Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Antony and the Johnsons

Antony and the Johnsons – I Am a Bird Now (2005)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Hope There’s Someone: 8
  2. My Lady Story: 9
  3. For Today I Am a Bouy: 7,5
  4. Man Is the Baby: 8,5
  5. You Are My Sister: 8
  6. What Can I Do?: 8
  7. Fistful of Love: 9
  8. Spiralling: 8,5
  9. Free at Last: –
  10. Bird Gerhl: 8,5

Antony and the Johnsons, una de las bandas mas reconocidas de la actualidad, nos remite en la figura de su líder y cantante Antony Hegarty. Un verdadero personaje con una voz única y conmovedora que además de por su voz logra llamar la atención por su personalidad y aspecto, según sus propias palabras: “No me identifico como un hombre, me identifico como un transgénero”

Antony nació en el Reino Unido en 1971, aunque paso la mayor parte de su niñez y adolescencia en los Estados Unidos, mas precisamente en San Francisco donde su familia se mudo a principios de los ochenta. En 1990 Antony se mudo a Manhattan para estudiar en una escuela de teatro reconocida en Nueva York. Además de su experiencia con el teatro, unos años mas tarde, comenzó a cantar en bares y discos under neoyorquinas como el Joe’s Pub y The Knitting Factory. En uno de esas presentaciones el músico experimental ingles David Tibet lo escucho y le posibilito firmar un contrato discográfico para editar su debut discográfico Antony and the Johnsons (1998), nombre que tomaría el grupo de Antony desde entonces. A este debut sin mucha repercusión se le sumaron EP’s que lograron llamar la atención nada mas y nada menos que del mismísimo Lou Reed que quedo maravillado con Antony y grabaron varios temas juntos uno de los cuales formaría parte de su segundo y muy recomendable trabajo I Am a Bird Now (2005).

Además del viejo Lou otros invitados participaron del álbum como el ídolo de la juventud de Antony, Boy George, Devendra Banhart y Rufus Wainwright. I Am a Bird Now es un disco mucho más intimista que su anterior material, la majestuosa y emocional voz de Antony esta presente en todo el disco pero en ciertos temas como “My Lady Story”, “Man Is the Baby”, “Fistful of Love” y “Bird Gerhl” alcanza un nivel de profundidad difícil de describir con palabras.

Es difícil que este disco pueda formar parte de algún ranking o chart y hasta por momentos hay que reconocer que resulta un tanto aburrido, esta claro que no es música accesible para todos los oídos ni para escuchar en cualquier circunstancia, si bien la presencia de los invitados aporta bastante para cambiar un poco el clima intimista que el grupo propone, especialmente Lou Reed con su guitarra distorsionada en “Fistful of Love”, los mejores momentos en  I Am a Bird Now siguen estando a cargo de Antony en su inspiración tanto compositiva como interpretativa.

F.V.

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The Phantoms

The Phantoms – Black Mystic Messiah (1996)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Black Mystic Messiah: 7.5
  2. Loverbus: 7
  3. Florida Roadhouse Bar: 7
  4. Acid Mind: 8
  5. Running in the Space: 6.5
  6. A Valencian Night: 8
  7. Son of the Sun: 7.5
  8. Gypsy Girl: 7
  9. My Land: 7
  10. The Cat & the Moon: 6

Desde Valencia, España, más precisamente desde el Barrio San Ramón en la localidad valenciana de Xirivella encontramos a The Phantoms, una interesante banda de rock alternativo que cuenta con una trayectoria de casi veinte años. Originalmente llamada Phantom Lord, la formación tiene en sus filas a Txus Bixquert en voz y guitarra, Bea Frances en batería y coros y Alberto Payan en bajo. Tras diferentes presentaciones públicas en 1996 la banda filmó dos videos, un acústico en la radio local y su primer disco promocional, el cual acercamos en esta oportunidad.

Con el lanzamiento de “Black Mystic Messiah” de diez temas, se inicia una nueva etapa en la carrera del grupo que pasó a ser conocido como The Phantoms. En una primera vista, los atuendos negros y lúgubres dan cuenta del estilo metalero que proponen. Con la formación de un tridente, clásica de este género, “los fantasmas” decidieron hacer su música en inglés a modo tal vez de homenaje a sus queridos ídolos de la adolescencia.

