Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Jet

Jet – Shaka Rock (2009)

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Puntaje del Disco: 6

  1. K.I.A. (Killed In Action): 6
  2. Beat on Repeat: 6,5
  3. She’s a Genius: 6,5
  4. Black Hearts (On Fire): 6
  5. Seventeen: 7
  6. La Di Da: 8
  7. Goodbye Hollywood: 7,5
  8. Walk: 6
  9. Times Like This: 5,5
  10. Let Me Out: 6
  11. Start the Show: 7
  12. She Holds a Grudge: 5,5

La banda australiana Jet, desde su fulminante aparición a principios de la década pasada, nunca se caracterizo por ser la que más original sonaba en el planeta, pero siempre contaron con buenas melodías para moverse con efectividad con riffs pegadizos y con baladas pop capaz de emocionar a cualquiera.

En su tercer trabajo Shaka Rock (2009) el grupo busca actualizar sus sonidos y no hace mas que dar la impresión de estar agitando desesperadamente a su alrededor en busca de algo actual sumado a letras pobres y poco interesantes. La falta de lucidez la podemos encontrar desde el track que abre el álbum “K.I.A. (Killed In Action)” y en varios pasajes que componen este poco lucido retorno luego de tres años de impasse

Solo en algunos pasajes, como “La Di Da”, “Goodbye Hollywood” o “Start the Show”,  Jet te hace recordar que es la misma banda que nos entusiasmo tanto con su fuerte debut y con su buena continuación.

Como era de esperarse Shaka Rock no tuvo demasiada repercusión y muchos comenzaron a darlos por muertos. Hasta que finalmente el 26 de Marzo del corriente año anunciaron su separación mediante un escueto comunicado en su web oficial que decía lo siguiente: «Después de muchos años componiendo, grabando y girando juntos, queremos anunciar nuestra separación como grupo. Desde muchas salas, teatros, estadios y festivales por todo el mundo, fueron nuestros fans los que hicieron nuestra historia posible y queremos darles las gracias a todos. Muchas gracias, y buenas noches».

Una verdadera lastima como una promisoria carrera que supieron construir en base a hits como «Are You Gonna Be My Girl?» o «Look What You’ve Done» terminaría devastada como la imagen del camión prendiendose fuego que ilustra la portada de este trabajo final.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 2)
Buffalo Springfield

Buffalo Springfield – The Last Time Around (1968)

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Puntaje del Disco: 6

  1. On The Way Home: 7
  2. It’s So Hard To Wait: 6
  3. Pretty Girl Why: 7
  4. Four Days Gone: 6
  5. Carefree Country Day: 5
  6. Special Care:  5
  7. In The Hour of Not Quite Rain: 4
  8. Questions: 6
  9. I Am a Child: 6
  10. Merry-Go-Round: 6.5
  11. Uno Mundo: 6
  12. Kind Woman: 7

Cuando parecía que la sesenta terminarían con otra aclamada banda al frente de los charts, Buffalo Springfield dejó atrás todos los pronósticos favorables. Los dos muy buenos discos que el grupo había lanzado desde 1966, no fueron motivo suficiente para mantener estable a esta talentosa formación que contaba ni más ni menos, con Neil Young.

Los problemas en realidad, ya habían arrancado con el lanzamiento de Buffalo Sprigfield Again; sin embargo fueron los meses posteriores los que sentaron el terreno para que el grupo se disolviera. Con Bruce Palmer deportado por segunda ocasión por posesión de drogas, Jim Messina fue contratado como reemplazo en el bajo. Neil Young aparecía cada vez menos y Stephen Stills debió hacerse cargo del grupo. En este contexto desfavorable, en 1968 se editó The Last Time Around, el último disco de Buffalo Springfield.

