Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Mike Oldfield – Tubular Bells (1973)

Puntaje del Disco: 10

  1. Tubular Bells, Pt. 1: 10
  2. Tubular Bells, Pt. 2: 10

Esperen, esa melodía la conozco de algún lado. Sí, de la película “El Exorcista”. Es fácil de reconocer el inicio de Tubular Bells. Pero esto es algo más importante que un simple sound track de película, esta es una obra maestra del rock progresivo. Su autor material e intelectual fue Mike Oldfield y este fue nada menos que su disco debut como solista.

Antes de seguir, aclaremos un poco quien es su creador. Mike Oldfield es un multi-instrumentalista que tuvo sus inicios en la música desde muy joven (llegó a integrar una banda a los 16 años junto a Kevin Ayers, fundador de Soft Machine). De hecho ya a los 17 años había empezado a delinear lo que sería Tubular Bells con su amplísima capacidad para tocar diversos tipos de instrumentos. Justamente una de las grandes cualidades del disco es la gran cantidad de instrumentos que se emplearon para componerlo (todo tipo de guitarras, órgano, mandolina, piano, bajo, etc.), lo que da un resultado fantástico en el nivel y la diversidad de las melodías, y el clima que Oldfield desarrolla en los distintos pasajes. Y si bien otros músicos colaboraron, Mike se encargó de tocar la mayoría (prácticamente todos) de los instrumentos.

Otro punto a destacar, es que las dos partes en las que esta dividido el disco te mantienen enchufado todo el tiempo. Sus múltiples tramos no tienen desperdicio alguno. Y la ausencia de interpretaciones vocales (salvando la aparición de algunos coros) no lo perjudica, le agrega cierta mística.

Tubular Bells es un gran álbum, una maravilla por donde se lo mire, que no solo recibió elogios de la crítica sino que el público también respondió comprando millones de copias en el mundo.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Audioslave – Revelations (2006)

Puntaje del Disco: 8

  1. Revelations: 8.5
  2. One and the Same: 7.5
  3. Sound of a Gun: 7.5
  4. Until We Fall: 8
  5. Original Fire: 8.5
  6. Broken City: 7
  7. Somedays: 7.5
  8. Shape of Things to Come: 8
  9. Jewel of the Summertime: 7.5
  10. Wide Awake: 7
  11. Nothing Left to Say But Goodbye: 8
  12. Moth: 7.5

Desde su formación a comienzos del nuevo siglo, Audioslave debió, inconscientemente o no, sortear el presagio que sufren todas las superbandas. Los egos o la falta de química entre los músicos suelen ser las causantes de las separaciones de esta clase de bandas. En 2005 y luego del lanzamiento de Out of Exile, Audioslave ingresó rápidamente en los estudios a grabar su tercer material y a continuar con el proyecto que se inició tras la disolución de Rage Agains the Machine y Soundgarden.

Revelations se lanzó finalmente al mercado en septiembre de 2006, teniendo a “Original Fire” como corte promocional y que luego tuvo a la canción que da nombre al álbum, como segundo sencillo. Similar el segundo disco, Revelations se diferencia en la adaptación de la música de los setenta, especialmente por el funk y el soul (“One and the Same”), según declaró el propio Chris Cornell, quien además tuvo a su cargo la composición de las doce canciones.

Otra diferencia que se nota en este disco es que las voces son las que guían la música, en lugar de los riffs que hasta entonces venían marcando los ritmos. Será por eso que destaco los temas menos rockeros en los cuales se puede apreciar las dotes vocales de Cornell.

Revelations se convertiría en el último disco de Audioslave ya que en febrero de 2007 el cantante Chris Cornell anunció que por razones irreconciliables, dejaba la banda para continuar con su carrera solista. Una verdadera pena porque justo cuando el grupo estaba sonando como una banda propia y constituida, tuvo que disolverse.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

The Rolling Stones – Emotional Rescue (1980)

Puntaje del Disco: 7

  1. Dance (Pt. 1): 7
  2. Summer Romance: 7
  3. Send It to Me: 6
  4. Let Me Go: 6,5
  5. Indian Girl: 7,5
  6. Where the Boys Go: 7
  7. Down in the Hole: 7
  8. Emotional Rescue: 8
  9. She’s So Cold: 9
  10. All About You: 7

Si bien los Rolling Stones habían incorporado elementos disco en su anterior material  en Emotional Rescue (1980) se acentuarían, basta escuchar el single principal que da título al disco para comprobarlo.

