Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Electric Light Orchestra – On the Third Day (1973)

Electric Light Orchestra - On the Third Day (1973)

Puntaje del Disco: 8

  1. Ocean Breakup/King of the Universe: 7,5
  2. Bluebird Is Dead: 8,5
  3. Oh No Not Susan: 8,5
  4. New World Rising/Ocean Breakup (Reprise): 8
  5. Showdown: 8
  6. Daybreaker: 8
  7. Ma-Ma-Ma Belle: 7,5
  8. Dreaming of 4000: 8,5
  9. In the Hall of the Mountain King: 6

Tras el relativamente decepcionante y dispar ELO 2, Jeff Lynne y los suyos no se rindieron y justo en ese mismo año de 1973 se reivindicaron con el lanzamiento de su tercer disco On the Third Day, el cual representa la entrada a la etapa más exitosa de ELO.

Para este álbum, se dio consideración a corregir todos los detalles malos que habían plagado a su disco antecesor; la sobreproducción, el desorden, los tediosos pasajes instrumentales, la falta de proyección, etc, logrando así un trabajo que se siente más fino de principio a fin.  Las melodías son más concisas y memorables y se percibe un mayor esfuerzo compositivo por parte de Lynne.

En cuanto al sonido del disco, es de observar que está influenciado en su mayor parte por el rock progresivo, hecho particularmente notable en la melódica primer parte del disco, desde que abre “Ocean Breakup/King of the Universe” hasta “New World Rising/Ocean Breakup”, las canciones desembocan una tras otra separadas por pasajes instrumentales que las hacen parecer parte de un suite.

En contraste la segunda parte del disco es mas rockera, para darle un enfoque más amigable con la radio, ELO se deja influenciar por el glam en “Ma-Ma-Ma Belle” (en colaboración con Marc Bolan de T. Rex) y el R&B en “Showdown”, single comercial que originalmente no figuraba en el disco pero que fue agregado en una reedición para darle mayor difusión al trabajo. Este par de canciones rockeras junto con el instrumental de sintetizadores “Daybreaker” contrastan con el sonido más  serio y melancólico del resto del disco.

Los puntos altos de este trabajo se encuentran en un par de baladas;  “Bluebird is Dead” una emotiva canción muy beatlesca, así como su símil “Oh No Not Susan” de melancólico arreglo orquestal y un estribillo elegante. Pero más que nada figura la desatada “Dreaming of 4000”,  de instrumentación muy bien elaborada y astutos cambios en su estructura que la mantienen interesante,  una joya que no pasar por alto. Es una lástima que el álbum cierre con el pretencioso y extenso instrumental “In the Hall of the Mountain King”, un triste remanente de lo que fue ELO 2.

Es un hecho que On the Third Day no es un disco de hits, pero es un álbum solido que  representa un paso adelante en la consolidación definitiva de la formación (recordando que se acababa de perder a Roy Wood). A partir de este trabajo,  Electric Light Orchestra lanzaría una serie de discos destacados, manteniendo un nivel respetable a lo largo de la década.

Gera Ramos

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(Votos: 1 Promedio: 4)

Procol Harum – Shine on Brightly (1968)

Procol Harum - Shine on Brightly (1968)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Quite Rightly So: 8,5
  2. Shine on Brightly: 9
  3. Skip Softly (My Moonbeams): 9
  4. Wish Me Well: 8
  5. Rambling On: 8
  6. Magdalene (My Regal Zonophone): 7,5
  7. In Held Twas in I: Glimpses of Nirvana/’Twas Teatime at the Circus: 8,5
  8. In the Wee Small Hours of Sixpence: 7,5
  9. Il Tuo Diamante:
  10. Homburg: 7,5

Shine on Brightly es el segundo disco de Procol Harum, el cuál fue lanzado un año después de su debut. En él no hay una gran evolución en el estilo del grupo. Siguen apostando a un rock con ciertos tintes psicodélicos (sin irse al extremo como otras bandas de la época), con buenas melodías, incurriendo también en el blues rock y en el rock progresivo.

