Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Qaa

Qa’a – Chi’en (2009)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Eastdown Westdown: 8,5
  2. Speaker Box: 8
  3. Time Is Key: 8
  4. Peeling Off: 8,5
  5. She Provides: 8
  6. Chi’en’: 8

Qa’a es una banda barcelonesa que se formó en el 2006, y cuya fama aún no ha cruzado el Atlántico. Y es que además recoge una línea musical de una fuerte raigambre europea como lo es el krautrock. El krautrock vio la luz en pleno proceso de reconversión experimental del rock (con figuras como Jimi Hendrix, Pink Floyd o Frank Zappa) pero en el otro lado del mundo: la alemania post-nazi de los 60’ y 70’ conoció sus respectivos Can, Faust, Amon Düüll y, forzando un poco el término, Kraftwerk.

En Qa’a notamos este éxtasis musical autodestructivo, de gozosa psicodelia, pero estructuralmente cuidado. Todo el disco, desde el principio hasta el final, debe ser escuchado en una habitación oscura con dos auriculares de excelente calidad. Y aún así, la mayor parte de la experiencia se pierde. Es claro que para poder entender a Qa’a, habría que presenciar un espectáculo en vivo.

Apacibles guitarras se alternan con tormentas de ruidos escalofriantes, con mucho énfasis en la creación de ambientes sonoros, difícilmente repetibles. Si bien una genética sonora une a todo el álbum, cada tema tiene su particularidad. “Eastdown Westdown” es una entrada amortiguada para lo que será la frenética y estruendosa “She Provides”, para culminar con una relajante “Chi’en’”, pasando por “Peeling Off”, que parte de unas percusiones tribalistas hasta lo más esquizofrénico de las guitarras características de los 60’ y 70’. En el medio, “Speaker Box”, tal vez una de las más musicales.

Con temas que van desde los 8 hasta los 25 minutos, Qa’a tiene una apuesta ambiciosa y diferente. Para los que no tenemos el oído entrenado, es una experiencia delicada: requiere mucha dedicación y atención a los matices. Absolutamente recomendable NO escucharla mientras se maneja.

La curiosidad: Qa’ a fue el último faraón de la primer dinastía egipcia (por el 2.800 A.C.).

Barba

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(Votos: 0 Promedio: 0)
The Cure

The Cure – Faith (1981)

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Puntaje del Disco: 8

  1. The Holy Hour: 8
  2. Primary: 8,5
  3. Other Voices: 7,5
  4. All Cats Are Grey: 8,5
  5. The Funeral Party: 6,5
  6. Doubt: 7
  7. The Drowning Man: 7,5
  8. Faith: 8

Faith (1981) es el tercer trabajo de una de las bandas emblemáticas de los ochenta, The Cure. El disco se enmarca en una atmosfera depresivo y denso siguiendo un poco la línea de Seventeen Seconds aunque mas profundo que su antecesor es considerado como “la calma previa a la tormenta” del siguiente álbum Pornography, la continuación de estilo de estos tres trabajos es considerado como la trilogía gótica de The Cure.

Uno de los temas preponderantes en Faith es la religión. Robert Smith lo había concebido como una serie de canciones que investigaran la idea de la fe como creencia y durante su composición visitó periódicamente la iglesia. Las citas bíblicas también aparecen frecuentemente.

“The Holy Hour”, «All Cats Are Grey» y “Faith” son piezas de densa atmosfera, casi oscura que nunca antes habíamos escuchado en las canciones de The Cure, contrastando esos momentos con los temas mas movidos como “Primary” y “Doubt” nos dan un pantallazo de las subidas y bajadas que envuelven a este periodo en la carrera del grupo.

Ciertamente Faith es un tanto depresivo y oscuro pero justamente por esto es uno de los discos mas subestimados y poco reconocidos y cuenta con canciones interesantes y atrayentes que The Cure pudo conjugar.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Oasis

Oasis – Heathen Chemestry (2002)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. The Hindu Times: 9
  2. Force Of Nature: 8
  3. Hung On a Bad Place: 7
  4. Stop Crying Your Heart Out: 8
  5. Songbird: 8,5
  6. Little By Little: 9
  7. A Quick Peep: –
  8. (Probably) All In The Mind: 7,5
  9. She Is Love: 8,5
  10. Born In A Different Cloud: 7
  11. Better Man: 8,5

Standing no tuvo el fruto que Noel Gallagher esperaba. A pesar de intentar que Oasis suene con otra onda, asfixiado por la necesidad de cambiar el aire, el disco fue más bien golpeado por la crítica especializada. Pero la etapa de resaca y pleito entre los Gallagher parecía que lentamente tomaba nuevas direcciones. Heathen Chemestry marcaría un proceso de cambio positivo.

Lo que caracterizó a este nuevo álbum fue la democratización interna. Noel Gallagher dejaría de ser el compositor monopólico (seguiría siendo el principal), dándole lugar a Liam quien contribuyo con la cantidad “sustancial” de tres canciones (todo un esfuerzo para este borracho) y también dejándole espacio a Gem Archer y Andy Bell que demostraron aportar algo más que buenos modales para la banda.