Editado como una obligación hacia la discográfica, este material muestra claramente cómo el grupo ya se encontraba dividido. La tapa es un montaje y en ocasiones, no todos los miembros tocaban en las canciones que no eran de su autoría. “On The Way Home” de Young y “Pretty Girl Why” de Stills son dos de las canciones que podrían rescatarse del disco. “Carefree Country Day”, “Special Care” y “In The Hour of Not Quite Rain” son verdaderamente olvidables. A medida que el disco avanza, mejora levemente el nivel. Sin embargo, es un lástima que una banda que supo ser tan buena haya terminado con un disco de esta calidad.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Sigur Rós

Sigur Rós – Ágætis Byrjun (1999)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Svefn-G-Englar (Intro): –
  2. Svefn-G-Englar: 8
  3. Staralfur: 9
  4. Flugufrelsarinn: 8,5
  5. Ny batteri: 8,5
  6. Hjartao hamast: 8,5
  7. Viorar Vel Til Loftarasa: 9,5
  8. Olsen Olsen: 7,5
  9. Ágætis Byrjun: 8,5
  10. Avalon: –

Sigur Rós (en islandés: Rosa de la Victoria) es una banda islandesa de post rock fundada en el año 1994 que se caracteriza por un sonido especialmente melódico y suave comparado con otras bandas del género mucho más estridentes y difíciles a la escucha como Mogwai o Talk Talk, lo que les ha llevado a ser injustamente tachados de comerciales por algunos medios.

Después de su poco sugerente debut, Von, en el que los islandeses experimentaron mucho pero no aportaron demasiado y del que apenas vendieron unas pocas copias, el grupo se puso manos a la obra para editar su segundo álbum, Ágætis Byrjun (Un Buen Comienzo), con el que, esta vez sí, consiguieron darse a conocer por todo el mundo, en gran parte gracias al apoyo unánime de la crítica.

Musicalmente, Ágætis Byrjun ofrece diez canciones de carácter claramente ambiental con un sonido especialmente melancólico, protagonizado por la suave voz en falsete del guitarrista Jón Þór Birgisson, que canta en una variante del islandés ideada por el mismo grupo, y por el trabajo realizado por el  teclado de Kjartan Sveinsson, quien logra aportar un muy bien conseguido fondo sinfónico a la mayoría de los temas.

Las canciones mas destacables del disco son la orquestada balada Staralfur, la cálida y suave canción homónima Ágætis Byrjun, y por encima de todas la magnífica pieza instrumental  Viorar Vel Til Loftarasa, que podría verse como el tema más “post-rock” del disco por su principio a piano y orquesta que va creciendo en decibelios a medida que avanza la canción hasta su épico y decibélico final.

Ágætis Byrjun, se convertiría pues, en uno de los discos más creativos y de más calidad del año, pero pese a ello lo mejor de Sigur Rós estaba por llegar, ya que no sería hasta discos posteriores cuando el orgullo (junto con Björk) de Islandia consiguiese concebir sus canciones con melodías realmente inmejorables.

Como curiosidad me gustaría añadir unos pocos datos totalmente verídicos y comprobados que se conocen acerca de este disco: si tocas el tema introductorio al revés escucharas la versión instrumental del tema homónimo, Starálfur es igual la reproduzcas de manera original o del revés y por último, si aceleras Avalon cuatro veces escucharás la versión instrumental de Starálfur. Nunca he valorado demasiado esta clase de experimentos, pero lo cierto es que no deja de ser bastante increíble que la banda consiguiese cuadrar todas estas condiciones sin perder un ápice de musicalidad.

Mauricio G.

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(Votos: 0 Promedio: 0)
LCD Soundsystem

LCD Soundsystem – Sound of Silver (2007)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Get Innocuous!: 9
  2. Time to Get Away: 9
  3. North American Scum: 9,5
  4. Someone Great: 8,5
  5. All My Friends: 9
  6. Us v Them: 8
  7. Watch the Tapes: 9
  8. Sound of Silver: 8
  9. New York, I Love You but You’re Bringing Me Down: 9,5

LCD Soundsystem no se tomaría demasiado respiro para demostrar que su impactante debut musical no se trataría tan solo de un éxito pasajero y a dos años de diferencia del mismo nos traería Sound of Silver. Un disco menos ruidoso, sucio, jocoso y más elegante y estructurado.

Es de admirar la capacidad compositiva de James Murphy que afirma que sus canciones las hace en la mente; que toda la idea la compone en la cabeza y después la graba. Una verdadera genialidad si es cierto porque sus composiciones llevan unos arreglos grandiosos y melodías adictivas.

Los momentos más brillantes de este muy buen segundo material los encontramos en los temas ya marca registrada de LCD Soundsystem, una mezcla de electrónica, punk y rock, en “North American Scum”, “Get Innocuous!”, “Time to Get Away”, “All My Friends” y “Watch the Tapes”. Pero también se guardaría un espacio mas intimista con el tema que cierra el album “New York, I Love You but You’re Bringing Me Down”.