Con notorias influencias de Kiss, Rainbow y otras del género, el disco abre bien arriba con el tema que da nombre al disco. “Loverbus” no baja la intensidad y utiliza buenas distorsiones de guitarra que también pueden apreciarse en otros temas como “My Land” por ejemplo. “Florida Roadhouse Bar”, a modo de referencia al clásico de The Doors tiene a Bizquert buscando un lugar donde encontrar respuestas a sus preguntas. De corte similar a los anteriores, con un estilo a The Stooges, luego vienen “Acid Mind” y “Running in the Space”. Si bien la música del grupo suena bien, un punto en contra que se encuentra a esta altura del disco es la similitud de sonidos entre cada canción.

“A Valencian Night” un clásico del grupo es la más destacada del disco, con interesantes cambios de ritmo que abren la segunda parte. “Son of the Sun” tiene muy buenos arreglos de guitarra, mientras que “Gypsy Girl” genera una agradable combinación de guitarra española con eléctrica.  Por último “The Cat & The Moon” cierra esta interesante producción de The Phantoms con una poderosa distorsión.

Piro

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Animal Collective

Animal Collective – Danse Manatee (2001)

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Puntaje del Disco: 4

  1. A Manatee Dance: –
  2. Penguin Penguin: –
  3. Another White Singer (Little White Glove): 4
  4. Essplode: 6,5
  5. Meet The Light Child: 4
  6. Runnin The Round Ball: 5
  7. Bad Crumbs: 4
  8. The Living Toys: 3
  9. Throwin The Round Ball: 5,5
  10. Ahhh Good Country: 4
  11. Lablakely Dress: 5
  12. In The Singing Box: 5,5

¿Qué se supone que debo hacer con esto? ¿Qué miércoles es esta cosa? ¿Dónde está la música? ¿Qué habrán querido hacer estos muchachos? Estos interrogantes y muchos más produce el cuestionable segundo disco de Animal Collective, Danse Manatee.

Imaginemos la situación de cómo fue creado. Avey Tare y Panda Bear estaban felices por su primera creación Spirit They’re Gone, Spirit They’ve Vanished, pero ya se estaban aburriendo y por eso invitaron a su amiguito tecladista Geologist (Brian Weitz) para jugar “a hacer ruido” en su casa como si estuviesen (o estando) completamente drogados, y así venderlo como el avant garde más novedoso y desinteresado que existe.

Y lograron parte de su cometido: hacer mucho ruido… Pero un ruido que no transmite absolutamente NADA, más que nauseas, aturdimiento y una lobotomía. Es una experiencia increíblemente mucho peor e incoherente que su álbum debut. Hay disonancias, sonidos abstractos, electrónicos y experimentación por todos lados, pero que nunca persiguen ni producen algo interesante en el oyente. Esto no es como la locura entretenida de Zappa, ya que Danse Manatee no tiene un centímetro de entretenimiento. Animal Collective no hace una sola melodía digerible y mucho menos atmosferas agradables. Peor aún es saber que algunos de estos temas duran 7 u 8 minutos. Qué necesidad…

Danse Manatee no es otra cosa que un absurdo no recomendable, de un trío que solo parecía estar jugando a ser experimental, pero que nunca hizo algo en serio.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 3)
Moby

Moby – Hotel (2005)

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Puntaje del Disco: 6,5

  1. Hotel Intro: 6
  2. Raining Again: 7,5
  3. Beautiful: 8,5
  4. Lift Me Up: 8
  5. Where You End: 6
  6. Temptation: 7
  7. Spiders: 6,5
  8. Dream About Me: 7
  9. Very: 6,5
  10. I Like It: 6,5
  11. Love Should: 6
  12. Slipping Away: 7,5
  13. Forever: 5
  14. Homeward Angel: 5,5

El título Hotel del séptimo álbum de estudio de Moby se debió a la fascinación del artista por la naturaleza de los mismos, donde las personas pasan a menudo una porción de sus vidas hasta que un nuevo huésped ocupa su lugar.

Editado en Mayo del 2005 Hotel continúa con la línea musical inaugurada en Play mostrando un enfoque ecléctico desde la electrónica al disco, pasando por la New Wave de finales de los setenta y principios de los ochenta.

