tuvo buena repercusión, pero que rápidamente se vio opacada por la salida de “Black Water”, que acaparó una mayor atención radial y se convirtió en el primer número uno para la banda.

A pesar de que resulta casi imposible separar el sonido de The Doobie Brothers con el de CCR, el grupo comandado por Patrick Simmons se las ingenia para mantener su tradicional sonido y hacerse un lugar cada vez más privilegiado en el plano musical, como quedó demostrado con este interesante material de 1974.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)

Arctic Monkeys y The Hives en Argentina (Personal Fest – 08/11/2014)

Arctic Monkeys Personal Fest 2014
Tengo el agrado de decir que Arctic Monkeys es la única banda internacional que pude ver en vivo todas las veces que se presentaron en Argentina. Claro, es un grupo relativamente joven. No pasaron ni 10 años de su disco debut.

Esta vez vendrían al país para presentarse por tercera vez en el marco del Personal Fest, acompañando varios grupos y artistas que pueden ser de interés para distintos tipos de públicos. Sin embargo, la fecha más atractiva era la que se presentaban los Monkeys, siendo ellos los que hacían la diferencia que terminó agotando entradas con descuentos rápidamente, y además porque venían acompañados por The Hives, Echo & The Bunnymen,y bandas locales como Utopians.

Llegaríamos al evento pasadas las 20:30hs, para ver a los 2 platos más importantes de la noche. Para esa altura Echo & The Bunnymen estaban cerrando su participación con sus últimas canciones. Por lo que fue agradable tener como recepción de llegada su interpretación de “Killing Moon”.

Una vez acomodados ya desde entonces se podía dilucidar el público que asistió al evento: en su mayoría eran teenagers y algunos pendex que pisaban los 20 años. Pibes de la Generación Z que parecían la renovación de seguidores de bandas del nuevo milenio, que tenían cara de estar presenciando su primer festival y que nos hacían quedar a nosotros como unos viejos tan experimentados como “chotos”. El mismo F.V. dijo en ese momento: “La próxima voy a platea”.

Como en todos los Personal Fest que pudimos presenciar, siempre se respetó mucho el cronograma y tiempo que tenía cada grupo. Por eso la puntualidad con que The Hives arrancó su show (con el tema de Tiburón de fondo) a las 21:10hs no fue llamativa.

Desde “Come On” hasta cerrar con sus mayores hits “Tick Tick Boom” y “Hate to Say I Told You So”, los suecos dieron un concierto vibrante, lleno de energía y con un rimo vertiginoso fiel a su estilo, generando pogos y rondas constantes en el público. Pero su show no fue solo de Garage Punk a todo pulmón, interactuaban bastante con el público. Howlin’ Pelle Almqvist en su espanglish bastante fluido demostró que puede ser todo un showman. Arengando a la gente y repitiendo constantemente que son el mejor grupo sueco que existe y que él es el mejor contante de todos (por supuesto con cierto humor e ironía). Aunque, también era repetitivo por momentos, pidiendo varias veces levantar una mano y luego la otra para aplaudir, y que contesten las chicas y luego los chicos del público.

De todas formas, The Hives dejaron en claro que son un grupo muy entretenido para ver en vivo, sobre todo si tenes ganar de saltar y agitar indefinidamente.
Arctic Monkeys Personal Fest 2014 2
Cerrada su presentación rápidamente había que acomodarse para ver lo que más importaba ese día: Arctic Monkeys. A partir de ahí uno se daba cuenta que había ciertas cosas que fallaban. En primer lugar había mucha gente, demasiada. Evidenciando que a los Monkeys ya les queda chico un lugar como GEBA. Están ya para brindar un concierto en un estadio. Más si tenemos en cuenta que al ser un festival su tiempo se acota y la cantidad de clásicos que quedan afuera es abundante.