Lo cierto es que Emotional Rescue se compone de temas grabados en sesiones anteriores y nuevos números grabados precitadamente para llenar el disco. Se nota que esta repleto de relleno pero tiene sus buenos pasajes como el hit “She’s So Cold”, la dulce “Indian Girl”, “All About You” cantada por Keith Richards y la sexy disco “Emotional Rescue”, anteriormente destacada.

Gracias al álbum los Stones consiguieron su primer numero uno en el Reino Unido desde Goats Head Soup (1973) y paso varias semanas en el tope de los charts en Estados Unidos. A pesar de funcionar bien comercialmente Emotional Rescue no fue bien acogido, ni por la crítica especializada, ni por el propio grupo años posteriores.

Emotional Rescue es el típico disco que se puede poner de fondo en una reunión o fiesta y a nadie le va a disgustar o pedir que lo saques. Pero no llega a ser un disco consistente y menos a estar a la altura de lo que los Stones significan para la historia de la música, marca el comienzo de la decadencia de la banda y lo ideal sería obviar este álbum de su discografía y concentrarse en el siguiente Tattoo You (un verdadero milagro si tenemos en cuenta lo que vendría después).

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 3 Promedio: 3.3)

Grateful Dead – Workingman’s Dead (1970)

Puntaje del Disco: 9

  1. Uncle John’s Band: 9,5
  2. High Time: 8,5
  3. Dire Wolf: 9
  4. New Speedman Boogie: 8,5
  5. Cumberland Blues: 7,5
  6. Black Peter: 7,5
  7. Easy Wind: 9
  8. Casey Jones: 9

Si existe un año recordado por los miembros de Grateful Dead ese es el 1970, año en el que los estadounidenses hallaron el éxito mundial y el reconocimiento mediático por los dos álbumes Workingman’s Dead y American Beauty, en los que, sin perder un ápice de la originalidad y el eclecticismo que los caracterizaba, empezaron a trabajar con un respaldo más acústico y unas estructuras algo más tradicionales, concibiendo sus, para la gran mayoría de opiniones, dos mejores álbumes de estudio.

El disco que hoy trataremos es el primero, Workingman’s Dead, que sorprendió enormemente por el hecho de conseguir recuperar los orígenes de la música de raíces americanos desde una perspectiva contemporánea, todo bajo la batuta, como no, del espléndido dúo compositivo Jerry García/Robert Hunter.

El álbum abre con el tema «Uncle John’s Band», una de las mejores canciones de toda su discografía, y que está protagonizada por unos coros suavemente acompañados por una alegre base instrumental al más puro estilo Crosby, Stills & Nash. A esta le siguen «High Time» y «Dire Wolf«, dos tranquilas y amenas piezas en las que destacan nuevamente las estupendas voces de los miembros de la banda y una slide guitar que se luce especialmente en el fantástico solo a mediados del segundo tema mencionado. «New Speedman Boogie» también destaca, por su particular estilo de blues sucio que tan bien encaja después de los tres temas semi acústicos con los que empieza el disco. Algo más flojas son «Cumberland Blues» y «Black Peter», aunque siguen estando bien lejos de ser malos temas.

Y para cerrar el disco los Grateful lo hacen como lo han abierto, de la mejor manera posible, con la rockera «Easy Wind»  en la que cada miembro parece querer lucirse en algún momento de la canción y «Casey Jones», otro de los estandartes de la banda en la destaca especialmente el trabajo de las guitarras.

Mauricio G.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Deep Purple – Come Taste the Band (1975)

Puntaje del Disco: 5

  1. Drifter: 5,5
  2. This Time Around/Owed To «G»: 7

Tras la partida de Richie Blackmore, Deep Purple encontraría su reemplazante en Tommy Bolin, un guitarrista con una técnica bastante distinta respecto de su predecesor. Así empezaría una nueva etapa de Purple (conocida como Mark IV) en la que primaria el liderazgo de Coverdale y Hughes.