Moby se ocupa de todos los instrumentos en el disco con excepción de la batería a cargo de Scott Frassetto y la colaboración vocal de Laura Dawn. En esta ocasión Moby se centro en varios hits para promocionar su álbum antes de su lanzamiento “Lift Me Up” ya sonaba en las radios y hacia imaginar que algo bueno estaba por venir. A este le siguieron otros algunos más logrados como “Beautiful”, “Raining Again” y otros más fallidos como “Spiders” y “Dream About Me” sacando esto no hay mucho mas por destacar, quizás el cover de New Order “Temptation” es un gesto simpatico donde le deja la voz en el tema a Laura Dawn por ser menos cantante que Bernard Summer.

Es un disco fácilmente disfrutable para los fanáticos de Play o 18, no creo que a alguno de ellos le llegue a disgustar, pero si nunca escuchaste nada de Moby y te genera cierta curiosidad por lejos es preferible no perder tiempo con Hotel y escuchar sus dos anteriores trabajos.

El álbum contiene un segundo disco de una hora de música ambient-tecno que pudo haber sido mas interesante y generar cierto impacto si se editaba de forma separada, aquí pasa bastante desapercibido.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 3)
Cobertura de Recitales, The Flaming Lips

The Flaming Lips en Argentina – Club GEBA 05/04/2011

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Mientras en los últimos días en el país toda la atención pareció estar centrada en las presentaciones de U2 y en la demagógica figura de Bono, también llegaron una serie de grupos a la Argentina que valía la pena presenciar. Los Flaming Lips fueron unos de ellos, quienes arribaron al país para formar parte y dar el punta pie inicial al Quilmes Rock.

Pagando una entrada por solo $85 (gracias a un 50% de descuento) uno tenía la oportunidad de presenciar a uno de los mejores grupos de los noventa. Un precio irrisorio sabiendo lo que es Flaming Lips en Vivo y sobretodo si lo comparamos con el exorbitante costo de U2 (las entradas de campo iban de 800 a 1200 mangos, una locura!!).

Así que mi dinero fue una exitosa inversión. Fue una noche bárbara!! Flaming Lips dio un show que fue muy divertido tanto desde lo musical como desde el espectáculo. Y en esto mucho tiene que ver la figura de su carismático y delirante líder Wayne Coyne para animarlo en todo momento.

Ya desde antes de arrancar el recital, Wayne salió al escenario para hacer un anuncio importante acompañado de una traductora (de un inglés “básico” y calamitoso, que cada vez que le pifiaba a la traducción se ganaba un “burra!!” de la gente). Coyne anunció básicamente que el show iba a ser flashero por las luces (por si a alguien le afectaba verlas) y que iba a usar su burbuja espacial!!! Sí señor, al arrancar el concierto, el líder de los Lips, se metió en su esfera trasparente y empezó a rodar sobre el publico!! Pero también se dio otros gustos. Wayne como un verdadero showman, interpretó sus temas encima de un tipo disfrazado de oso, usando megáfono, aplastando un platillo “personal” e incluso revoleando globos y manos inflables. No solo fue divertido y cómico, tenía mucha actitud arengando al público con sus  “Come on motherfuckers!”, jugando con los “Ooohhh OhOh Oohhhh Oh!” de la gente, y midiendo los tiempos de cada una de sus canciones.

[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=q41fzXhzFII]

Dentro de semejante espectáculo, Flaming Lips combinó muy bien canciones de su último disco Embryonic tales como “Worm Mountain”, “Silver Trembling Hands” y “The Ego’s Last Stand” que convulsionaban con su sonido. Pero obviamente los que mejor recepción cosecharon fueron los clásicos de la banda. Increíble fue esa seguidilla prodigiosa de “She Don’t Use Jelly” y “The Yeah Yeah Yeah Song” (entusiasmantes en sus estribillos) junto a “Yoshimi”, esta vez en una versión algo más lenta cantada por todo el público. Luego llevarían los clásicos de The Soft Bulletin, la cautivante “What is the Light?” acompañada después por “Race for the Prize”, que fue el punto más alto y revolucionario de la noche. Y para cerrar, como era de esperarse la conmovedora “Do You Realize?”, que terminó de enamorar a cada una de las personas que estuvieron presentes.