La continua evolución que demuestra Sound of Silver le otorgó innumerable cantidad de elogios y de buenos comentarios. Afortunadamente para ellos y para nosotros, solo pueden sonar parecidos a ellos mismos y eso es el gran mérito de todo este colectivo de gente al mando de Murphy; que tienen un norte musical claro y usan las mejores herramientas para llegar a él.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 5)
Bob Dylan

Bob Dylan – The Freewheelin’ Bob Dylan (1963)

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Puntaje del Disco: 10

  1. Blowin’ in the Wind: 10
  2. Girl from the North Country: 9,5
  3. Masters of War: 10
  4. Down the Highway: 9
  5. Bob Dylan’s Blues: 8
  6. A Hard Rain’s A-Gonna Fall: 10
  7. Don’t Think Twice It’s Alright: 9
  8. Bob Dylan’s Dream: 8
  9. Oxford Town: 7,5
  10. Talking World War III Blues: 7,5
  11. Corrina Corrina: 8,5
  12. Honey Just Allow Me One More Chance: 8
  13. I Shall Be Free: 9

“How many roads most a man walk down/Before you call him a man ?/How many seas must a white dove sail/Before she sleeps in the sand ?/Yes, how many times must the cannon balls fly/Before they’re forever banned ?/The answer my friend is blowin’ in the wind/The answer is blowin’ in the wind.” No podia empezar de otra forma que con las inmortales palabras de “Blowin’ In The Wind” uno de las primeros grandes himnos de protesta de Bob Dylan.

Pero The Freewheelin’ es mucho más que ese súper clásico. Es un disco de folk rock en el que nos encontramos con el Dylan más genial de sus primeros años. Interpretando sus canciones y sus fantásticas letras solo con su guitarra acústica y armónica. Es un álbum TAN simple y TAN grandioso simultáneamente que te impresiona de principio a fin.

Y hay muchos otros clásicos para remarcar. En primer lugar mi favorita del disco “Masters of War”, la canción acústica más violenta que haya escuchado. Es realmente muy fuerte, te sumerge en su tensión sobre la crítica a la guerra (y sus cabecillas) como ninguna otra lo logra. También esta el otro clásico gigante “A Hard Rain’s A-Gonna Fall”, con una letra brillante con referencias al clima político que se vivía por entonces por la guerra fría y los misiles en Cuba.

The Freewheelin’ además ofrece baladas de folk rock hermosas como  “Girl from the North Country” y “Don’t Think Twice It’s Alright”. A decir verdad, el disco completo no tiene desperdicio. Marcó un quiebre a principios de los sesenta y consolidaría a ese joven renegado que se hacía llamar Bob Dylan como uno de los grandes compositores de la época.

Persy

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(Votos: 2 Promedio: 5)
Ben Harper

Ben Harper – Welcome to the Cruel World (1994)

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Puntaje del Disco: 7.5

  1. The Three of Us: 7
  2. Whipping Boy: 7.5
  3. Breakin’ Down: 8
  4. Don’t Take That Attitude to Your Grave: 7
  5. Waiting on an Angel: 8
  6. Mama’s Got a Girlfriend Now: 7.5
  7. Forever: 7.5  
  8. Like a King: 8
  9. Pleasure and Pain: 7
  10. Walk Away: 7.5
  11. How Many Miles Must We March: 7
  12. Welcome to the Cruel World: 8
  13. I’ll Rise: 8

Benjamin Chase Harper nació el 28 de Octubre de 1969 Claremont, California. Proveniente de una familia con una interesante mezcla cultural, Ben comenzó desde pequeño a tocar la guitarra acústica, de la que se enamoró y con la que mantendría una larga relación. Con nueve años presenció un recital de Bob Marley y todo cambió en su vida desde aquel momento. Tres años más tarde tocó por primera vez en público, imitando la mímica del legendario Robert Johnson.

En 1992 Harper grabó junto a Tom Freund un LP conocido como Pleasure and Pain, de edición limitada. Lo que no sería limitado fue su contrato con Virgin Records ya que, de por vida, el músico se comprometió con aquella discográfica.

