Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Ween

Ween – GodWeenSatan: The Oneness (1990)

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Puntaje del Disco: 9

  1. You Fucked Up: 9
  2. Tick: 9,5
  3. I’m In The Mood To Move: 8,5
  4. I Gots A Weasel: 8
  5. Fat Lenny: 8
  6. Cold And Wet: 8,5
  7. Bumblebee: 7
  8. Don’t Laugh (I Love You): 9
  9. Never Squeal: 7,5
  10. Up On The Hill: 8,5
  11. Wayne’s Pet Youngin’: 8
  12. Nicole: 8
  13. Common Bitch: 7
  14. El Camino: 9
  15. Old Queen Cole: 8
  16. Nan: 8
  17. Licking The Palm For Guava: 7
  18. Mushroom Festival In Hell: 8,5
  19. L.M.L.Y.P.: 9
  20. Papa Zit: 7,5
  21. Old Man Thunder: –
  22. Birthday Boy: 9,5
  23. Blackjack: 8
  24. Squelch the Weasel: 9
  25. Marble Tulip Juicy Tree: 9
  26. Puffy Cloud: 7

Pero que cosa más sorprendente es este disco. No se si sabrán pero este es un álbum debut y cuenta con más de 20 temas. Aunque la mayoría sean cortos es demasiado para cualquier banda común y corriente que esta haciendo sus primeros pasos. Son 26 canciones para ser exactos. Perdón, 29!! Si tenemos en cuenta la reedición que sacarían años más tarde. Sí, un álbum suculento para que llenes tu panza, donde la más asombrosa virtud es la cantidad muy diversa de estilos que abordan y experimentan: punk, metal, folk, pop, gospel, etc. Semejante disco nos insita a preguntarnos: ¿Quién diablos lo hizo?

Los autores materiales e intelectuales de este excelente trabajo tienen nombre: Ween, un descollante dúo alternativo conformado por Gene Ween y Dean Ween, cuya existencia se remite a los ochenta, pero recién en 1990 (cuando todavía el Grunge no era el genero arroyar del momento) editarían esta perlita, o mejor dicho esta joyería llamada GodWeenSatan.

Créanme cuando les digo que el álbum es excelente, no solo por los géneros que exploran sino también por como experimentan con su humor paródico. Ya desde el arranque con “You Fucked Up”, Ween exclamando una grosería (en este caso muy efectiva) como “You Fuckek Up!! You Bitch!!” te inserta una adrenalina explosiva que te motiva a escuchar todo el disco. “Tick” es aún mejor, Ween se mofa con una letra graciosisima “I feel a tick in my head, and he’s sucking on my head”, rockeando con arrebatos paranoicos. El álbum continua con juegos de voces robotizadas como en “I’m In The Mood To Move” o poppies como en “Don’t Laugh”.

Dentro de esta ensalada también tenemos un divertido gospel como “Up On The Hill”, cuyo coda es verdaderamente muy bueno, y una tremenda canción que mezcla flamenco con rock alternativo “El Camino”. Tampoco se puede pasar por alto el cover de Prince “L.M.L.Y.P.” uno de sus puntos más altos junto a la neo psicodelia de “Birthday Boy” y “Marble Tulip Juicy Tree” y a la magnifica balada acústica “Squelch the Weasel”.

Sin embargo, no falta el que critique al disco por su longitud, que hace que algunas de sus canciones sean descartes humorísticos a simple vista. Pero desde mi punto de vista forma parte de la fisionomía de Ween. No esperes un disco de ellos con menos de 10 canciones. Además ninguno de sus cortes deja de entretener. GodWeenSatan es tan largo como original y divertido.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Johnny Cash

Johnny Cash – Johnny Cash with His Hot and Blue Guitar (1957)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Rock Island Line: 8
  2. (I Heard That) Lonesome Whistle: 8
  3. Country Boy: 8.5
  4. If the Good Lord’s Willing: 8.5
  5. Cry! Cry! Cry!: 9
  6. Remember Me (I’m the One Who Loves You): 8
  7. So Doggone Lonesome: 8
  8. I Was There When It Happened: 8
  9. I Walk the Line: 9
  10. Wreck of the Old 97: 8.5
  11. Folsom Prison Blues: 10
  12. Doin’ My Time: 8

“Hello, I’m Johnny Cash”. Con esas inmortales palabras y al ritmo de “Folsom Prison Blues” el legendario Johnny Cash solía hacer sus presentaciones ante el público. The Man in Black, como se lo conoció por vestir siempre atuendos negros, fue uno de los más importantes exponentes de la música de segunda pos guerra en los Estados Unidos. Su música no era únicamente folk, ni tampoco ryhtm n’ blues, sino que combinó estos géneros con el incipiente rock n’ roll que hacia fines de los años cincuenta comenzaba a invadir la escena. Su actitud arrogante y desafiante eran las características esenciales que hicieron de Cash un ícono de la cultura norteamericana.