Así empezaría su turno a las 22:30hs, sacudiendo con “Do I Wanna Know?”, sucediendo con “Snap Out of It” y “Arabella”, dando a entender que la noche iba a estar bien cargadita de canciones de su último disco. Y así fue, de A.M. sonaron varios temas como “Why’d You Only Call Me When You’re High?”, “No. 1 Party Anthem” y “One for the Road”. Pero omitiendo increíblemente a “Mad Sounds” para incluir otros temas del último disco más descartables. Y ni hablemos de lo que quedo afuera de sus primeros discos. De su debut había poquito: “Dancing Shoes”, “I Bet You Look Good on the Dancefloor” y una versión fallida y escueta de “Mardy Bum”. De su segundo disco en cambio había un poco más, destacándose “Teddy Picker”,

“Fluorescent Adolescent” y “505”. Y de Humbug y Suck It And See también fue poco, quedando en mi recuerdo la versión acústica de “Cornerstone”.

Pero como decía es un problema vinculado a meter a los Monkeys en un Festival cuando pueden tocar por más tiempo. Más allá de eso, se nota una evolución en su forma de hacer conciertos que acompaña al crecimiento que tuvieron como grupo. Con conocimiento de lo que fueron sus anteriores presentaciones en el país, esta vez se notaba que estaban más maduros, más oscuros y más sobrios. Tocaron con calidad para transmitir la misma mística de A.M., en lugar de repasar clásicos para sacudir todo tu cuerpo. Aún así temas como “R U Mine?”, haciendo de cierre, son tan coreables como “When the Sun Goes Down”.

En otras palabras, los Arctic Monkeys hicieron un recital de un sonido impecable, realmente muy bueno, aunque fue el concierto que menos disfruté de ellos. Pero el agrado de ser el único grupo que vi todas las veces que vinieron se mantiene firme.

Persy

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(Votos: 2 Promedio: 5)

Moby – Wait For Me (2009)

Moby - Wait For Me (2009)

Puntaje del Disco: 7

  1. Division: 7
  2. Pale Horses: 8
  3. Shot in the Back of the Head: 7,5
  4. Study War: 8,5
  5. Walk with Me: 7,5
  6. Stock Radio:
  7. Mistake: 9
  8. Scream Pilots: 7
  9. jltf-1:
  10. jltf: 7
  11. A Seated Night: 6,5
  12. Wait for Me: 7.5
  13. Hope Is Gone: 7
  14. Ghost Return: 6
  15. Slow Light: 6,5
  16. Isolate: 7

A diez años de su consagratorio álbum, Play, la carrera de Moby parece estar estancada en un mismo lugar. Discos buenos, parecidos entre si con algún que otro tema que vale la pena pero que pasan sin pena ni gloria. Y Wait for Me no sería la excepción.

Anunciado en el website del artista en Abril de 2009 y lanzado un par de meses después a las calles Wait for Me contó con una producción más artesanal, así lo explicaría el propio Moby: “Grabe este disco en mi propio estudio casero. En el pasado trabaje en grandes estudios pero en este caso quería grabarlo todo en mi casa y de esta manera.”

El reconocido cineasta David Lynch fue una verdadera inspiración a la hora de grabar el disco. Según cuenta el impetu creativo detrás del material fue escuchar un discurso de Lynch en el Reino Unido. Donde este hablaba sobre la creatividad sin pensar en las necesidad y presiones del mercado. De hecho la relación entre ambos fue más allá y David dirigió el video de «Shot in the Back of the Head», uno de los puntos altos junto a “Pale Horses”, “Study War”, “Mistake” y “Walk with Me”. Todas en la primera parte del trabajo dejando así la segunda mitad como la más floja y hasta innecesaria en algunos casos.

