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Coldplay – Mylo Xyloto (2011)

Coldplay – Mylo Xyloto (2011)

Puntaje del Disco: 5,5

  1. Mylo Xyloto: –
  2. Hurts Like Heaven: 6
  3. Paradise: 7
  4. Charlie Brown:6
  5. Us Against the World: 5,5
  6. M.M.I.X.:
  7. Every Teardrop Is a Waterfall: 6,5
  8. Major Minus: 5,5
  9. U.F.O.: 6
  10. Princess of China: 5
  11. Up in Flames: 5
  12. A Hopeful Transmission: –
  13. Don’t Let It Break Your Heart: 6
  14. Up with the Birds: 5,5

Nunca fui un gran seguidor de Coldplay. Pero siempre respete bastante sus primeros trabajos discográficos. Lamentablemente no puedo decir lo mismo del quinto: Mylo Xyloto.

Si bien para Coldplay abandonar ese sonido tristón y desahuciado parecía difícil, con Viva la Vida se marcó un especie de quiebre hacia lo que vendría de la banda. Desafortunadamente no es muy positivo. A estos tipos se les subió el optimismo a la cabeza, pero no de la mejor manera. Tomando la referencia del hit de su anterior disco “Viva la Vida” y “Lovers In Japan” hicieron con Mylo Xyloto un álbum íntegramente cargado de un sonido esperanzador en canciones de amor, pero sin darse cuenta que suenan un poco huecos, inmaduros, aburridos y hasta idiotas. Acercándose en cierta forma a lo que The Killers es hoy en día: una banda de minas sobrevalorada.

En Mylo Xyloto hay varios singles promocionales. Primero tenemos a “Paradise” que es lo más cercano al hit marca registrada de Coldplay, donde el estribillo pega un poco y la orquestación y arreglos acompañando no están nada mal, y aún así me resulta bastante inferior a cualquiera de sus clásicos. “Every Teardrop Is a Waterfall” es el otro gran hit, que tiene esa mística colorida y molesta de este nuevo Coldplay. Y por último el más pecaminoso de todos: “Princess of China”, que no me gusta porque es una clara movida comercial en la que incluyeron a Rihanna. El tema es audible, pero es la canción menos Coldplay que escuché de ellos. No suena ni a su nuevo estilo ni al anterior. Es como si fuera una canción compuesta por otro grupo totalmente distinto y que no conocemos.

Lo que queda del disco son principalmente baladas melancólicas y aburridas como “Us Against the World” y “Up in Flames”. Y algún tema colgado como  “Major Minus” por ser de lo más oscuro que ofrecen. Pero no esperen mucho más de Coldplay.

Al fin de cuentas el estilo lento y letárgico con el que nacieron termina siendo mucho mejor que esta nueva incursión.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 3 Promedio: 4)

Eminem – Encore (2004)

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Puntaje del Disco: 6,5

  1. Curtains Up:
  2. Evil Deeds: 7
  3. Never Enough: 6
  4. Yellow Brick Road: 7
  5. Like Toy Soldiers: 8,5
  6. Mosh: 8,5
  7. Puke: 5
  8. My 1st Single: 6,5
  9. Paul:
  10. Rain Man: 7,5
  11. Big Weenie: 7
  12. Em Calls Paul:
  13. Just Lose It: 6
  14. Ass Like That: 4
  15. Spend Some Time: 6
  16. Mockingbird: 6,5
  17. Crazy in Love: 5
  18. One Shot 2 Shot: 6,5
  19. Final Thought:
  20. Encore / Curtains Down: 7

Luego de protagonizar su primer film, el autobiográfico 8 Mile (2002), Eminem se tomaría un descanso. Aunque a decir verdad por ese entonces parecía imposible, ya que había alcanzado un nivel de celebridad tan grande que noticias sobre el no paraban.

Por aquel entonces Marshall Mathers se mantuvo ocupado produciendo para otros artistas de rap como sus protegidos el grupo D12, Obie Trice y 50 Cent, todos éxitos y el último de ellos más aún sería la reveleación del hip hop en el año 2003.