La nueva alineación de la banda acentuaría lo que se venía induciendo en sus discos previos: su avocación a un rock más orientado al funk. Además se nota mucho la ausencia de la velocidad que aportaba Blackmore. Bolin era un guitarrista talentoso, con su crecimiento desde el jazz, que aportaba sus buenos riffs y sus interesantes solos, pero el sonido que lograba junto al resto de la banda en Come Taste the Band es tan distinto a lo que estábamos acostumbrados que ni siquiera parece un álbum de Purple.

Otro que quedaría disminuido sería Jon Lord en órgano, su participación es más escueta (como si el dúo Coverdale/Hughes se estuviera comiendo y relegando los miembros históricos de la banda poco a poco).

No parece un gran disco por todo lo puntualizado y la cosa no mejora porque el nivel compositivo es bastante bajo. Come Taste the Band está repleto de temas inmemorables, que si bien son escuchables están muy por debajo de lo mejor del repertorio de Purple. Incluso hay canciones como “Love Child” que denotan su falta de ideas (tiene un riff plagiado de “Heartbreaker”).

En resumen: poca velocidad + más funk de Coverdale/Hughes + poco de Lord + mediocridad compositiva = un disco flojo que no tiene nada de Purple.

Sería el principio del fin de la banda. En su gira posterior al disco tendrían problemas por la adicción a la heroína de Bolin, que no solo lo afectaba para tocar en sus conciertos sino que también fallecería por su adicción a la misma. Esto determinaría su separación en 1976.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

T. Rex – Bolan’s Zip Gun (1975)

Puntaje del Disco: 6

  1. Light of Love: 7,5
  2. Solid Baby: 5
  3. Precious Star: 6,5
  4. Token of My Love: 6,5
  5. Space Boss: 6
  6. Think Zinc: 5
  7. Till Dawn: 8
  8. Girl in the Thunderbolt Suit: 6
  9. I Really Love You Babe: 4
  10. Golden Belt: 5
  11. Zip Gun Boogie: 7
  12. Do You Wanna Dance?: 6
  13. Dock of the Bay: 6,5

En Bolan’s Zip Gun (1975) el rumbo tomado por T.Rex en su anterior material Zinc Alloy se acentuaría pero inclinando cada vez mas la balanza hacia el soul y dejando casi definitivamente de lado el glam rock de sus mejor época.

La cantante de soul Gloria Jones, pareja de Bolan por ese entonces, y otros amigos americanos influyeron en el estilo adoptado por T.Rex y además de volcarse hacia el blues encontramos canciones de un tono futurista como “Space Boss”, “Think Zinc” y “Golden Belt” que respondieron al fanatismo de Marc hacia la ciencia ficción.

Para la reedición en formato CD llevada a cabo en 1994 se incluyeron un par de tracks bastante mejores que algunos del disco original como “Do You Wanna Dance?” y “Dock of the Bay”, esta ultima interpretada por Gloria Jones.

Lo malo en Bolan’s Zip Gun no es solo la perdida de la esencia de Marc y el haber abandonado lo que lo llevo a ser una estrella de rock hace tan solo un par de años, además de esto las letras no aportan demasiado son demasiado básicas y repetitivas.

Zip Gun cosechó las peores críticas de su carrera y llevó a Marc a replantear su futuro para sus siguientes lanzamientos. No sería hasta Dandy in the Underworld (1977) que T.Rex volvería a tener el visto bueno de sus fanáticos aunque paradójicamente ese sería su disco final.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

Supertramp – Crisis? What Crisis? (1975)

Puntaje del Disco: 7

  1. Easy Does It: 7
  2. Sister Moonshine: 8
  3. Ain’t Nobody But Me: 7
  4. A Soapbox Opera: 7.5
  5. Another Man’s Woman: 7
  6. Lady: 8
  7. Poor Boy: 7
  8. Just a Normal Day: 7.5
  9. The Meaning: 7
  10. Two of Us: 7

Apenas había terminado de salir al mercado Crime of the Century, la discográfica que guiaba los destinos de Supertramp, ya buscaba el próximo material. El éxito que tuvo el tercer material del grupo les abrió diversas puertas y oportunidad, pero también exigencias, que se plasmarían en grabaciones y tours. Como si se tratase del destino, durante la gura por la Costa Oeste de los Estados Unidos, Roger Hodgson sufrió una lesión en la mano que lo llevó directamente a dedicar sus esfuerzos en darle forma a lo que sería Crisis? What Crisis?.

