Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

System of a Down

System of a Down – Toxicity (2001)

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System of a Down - Toxicity (2001)

Puntaje del Disco: 9,5

  1. Prison Song: 9
  2. Needles: 8,5
  3. Deer Dance: 8
  4. Jet Pilot: 7,5
  5. X: 7,5
  6. Chop Suey!: 10
  7. Bounce: 7
  8. Forest: 8,5
  9. ATWA: 9,5
  10. Science: 9
  11. Shimmy: 7
  12. Toxicity: 10
  13. Psycho: 8,5
  14. Aerials: 10

El primer album de System of A Down fue un debut excelente y convirtió a esta banda como una de las mas prometedoras del nuevo mundo del metal, pero con Toxicity llegaron a un punto más lejos que nadie. Este es el segundo LP de SOAD lanzado el 4 de septiembre del 2001, justo una semana antes del atentado del 11 de septiembre en NY.

El sonido agresivo y estruendoso de SOAD empieza a madurar, los efectos ahora tienen mayor calidad y la producción es mucho mejor aún. No solo el cantante principal es Serj Tankian ahora sino también lo es Daron Malakian.

Nada más a la salida del álbum quedó primero en las listas estadounidenses, no por su polémica, sino por la agresiva y deliciosa calidad que tenía en su momento y que aún los jovenes siguen disfrutando y gozando esa sensación que transmite escucharlo hasta el día de hoy.

Singles como «Chop Suey», no fue emitido por las cadenas Estadounidenses, por el mensaje que transmitía, pero hasta el día de hoy es la mejor canción de SOAD sin dudarlo, y se volvió un éxito rotundo hasta el día de hoy. Una canción que se convierte en un símbolo del género. Tampoco nos olvidemos en buscar puntos como «Toxicity», un tema inolvidable que se transmitía mucho y es popular aún hasta el día de hoy. Otro punto alto es la épica «Aerials» que con el mensaje y con su outro la hacen también una canción destacada del disco. Aunque «ATWA» también es mi favorita.

Por otro lado, no se pierde la agresividad del debut, pistas como «Needles», «Jet Pilot» o «Bounce» ya podrían haber encajado perfectamente en el primer álbum. Pero no se baja la energía al escuchar los 14 temas que son más de 40 minutos demoledores.
Sin dudarlo, Toxicity es el mejor trabajo de la banda. Estuvo muy de moda durante el atentado, pero ahora es considerado como un himno en el nuevo milenio del género. No es un álbum perfecto, pero puntos débiles tampoco tiene. Me imagino que algunos de los escritores lo habrán escuchado antes de la reseña y ahora quiero compartirla. Es mi favorito del género, de los mejores discos que hay.

Toto

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Clap Your Hands Say Yeah

Clap Your Hands Say Yeah – Clap Your Hands Say Yeah (2005)

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Clap Your Hands Say Yeah - Clap Your Hands Say Yeah (2005)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Clap Your Hands!: 7
  2. Let the Cool Goddess Rust Away: 7,5
  3. Over and Over Again (Lost and Found): 8
  4. Sunshine and Clouds (And Everything Proud): –
  5. Details of the War: 8,5
  6. The Skin of My Yellow Country Teeth: 8
  7. Is This Love?: 6
  8. Heavy Metal: 7
  9. Blue Turning Gray: 6,5
  10. In This Home on Ice: 7,5
  11. Gimmie Some Salt: 8
  12. Upon This Tidal Wave of Young Blood: 7,5

Clap Your Hands Say Yeah es uno de los tantos grupos en este nuevo milenio que adquirió notoriedad gracias a internet y no a través de los medios convencionales o por una compañía discográfica.

Su autotitulado disco debut fue editado, promocionado todo por ellos mismos en Estados Unidos en Septiembre de 2005 y meses más tarde en el Reino Unido, aunque paso casi desapercibido por el público general hasta que recibió el visto bueno por parte blogs musicales y en especial del sitio Pitchfork Media que lo califico con un 9 sobre 10. La demanda subsiguiente que tuvo Clap Your Hands Say Yeah fue tal que tuvieron que reeditarlo ya que su primer lanzamiento había sido bastante pequeño. Mucha más atención causaron cuando dos eminencias como David Bowie y David Byrne fueron vistos en algunos de sus shows.