Recién para finales de 2004 Eminem lanzaría su quinto álbum de estudio Encore. Un éxito rotundo en ventas, en especial en Estados Unidos, demostrando que la estrella del rapero blanco no se había apagado y todavía lograba captar la atención de las masas como pocos artistas de su generación lo hacían, pero a pesar de esto es uno de sus discos más criticables de su carrera. Tanto la lírica como las composiciones en si bajaron notablemente su nivel y prueba de ello son lo pobre que resultaron los singles elegidos como “Just Lose It” y “Ass Like That”, que intentan ser gracioso como en otras ocasiones lo supo ser pero que son realmente olvidables y hasta desagradables, una verdadera decepción para los que lo creíamos un poco más inteligente.

Entre lo más rescatable encontramos el otro single de Encore, que le hace mejor honor a sus anteriores hits, “Like Toy Soldiers” y “Mosh”, esta última es una crítica al por entonces presidente de su país George W. Bush, en una campaña expresa en su video contra la reelección del presidente republicano. . Cuando Bush ganó las elecciones, se editó un segundo video de «Mosh», donde Eminem y su gente atacan la Casa Blanca. Como siempre contó con el apoyo de otros artistas que enriquecieron algunos de los temas o algunos pasajes aunque sea de los mismos como 50 Cent, Nate Dogg, Obie Trice, Dr.Dre y D12.

Mucho se especuló sobre si Encore significaría su última producción y los rumores comenzaron a circular como moneda corriente por aquellos años. Algunos especulaban que la portada donde Eminem aparece despidiéndose del público y cerrándose un telón sería una señal. Durante el 2005 se especuló sobre el retiro del rapero pero esto sería constantemente desmentido y se editaría en ese año su primer grandes exitos, Curtain Call: The Hits. Las especulaciones terminaron cuando el propio Eminem declararía que se tomaría un descanso prolongado pero que no estaba en sus planes retirarse.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 3.5)

R.E.M. – Automatic for the People (1992)

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Puntaje del Disco: 9,5

  1. Drive: 9
  2. Try Not to Breathe: 9
  3. The Sidewinder Sleeps Tonite: 9
  4. Everybody Hurts: 10
  5. New Orleans Instrumental No1: 7,5
  6. Sweetness Fallows: 8
  7. Monty Got a Raw Deal: 8
  8. Ignoreland: 7,5
  9. Star Me Kitten: 8
  10. Man On The Moon: 10
  11. Nightswimming: 9,5
  12. Find The River: 8,5

Es el principio de los 90, el grunge era el fenómeno de masas que imperaba en escena mundial, grupos como Nirvana  y Pearl Jam gozaban de un éxito arrollador, con temáticas de sus canciones basadas en el nihilismo y el dolor  de una generación de jóvenes que se  sentían totalmente  desarraigada de su realidad y entorno, no  solo en los Estados Unidos sino en gran parte del mundo. En este contexto, R.E.M. uno de los grupos  de  Rock Alternativo más regulares de los 80, eran objeto de admiración por los lideres de este nuevo movimiento imperante, especialmente de Nirvana. Que veían en ellos un ejemplo de integridad más allá de tener éxito comercial  o no. Es por eso  que con el lanzamiento del single “Losing my Religion” del  álbum Out Of Time de 1991, la banda liderada por Michael Stipe saltó a la fama, cosechando múltiples premios por dicha canción y  video promocional, convirtiendo  a R.E.M. en uno de los grupos más conocidos y requeridos por la industria y los fans. Lo que al igual que sus compañeros  de Seattle los estaba  atosigando por las exigencias de ser ricos y famosos. Con la situación ya dada, tienes dos opciones: seguir lo que te demandan tus jefes; o hacer lo que realmente sientes. En este caso fue la segunda.

El disco comienza con toda una declaración de intenciones, como es “Drive” a base de un sonido lento y sombrío al ritmo del arpegio repetitivo e hipnótico de la guitarra acústica  de Peter Buck, la canción  deambulo por la confusión (por su letra) y oscuridad. Gran comienzo. Luego vendrán dos canciones con sonidos un poco más optimistas, uno es  “Try Not To Breath” que recuerda más a los R.E.M. del disco anterior, solo en el sonido porque la letra trata sobre un tipo que está a punto de suicidarse con frases como: “Voy a tratar de no respirar. Esta decisión es mía. Viví una vida entera. Y estos son los ojos que quiero que recuerdes”. El optimismo fue una errónea impresión de la canción. La siguiente es la pegajosa “The Sidewinter Sleeps Tonite” que vendría a ser el único sol en este día nublado. “Everybody Hurts” puede ser probablemente una de las mejores creaciones de R.E.M de su carrera, desde su simple pero a la vez perfecta letra, que nos habla de superar los momentos difíciles de la vida y del daño que recibimos y realizamos a otros. Cualquier persona se puede identificar con esto, y con un estribillo tan bueno que piensas que ya lo has oído antes. Excepcional.