Tras haber sido rechazado por Sam Phillips en una audición para Sun Records, la rebeldía de Cash salió de los moldes y en una segunda oportunidad, dejó al productor encantado con “Hey Porter”, una de sus primeras canciones. El góspel ya era cosa del pasado y Cash lo sabía por lo que, con la guitarra a cuestas, Johnny Cash empezó a captar los sonidos de ese momento para darle una pizca de trasgresión en sus letras, que serían las delicias del público.

En 1957 el primer disco de Johnny sería la pieza que faltaba a un conjunto de temas que ya habían sido previamente lanzadas como singles, tales como “Cry! Cry! Cry!” o “So Doggone Lonesome”. “I Walk the Line”, grabado en 1956, se convirtió en uno de los grandes clásico en la carrera de Cash y el éxito comercial que alcanzó permitió que se colocara el frente de los charts.

Entre sus letras Johnny Cash encontró gran inspiración durante su paso por las Fuerzas Armadas. Uno de estos casos se da claramente en “Folsom Prison Blues” que con esa genial frase “I shot a man in Reno just to watch him die” el tema pasó a ser un estandarte entre los prisioneros de las cárceles estadounidenses.

Además de las canciones propias, Cash incluyó canciones prestadas como en “If the Good Lord’s Willing” de Jerry Reed y por supuesto desarrolló temas folk como «Remember Me (I’m the One Who Loves You)» y “(I Heard That) Lonesome Whistle”, aunque sin perder el estilo que caracterizó a sus melodías.

Piro

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(Votos: 0 Promedio: 0)
The Hives

The Hives – Tyrannosaurus Hives (2004)

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. Abra Cadaver: 7
  2. Two-Timing Touch and Broken Bones: 8
  3. Walk Idiot Walk: 8
  4. No Pun Intended: 6,5
  5. A Little More For Little You: 7
  6. B is for Brutus: 9
  7. See Through Head: 7,5
  8. Diabolic Scheme: 8,5
  9. Missing Link: 7,5
  10. Love in Plaster: 7
  11. Dead Quote Olympics: 6,5
  12. Antidote: 7,5

The Hives, La banda sueca de garage rock que apareció con mucha fuerza a principios del nuevo milenio de la mano de su hit “I Hate To Say I Told You So”, volvería cuatro años mas tarde en el verano europeo del 2004 a pisar fuerte con  Tyrannosaurus Hives, su trabajo mas aclamado por la crítica.

Sus canciones rápidas, directas y bien rockeras vuelven a escena. Quizás la mayor virtud de su música sea justamente que no aburre pasa rápido y encuadro justo en la momento más fuerte de garage rock revival y el crecimiento del Indie rock lo que les proveyó un grupo de seguidores fieles no solo en su país natal sino en mercados realmente interesantes como Estados Unidos y el Reino Unido. Para agilizar este cometido luego de su explosión con Veni Vidi Vicious The Hives decidió editar un compilado de lo mejor de sus primeros discos, desconocidos fuera de Suecia hasta el momento, bajo el nombre de Your New Favourite Band un compilado altamente recomendable para inmiscuirse en el grupo si aun no lo conocen.