Su sonido no difiere demasiado a lo que escuchamos en cualquier banda de Indie rock en la actualidad, sonando inmediatamente familiar y accesibles para el oyente que se interesó en ellos.

Este buen disco debut resulta bastante agradable para los oídos, y aunque sea un poco desmedidas a mi entender las muy buenas críticas iniciales que les generaron su repentina fama se nota que el grupo cuenta con mucho potencial algo que deberán revalidar en su siguiente disco que será mucho más examinado por los expertos y esperado con mucha mayor expectativa.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
The Olivia Tremor Control

The Olivia Tremor Control – Music from the Unrealized Film Script: Dusk at Cubist Castle (1996)

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The Olivia Tremor Control - Music from the Unrealized Film Script Dusk at Cubist Castle (1996)

Puntaje del Disco: 8

  1. The Opera House: 8,5
  2. Frosted Ambassador: –
  3. Jumping Fences: 9,5 
  4. Define a Transparent Dream: 9
  5. No Growing (Exegesis): 9
  6. Holiday Surprise, 1,2,3:  8
  7. Courtyard: 8
  8. Memories of Jacqueline 1906: 7,5
  9. Tropical Bells: –
  10. Can You Come Down With Us: 7,5
  11. Marking Time: 7
  12. Green Typewriters 1: 8
  13. Green Typewriters 2: –
  14. Green Typewriters 3: 8
  15. Green Typewriters 4: 8,5
  16. Green Typewriters 5: –
  17. Green Typewriters 6: –
  18. Green Typewriters 7: 3,5
  19. Green Typewriters 8: 4
  20. Green Typewriters 9: 7,5
  21. Green Typewriters 10: 7
  22. Spring Succeds: 8
  23. I Can Smell The Leaves: 7,5
  24. Dusk at Cubist Castle: 6
  25. The Gravity Car: –
  26. NYC 25: 8,5

The Olivia Tremor Control es una banda de la agrupación indie conocida como Elephant Six (Neutral Milk Hotel, The Apples in Stereo, Of Montreal, entre otras).  Dirigida principalmente por Will Cullen Hart y Bill Doss (R.I.P), la formación se presenta como una banda pop alegre y despreocupada (cortesía de Cullen), pero con un lado experimental Lo-Fi (cortesía de Doss). Se perciben grandes influencias sesenteras, con secciones psicodélicas, krautrock, noise rock, vocales a la Donovan, armonías vocales de los Beach Boys y sobretodo una gran fijación a The Beatles en su etapa de 1966-1968. De hecho este disco en particular ha sido muy comparado con The White Album del cuarteto de Liverpool, por su extensión, variedad de estilos y estados de ánimo y sobre todo por su toque caótico.

En Music from the Unrealized Film Script: Dusk at Cubist Castle la banda se avoca a empezar a toda máquina acomodando la mayoría de sus mejores canciones en la primera parte del disco, la más accesible y pop de todo el trabajo. “The Opera House” es enérgico pop ruidoso, “Jumping Fences” es la mejor canción del disco, perfecta en melodía, con una excelente línea de bajo y un estilo que recuerda a George Harrison. “Define a Transparent Dream” y “No Growing” siguen la tendencia beatlesca con un buen gancho y armonías vocales destacadas. “Holiday Surprise 1, 2,3” es una canciones compuesta de tres partes, mientras que “Courtyard” es alegre folk.

Desde “Memories of Jaqueline 1906” a “Marking Time” el disco empieza a ponerse más psicodélico y fuzzy, “Can You Come Down With Us” prácticamente es una invitación a sumergirse en la parte psicodélica del grupo la cual queda remarcada en la siguiente sección del disco: El suite “Green Typewriters”.