A pesar de ser uno de sus discos más sencillos y accesibles en los últimos años de su carrera, Wait for Me termina siendo solo un pequeño compilado de algunas buenas intenciones, pero infinitamente lejos en cuanto a calidad de sus mejores momentos como Play y 18.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)

Crystal Stilts – In Love with Oblivion (2011)

Crystal Stilts - In Love with Oblivion (2011)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Scaymore Tree: 8,5
  2. Through the Floor: 8
  3. Silver Sun: 7,5
  4. Alien Rivers: 6,5
  5. Half a Moon: 7
  6. Flying into the Sun: 8
  7. Shake the Shackles: 8,5
  8. Precarious Stair: 7,5
  9. Invisible City: 7
  10. Blood Barons: 7
  11. Prometheus at Large: 6,5

Con una propuesta de música Noise de baja fidelidad  acompañada por letras oscuras se presentan Crystal Stilts, banda Post Punk nacida en Nueva York y que del 2009 en adelante y hasta ahora llevan ya tres placas lanzadas, siendo su segundo disco In Love with Oblivion el más conciso de su carrera.

Las influencias de Crystal Stilts son muy evidentes, percibiéndose un gusto por los ochentas y con un estilo muy similar a Joy Division y The Jesus and Mary Chain y algo de sus más contemporáneos y similarmente oscuros The Horrors. Las vocales que recuerdan al gran Ian Curtis se esconden en el ambiente sucio y reverberado de una permanente pared de sonido.

Curiosamente a pesar de ser una banda que le tira bastante a ser gótica, llama la atención que Crystal Stilts son grandes admiradores del Rock n’ Roll de finales de los 50s, por lo que muchos de sus temas tienen un toque jangly que contrasta con la oscuridad plasmada en los temas, de los cuales para resaltar están el opener “Scaymore Tree” que tiene una gran línea de guitarra Western y el enérgico single “Shake the Shackles”, también pueden gustar la mas melódica y alegre “Through the Floor” y “Flying Into the Sun” con excelentes guitarras haciendo juego.

Esta no es una banda precisamente original, la siento más como un homenaje a bandas góticas del pasado,  sin la necesidad de innovar Crystal Stilts hacen un trabajo decente y con una idea clara.

 Gera Ramos

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Black Lips – Black Lips! (2003)

Black Lips - Black Lips! (2003)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Throw It Away: 8
  2. Freakout: 6
  3. Ain’t No Deal: 9
  4. Stone Cold: 8,5
  5. I’ve Got a Knife: 7
  6. Down and Out: 8,5
  7. Steps: 6
  8. Fad: 9
  9. Sweet Kin: 8
  10. Crazy Girl: 5,5
  11. Everybody Loves a Cocksucker: 7
  12. Can’t Get Me Down: 6,5
  13. You’re Dumb: 7,5
  14. Untitled: 7

Los inicios de  Black Lips se remiten al año 1999, cuando el guitarrista Cole Alexander y el bajista Jared Swilley dejaran el grupo The Renegades, para unirse al guitarrista Ben Eberbaugh que había dejado su banda (the Reruns) junto al baterista Joe Bradley. Pese a realizar sus primeras grabaciones juntos Ben Eberbaugh fallecería en un accidente de tránsito. De todas formas el resto de la banda seguiría adelante, con la idea de que eso era lo que hubiera querido Ben.

Así nacería su homónimo disco debut en el 2003, en el que se puede escuchar un sonido de garaje rock, pero con una actitud más agresiva y volátil tirada del costado del punk, sumado a una calidad más bien Lo Fi especialmente en la interpretación vocal. Sin embargo, la banda se las ingenia que no sonar tan reiterativo y no quedar encasillado como otro grupo más de garaje punk de principios del 2000. Hay cierta diversidad en sus canciones, como en: “Stone Cold”, que es disonante pero tiene un ritmo más lento interesante; “Down and Out”,  acompañado de piano para distinguirlo; y  “Sweet Kin” es una especie de folk pero mucho más alternativo y disruptivo.

Aun así, pese a ser un disco relativamente corto en duración (unos 30 minutos, durando los temas entre 1 y 2 minutos la mayoría), es un poco irregular. Y cuando más se nota es cuando su punk se torna un poco genérico o cuando su locura no llega a mucho. Pero también hay que decir, que con su estilo ofrece un puñado de muy buenos cortes como “Ain’t No Deal” y “Fad”, que nos dan la pauta de seguir escuchando a Black Lips en el futuro.

Persy

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