Fue una presentación fantástica y muy colorida. Incluso la puesta de escena con papelitos de colores, globos, esos sujetos naranjas que bailaban a los costados, y un Mario Bross y un dinosaurio inflables daban la sensación de sufrir un sueño fumado, volador y absolutamente maravilloso. Ojala vuelvan pronto para volver a disfrutarlo…

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 5)
Prince

Prince – Controversy (1981)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Controversy: 8
  2. Sexuality: 7
  3. Do Me, Baby: 8
  4. Private Joy: 7
  5. Ronnie, Talk to Russia: 7
  6. Let’s Work: 7
  7. Annie Christian: 6
  8. Jack U Off: 7,5

Con todo su desparpajo y talento en evidencia Prince se cansaría de editar discos en los ochenta, que fue sin dudas su década de esplendor. Dirty Mind (1980) había propulsado su carrera en los Estados Unidos y para 1981 estaba comenzando a hablarse de el en Europa. Prince brindo tres conciertos relámpago en Amsterdam, Londres y Paris a mediados de ese año y su despliegue escénico llamo la atención de la prestigiosa publicación británica NME que lo destacaron como lo nuevo a escuchar ese verano europeo, algo que treinta años atrás sin Internet, ni tantos medios de comunicación significaba mucho mas que lo que significa en estos tiempos.

Para mediados de Octubre de ese mismo año Prince publicaría Controversy, su cuarto álbum, a pesar de ser un poco mas ambicioso y contar con mas arreglos que lo que veníamos escuchando de el en sus anteriores trabajos el disco continua la senda que lo había llevado a triunfar, adulación al sexo, algo de protesta social, fascinación por los sintetizadores y temas pop algunos mas logrados que otros. Pero con muchos menos hits que su antecesor.

Lo mejor, por lejos, es el funk salvaje del comienzo “Controversy” y una balada legendaria “Do Me, Baby” coronada con los orgásmicos gritos de Prince que fusiona el sexo salvaje con la música desgarradora. El resto es un compendio de buenos temas donde su capacidad como músico de Prince esta en evidencia y hace del disco disfrutable sin contar con la lucidez y el nivel que le veremos en discos mas adelante.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Sting

Sting – The Soul Cages (1991)

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Puntaje del Disco: 7.5

  1. Island of Souls: 7
  2. All This Time: 8
  3. Mad About You: 7
  4. Jeremiah Blues (Part 1): 6
  5. Why Should I Cry For You: 8
  6. Saint Agnes and the Burning Train: 7
  7. The Wild Wild Sea: 7
  8. The Soul Cages: 7.5
  9. When the Angels Fall: 6.5

Hacia el final de la década del ochenta Sitng podía jactarse de la enorme popularidad cosechada al frente de The Police, una banda que necesitó tan sólo de unos años para quedar en el recuerdo como una de las grandes de la música británica. Pero no sólo el éxito a nivel grupal fue lo que llevó a Sting a convertirse en foco de atención, sino también sus acertadas producciones en solitario. “The Dream of the Blue Turtles” de 1985 y “Nothing Like the Sun” de 1987 fueron muy bien recibidos por la crítica y por el público.

A pesar de la gran expectativa creada en torno a este talentoso compositor, los fanáticos debieron esperar durante casi cuatro años por el lanzamiento de un nuevo material de su ídolo. La pérdida de su padre fue un duro golpe para Sting, quien estuvo bloqueado para componer; hasta que finalmente a comienzos de los noventa, logró expresar todo su pesar en el disco “The Soul Cages” de 1991.

Si “Nothing Like the Sun” estuvo enfocado en su madre, Sting dedicó el siguiente álbum a su difunto padre, con una temática casi invariable. Esa capacidad por parte del británico de expresar en letras su más diversas emociones tuvo al dolor como principal impulsor.

“Island of Souls”, en tono sombrío de película de suspenso, relata la historia de Billy, quien sueña con escapar por el mar junto a su dolorido padre. “All This Time” continúa con el mismo personaje queriendo enterrar al muerto en el mar, aunque esta vez en con un sonido más amigable y pegadizo. En la mitad del disco, “Why Should I Cry For You” es una de las destacadas gracias a ese somnoliento arreglo de instrumentos, que da paso a la guitarra española en “Saint Agnes and the Burning Train”.