Durante la grabación de Tyrannosaurus Hives el grupo había mencionado que iba a abandonar un poco el rock potente de sus mas resonantes hits de años anteriores para adentrarse en un sonido experimental mas acercado a Kraftwerk, ciertamente esta evolución y complejización en su música se percibe en todo el álbum, especialmente en temas como “Love in Plaster”, aunque nunca abandonarían su verdadera esencia. La crítica especializada unánimemente señala a Tyrannosaurus Hives como su mejor obra, aunque personalmente me parece más genuino y valioso su sonido primario y menos complejo reconozco que gracias a esta evolución los suecos serian capaces de mantenerse en el mercado musical cuando la moda Indie afloje un poco con el correr de los años.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Janis Joplin

Janis Joplin – Big Brother & The Holding Company (1967)

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. Bye Bye Baby: 8
  2. Easy Rider: 7
  3. Intruder: 7,5
  4. Light Is Faster Than Sound: 7
  5. Call On Me: 8,5
  6. Women Is Losers: 7
  7. Blindman: 7
  8. Down On Me: 8
  9. Caterpillar: 6
  10. All Is Loneliness: 7,5
  11. Coo Coo: 8
  12. The Last Time: 8,5

Big Brother & The Holding Company fue la primera banda en la que participaría Janis Joplin. Este grupo sería uno de los más reconocidos que saldrían de San Francisco en los sesenta junto a otros como Grateful Dead y Jefferson Airplane. La incorporación de Janis a Big Brother sería en 1966 y tan solo un año después llegaría el homónimo álbum debut de la banda.

Para ser el primer disco de Janis junto a Big Brother, la banda no ofrece algo particularmente novedoso o impactante, sobretodo si lo comparamos con otros trabajos de la misma época como Surrealistic Pillow. El material de Big Brother & The Holding Company es bastante genérico. No tiene nada de especial, es blues rock con algo de psicodelia, en composiciones que no son muy sólidas ni atrapantes. Son simples canciones promedio que cumplen con su papel de entretener al oyente.

Por otro lado, por aquel entonces la voz de Joplin era tan poderosa como siempre, pero todavía no tenía el protagonismo que alcanzaría años más tarde. Hay que decirlo, no interpreta íntegramente todos los temas y hasta pasa en un segundo plano por el bajo nivel del grupo. Justamente los mejores momentos del disco son cuando Joplin libera su garganta apoyada en una buena composición como en “Call On Me” y “The Last Time” (que nada tiene que ver con el tema de los Stones).

Pero este solo sería el inicio de la banda. Big Brother & The Holding Company alcanzaría su cumbre con su excelente próximo trabajo Cheap Thrills.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Tindersticks

Tindersticks – Tindersticks I (1993)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Nectar: 8,5
  2. Tyed: 8,5
  3. Sweet, Sweet Man Pt. 1: –
  4. Whiskey and Water: 9,5
  5. Blood: 7
  6. City Sickness: 9
  7. Patchwork: 7,5
  8. Marbles: 8,5
  9. The Walt Blues: –
  10. Milky Teeth: 9
  11. Sweet, Sweet Man Pt. 2: 8
  12. Jism: 8,5
  13. Piano Song: 8
  14. Tie-Dye: 8,5
  15. Raindrops: 8,5
  16. Sweet, Sweet Man Pt. 3: 8,5
  17. Her: 9
  18. Tea Stain: 6,5
  19. Drunk Tank: 8
  20. Paco de Renaldo’s Dream: 9
  21. The Not Knowing: 9

Formados a comienzos de la prolífera década del noventa, en materia musical, en la ciudad británica de Nottingham Tindersticks recibió desde el comienzo una espléndida acogida por parte de la crítica especializada.

El sonido entre elegante y alternativo del grupo tiene su sello distintivo en la profunda voz de barítono de su vocalista y líder Stuart Staples, con toques tan particulares que sorprenderían a cualquiera que nunca lo escuchara antes, emulando por momentos a Nick Cave o Ian Curtis pero con una imponente y oscura voz difícil de igualar. Otra pieza clave en el sonido tan particular de Tindersticks es lo que aporta el guitarrista Dickson Hinchliffe con guitarras podridas en algunos casos y en otros tocando una gran variedad de instrumentos que contribuyen al sonido ecléctico del grupo. Entre ellos están el piano, violín, trompeta y órgano Hammond.

Su disco debut Tindersticks I (1993) tubo bastante repercusión en el Reino Unido señalado como disco del año por la prestigiosa revista Melody Maker y como uno de los debuts musicales mas prometedores de la epoca. La atmosfera densa que se percibe durante los 21 tracks (buen numero para un disco inicial) alcanza su mejor momento en temas como “Whiskey and Water”, “Raindrops”, “Milky Teeth”, “Her”, “The Not Knowing” por solo nombrar algunos en un álbum bastante parejo y consistente.