El álbum mantiene el tono sombrío a lo largo de toda la placa, exceptuando únicamente la canción “Ignoreland” que es la única que siento que no encaja en el concepto general del disco. Para el final queda un trió  de temas que se convirtieron en clásicos de la banda, como “Man On The Moon”, inspirada en el comediante Andy Kaufman, con una hermosa melodía que recuerda a Elvis Presley, con arropan tés y lindas guitarras que hacen el tema uno de los mejores de la placa. Luego viene “Nightswimming”  un canción basada en un simple melodía de piano con bellos arreglos de cuerdas, que relata un viaje a la infancia y raíces del grupo.  Para finalizar otra bella y nostálgica  canción llamada “Find The River”.

Automatic For The People  es la cúspide en la carrera de R.E.M. Es la mayor colección de clásicos de la banda, mostrando una banda madura que no necesitaban adaptarse a la moda actual, sino que recorrían su propio camino. Algunos pueden tildar que es monótono, que solo toca el tema de la tristeza. Eso no es verdad. También habla de desolación, dolor, depresión, sufrimiento  y cosas peores.

Diego

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Paul McCartney – McCartney (1970)

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Puntaje del Disco: 8

  1. The Lovely Linda:
  2. That Would Be Something: 8
  3. Valentine Day: 7
  4. Every Night: 8,5
  5. Hot As Sun/Glasses: 8
  6. Junk: 9
  7. Man We Was Lonely: 7,5
  8. Oo You: 8
  9. Momma Miss America: 8
  10. Teddy Boy: 8,5
  11. Singalong Junk: 8,5
  12. Maybe I’m Amazed: 9,5
  13. Kreen-Akrore: 7

Después de anunciar la separación de The Beatles, Paul McCartney publicó una semana despues su primer álbum solista, titulado simplemente “McCartney”.

Es un álbum hecho enteramente por Paul, desde la producción, voces y ejecución de cada instrumento presente en la grabación, acompañado por Linda en algunas canciones.

No es demasiado variado en cuanto a su sonido, pero la canción que resalta por sonar diferente a las otras es “Maybe I’m Amazed” una balada con el sello de McCartney, siendo este su primer hit, no fue lanzado como single en su tiempo pero es una de las canciones mas conocidas de su discografía.

Cuando digo que no es tan variado en cuanto a su sonido me refiero a que la mayoría de las canciones son acústicas, bastante simples y de corta duración, y la canción acustica que se destaca es “Junk” que había escrito previamente en 1968, en época del “Album Blanco”, pero no fue incluida en el mismo. Terminó en este disco, y es una versión bastante buena, con un sonido intimista y bastante agradable.

Otras canciones buenas son “Teddy Boy” y “Every Night”, la primera grabada durante las sesiones de “Let It Be”, pero finalmente descartada y regrabada para este disco y la otra es un agradable numero acustico, que resulta bastante pegadizo. También contamos con la versión instrumental de “Junk” titulada “Singalong Junk”, que dura más que la versión original y tiene algunos instrumentos más, podría parecer innecesario tener el mismo tema dos veces en el mismo álbum, pero es una versión bastante buena.

Contamos también con la corta “The Lovely Linda” y la instrumental “Kreen-Akrore”, canciones que, a decir verdad, no habrían afectado la calidad del álbum si no hubieran sido incluidas, bastante innecesarias sin ir más lejos.

Para terminar, resulta un trabajo agradable a los oídos este debut de Paul McCartney en solitario, pero habría cosas mucho más importantes al año siguiente, que resultó muy importante con el lanzamiento de su primer gran disco, Ram y la formación de Wings.