Editado en 1975 y grabado con varias canciones que habían sobrado de Crime of the Century, esta cuarta producción de los ingleses no fue lo que el grupo esperaba. A pesar de cierto fastidio por parte de Hodgson y compañía, el álbum contiene temas que merecen ser tenidos en cuenta, como la bella “Sister Moonshine” y “Lady”. Otros, como “Easy Does It” y “Just a Normal Day” logran, con letras simples, crear una agradable sensación.

A pesar de no tener un clásico como en discos anteriores, Supertramp encontró en este material una buena manera de llegar a más seguidores y seguir creciendo en su carrera.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Aerosmith – Pump (1989)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. Young Lust: 7
  2. F.I.N.E.: 6,5
  3. Love In An Elevator: 8,5
  4. Monkey On My Back: 5
  5. Janie’s Got A Gun: 8,5
  6. The Other Side: 7,5
  7. My Girl: 4,5
  8. Don’t Get Mad, Get Even: 5,5
  9. Hoodoo/Voodoo Me­dicine Man: 5,5
  10. What It Takes: 8

Ya bastante malo fui con esta versión de Aerosmith de los ochenta, pero la realidad es que la cosa no mejora. Pump es nada menos que considerado como el mejor disco de la banda desde Rocks, un título que le queda bastante grande si lo analizamos a fondo.

Pump no es otra cosa que la segunda parte de Permanent Vacation. Es sobreproducido, grandilocuente, con un esfuerzo desmesurado por hacer riffs fuertes y pedadizos pero sin el prejuicio de sonar idiota. Al fin y al cabo es una formula mágica de los ochenta: hacerse los muchachos rockeros sin usar mucho la cabeza para ser originales y no ser monótonos.

El disco es tan comercial como mediocre, como la mayoría de las bandas de Hairmetal de la época. Aunque nuevamente hay que destacar que no llegan a ese nivel tan bajo por el recuerdo de su propia historia.

La mayoría de los temas no son recordables. Pump es un disco que intenta entretener pero aburre. De todas formas al igual que Permanent Vacation tiene sus hits que se realzan sobre el resto. “Janie’s Got A Gun” es uno de los grandes clásicos del disco. Tiene una de las mejores melodías del disco y la temática sobre el abuso y asesinato no esta mal, pero sus esteriotipos ochentosos la destruyen un poco. “Love In An Elevator” es el otro hit, abordada con un sonido bien alto, muy inflado como lo es el álbum, pero ciertamente pegadizo en su estribillo. Y por último “What It Takes”, la enésima power ballad de Aerosmith, que repite los clichés que estamos acostumbrados en ellos, aun así es mucho más escuchable y pasable que muchas otras baladas que compondrían en el futuro. Otro tema conocido es “The Other Side”, que lo que más me gusta es su intro psicodélica, luego empieza el entretenido y repetitivo pop rock.

Pump termina siendo un disco pasable, pero muy sobrevalorado para mi gusto. Aún así me resulta mejor que lo que después vendría de Aerosmith.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Blind Melon – Soup (1995)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Galaxie: 8
  2. 2 X 4: 9
  3. Vernie: 8
  4. Skinned: 7,5
  5. Toes Across the Floor: 7,5
  6. Walk: 8
  7. Dump Truck: 8,5
  8. Car Seat (God’s Presents): 8,5
  9. Wilt: 8
  10. The Duke: 7
  11. St. Andrew’s Fall: 8,5
  12. New Life: 8,5
  13. Mouthful of Cavities: 8,5
  14. Lemonade: 7,5

En 1994 Blind Melon comenzó a planear lo que sería su segundo esfuerzo de estudio, Soup, en el medio de las grabaciones en Nueva Orleans el grupo se presentó en el festival Woodstock de ese año con alentadoras críticas. Y como frutilla del postre fueron teloneros de la gira Voodoo Lounge de los Rolling Stones por los Estados Unidos.