En ese sentido, lo más llamativo de Shine on Brightly es que nos encontramos con “In Held Twas in I” una suite épica de más de 17 minutos de duración. Una rareza para esa época porque no abundaban los temas progresivos de este tipo todavía en 1968, por lo que Procol Harum se podría considerar en uno de los primeros en la materia. En cuanto a la canción en sí, al principio el piano es el principal protagonista con un ritmo un poco letárgico, luego adquiere diferentes dinámicas, como si pasara por distintas emociones. De todas formas, si bien las diferentes melodías que desarrolla son bastante decentes, puede costar un poco aguantarla hasta el final por su tremenda longitud.

Dicho esto,  “In Held Twas in I” no es la canción que más me gusta. Desde mi punto de vista el principio del álbum tiene las mejores composiciones, tal es el caso de “Shine on Brightly” y “Skip Softly” (que al principio tiene un estilo similar al brit pop medio paródico de los Kinks y luego encuentra su forma más progresiva).

Shine on Brightly es un trabajo sólido (sobre todo su versión original; esta incluye 3 bonus tracks: “In the Wee Small Hours of Sixpence”, “Il Tuo Diamante” y “Homburg”) que significó la consolidación de Procol Harum como grupo a tener en cuenta de los sesenta, si bien nunca estuvieron en la primera línea de la popularidad.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)

Dr. Feelgood – Down by the Jetty (1975)

Dr. Feelgood - Down by the Jetty (1975)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. She Does It Right: 9
  2. Boom Boom: 8
  3. The More I Give8
  4. Roxette: 9
  5. One Weekend8
  6. That Ain’t the Way to Behave: 7,5
  7. I Don’t Mind8
  8. Twenty Yards Behind: 7,5
  9. Keep It Out of Sight: 8,5
  10. All Through the City: 9,5
  11. Cheque Book8,5
  12. Oyeh!: 8
  13. Bony Moronie/Tequila: 8,5

Desde Canvey Island, una ciudad pequeña de la costa este de Inglaterra, nació Dr. Feelgood, una de las bandas de rock fundamentales en las islas británicas de la decada del setenta.
El sonido de R&B distintivo del grupo estaba basado en la virtuosidad del guitarrista Wilko Johnson quien junto al cantante y segunda guitarra Lee Brilleaux, John B. Sparks en bajo y John Martin en batería serían los responsables de editar su debut triunfante, Down by the Jetty, en Enero de 1975.

Según la leyenda Down by the Jetty se grabó casi enteramente en la primer toma. Resulta que la banda no andaba con detalles demasiado tecnicos ellos amaban el rock y tocar en vivo, lo hacían casi constantemene y se hicieron famosos en las grillas de los setenta catalogandolos como uno de los números principales dentro de la escena del pub rock. La intensidad de sus presentaciones comandadas por por Brilleaux y la guitarra de Johnson se convirtieron en legendarias llegando a influenciar al movimiento punk que tendría su apogeo pocos años después.
En su magnifico disco inicial la banda rock clásico y potente del bueno desde “She Does It Right”, “Keep It Out of Sight”, “All Through the City”, “Cheque Book”, “Bony Moronie/Tequila” (grabación en vivo) hasta “Roxette” (la famosa banda sueca surgida a mediados de los ochenta tomaría su nombre por este tema).

Dr. Feelgood gozaría de unos pocos años de esplendor hasta como ocurre en tantas ocasiones las peleas entre sus miembros la desmembrarían y el corazón del grupo su guitarrista Wilko Johnson se alejaría luego de su tercer disco de estudio. El grupo hoy en día increiblemente continúa tocando pero con miembros totalmente distintos pero gracias a sus primeros discos y su formación original y como influenciaron a distintas generaciones son considerados una banda de culto.

En Marzo de este año Wilko fue noticia ya que editó junto al cantante de The Who, Roger Daltrey, un muy recomendable material: Going Back Home, demostrando ambos artistas que a pesar del correr de los años son capaces de hacer muy buen rock and roll.

F.V.

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(Votos: 0 Promedio: 0)

Rebecca Ferguson – Freedom (2013)

Rebecca_Ferguson_-_Freedom

Puntaje del Disco: 8

  1. I Hope: 8.5
  2. Fake Smile: 7
  3. Bridges: 7.5
  4. My Best: 7
  5. All That I’ve Got: 8
  6. Hanging On: 7.5
  7. My Freedom: 8
  8. Beautiful Design: 7.5
  9. Wonderful World: 7.5
  10. We’ll Be Fine: 8  
  11. I Choose You: 7
  12. Freedom: 8

Después de haber lanzado su disco debut, Heaven en 2011, Rebecca Ferguson se convenció y principalmente convenció al público que su talento excedía el de un programa de entretenimientos y que su camino en la música recién comenzaba a despegar.