Welcome to the Cruel World tiene como principal característica variedad de estilos, debido a la extensa influencia musical que Harper recolectó a lo largo de su vida. Desde el soul, pasando por el jazz y el blues, el disco encierra numerosos matices. “Breakin’ Down” tiene una base pop pero se acerca mucho al reggae. “Don’t Take That Attitude to Your Grave” y “Waiting on an Angel” son dos muy buenas piezas en los que Harper expresa sus emociones abiertamente. “Like a King”, acelerando ligeramente el ritmo, muestra el lado comprometido del músico con la causa política, que mantendría a lo largo de su carrera.

Piro

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(Votos: 0 Promedio: 0)
Tindersticks

Tindersticks – Tindersticks II (1995)

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Puntaje del Disco: 9

  1. El Diablo en el Ojo: 9
  2. A Night In: 8
  3. My Sister: 9,5
  4. Tiny Tears: 10
  5. Snowy in F# Minor: 9
  6. Seaweed: 8
  7. Vertrauen II: 7,5
  8. Talk to Me: 9
  9. No More Affairs: 8,5
  10. Singing: –
  11. Travelling Light: 7
  12. Cherry Blossoms: 9,5
  13. She’s Gone: 8
  14. Mistakes: 8
  15. Vertrauen III: –
  16. Sleepy Song: 7,5

Con la edición de Tindersticks II (1995) junto a la de su primer material dos años antes el grupo de Nottingham terminaría de definir y consolidar su sonido característico.

Favorecidos por el boom alternativo de aquellos años, su propuesta fuera de lo habitual por aquel entonces, al ofrecer sensibilidad, romanticismo y aires de música clásica encajaría justo dentro del universo alternativo británico de los años noventa.

En Tindersticks II la personalísima voz del barítono Stuart Staples se desliza sobre refinados arreglos de cuerda, que utilizados en su justa medida dejan de resultar un recurso pomposo para ir penetrando lentamente en la fibra emocional que los oyentes con cierta sensibilidad sabrán apreciar.

Algunos temas no se pueden pasar por alto como la narrativa “My Sister”, la impecable e irresistible “Tiny Tears” y la emocional “Cherry Blossoms”. Dentro de un panorama bastante parejos y de mayor nivel compositivo que en su disco inicial.

Por esta época los conciertos de Tindersticks significaban un verdadero acontecimiento apoyados a menudo por una sección de cuerda y en ocasiones por una orquesta completa, como se puede comprobar en el disco grabado en vivo The Bloomsbury Theatre 12.3.95. Su siguiente disco Curtains (1997) no cumpliría con las expectativas generadas por sus dos primeros discos, pero a decir verdad luego de estas dos verdaderas obras resultaría difícil igualar tanta calidad y buen gusto.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Brian Eno

Brian Eno – Here Come The Warm Jets (1974)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Needles In The Camel’s Eye: 9
  2. The Paw Paw Negro Blowtorch: 8,5
  3. Baby’s On Fire: 8,5
  4. Cindy Tells Me: 9,5
  5. Driving Me Backwards: 7,5
  6. On Some Faraway Beach: 9
  7. Blank Frank: 8
  8. Dead Finks Don’t Talk: 7,5
  9. Some Of Them Are Old: 8,5
  10. Here Come The Warm Jets: 7

A lo largo de la historia de la música ha habido figuras que destacan por ser intelectuales, con un hambre expresiva que les impulsa a estar siempre innovando, tratando de profundizar en sus composiciones y por tanto propulsando nuevas corrientes musicales, Brian Eno es uno de ellos.

Multiinstrumentalista, compositor, cantante y productor de discos, Eno inició su carrera en el grupo glam Roxy Music, No obstante más adelante tendría algunas diferencias con Bryan Ferry y abandonaría el grupo, lanzándose como solista.

Here Comes The Warm Jets es el disco debut de Eno. Para su producción se rodearía de músicos talentosos como Phil Manzanera, Robert Fripp, Chris Speeding, John Wetton, Andy Mackay, Paul Rudolph, entre otros.

Naturalmente al haber trabajado en Roxy Music, el disco tiene un sonido glam, pero no se queda solo en eso, resalta por ser complejo en su producción; efectos especiales, coros sesenteros, pasajes psicodélicos, solos de guitarra y letras que están entre humorísticas y oscuras. En conjunto tenemos un disco muy divertido y altamente innovador.