La música y las letras de Tindersticks son tan particulares como su carrera, actualmente cuentan con ocho discos y tienen su base de seguidores pero es difícil aspirar que alcancen al gran público y seguramente es algo que tampoco busquen y se sientan cómodos en la categoría de banda de culto y para determinadas elite. El mismo Staples afirmaba en una entrevista reciente acerca del estilo de la banda lo siguiente: “Hacer buenas canciones, componer música hermosa, transmitir credibilidad a lo que cantas. Y hacer todo eso con una producción y un vestido sonoro realmente exquisito y cuidado. No está bien que lo diga yo mismo, pero estoy convencido de que los Tindersticks son sinónimo de una manera de hacer y degustar música muy específica. Quiero decir, que más allá de que yo puedo componer unas melodías así o asá, existe detrás un trabajo de arreglos y de instrumentación en directo que nos convierte en un producto no sólo inclasificable sino casi único».

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
The Cult

The Cult – Love (1985)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Nirvana: 8
  2. Big Neon Glitter: 7
  3. Love: 6.5
  4. Brother Wolf, Sister Moon: 8
  5. Rain: 8
  6. The Phoenix: 7
  7. Hollow Man: 7.5
  8. Revolution: 8.5
  9. She Sells Sanctuary: 9
  10. Black Angel: 7.5

En Agosto de 1985 The Cult ingresó, por segunda vez en menos de dos años, a los estudios de grabación para darle forma a “Love”. “Dreamtime” había sido para la banda de Ian Astbuty un gran puntapié que sirvió de impulso emocional hacia una nueva producción.

El primer corte promoción del disco fue “She Sells Sanctuary”, uno de los mejores  del álbum y de la carrera de la banda, que logró posicionarse entre los primeros veinte en los charts británicos durante varias semanas. Este lanzamiento, meses antes de la salida definitiva del disco, anticipaba rumbos de mejoría en la banda. La psicodelia de “Dreamtime” se mantiene pero la combinación con el hard rock y el new wave gótico producen un efecto muy efectivo.

Buenos arreglos y bateos constantes , sumados a la voz de Astbury, son las claves que permitieron a “Love” superar a su antecesor y darle a The Cult un gran material. La participación en la composición y en los riffs por parte del guitarrista Billy Duffy hace que los temas alternen de lo casi melódico de “Hollow Man” y “Revolution” a la más estridente “The Phoenix”.

Con momentos muy buenos y puntos altos como en “Brother Wolf, Sister Moon” y “Rain”, The Cult tomó vuelo con este formidable disco y demostró que lo de Astbuty y compañía venía en serio.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)
The Band

The Band – The Band (1969)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Across The Great Divide: 8,5
  2. Rag Mama Rag: 9
  3. The Night They Drove Old Dixie Down: 9
  4. When You Awake: 8,5
  5. Up On Cripple Creek: 9,5
  6. Whispering Pines: 8,5
  7. Jemima Surrender: 8
  8. Rockin’ Chair: 8
  9. Look Out Cleveland: 7,5
  10. Jawbone: 7
  11. The Unfaithful Servant: 8
  12. King Harvest (Has Surely Come): 10

Es muy común decir que las segundas partes no suelen superar a las primeras. Pero este no es el caso. La crítica recibió muy gratamente la fortuita aparición de The Band a partir de su muy buen álbum debut Music from Big Pink. Sin embargo, en su segunda entrega, se autosuperarían. Su segundo disco sería editado tan solo un año después y llevaría su propia denominación, The Band, como si el grupo fortaleciera su forma de ser. Hecho que termina sucediendo.

Si vemos la portada del disco (también conocido como The Brown Album), una foto antigua de estos 5 muchachos, ya podemos imaginarnos en que consiste este trabajo. The Band es un disco de country rock muy rústico y campestre comparable con el de Creedence, que sigue la misma línea que su mentor Bob Dylan estaba tomando en aquellos años, y que simultáneamente se aleja de la psicodelia hippie de los sesenta.

Desde mi punto de vista, lo que hace a este disco mejor que su predecesor es la calidad de sus clásicos. Acá encontramos un par de canciones que sin problemas prevalecen sobre lo que antes compuso la banda. Entre estos números están “Up On Cripple Creek”, un sobresaliente hit muy distinguible por su estribillo, y “King Harvest”, una brillante canción de protesta sobre la sindicalización de los granjeros. También hay que destacar el notable nivel de temas como el excéntrico country “Rag Mama Rag” y la magnifica balada “The Night They Drove Old Dixie Down”. Y si las baladas te gustan hay varias y muy agradables como “The Unfaithful Servant” y “Whispering Pines”.