“Green Typewriters” es la parte más experimental del disco e inconsistente a la vez. Con una duración de 23 minutos, se divide en diez secciones, hay ruido (partes 5 y 6), psicodelia (partes 9 y 10), tediosas grabaciones de balbuceos y sonidos ambientales (Partes 7 y 8), pero por suerte hay pop experimental de calidad (Partes 1, 3 y 4), siendo “Green Typewriters 4” uno de los puntos brillantes del disco.
La parte final del disco es una mezcla condensada de todo lo que se había visto antes a lo largo del disco: el folk (“Spring Succeeds”), el pop reverberante (“NYC 25”), Los instrumentales (“Theme For a Very Delicious Grand Piano”) y la experimentación tediosa sin sentido (“Dusk at Cubist Castle”).

A pesar de sus inconsistencias y ocasionales excesos, no me queda una mala impresión del disco, le habría venido bien un recorte (Green Typewriters), pero las puntos altos del álbum compensan los bajones haciendo que valga la pena. Lo que si es que Dusk at Cubist Cate es un disco precursor de la corriente indie pop/rock que estalló poco antes de los 00s y se le respeta a por ello. A pesar no haber lanzado muchos trabajos más The Olivia Tremor Control es aclamada como una gran influencia en la música independiente por su gusto experimental y retro a la vez.

Gera Ramos

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(Votos: 0 Promedio: 0)
Arcade Fire

Arcade Fire – Reflektor (2013)

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Arcade Fire – Reflektor (2013)

Puntaje del Disco: 8

Disco 1:

  1. Reflektor: 9
  2. We Exist: 8
  3. Flashbulb Eyes: 8
  4. Here Comes the Night Time: 7
  5. Normal Person: 8,5
  6. You Already Know: 7
  7. Joan of Arc: 7

Disco 2:

  1. Here Comes the Night Time II: 7,5
  2. Awful Sound (Oh Eurydice): 7,5
  3. It’s Never Over (Oh Orpheus): 9
  4. Porno: 7,5
  5. Afterlife: 8
  6. Supersymmetry: 7,5

Si hay un disco que generó controversia de opiniones en el 2013 es sin dudas Reflektor, cuarto álbum de estudio de Arcade Fire. Por lo general las críticas hacia este trabajo son positivas. Algunas revistas y críticos especializados se emocionaron y le pusieron puntajes bastante altos (al igual que The Suburbs) ubicándolo como lo mejor del año. Pero no es un consentimiento generalizado, también están los que lo recibieron con cierto sabor agridulce y hasta decepcionante, especialmente los más purista de los primeros años del grupo.

Toda una cuestión que encuentra su causa en el simple hecho de que Arcade Fire cambia de manera bastante fuerte su estilo. En Reflektor sucumben al synthpop de los ochenta, una moneda cada vez más corriente para hacer música en esta nueva década. Pero a no alarmase, siguen haciendo Art Rock, aunque más cercano al Dance Rock por el uso de sintetizadores y electrónica, comparable con el Bowie post Berlin.

Y si lo comparamos con Bowie, quien se había transformado en una estrella del pop gracias a su evolución en los ochenta, Arcade Fire, sin manifestarlo explícitamente, apuesta un poco a eso. A pasar de ser la “Cenicienta” mimada del mundo Rock, luego de su impresionante disco debut, para demostrar que pueden ir más allá, haciendo canciones hasta “bailables” que con un poco de difusión podrían llegar a una mayor cantidad de público.

Para adoptar este nuevo estilo contarían con la colaboración nada despreciable en producción de James Murphy (LCD Soundsystem), quien dejó su marca, aunque manteniendo el espíritu de Arcade Fire. Cuando los escuchamos sabemos que son ellos y que la calidad está intacta.

Sin embargo, el disco tiene sus defectos. En primer lugar, al abocarse a la electrónica, Reflektor despierta mucha menos pasión que Funeral. E incluso tiene menos llegada y entusiasma menos que sus predecesores. El segundo gran problema es su excesiva longitud. Y acá no solo remarco que es un disco doble, sino que muchas canciones tienen una larga duración innecesaria, especialmente los temas del segundo disco de Reflektor, que duran en promedio 6 minutos, que en cierto punto pueden cansarte.