El disco abre muy fuerte con sus p. Needles In The Camel’s Eye es una pegajosa canción que presenta una pared de guitarras cortesía de Manzanera. A continuación llega la aun más alocada The Paw Paw Negro Blowtorch donde Eno imita el estilo vocal de Bryan Ferry. El disco se torna aun más extravagante con Baby’s on Fire donde la voz se torna nasal y Robert Fripp de King Crimson deleita con un solo de guitarra de los mejores que ha hecho en toda su carrera. Como cereza de pastel tenemos Cindy Tells Me, agradable canción de lo mejor del disco con su ingeniosa letra, buen coro y en la que Eno se luce mostrando sus habilidades con el sintetizador

A partir de aquí el disco se torna más experimental, viene la oscura Driving Me Backwards que tiene un toque de Krautrock, seguida de On Some Faraway Beach pieza tranquila basada en un instrumental de teclado y que al final presenta unos hermosos versos que la vuelven emocionalmente poderosa. La experimentación alcanza niveles más altos con la salvaje y psicodélica Blank Frank y Dead Finks Don’t Talk donde Eno cambia varias veces su timbre vocal y que a juzgar por su letra está dirigida a Ferry.

Al final tenemos la suave Some Of Them Are Old, canción pacifica con instrumentación diversa y coros “a la beach boys”. Todo para cerrar la simple instrumental Here Comes The Warm Jets.

En conclusión Here Comes The Warm Jets es un excelente disco variado e influyente. Este sería el inicio a la carrera en solitario de un hombre que más adelante se convertiría en el padre de la música ambiental y que además colaboraría como productor de artistas de la talla de David Bowie, Talking Heads y U2.

Gera Ramos

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(Votos: 1 Promedio: 5)
Genesis

Genesis – The Lamb Lies Down on Broadway (1974)

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Puntaje del Disco: 9,5

Disco 1:

  1. The Lamb Lies Down on Broadway: 8
  2. Fly on a Windshield: 9
  3. Broadway Melody of 1974: –
  4. Cuckoo Cocoon: 8,5
  5. In the Cage: 9,5
  6. The Grand Parade of Lifeless Packaging: 8
  7. Back in N.Y.C.: 6
  8. Hairless Heart: 8,5
  9. Counting Out Time: 8,5
  10. The Carpet Crawlers: 8
  11. The Chamber of 32 Doors: 8,5

Disco 2:

  1. Lilywhite Lilith: 8
  2. The Waiting Room: 8
  3. Anyway: 9,5
  4. Here Comes the Supernatural Anaesthetist: 6,5
  5. The Lamia: 9,5
  6. Silent  Sorrow in Empty Boats: 6
  7. The Colony of Slipperman: 9
  8. Ravine: 6
  9. The Light Dies Down on Broadway: 8
  10. Riding the Scree: 7,5
  11. In the Rapids: 7
  12. It: 7

En el año 1974 Genesis lanzaría “The Lamb Lies Down on Broadway”, su último álbum con Peter Gabriel como cantante y líder, disco en el que los británicos se alejarían de su inimitable sonido entre lo medieval y lo sinfónico consolidado en discos como “Selling England by the Pound” o “Nursery Crime” para ofrecer un nuevo Genesis mucho mas rockero y altamente influenciado por la música electrónica que comenzaba a tomar fuerza por el empeño de músicos y artistas como Brian Eno o los alemanes Kraftwerk. Este cambio de estilo se debe principalmente por las fuertes tensiones internas en el grupo, que dieron como resultado el hecho de que Gabriel, quien se hallaba en medio de una profunda crisis por graves problemas con el nacimiento de su hijo, decidiese abandonar las tareas compositivas y dedicarse enteramente a la construcción de las letras, que narrarían la historia de un joven puertorriqueño llamado Rael, quien viaja a Nueva York en busca de su hermano John, viviendo diferentes situaciones de tinte existencial.

Así pues, los demás integrantes del grupo se ocuparían del aspecto musical de las veintitrés piezas que conforman este álbum doble que, pese a las discrepancias en el grupo, pese al cambio de estilo y pese a la situación crítica de varios de sus miembros, se convertiría en uno de los emblemas del rock progresivo y en uno de los mejores discos de los años setenta.