“The Soul Cages” mantiene el nivel de su predecesores y deja en claro que Sting, ya sea desde la felicidad o desde el dolor, puede canalizar sus emociones en grandes producciones.

Piro

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(Votos: 0 Promedio: 0)
Doves

Doves – Some Cities (2005)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Some Cities: 8,5
  2. Black and White Town: 8
  3. Almost Forgot Myself: 8
  4. Snowden: 8
  5. The Storm: 7,5
  6. Walk In Fire: 7,5
  7. One of These Days: 8
  8. Someday Soon: 8,5
  9. Shadows of Salford: 7,5
  10. Sky Stars Falling: 9
  11. Ambition: 6,5

Si hay una cualidad positiva que destacó a Doves en la última década es el nivel parejo que presentó en cada uno de sus trabajos. Sin embargo, la banda también tiene sus cuestiones reprochables. Su principal déficit fue nunca lograr un salto de calidad pese a consolidar un estilo en base a sus influencias. Siempre le falta ese “algo” que hace grande a una banda. Some Cities es un claro ejemplo, porque es un buen disco como sus predecesores, pero no llega a ser espectacular.

Esto también queda reflejado en sus canciones que registran sus buenas intensiones, pero nunca llegan al rótulo de “clásico”. Desde mi punto de vista, este inconveniente de Doves se debe a que nunca logró hacer algo verdaderamente original, sino imitando a diferentes grupos contemporáneos: Radiohead, Coldplay, Oasis, etc. Y son buenos en implementar ese estilo británico, pero simultáneamente sus composiciones carecen de sorpresa, no difieren de algo que ya hayas escuchado antes y a veces hasta parecen infladas y reiterativas.

En Some Cities esta tendencia continua, pero logra diferenciarse un poco de sus primeros 2 discos. Doves esta vez incursiona más en el Indie y en el Dream Pop. De forma tal que en el álbum se ensamblan canciones alternativas más guitarreras como sucede en “Sky Stars Falling” y en la homónima “Some Cities”, y por otro lado canciones atmosféricas como “Almost Forgot Myself”, “Snowden” y “Shadows of Salford”. Los temas se conectan muy bien entre sí, permitiendo una fácil y entretenida escucha. Por eso el disco termina siendo muy bueno, si bien uno puede esperar un poco más de Doves.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Franz Ferdinand

Franz Ferdinand – Tonight: Franz Ferdinand (2009)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Ulysses: 8
  2. Turn It On: 8,5
  3. No You Girls: 8,5
  4. Send Him Away: 7
  5. Twilight Omens: 6,5
  6. Bite Hard: 9,5
  7. What She Came For: 8
  8. Live Alone: 7
  9. Can’t Stop Feeling: 8
  10. Lucid Dreams: 8
  11. Dream Again: 7,5
  12. Katherine Kiss Me: 8

Franz Ferdinand se tomo bastante para la continuación de You Could Have It So Much Better (2005), tres años y medio después en Enero de 2009 su tan ansiado tercer trabajo de estudio Tonight: Franz Ferdinand entro en escena para disipar las dudas que habia surgido este largo periodo con rumores de ruptura y especulaciones de todo tipo.

A pesar de haber escrito muchos temas durante su gira de presentación de su último material hasta ese momento en 2005 y 2006 Alex Kapranos y Nick McCarthy decidieron dejarlas de lado y escribir cosas nuevas. Habían llegado a la conclusión que querían escribir cosas nuevas que su nuevo disco debía sonar distinto a todo lo que habían echo anteriormente. El grupo comenzó a trabajar en Tonight…a principios del 2007. El grupo estaba decidido a dejar atrás su imagen de grupo Indie pop para ello decidió contratar al productor Dan Carey, artífice de éxitos electrónicos como Hot Chip, CSS, La Roux, entre otros). En una entrevista en pleno proceso de grabación Kapranos declaraba cosas como: “El disco será mas dance que rock” o “Es un disco conceptual, lo opuesto al punk/rock”. Y a decir verdad al escuchar su nuevo material se nota que el grupo hizo un esfuerzo grande para provocar una ruptura deliberada de su música anterior.