Soup (1995) se conoció dos meses antes de la fatídica muerte de su líder Shannon Hoon. El disco parece no repetir las formulas del éxito de “No Rain” y predomina una atmosfera mas oscura y menos comercial. Con temáticas complicadas en sus líricas como «Skinned», sobre el asesino serial Ed Gein, «Car Seat (God’s Presents)», sobre Susan Smith quien mato a su hijo manejando su auto hacia un lago, «St. Andrew’s Fall», acerca de suicidarse saltando desde un edificio de 20 pisos o «2 X 4», trata sobre la experiencia de Hoon con las drogas. Pero no todo serían pálidas en las letras por ejemplo «Galaxie» habla sobre su experiencia con su auto antiguo un Ford Galaxie de 1964, «Vernie» es un tributo a su abuela y «New Life» del nacimiento de su hija Nico Blue.

Soup mereció ser otro suceso comercial pero el abandono de MTV y las estaciones radiales hacia temas más elaborados que no era lo que esperaban y peor aun la muerte de Shannon llevaron a que la atención por el disco se extinguiera por completo.

En contra de los consejos de los médicos que trataban a Hoon en sus problemas de adicción, Blind Melon decidió salir en gira para promocionar Soup. Luego de una performance en Houston de la que Hoon no estaba orgulloso, se encerró en el autobús de la gira y finalmente fue hallado muerto el 21 de Octubre de 1995, por un paro cardiaco, causado por una sobredosis de cocaína. El fallecimiento de uno de los artistas mas genuinos de la década del noventa fue una perdida irreparable para el rock.

Al año siguiente los restantes miembros de Blind Melon lanzaron un disco con canciones inéditas y algunos covers de Steppenwolf y John Lennon, Nico (nombre de la hija de Shannon) y donaron las ganancias a un programa que ayuda a músicos con adicciones de drogas y alcohol.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Jimmy Cliff – Wonderful World, Beautiful People (1970)

Puntaje del Disco: 8.5

  1. Time Will Tell: 8
  2. Many Rivers to Cross: 8
  3. Viet Nam: 9
  4. Use What I Got: 8
  5. Hard Road to Travel: 8
  6. Wonderful World, Beautiful People: 8.5
  7. Sufferin’ in the Land: 7
  8. Hello Sunshine: 7.5
  9. My Ancestors: 8
  10. That’s the Way Life Goes: 8
  11. Come into My Life: 8.5

James Chambers nació el 1 de abril de 1948 en St. Catherine, Jamaica. Desde pequeño mostró talento para la música y comenzó a aparecer en eventos locales; hasta que a los 14 años se mudó a Kingston, donde se cambió su apellido por Cliff y donde también grabó sus primeros sencillos. Allí conoció además a Leslie King, quien sería su productor hasta su fallecimiento en 1971. «Miss Jamaica,» «King of Kings,» «One Eyed Jacks” fueron algunos de los hits que Cliff consiguió en Jamaica durante aquel tiempo.

Sin embargo, el primer disco fue editado en 1968 bajo el nombre Hard Road, que le otorgó a Jimmy una notoria popularidad más allá de su país. En 1969 fue lanzado el segundo material de estudio, que en los Estados Unidos se vendió un año después con el nombre de Wonderful World, Wonderful People, que ubicó a Cliff en los principales rankings a ambos lados del Atlántico.

Sobre las bases del reggae, el ska y el R&B, Jimmy Cliff condensa lo mejor sus raíces en once grandiosos temas. Desde la rítmica “Time Will Tell”, pasando por “Use What I’ve Got” y “Sufferin’ in the Land”, por nombrar algunos. Con letras simples pero a la vez comprometidas, Cliff marcó un importante avance en su carrera con este disco que se convirtió en un clásico y que le permitió despegar con su música.

Piro

Tu puntuación
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