El conjunto de canciones de “The Lamb Lies Down on Broadway” es claramente conceptual, pero pese a ello se pueden destacar las siguientes canciones: “In The Cage”, un tema de carácter claramente progresivo que narra como Rael, el protagonista, se libera de su capullo de nacimiento y se encuentra en una tenebrosa cueva, con un trabajo instrumental muy bien conseguido que logra crear un verdadero sentimiento de claustrofobia y en el que destaca especialmente el soberbio solo de teclado de Tony Banks. “Anyway” por su parte es otra de las piezas más potentes en el que Gabriel y todo su potencial como cantante se funden con el hipnótico piano de Banks para ofrecer un tema realmente arrollador.

Y punto y aparte merece “The Lamia”, seguramente la mejor canción del disco, en el que se narra el momento en el que Rael se enfrenta a una quieta piscina que en un principio le inspira confianza hasta que aparecen las Lamias (seres mitológicos con cuerpo de dragón pero con cara de mujer de extrema belleza) que tras seducir a Rael y probar su sangre caen en desgracia y este, en un último acto, les dice que las devorará para llevar consigo su inconfundible y agradable aroma, todo sobre una base musical de nuevo impecable en la que el piano y los teclados vuelven a ser los protagonistas y que prácticamente consigue que te metas en la historia aun sin ni siquiera conocer la letra.

A parte de estos tres temas el disco goza de otras muchas canciones recomendables, como “Fly on a Windshield” del que hay que destacar la absorbente parte instrumental, la simpática y tranquila “Cuckoo Cocoon” en la que sobresale la suave flauta de Gabriel o la teatral y oscura “The Colony of Slipperman”. Por desgracia, el álbum, al ser doble contiene varios temas de relleno que por sí mismos no gozan de demasiado interés, especialmente interludios instrumentales no demasiado sugerentes como “Silent  Sorrow in Empty Boats” o “Ravine” o canciones como “Back in N.Y.C.” o “Here Comes the Supernatural Anaesthetist”.

Mauricio G.

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(Votos: 2 Promedio: 5)
The Vaccines

The Vaccines – What Did You Expect from The Vaccines? (2011)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Wreckin’ Bar (Ra Ra Ra): 7
  2. If You Wanna: 8
  3. A Lack of Understanding: 8,5
  4. Blow It Up: 8,5
  5. Wetsuit: 8
  6. Nørgaard: 7,5
  7. Post Break-Up Sex: 9
  8. Under Your Thumb: 8
  9. All in White: 8
  10. Wolf Pack: 8
  11. Family Friend: 7,5

The Vaccines son la nueva gran aparición del rock británico desde que los Arctic Monkeys irrumpieron en la escena Indie hace seis años con su recordado debut Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not.

A diferencia de estos últimos What Did You Expect From The Vaccines? (2011) no tuvo una penetración a nivel mundial tan importante pero quizás lo consigan con su segundo trabajo que ya está anunciado para finales de este año.

Formados hace tan solo dos años en el oeste de Londres el grupo esta conformado por Justin Young (guitarra y voces), Arni Hjorvar (bajo), Freddie Cowan (guitarra, hermano y hermano menor de Tom de The Horrors) y Pete Robertson (batería) sus influencias que van desde The Strokes, The Smiths, Ramones hasta The Jesus and Mary Chain se pueden vislumbrar en varios pasajes de su disco debut.

Sobre las inspiraciones a la hora de componer y el tema de las influencias su líder Justin Young declaró lo siguiente: “La gente da por hecho que tenemos que ser grandes fans de The Jesus And Mary Chain o Ramones, y nos gustan, pero se trata más de que las influencias son las mismas. Nosotros llegamos a Phil Spector a través de Brian Wilson y The Beach Boys, y a partir de él empezamos a escuchar montones de grupos de chicas. Aunque la verdad es que el disco que me cambió la vida y me hizo querer tocar en un grupo fue ‘Nevermind’ de Nirvana”.

La épica “A Lack of Understanding”, la distorsionada “Blow It Up” y la más pegadiza de todas “Post Break-Up Sex” son tan solo una muestra de lo que este cuarteto de jóvenes londinenses son capaces de ofrecer, vislumbrando un enorme futuro. Como lo demuestran las declaraciones de Young en una entrevista de la época: “Siempre digo que hemos hecho el disco que queríamos hacer. Buscábamos grabar un disco de pop apasionado y directo con grandes canciones. Y honestamente, creo que lo hemos conseguido”.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)