De todas formas, ningún tema podría ser considerado como malo. Y tiene sus picos remarcables.  El homónimo “Reflektor”, primer single de difusión, nos da un muy buen panorama de lo que nos espera en todo el álbum. También me gusta “Normal Person”, de lo más guitarrero y cercano al garaje rock que habrán hecho en su carrera. Y en el segundo disco no puedo dejar de señalar a “It’s Never Over (Oh Orpheus)”, de un riff excelente y el que mejor plasma el nuevo sonido de Arcade Fire.

Pese a que algunos hasta lo toman como el peor disco de los canadienses, con sus pros y sus contras Reflektor es un álbum bastante bueno al fin de cuentas. Aunque está muy lejos de la proeza artística de Funeral…

Persy

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(Votos: 2 Promedio: 4.5)
Pearl Jam

Pearl Jam – Pearl Jam (2006)

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Pearl Jam - Pearl Jam (2006)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Life Wasted: 8,5
  2. World Wide Suicide: 8,5
  3. Comatose: 8
  4. Severed Hand: 9
  5. Marker in the Sand: 7
  6. Parachutes: 7,5
  7. Unemployable: 7
  8. Big Wave: 8
  9. Gone: 8,5
  10. Wasted Reprise II: 7,5
  11. Army Reserve: 8,5
  12. Come Back: 8,5
  13. Inside Job: 9

Con más de quince años de trayectoria a cuestas Pearl Jam ya era considerada, promediando la década pasada, como una banda legendaria y consagrada. De esas pocas que a la hora de juntarse a grabar en un estudio se les puede permitir que hagan lo que quieran y va a ser aceptado. Aún así la banda de Seattle nos sorprendería con Pearl Jam (2006), también conocido como el disco de la palta por la imagen de su portada, con una especie de vuelta a sus raíces con un sonido agresivo y apasionado manteniendo su clara identidad.

Pearl Jam se interno en el Studio X de su ciudad natal a finales de 2004 para comenzar a grabar su octava placa luego de participar de la gira Vote for Change. El proceso que duro algo más de un año tardo un poco más de lo esperado debido a el nacimiento de un hijo de Eddie Vedder y por tener que abandonar las grabaciones para salir de gira en pleno proceso de grabación.

Por primera vez en años la banda llego a los estudios sin nada previsto. Simplemente se sentaron a tocar música y este fue el resultado inmediato. Según el mismo Vedder se trato de una absoluta democracia y un proceso realmente colaborativo a la hora de componer y a su vez Mike McCready agregó que se estaban comunicando mejor que nunca. En cuanto a las letras se centraron en su punto de vista por realidad socio política de Estados Unidos en ese periodo, como la guerra y el terror y según se supo Eddie escribió al menos cuatro diferentes letras para cada canción, hasta luego elegir la adecuada.

Además de su evidente descontento con la administración Bush reinante en su país, Vedder contó que muchas canciones estuvieron inspiradas por la muerte de su amigo Johnny Ramone a quien describe “el mejor amigo que tuve en este planeta”. La letra de “Life Wasted” fue particularmente escrita luego del funeral de Ramone y “Come Back” esta directamente dedicada al ex guitarrista de The Ramones.

Desde los primeros momentos del álbum nos encontramos con uno de sus trabajos más directos y pesados en muchos años. Sobre esta orientación Vedder lo describiría del siguiente modo: “Es sin duda lo mejor que hemos hecho en mucho tiempo. Es muy agresivo porque es como se sentiría un americano en estos días. Es bastante agresivo, especialmente si subes mucho el volumen.” Entre estas canciones furiosas del principio se encuentran “Life Wasted”, “World Wide Suicide” y “Severed Hand” parte de lo mejorcito del disco junto a las baladas “Gone”, “Come Back” y “Inside Job” del final.