Tommy

Tu puntuación
(Votos: 3 Promedio: 3.7)

Mother Love Bone – Apple (1990)

Mother Love Bone - Apple (1990)

Puntaje del Disco: 9

  1. This Is Shangrila: 8
  2. Stardog Champion: 9,5
  3. Holy Roller: 9
  4. Bone China: 8
  5. Come Bite the Apple: 8,5
  6. Stargazer: 9
  7. Heartshine: 8
  8. Captain Hi-Top: 8
  9. Man of Golden Words: 8,5
  10. Capricorn Sister: 9
  11. Gentle Groove: 8,5
  12. Mr. Danny Boy: 7,5
  13. Crown of Thorns: 9

Antes de Pearl Jam existió Mother Love Bone. Los futuros miembros fundacionales de Pearl Jam el guitarrista Stone Gossard y el bajista Jeff Ament fundaron a finales de los ochenta un grupo que prometía mucho pero tragicamente duraría poco por la temprana muerte de su carismático y extravagante cantante Andrew Wood.

En un punto medio entre el glam de los ochenta y la explosión alternativa de los noventa Mother Love Bone tenía de todo para triunfar. Cosas de glam, grunge, hard rock y heavy metal se pueden escuchar en su primer y único LP, Apple (1990), un sólido debut con intensos y melódicos temas pesados como “Stardog Champion”, “Capricorn Sister” y “Holy Roller”, que junto a las baladas “Man of Golden Words” y “Crown of Thorns” forman parte de los momentos más inspirados de la novata banda de Seattle.

Parrafo aparte merece Andy Wood. Un frontman completamente distinto al prototipo de las bandas grunge. Su apariencia y voz se asemajaban más a otro tipo de líderes de banda como Freddie Mercury y Marc Bolan. Andy estaba predestinado a ser una estrella del rock, lo fue por poco tiempo pero sus adicciones a la heroína pudieron más. El 16 de Marzo de 1990 fue encontrado inconciente en su cama y a pesar de los esfuerzos de recomponerlo fue declarado muerto tres días después. Curiosamente no pudo ver las repercusiones del disco debut de su banda que se editaría unos meses después.

Mother Love Bone tenía gran potencial y tristemente nunca sabremos lo que hubiera ocurrido con ellos. El resto es historia Gossard y Ament formaron parte de una de las bandas más importantes de los noventa y una de las más importantes de la actualidad como Pearl Jam.

F.V.

 

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

The Allman Brothers Band – Win, Lose or Draw (1975)

The Allman Brothers Band - Win, Lose or Draw (1975)

Puntaje del Disco: 5,5

  1. Can’t Lose What You Never Had: 6
  2. Just Another Love Song: 6
  3. Nevertheless: 5
  4. Win, Lose or Draw: 6,5
  5. Louisiana Lou and Three Card Monty John: 5
  6. High Falls: 5,5
  7. Sweet Mama: 5,5

Tras el lanzamiento de Brothers and Sisters que tuvo bastante éxito, la banda se iría de gira y luego Gregg Allman lanzaría su disco como solista al igual que el guitarrista Dickey Betts. Esto generaría ciertas especulaciones sobre el futuro del grupo, hasta que finalmente aparecería el quinto disco de estudio de los Allman Brothers, Win, Lose or Draw, un trabajo tan angustiosamente genérico y vacío que traería numerosas críticas negativas.

El contenido de Win, Lose or Draw es pobre. Los Allman no ofrecen nada rescatable ni relevante para que pueda quedar en el recuerdo del oyente. Es el típico álbum de una banda que hace blues rock (y en este caso también rock sureño) corriente sin mucha inspiración. Aún así no esperen escuchar temas que suenen mal. La ejecución instrumental es decente, pero el nivel compositivo es escueto en comparación que lo que venían produciendo.

No hay mucho para destacar. El cover de Muddy Waters “Can’t Lose What You Never Had” es decente por los solos de Betts. Dickey también intenta remarla en “High Falls”, sin embargo, termina siendo uno de los Jams instrumentales más intrascendentes que escuché de ellos. Por último está la balada “Win, Lose or Draw” que titula al disco, que no suena nada mal, aunque lejos está de alcanzar lo mejor del repertorio de este grupo. Y lo que queda de este trabajo es un reflejo del pálido material que ofrecieron en esta oportunidad.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

Marillion – Clutching at Straws (1987)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Hotel Hobbies: 8
  2. Warm Wet Circles: 9
  3. That Time of the Night (The Short Straw): 9
  4. Going Under: 8
  5. Just for the Record: 8.5
  6. White Russian: 8
  7. Incommunicado: 9
  8. Torch Song: 8
  9. Slàinte Mhath: 8.5
  10. Sugar Mice: 8
  11. The Last Straw: 8
  12. Happy Ending: 8

Clutching at Straws, el cuarto disco de Marillion continuó con los lineamientos de su material anterior, Misplaced Childhood, que tanto éxito y reconocimiento le había dado al grupo.