En noviembre de 2012 la artista anunció que tras la gira por los Estados Unidos, iniciaría la grabación de su próximo material. En octubre del año siguiente fueron promocionados algunos temas como “All That I’ve Got”, “My Best” y “Hanging  On”; y dos meses después fue lanzado oficialmente Freedom, que contenía doce canciones.

“I Hope”, el primer sencillo promocional debutó con éxito, siendo el segundo corte más exitoso después de “Nothing’s Real to Me” del disco anterior. A diferencia de Heaven, el estilo de esta producción está más enfocada en el soul más que el en R&B, se puede apreciar a la cantante más segura y confidente desde lo musical como en lo compositivo. Los títulos reflejan ese sentimiento optimista que también se ve reflejado en la magnífica voz de Ferguson.

A “My Freedom” y “We’ll be Fine”, como dos buenas producciones, una mención aparte merece “Bridges”, que con la compañía de John Legend, se forma un interesante dueto.

Piro

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(Votos: 0 Promedio: 0)

30 Seconds to Mars – Love, Lust, Faith + Dreams (2013)

30 Seconds to Mars - Love, Lust, Faith + Dreams (2013)

Puntaje del Disco: 7

  1. Birth: 7
  2. Conquistador: 7
  3. Up in the Air: 6,5
  4. City of Angels: 7
  5. The Race: 7
  6. End of All Days8
  7. Pyres of Varanasi: 7
  8. Bright Lights: 8
  9. Do or Die: 7,5
  10. Convergence: –
  11. Northern Lights: 7
  12. Depuis le Début: 7

2013 fue un año inolvidable para el actor y cantante Jared Leto. Para finales de año estrenaría una de las películas más ganadoras y elogiadas en la última entrega de los premios “Oscar”, Dallas Buyers Club, gracias a la cual recibiría el premio a mejor actor secundario y con anterioridad a su rol actoral, su proyecto musical 30 Seconds to Mars editaría su cuarto LP de estudio (y el más logrado hasta ahora por lejos), Love Lust Faith + Dreams.

Leto retuvo al productor de su anterior material This is War (2009), Steve Lillywhite, y juntos diseñaron el sonido de este nuevo proyecto. En esta oportunidad a diferencia de sus trabajos anteriores con orientación al rock industrial y el hard rock encontramos un sonido más pulido y efectivo con preponderancia de rock electrónico y alternativo. Estilos donde la banda parece majenarse mejor y encuentra su mejor versión hasta la fecha, una verdadera grata sorpresa, por lo menos para mi que no esperaba demasiado teniendo en cuenta sus anteriores producciones.

Entre los temas más destacados en Love Lust Faith + Dreams encontramos los singles “City of Angels”, “Do or Die” y otros menos difundidos pero a su vez más ricos como “End of All Days”, “Bright Lights” y “Northern Lights”.

Además de funcionar muy bien comercialmente la banda se embarco en una gira promocional: Love, Lust, Faith and Dreams Tour. Debutando en los escenarios el 5 de Junio de 2013 en Polonia y con un resultado total de 66 conciertos alrededor del mundo en lugares como Europa, Asia, Norte América, Oceanía y en Latino América, participando en esta última del festival Rock In Rio en Septiembre del año pasado.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 2)

The Antlers – Uprooted (2006)

The Antlers - Uprooted (2006)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. First Field: 6
  2. Keys: 7,5
  3. Flash Floods Don’t Retreat: 6,5
  4. Nashua: 8
  5. It Seems Easy: 6
  6. Last Folk Song: –
  7. Stonethrower: 6,5
  8. Uprooted: 7,5
  9. I’m Hibernating: 7

The Antlers es una banda de indie folk y posteriormente dream pop surgida a partir del 2006 en Nueva York. Lanzando hasta el momento 5 discos de estudio se le podría considerar un grupo prolífico y de sonido envolvente. La alineación está dada por el compositor/vocalista Peter Silberman, Michael Lerner en batería y Darby Cicci en instrumentación como sintetizadores, bajo y vientos.