Pearl Jam parece iniciar una senda que luego continuarían en Backspacer, abrazando lo que realmente hacen bien y su identidad de banda clásica de rock and roll con músicos reales que tocan desde el corazón y sus sentimientos por fuera de sistemas o reglas que a otra banda la convertiría en outsider, pero Pearl Jam es tan grande que su popularidad se mantiene intacta y hasta parece crecer año tras año.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
System of a Down

System of a Down – System of a Down (1998)

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System of a Down - System of a Down (1998)

Puntaje del Disco: 9

  1. Suite-Pee: 9,5
  2. Know: 8
  3. Sugar: 9
  4. Suggestions: 8,5
  5. Spiders: 8,5
  6. Ddevil: 7,5
  7. Soil: 7
  8. War?: 9,5
  9. Mind: 9
  10. Peephole: 8
  11. CUBErt: 8
  12. Darts: 7
  13. P.L.U.C.K.: 9

System of a Down es una banda de ascendencia Armenia y estadounidense formada en Los Angeles en 1995. Desde entonces ya tenían grabados demos y eran conocidos como Soil. Solo los vendían en sus presentaciones. Pero en 1997 la agrupación se reformó cuando Andy Khachaturian (baterista) se fue quedando Serj Tankian como vocalista, Daron Malakian como el guitarrista, Shavo Odadjian como bajista y John Dolmayan en bateria (quien ya se había conocido con Serj).

En 1998, lanzan de forma oficial, System of A Down, donde las canciones de este disco al igual que toda su discografía tratan temas como el maltrato infantil, la violencia, la guerra, etc… ; al igual que su portada, correspondiente al póster anti fascista The Hand Has 5 Fingers, creado por el artista John Heartfield durante la Segunda Guerra Mundial. Como referencia a dicho trabajo, en la parte trasera del álbum se puede leer lo siguiente: “The hand has five fingers, capable and powerful, with the ability to destroy as well as create”.

Este debut está considerado uno de los mejores en el género y catapultó a SOAD como una de las bandas prodigias en ese tiempo, al igual que Queens of The Stone Age con su homónimodebut y Deftones con Around The Fur, entre otras tantas.

Se recuperan sonidos que se han sacado de sus primeros demos y mejor producidos. De esta manera queda un álbum fenomenal, sin respiro, con un sonido muy crudo y sucio, de efectos muy bien producidos y cambios de ritmo cortables y despedazantes. Las influencias del metal clásico lo hacen un disco diferente, lo que acompaña aun mejor las crujientas y chillidas voces de Serj Tankian, quien nunca pudo caracterizar mejor en otro álbum de la banda. Es una voz que come crudo a cualquier oyente. Daron Malakian, también tiene sus momentos.

Nunca una manera más buena de iniciar un disco que “Suite-Pee”, una pista de mucho peso que mantiene ese ritmo que sigue a través de todo el trabajo. “Sugar” es el sencillo que llevo a la banda al éxito y a las rotaciones por MTV junto a otros medios. Una canción memorable. “War?” sin dudas es el mejor corte del disco con un ritmo imprudente que se come todo y unas letras muy ANTI FACISTAS (con Mayúscula).

Después hay un tema que se interpone ante todo el álbum cambiando el ambiente de una forma estruendosa, y esa es “Mind”, que comienza con un ritmo de guitarra tranquilo para poner luego una explosión de guitarras. Se nota claramente la influencia de la canción “Children of The Grave” de Black Sabbath (Master of Reality, 1971), por su outro.

La fiesta sigue y terminamos con “P.L.U.C.K”, una pista excelente donde cantan Serj Tankian y Daron con ese «Watch Them All Fall Down» que puede despertar a cualquiera.

Conclusión: System of A Down es un clásico que va a perdurar en la historia del metal y además es uno de mis favoritos del género. Un excelente álbum, pero la fama, el éxito y la crítica nunca llegarían tan alto como con su siguiente trabajo.