En esta oportunidad el tema del disco ronda en la vida de Torch, un joven con una vida bastante desordenada que no logra hacer pie ni en lo laboral ni en el plano familiar, ahogando sus penas en el alcohol.

“Warm Wet Circles» y «That Time of the Night (The Short Straw) arranca de la mejor forma con este magnífico disco que mantiene una solidez de entrada hasta el fin. Con buenos arreglos, letras profundas y delicados toques de la mejor versión del grupo, hacen de éste uno de los materiales más recomendables de Marillion.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Muse – Absolution (2003)

Muse - Absolution (2003)

Puntaje del Disco: 10

  1. Intro:
  2. Apocalypse Please: 9
  3. Time is Running Out: 9,5
  4. Sing for Absolution: 8,5
  5. Stockholm Syndrome: 10
  6. Falling Away With You: 7,5
  7. Interlude:
  8. Hysteria: 10
  9. Blackout: 8
  10. Butterflies & Hurricanes: 8,5
  11. The Small Print: 9,5
  12. Endessly: 8
  13. Thoughts of a Dying Atheist: 8
  14. Ruled by Secrecy: 9

Muchos consideran que ponerle un 10 a este disco parece un poco absurdo. Lo lamento chicos, pero he tratado de ser negativo con este disco y la banda, y aun no he podido. Hace 1 semana que la vengo escuchando y ha influido musicalmente muchísimo mi autoestima. Absolution de Muse, es de los mejores discos del siglo.

Absolution vendría a ser el tercer trabajo de Muse, lanzado en 2003, 2 años después de la salida del espectacular Origin of Symmetry, con el cual los llevaron al éxito. Este disco, pese a haber recibido no tan buenas criticas especializadas, fue enormemente aclamado por el publico, además de ser considerado hasta el mejor disco de la banda.
Si hubo algo que me encanto el día que conocí esta banda, es que vendrían a ser como los hermanos de Radiohead, pero estos en su versión mas metalera, espacial, épica y directa.

Por eso, Absolution triunfa en todos los sentidos, es un disco en donde el rock sinfónico y progresivo se casan, las orquestas son invitados especiales, y de vez en cuando, porque no poner un poco de rock pesado?. El LP es plasmante desde la intensa «Apocalypse Please» y la clásica «Time Is Running Out», pasando por la pesada, épica, desesperante y atrapante «Stockholm Syndrome» (de las mejores canciones de la banda)  también por la importantísima «Hysteria» (que convirtió a Christopher Wolstenholme como el mejor bajista del siglo, hasta incluso de la propia historia del rock), la agresiva y melódica «The Small Print» hasta la lenta, misteriosa y sinfónica «Ruled By Secrecy».

Con este disco, Muse abrieron paso la experimentación, al igual como hicieron con su siguiente álbum, Black Holes and Revelations, demostraron toda su rabia agresiva y la combinaron perfectamente con elementos sinfónicos y melódicos. Este disco y Origin of Symmetry, terminaron convirtiendo el trío de Bellamy, Wolstenholme y Howard en uno de los mejores de la nueva generación del rock.

Toto

Tu puntuación
(Votos: 3 Promedio: 4)

The Stooges – The Weirdness (2007)

The Stooges - The Weirdness (2007)

Puntaje del Disco: 6

  1. Trollin’: 7
  2. You Can’t Have Friends: 7,5
  3. ATM: 6
  4. My Idea of Fun: 6,5
  5. The Weirdness: 6,5
  6. Free & Freaky: 6
  7. Greedy Awful People: 6
  8. She Took My Money: 6
  9. The End of Christianity: 5
  10. Mexican Guy: 7,5
  11. Passing Cloud: 6
  12. I’m Fried: 6

¿Por qué Iggy? ¿Por qué se te ocurrió revivir a una banda que influenció tanto a distintas generaciones y había editado tres discos soberbios e inigualables? Cada uno con su particularidad pero en los tres en su conjunto podemos encontrar cosas que escuchamos en cualquier tipo de música moderna de hoy por hoy en una disquería. No les faltaba nada como banda de rock para ofrecernos en su carrera, sin embargo treinta y cuatro años después de la edición de Raw Power, The Stooges volvería con The Weridness (2007).