El reconocimiento mundial de esta banda llegaría hasta el 2009 con el lanzamiento de Hospice, su disco más relevante hasta el momento.
Pero lejos de los arreglos instrumentales complejos y pasajes emotivos que se perciben en Hospice y los subsecuentes trabajos de la banda, los inicios de The Antlers humildes; un proyecto solista por parte de Silberman, creado, grabado y producido por el mismo hombre utilizando técnicas de producción lo-fi análogo tomando como inspiración a The Microphones: de hecho tal es la admiración de Silberman por los trabajos de Phil Elverum que el nombre de la banda se debe a la canción de The Microphones “Antler”.

Por tanto, Uprooted es un disco sencillo de música folk, la instrumentación se mantiene minimalista y las vocales íntimas y frágiles. Ocasionalmente aparecen secciones distorsionadas (al puro estilo de The Glow pt.2), pero en general el disco es acústico y predecible, adormecedor incluso para quienes esperan cosas rockeras. Para destacar están la inspirada “Nashua” y la potente “Keys”. No obstante la mejor cara de The Antlers se viene en forma de los discos sucesores donde hay un avance en cuanto a calidad instrumental y la incorporación de elementos de disco conceptual.

Gera Ramos

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(Votos: 0 Promedio: 0)

Animal Collective – Campfire Songs (2003)

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Puntaje del Disco: 5,5

  1. Queen In My Pictures: 5
  2. Doggy: 6,5
  3. Two Corvettes: 6,5
  4. Moo Rah Rah Rain: 5
  5. De Soto De Son: 6

Evidentemente estos muchachos en sus primeros años estaban empeñados en seguir produciendo porquerías y luego lanzarlas bajo el rótulo de “experimentales”. Danse Manatee fue un álbum muy flojo en lo que ofrecía. Básicamente era ruido aburrido, lastimoso y monótono. En Campfire Songs siguen con su costumbre de generar algo inaguantable aunque de una forma diferente, que llega a ser levemente más audible.

En esta oportunidad Animal Collective está conformado por Panda Bear, Avey Tare y como nuevo miembro Deakin. Juntos lo que tratan de hacer es un folk de un sonido bien acústico, pero intentando darle un aire más bien psicodélico e incluso de Dream Pop. Para ello lo que hicieron fue realizar las grabaciones al aire libre en Marylan usando 3 MiniDisc de Sony. Así logran capturar el ambiente campestre del lugar con una calidad del audio bien Lo-Fi como era costumbre en ellos.

Hasta acá todo bien. El proyecto vanguardista parece interesante, pero las canciones son realmente mediocres, repetitivas, largas (duraciones inexplicables de 9 y 11 minutos) e insoportables. Las melodías van de lo inerte a lo hiriente. Y estos muchachos tocan las guitarras acústicas dejando dudas de si realmente saben hacerlo.

Los temas más cortos (““Doggy” y “Two Corvettes”) son lo más soportable del disco, pero la experiencia que ofrece Animal Collective sigue siendo tan tediosa como la de sus primeros discos. Así que no esperen mucho de esta agrupación experimental en sus comienzos. Lo mejor de ellos vendría más adelante.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

The Beta Band – Heroes to Zeros (2004)

The Beta Band - Heroes to Zeros (2004)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Assessment: 9
  2. Space: 8
  3. Lion Thief8,5
  4. Easy8
  5. Wonderful8,5
  6. Troubles8
  7. Out-Side8,5
  8. Space Beatle: 8
  9. Rhododendron: 7
  10. Liquid Bird8,5
  11. Simple: 9
  12. Pure For: 8

Heroes to Zeros (2004) sería el título para el tercero y último LP de The Beta Band. Demostrando su afición por los comics la ilustración de portada fue creada por el artista Kaare Andrews y a su vez el logo de la banda también fue creado por otro caricaturista Dave McCaig.

Autoexigentes con su propio trabajo los escoseces nunca se habían manifestados conformes con el resultado de su obra hasta este disco. Al parecer habían podido hacer de su música algo más directa y compacta como nunca antes, su majestuoso sonido elaborado con climas de gran belleza matizado con la particular voz de Steve Mason parecieran haber encontrado por momentos su busqueda más orientada al pop.

En Heroes to Zeros va a ser dificil que no te guste algún tema pero tampoco vas a encontrar alguno que te vuele la cabeza o que resulte memorable, como “Dry the Rain”. Igualmente como es costumbre las composiciones son de calidad y el resultado final es más que satisfactorio.