Esta nueva búsqueda les trajo tanto algunos elogios y muchas criticas bastante fuertes tildando al álbum de “pura pose, superficial, canciones previsibles y  con exceso de sintetizadores”. A pesar de estos comentarios negativos, excesivos a mi entender, que cosecho por su nueva búsqueda y experimentación con sonidos electrónicos considero que si bien no esta al mismo nivel de sus anteriores discos termina redondeando un muy interesante material con excelentes canciones como especialmente y antes que todas “Bite Hard” como también “No You Girls”, “Turn It On” y “Ulysses”. Es un disco que te permite descubrir cosas nuevas con cada escucha donde la electrónica llega a encajar de manera perfecta en el engranaje final. Mas haya de todo pienso que Franz Ferdinand tiene suficiente potencial para encausar y pulir su música hasta encontrar un verdadero rumbo donde se sientan verdaderamente cómodos.

F.V.

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(Votos: 3 Promedio: 4.7)
OutKast

OutKast – Stankonia (2000)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Intro: –
  2. Gasoline Dreams: 8
  3. I’m Cool: –
  4. So Fresh, So Clean: 9
  5. Ms. Jackson: 9,5
  6. Snappin’ & Trappin’: 7
  7. D.F.: –
  8. Spaghetti Junction: 8
  9. Kim & Cookie: –
  10. I’ll Call Before I Come: 8,5
  11. B.O.B.: 10
  12. Xplosion: 9
  13. Good Hair: –
  14. We Luv Deez Hoez: 8
  15. Humble Mumble: 9,5
  16. Drinkin’ Again: –
  17. ?: 7
  18. Red Velvet: 8,5
  19. Cruisin’ in the ATL: –
  20. Gangsta Shit: 6
  21. Toilet Tisha: 9
  22. Slum Beautiful: 9
  23. Pre-Nump: –
  24. Stankonia (Stanklove): 8

La repercusión a nivel mundial para OutKast, atravesando las fronteras Norteamericanas donde desde un primer momento se los ubico como los niños mimados del hip hop, les llego recién con su cuarto trabajo Stankonia (2000) en los albores del nuevo milenio.

Outkast nació en Atlanta a principios de los noventa cuando Andre Benjamin (Andre 3000) y Antwan Patton (Big Boi) se conocieron en el colegio secundario al que acudían en el barrio de East Point. El dúo logro firmar un contrato con la productora Organized Noize con la cual grabaron su primer sencillo “Player’s Ball”, un sencillo con mucho éxito que logro a ser disco de oro y genero una expectativa enorme para la salida de su primer LP. Southernplayalisticadillacmuzik (1994) los ubico como el grupo revelación que todos esperaban y les gano el impulso necesario para su exitosa carrera dentro de los Estados Unidos, a este le sucedieron ATLiens (1996) y el altamente alabado por la crítica Aquemini (1998).

Stankonia supero las expectativas de su antecesor tanto en ventas (530 mil copias en la primera semana) como en adoración de los críticos y fans. En cuanto a lo musical y las letras Big Boi es el que se encasillaría más en el típico rapero hablando de pandillas, sexo, armas, etc y Andre 3000 utiliza metáforas dentro de un ambiente más funk.

La combinación entre los estilos de los dos integrantes del dúo es parte de las razones del éxito y la popularidad de Stankonia. La diversidad en cuanto a los géneros y sus influencias que van desde Prince, George Clinton, Public Enemy hasta el mismísimo Jimi Hendrix es una forma de explicar lo atrayente y único de su sonido que se podría describir como una mixtura entre hip hop puro con funk hipnótico y rock psicodélico setentoso. Por ejemplo el álbum comienza con “Gasoline Dreams” con un riff de guitarra en primer plano en toda la canción pasando a un funk en “So Fresh, So Clean” para luego abarcar influencias de gospel en “Toilet Tisha”, samba en “Humble Mumble” con la voz de Erykah Badu ex novia de Andre 3000, drum and bass y rap a toda velocidad en “B.O.B”, otro tema difícil de dejar de lado es «Ms. Jackson» el verdadero hit en Stankonia logrando el numero uno en varios países por varias semanas.

Dada la variedad de estados de animo en el álbum ayudan los cortes con interludios humorísticos, que sirven como un botón de reinicio hacia algo distinto. Con este trabajo OutKast logro penetrar en más mercados y ganar popularidad en todo el mundo, además de ser los niños mimados por los críticos, algo que llevo a eclipsar a casi todos los álbumes pop lanzados en el 2000.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)