Toto

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Swans

Swans – Children of God (1987)

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Swans - Children of God (1987)

Puntaje del Disco: 8

  1. New Mind: 8,5
  2. In My Garden: 8
  3. Our Love Lies: 8
  4. Sex, God, Sex: 7
  5. Blood and Honey: 7
  6. Like a Drug (Sha La La La): 6
  7. You’re Not Real, Girl: 8
  8. Beautiful Child: 5
  9. Blackmail: 8,5
  10. Trust Me: 8
  11. Real Love: 8
  12. Blind Love: 8
  13. Children of God: 7,5

Children of God (1987) es el quinto trabajo de estudio de la banda neoyorquina Swans, aunque sea su verdadero comienzo, ya que es señalado por muchos como la refundación en el sonido del grupo, agregándole a su noise rock industrial melodías vocales y guitarras acústicas acercándolos más al post punk y al rock experimental.
El tema principal en las letras de Children of God es la religión.

Satirizando varios aspectos de la misma con sus melodías repetitivas y escalofriantes, por momentos agobiantes y demasiado extrañas.
Por momentos los gritos de su líder se hacen algo inaguantables como en “Beautiful Child” y muchos tracks son mucho más extensos de lo que deberían, aún así encontramos algunas perlas como la siniestra “New Mind”, “Our Love Lies” que retumba como un coro de iglesia con la delicada voz de fondo de su vocalista femenina Jarboe, la cautivante “You’re Not Real, Girl” y “Blackmail” con la armoniosa voz de Jarboe y un lindo piano que la acompaña.

Children of God es un álbum conceptual que cuestiona la religión y la posibilidad de la existencia de dios. Una obra obsesiva, poco accesible, por demás compleja, experimental pero atrayente y majestuosa a la vez. Así y todo es uno de los discos más accesibles en la carrera de Swans.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Steve Hackett

Steve Hackett – Please Don’t Touch (1978)

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Steve Hackett - Please Don’t Touch (1978)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Narnia: 8,5
  2. Carry Up on the Vicarage: 6
  3. Racing in A: 8
  4. Kim: 8
  5. How Can I: 7,5 
  6. Hoping Love Will Last: 6,5
  7. Land of a Thousand Autums: 7
  8. Please Don’t Touch: 8,5
  9. The Voice of Necam: 6,5
  10. Icarus Ascending: 8

Sintiéndose cada vez más restringido e incomodo como miembro de Genesis y empeorando tras la salida de Peter Gabriel, Steve Hackett finalmente dejaría la banda en 1977 para el siguiente año lanzar su segundo trabajo como solista, tras ya haber lanzado antes su reconocido Voyage of the Alcoyte (1975).

Please Don’t Touch consiste de algunas canciones que sus compañeros de Genesis rechazaron e ideas que Hackett venía trabajando por su cuenta. Mostrando mayor variedad, mantiene una tónica progresiva influenciada por música clásica, pero ya no tan purista como fue en el caso de Voyage, sino que incursiona en otros géneros, rock arena, soul e incluso matices de pop.

Nuevamente, Steve volvió a invitar colaboradores para que le ayudasen en la concepción del disco; los miembros de la banda americana Kansas, Steve Walsh (vocales) y Phil Ekart (batería). No podía faltar Su hermano John Hackett (flauta) y para dar variedad se incorporan el artista folk Richie Havens y la cantante de jazz Randy Crawford.

El disco inicia en lo alto con la optimista “Narnia”, interpretada por Walsh cuenta con el sonido distintivo de Kansas, amplificado con los hermosos arreglos de guitarra de Hackett. Otra canción donde se luce Hackett es “Racing in A” dando un buen uso a la guitarra tanto eléctrica como clásica, nuevamente complementado con las vocales de Walsh.

También me gustan las canciones donde participa Havens por la manera en que le imprime emoción; “How Can I” es una reconfortadora canción folk mientras que “Icarus Ascending” es más elaborada, extensa y progresiva. Respecto a Randy Crawford no me llevo la misma impresión; su canción soul “Hoping Love Will Last” no pega bien con la temática del disco.