A pesar de lo bueno de este nuevo material y de cosechar otra vez críticas positivas la masividad continuaría dandoles la espalda y al poco tiempo decidirían separarse. Siendo una banda injustamente olvidada años después de su separación se los considera una banda de culto, algo de justicia para unos tipos que si bien por la música que hacían no pretendían ser un éxito comercial merecían en su actividad algo más de reconocimiento.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Sting – Mercury Falling (1996)

Mercuryfalling

Puntaje del Disco: 7

  1. The Hounds of Winter: 7
  2. I Hung My Head: 8
  3. Let Your Soul Be Your Pilot: 8
  4. I Was Brought to My Senses: 7
  5. You Still Touch Me: 7.5
  6. I’m So Happy I Can’t Stop Crying: 7
  7. All Four Seasons: 7
  8. Twenty Five to Midnight: 7
  9. La Belle Dame Sans Regrets: 7
  10. Valparaiso: 7
  11. Lithium Sunset: 7

Mercury Falling, el quinto disco de estudio de Sting, encontró al británico atravesando un momento prolífico en su carrera como solista. Ten Summoner’s Tales, de 1993, había alcanzado el segundo lugar en los charts y obtuvo numerosos premios.

En este material de 1996 Sting no acude al jazz como en ocasiones anteriores, sino que con buenos arreglos y mejor producción musical, el disco utiliza letras sencillas y claras con melodías llevaderas, como “I Was Brought to My Senses”. “Let Your Soul Be Your Pilot”, uno de los destacados debutó con buenas expectativas, mientras que “You Still Touch Me” y “I’m So Happy I Can’t Stop Crying” acaparan la mayor atención.

Sin ser una de las mejores producciones en la carrera de Sting, Mercury Falling es una buen disco fácil de escuchar e ideal para redescubrir a este gran artista.

Piro

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Tame Impala – Innerspeaker (2010)

Tame Impala - Innerspeaker (2010)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. It Is Not Meant to Be: 8,5
  2. Desire Be, Desire Go: 9
  3. Alter Ego8
  4. Lucidity8,5
  5. Why Won’t You Make Up Your Mind?8
  6. Solitude Is Bliss8,5
  7. Jeremy’s Storm8
  8. Expectation7,5
  9. The Bold Arrow of Time9
  10. Runway, Houses, City, Clouds: 8,5
  11. I Don’t Really Mind8

Tame Impala logró instalarse desde Australia como una de las apariciones más interesantes en los últimos años. Su rock lisérgico y psicodélico, inspirado en la movida de finales de los sesenta y principios de los setenta, comenzó a sonar masivamente en su país y el mundo con el lanzamiento de su debut, Innerspeaker (2010).

La banda comenzó a mostrarse en la escena musical de Perth donde el cantante y guitarrista del trío Kevin Parker comenzó a lucirse en numerosas bandas locales. Hasta que se juntaría a Jay Watson (batería) y Dominic Simper (bajo) para formar Tame Impala que comenzó como un proyecto totalmente casero subiendo temas a “My Space”, que como en otros casos captó el interés de numerosas disqueras independientes como Modular Recordings que los terminaría fichando y apoyándolos desde 2008.

Luego de editar algunos singles y girar por su país Parker parecía estar preparado para grabar su primer LP. En Mayo de 2010 finalmente se lanzaría, Innerspeaker. Este sería el primer trabajo donde la banda intento realizar un disco seriamente, sus anteriores grabaciones las hacían puramente como un entretenimiento y sin pensadas con un concepto, en este caso esta claro que cada track siguen la misma dirección y forman parte de un proyecto ambicioso que se convertiría en uno de los discos debuts del año, reconocidos no solo en su país sino también en Europa entre las revelaciones musicales más importantes.

Para los que conocimos a la banda por su segunda placa, Lonerism (2012), es una grata sorpresa que ya en su disco debut mostraran tal inspiración y un sonido tan especial que no tiene nada que envidiar a su siguiente disco por el que se hicieron conocidos mundialmente.
Junto a contemporáneos como MGMT, The Horrors, Animal Collective y recientemente a Temples este resurgimiento del rock psicodélico le debe mucho a este trío australiano que gracias al talento de su líder Kevin Parker se posiciono como una de las corrientes musicales modernos más relevantes dentro del rock actual.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)