The Brown Album es un segundo disco muy sólido, excelente, que confirmaría a The Band dentro de los grupos más valiosos de los sesenta cuando antes solo parecían desconocidos desde su inesperado surgimiento.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 5)
Procol Harum

Procol Harum – Procol Harum (1967)

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Puntaje del Disco: 9

  1. A Whiter Shade of Pale: 10
  2. She Wandered Through the Garden Fence: 8
  3. Something Following Me: 8,5
  4. Mabel: 6,5
  5. Cerdes (Outside the Gates Of): 9
  6. A Christmas Camel: 8
  7. Conquistador: 9,5
  8. Kaleidoscope: 8,5
  9. Salad Days (Are Here Again): 8
  10. Good Captain Clack: 7
  11. Repent Walpurgis: 9

Cuando mencionamos a Procol Harum, lo más común es nombrar a “A Whiter Shade of Pale” como si fuera la única canción que compusieron en su carrera. Una analogía comparable a lo que sucede en el exterior, donde si decimos que somos argentinos nos responden: “Maradona”. Ambas referencias están mal. Procol Harum no es un One Hit Wonder. Fue uno de los grupos más influyentes en lo que años más tarde se denominaría Rock Progresivo.

Sin embargo, Procol Harum es una banda bastante oscura por lo desconocida. Muy posiblemente pasa desapercibida al no ser virtuosa o hacer algo totalmente innovador en comparación con otros grupos de la época.

Más allá de su influencia, tampoco se la puede encajonar dentro del rock progresivo. Como se puede apreciar en su homónimo álbum debut, es una mezcla de blues con psicodelía del ‘67 muy bien ejecutada, que en su conjunto conforman muy buenas canciones, las cuales son bastante accesibles para cualquier oyente.

El éxito de estos temas se debe en parte a la excelencia de las letras de Keith Reid, que justamente era eso el “letrista de la banda”, no cantaba ni tocaba instrumentos. Y por otro lado, también se llevan meritos su cantante/pianista Gary Brooker junto a su tecladista Matthew Fisher. Solo escuchen como funcionan juntos en su famoso hit “A Whiter Shade of Pale”, con Fisher generando un sonido envolvente gracias a su órgano y Brooker conmoviendo con su voz.

Afortunadamente, “A Whiter Shade of Pale” no es el único tema bueno del álbum. También tenemos a “Conquistador”, el segundo gran clásico de Procol, brillante especialmente en su estribillo. Y hay aún más, “Cerdes”, por ejemplo, es un blues tremendo y “Repent Walpurgis” es un instrumental que hace un cierre excepcional.

Muy buen álbum. Buenos temas con clásicos incluidos. Para algunos el mejor trabajo de Procol Harum. Una distinción suficiente para empezar a escucharlos.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Blur

Blur – 13 (1999)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Tender: 9
  2. Bugman: 8,5
  3. Coffee & TV: 9
  4. Swamp Song: 7,5
  5. 1992: 8
  6. B.L.U.R.E.M.I.: 6,5
  7. Battle: 6
  8. Mellow Song: 8
  9. Trailerpark: 8
  10. Caramel: 7
  11. Trimm Trabb: 8,5
  12. No Distance Left to Run: 8,5
  13. Optigan 1: –

13 el sexto trabajo de una de las bandas británicas mas importantes de la década del noventa, Blur, los encontraría definitivamente abandonando el britpop que los caracterizo en sus comienzos y en su explosión en popularidad hacia un sonido mas experimental y alternativo.

El disco encontró a Damon Albarn tocado emocionalmente por la separación de su productor de mucho tiempo Stephen Street y especialmente por la de su novia la Justine Frischmann de Elastica, alogo que se evidencia en varias letras y pasajes de 13.

Cuando salio a las ventas en Marzo de 1999 el disco ocupo inmediatamente los primeros puestos de los conteos musicales en el Reino Unido, los tres singles “Tender”, «Coffee & TV» y «No Distance Left to Run» ayudaron para este cometido. El resto del disco pasa por momentos decepcionantes y algunos interesantes pero menos difundidos como la joya experimental “Trimm Trabb” y la potente “Bugman”.