Junto a Iggy Pop formarían esta versión de The Stooges otros miembros fundadores como Ron Asheton (guitarra) y Scott Asheton (batería) junto a nuevos integrantes como Mike Watt (bajo) y Steve Mackay (saxofón), aunque este último ya había participado de Fun House (1970).

Un par de cosas estaban claras con este regreso. The Stooges no iban a sonar con la energía y la crudeza que en sus comienzos, simplemente porque pasaron los años y no son los mismos que eran de jóvenes y aunque la banda haya sido grandiosa y legendaria, el no haber tocado juntos por décadas nada indica que al juntarse salga todo perfecto como más de treinta años atrás. Dicho y hecho, The Weridness no tiene nada de especial, solamente lo que significa la reunión y algunos temas más logrados que otros pero ninguna composición inspirada, inclusive con letras patéticas y menos elaboradas que las que nos ofrecía el Iggy de veintipico, como por ejemplo este extracto de “Trollin’”: «My dick is turning into a tree», no queda mucho más por agregar.

En general la idea de un nuevo disco para una banda de culto de la talla de The Stooges ya es criticable de por si, pero más aún lo es al ver el resultado final vacio totalmente de inspiración, fuera de eje algo totalmente innecesario. A pesar de que en algunos pasajes suene bien y los solos de Ron te despierten alguna sonrisa se encuentra años luz de lo que fueron Iggy Pop & The Stooges en los años setenta.

F.V.

 

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 1)

The Black Crowes – Three Snakes and One Charm (1996)

The Black Crowes - Three Snakes and One Charm (1996)

 Puntaje del Disco: 7,5

  1. Under a Mountain: 7,5
  2. Good Friday: 8,5
  3. Nebakanezer: 9
  4. One Mirror Too Many: 7
  5. Blackberry: 7,5
  6. Girl from a Pawnshop: 8
  7. (Only) Halfway to Everywhere: 7,5
  8. Bring On, Bring On: 7
  9. How Much for Your Wings?: 7,5
  10. Let Me Share the Ride: 7,5
  11. Better When You’re Not Alone: 8
  12. Evil Eye: 7,5

Three Snakes and One Charm, cuarto álbum de estudio de The Black Crowes, se editó en 1996 y si bien no formará parte de la galería de los grandes trabajos de su carrera hay que decir que sigue siendo una muy buena colección de canciones roqueras que pocas bandas como los “cuervos” nos pueden ofrecer.

Para mediados de la década del noventa ya se puede afirmar que los Black Crowes cuentan con un sonido absolutamente reconocible y en Three Snakes and One Charm siguen esa linea de blues, rock sureño y toques de psicodelia, en este caso estamos ante un material directo hasta monótono y repetitivos en algunos momentos. De todas formas podemos rescatar algunas piezas realmente efectivas como el sabiamente elegido como single “Good Friday”, las guitarras adictivas en “Nebakanezer” y un par de temas más disfrutables como “Better when you’re Alone” y “Girl from a Pawnshop”.

Es probable que cierta merma en la calidad de sus composiciones se debió a que pasaban por ese entonces por un período de crisis muy fuerte dentro de la banda y las relaciones personales entre sus miembros se encontraban realmente deterioradas. Lo cierto es que significó su primer bajón importante de ventas y fue muy poco valorado en su momento, algo que comenzó a revertirse con los años recibiendo el reconocimiento de sus fanáticos como suele pasar en muchos casos pasados los años.

Por talento y su valía como músicos uno espera más de un disco de los Black Crowes pero si en su momento lo hicieron a un lado por sus críticas negativas háganse un tiempo y escuchen aunque sea los mejores momentos de una de las bandas que supo interpretar como pocas al glorioso rock de los setentas.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)