Respecto a las canciones que tienen la autoría total de Hackett, son un paquete mixto. Hay cosas experimentales que bordan en lo mediocre (“Carry Up on the Vicarage” con su doble voz modificada y la soporífera “The Voice of Necam”). Pero siendo un músico talentoso, Steve regala un par de joyas; “Kim” es un clasicista dueto de guitarra y flauta perfectamente ejecutado por los dos hermanos y sobretodo está el punto más alto del disco, la enérgica joya progresiva “Please Don’t Touch”, con sus constantes cambios de ritmo es una pieza esencial dentro del repertorio de Hackett.

Please Don’t Touch no toca las niveles épicos de su álbum antecesor, pero Steve no defrauda manteniendo su gran nivel compositivo, sobretodo en el plano instrumental. Para su siguiente trabajo Hackett regresaría a sus raíces progresivas.

Gera Ramos

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Tom Waits

Tom Waits – Foreign Affairs (1977)

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Tom Waits - Foreign Affairs (1977)

Puntaje del Disco: 6

  1. Cinny’s Waltz: 7
  2. Muriel: 7,5
  3. I Never Talk to Strangers: 7
  4. Medley: Jack & Neal/California, Here I Come: 5,5
  5. A Sight for Sore Eyes: 6,5
  6. Potter’s Field: 5,5
  7. Burma-Shave: 5,5
  8. Barber Shop: 6
  9. Foreign Affair: 7

Si hay un disco al que se le está acostumbrado a pegar (tanto por la crítica especializada así como por los fans) en la discografía de Tom Waits, es este. Foreign Affairs es una gran decepción porque no marca una evolución en lo que Tom venía haciendo. Es un estancamiento poco atractivo.

Algunos dirán: “Bueno, por lo menos vamos a escuchar un poco más de lo que ya conocemos de él”. Sí, el disco en sí son en su mayoría baladas orquestadas y/o acompañadas a piano, bastante jazzeras y, por supuesto, con la singular voz del cantautor. Sin embargo, Foreign Affairs es bastante aburrido. Las composiciones son chatas (sobre todo si entramos en el juego de comprarlas con lo que Waits ya había hecho antes) y no hay ganchos melódicos que verdaderamente valgan  la pena.

Así y todo no es un mal álbum. Tranquilamente se puede escuchar sin encontrar puntos llamativamente alarmantes (más que el aburrimiento que comentaba). Algunos temas incluso podrían aplicar perfectamente como soundtrack de película vieja (tal vez de los cincuenta o sesenta). Pero no esperen mucho más que eso. Desde mi forma de ver, es preferible se centren su atención en los trabajos previos o posteriores de este fabuloso artista.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Phoenix

Phoenix – Bankrupt! (2013)

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Phoenix - Bankrupt! (2013)

Puntaje del Disco: 8

  1. Entertainment: 9
  2. The Real Thing: 7,5
  3. S.O.S. in Bel Air: 8
  4. Trying to Be Cool: 8,5
  5. Bankrupt!: 7
  6. Drakkar Noir: 7,5
  7. Chloroform: 8
  8. Don’t: 8
  9. Bourgeois: 8
  10. Oblique City: 8,5

Bankrupt! es la esperada reaparición de Phoenix, luego del elogiadísimo Wolfgang Amadeus Phoenix (2009) los franceses se tomaron su tiempo y editaron un disco con mayor orientación al pop y peso de sintetizadores.

La banda comenzó sus trabajos en el estudio en Abril de 2011 y en declaraciones de aquel momento aseguraban que se trataría de un disco más experimental de lo que venían haciendo. Algo que se vislumbraría en el resultado final por momentos aunque sin un cambio radical sino como una lógica evolución de su sonido. Finalmente Bankrupt! saldría a las ventas el 19 de Abril de 2013 a nivel mundial logrando captar la atención en especial en Europa.

El alegre single “Entertainment” con sus aires orientales marca el tono del resto del disco. Podrá subir o bajar el tiempo pero nunca suena atormentado o melancólico. También podemos destacar otras como “Trying to Be Cool”, “Don’t” y “Oblique City” todas dentro de un setlist bastante parejo. Con Bankrupt! Phoenix demuestra que se puede evolucionar pero sin perder nunca su esencia.

F.V.

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(Votos: 2 Promedio: 4)