En Estados Unidos Blur entro de inmediato en la rotación de videos en los canales de música con la recordada cajita de leche de «Coffee & TV» y encajarían de maravillas en la escena alternativa norteamericana aunque sin la repercusión, ni las ventas de su país natal.

13 es un disco confuso pero que no deja de tener momentos valiosos y letras emocionalmente profundas como nunca el grupo había tenido. Más allá de esto el disco quedo en la historia por ser el último con el guitarrista Graham Coxon en la banda. Unos años mas tarde la relación con Albarn termino siendo insostenible y decidió abandonar Blur para embarcarse en una interesante carrera solista. A modo de despedida Coxon nos dejo la tapa de 13, que es una pintura de olio de su autoria denominada aprendiz.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Arcade Fire

Arcade Fire – The Suburbs (2010)

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Puntaje del Disco: 8

  1. The Suburbs: 9
  2. Ready To Start: 8,5
  3. Modern Man: 8
  4. Rococo: 8
  5. Empty Room: 8
  6. City With No Children: 8,5
  7. Half Light I: 7,5
  8. Half Light II: 7,5
  9. Suburban War: 8,5
  10. Month Of May: 7
  11. Wasted Hours: 7,5
  12. Deep Blue: 8
  13. We Used To Wait: 8,5
  14. Sprawl (Flatland): 7
  15. Sprawl II (Mountains Beyond Mountains): 7
  16. The Suburbs (continued): –

A partir del éxito inconmensurable de Funeral, Arcade Fire alcanzó un estatus de gran prestigio en el mundo. Es considerado por muchos como la mejor banda que dio el Indie en la última década, como si fuera una especie de Mesías que nos trae la salvación de una década musical que no fue tan notable como otras. Con semejante reputación decorosa, el mundo espero con ansias y total optimismo el tercer álbum de Arcade Fire, a pesar de que Neon Bible fue un retroceso minúsculo en su andamiaje artístico. La llegada de The Suburbs fue recibida con la misma alegoría. Fue aclamado por los críticos como si fuera un nuevo Funeral, pero como si tuvieran un impedimento a ser más reticentes con la banda para no manchar su nombre. Mi postura es la opuesta. Detesto decirlo pero “odio” a The Suburbs.

OK, no lo odio, es un muy buen álbum, pero las expectativas eran tan altas que esperaba mucho más de Arcade Fire. Añoraba al álbum que lidera rankings terrenales y cibernéticos del 2010, pero me encontré con un disco que esta algo lejos de serlo. “Pedí un 4 y me trajeron una Pomelo”.

El gran problema de The Suburbs es que Arcade Fire intenta alcanzar la dimensión gigante de Funeral, pero termina perdiendo su propia grandeza. En primera instancia puedo decir que ninguna de estas canciones les hace cosquillas a clásicos como “Wake Up”, “Power Out” o “Rebellion (Lies)”. Lo segundo para marcar es que en su disco debut se podía apreciar un grupo de numerosos músicos proveyendo de adornos y color a cada una de sus canciones, hecho que acá queda en un segundo plano. Lo tercero es que es demasiado largo. La grandeza no tiene que estar en la cantidad de canciones que pueden agregar, sino en la calidad. Y lo cuarto, cuando en Funeral trataban la temática de la muerte con una “tristeza optimista” era creíble, en cambio en The Suburbs intentan hablar sobre sus experiencias en la infancia en los suburbios de Texas. Pero la música de este disco no se asemeja a los barrios pobres, al contrario, parece estar orientado a las chicas de clase media alta que dicen que The Killers es la mejor banda de la última década.

Dicho esto, también admito que las composiciones del álbum están bastante bien, en algunos casos son notables como en la homónima “The Suburbs” y el rock espectral de “Ready To Start”. Además se nota un esfuerzo de Arcade Fire por abordar estilos diversos permitiendo que el álbum sea lo suficientemente entretenido (especialmente al principio). Aunque la mayoría de los cortes no son del todo memorables a pesar de contar con buenas melodías.

De todas formas, The Suburbs es un muy buen disco. Uno de los destacados del año, pero no el mejor ni la obra maestra que algunos quisieron vender…

Persy

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4.5)