Esto derivó en un progreso a nivel compositivo en líneas generales. Oasis deja la ambición de parecerse a The Chemical Brothers. Y si bien se repiten formulas en power ballads comerciales como “Stop Crying Your Heart Out”, también nos topamos con números como “Songbird”, con un acordeón y sintetizadores que sorprenden y muestra mejoras a nivel arreglos. Como si después de todo Standing hubiera dejado algo tangible para Oasis. Sin embargo, Heathen Chemestry está lejos de la proeza de Morning Glory o Definitely Maybe.

Chemestry comienza con uno de sus singles de difusión, “The Hindu Times”, un hit que combina guitarras empalagosas con una melodía sumamente adictiva (la mejor del disco). Después está “Force Of Nature”, un rocker interpretado por Noel con un riff que marca un ritmo aplastante, muy distinto a cualquier cosa que haya desentrañado el mayor de los Gallagher antes. “Hung On a Bad Place” es la canción de Archer, la cual rockea con intermitencias interesantes del bajo pero sin llegar a ser demasiado atrapante. “Stop Crying Your Heart Out” arranca la seguidilla de baladas de Oasis, siendo esta la más repetitiva y corriente a pesar de ser hermosa (uno ya escucho este tipo de temas en el pasado). Luego está “Songbird”, la composición más famosa de Liam, un suspiro en el cual una vez más declara su fascinación por los Beatles (es el “Blackbird” de Oasis). Y finalmente, nos encontramos con “Little By Little”, que debe ser la décimo quinta power ballad de Noel, y aún así suena a clásico instantáneo por su brillante estribillo.

En la mitad del álbum, aparece “A Quick Peep”, uno de los fragmentos instrumentales más desapercibidos y competentes que escuche del grupo, obra del señor Bell. Lo continúa “(Probably) All In The Mind”, una especie de experimento psicodélico más propio de la estirpe de SOTSOG, para después darle lugar a la adorable acústica “She Is Love” y al segundo aporte de Liam “Born In A Different Cloud”, interesante pero estirada como los viejos vicios de Be Here Now. Y para terminar Liam nos sorprende componiendo un buen número de hard rock, muy simple y dinámico como “Better Man”.

Heathen Chemestry nuevamente sería degradado por la crítica, al realizar la comparación obvia con los discos iniciales de la banda. Pero desde mi humilde opinión, nos mostraría por primera vez a Oasis como banda y no como el cerebro unitario de Noel Gallagher.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 3)
Bruce Springsteen

Bruce Springsteen – Born to Run (1975)

2 comentarios

Puntaje del Disco: 9

  1. Thunder Road: 9
  2. Tenth Avenue Freeze-Out: 9
  3. Night: 8
  4. Backstreets: 7,5
  5. Born to Run: 10
  6. She’s the One: 7,5
  7. Meeting Across the River: 8
  8. Jungleland: 8,5

Luego de la gira promoción del álbum “The Wild, The Innocent & The E Street Band”, Bruce Springsteen comenzó a darle forma a su siguiente y uno de los más memorables trabajos de su carrera. “Born to Run” fue lanzado en agosto de 1975 e inmediatamente las ventas se dispararon y las críticas coincidieron en reafirmar a Springsteen como una nueva superestrella del rock estadounidense.

Sobre una base introductoria principalmente de piano en cada canción, “Thunder Road” relata acerca de las desafortunadas vidas de Wendy  y su novio en un intento por sobrevivir o siguiendo una temática similar a “Born to Run”, una necesidad de escapar. Justamente estas dos piezas son las más destacadas del disco y dos de los mejores clásicos de Bruce. “Tenth Avenue Freeze-Out”, basada en la historia de la formación de “E Street Band”, también es otra de las mejores interpretaciones del disco. Volviendo a la temática de la necesidad de huir, “Night” relata la historia de un trabajador que luego de su jornada laboral sólo encuentra alegría en las carreras en busca del amor de una mujer.

La segunda parte del disco se completa con “She’s the One”, quizás uno de los temas más flojos del disco pero que mantiene el gran nivel compositivo de Springsteen. “Meeting Across the  River” introduce además del piano una bese de jazz del veterano Richard Davis. En el cierre “Born to Run” culmina con “Jungleland”, una canción épica de casi diez minutos que pasa de un sentido de esperanza hasta otro de desesperación.

Considerado como uno de los grandes clásicos del rock “Born to Run” se enfila dentro de una extensa trayectoria de éxitos que tendrán a Springsteen como una de las principales figuras del rock del siglo XX.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 5)
Queens of the Stone Age

Queens of the Stone Age – Rated R (2000)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Feel Good Hit of the Summer: 8,5
  2. The Lost Art of Keeping a Secret: 10
  3. Leg of Lamb: 9
  4. Auto Pilot: 7,5
  5. Better Living through Chemistry: 9,5
  6. Monsters in the Parasol: 8,5
  7. Quick and to the Pointless: 7
  8. In the Fade: 8
  9. Tension Head: 6,5
  10. Lightning Song: 6
  11. I Think I Lost My Headache: 8,5

La historia de una de las bandas mas interesantes y menos reconocidas de esta década, Queens of the Stone Age comienza cuando el guitarrista y vocalista Josh Homme abandona Kyuss y decide formar un nuevo proyecto que tendría en el futuro como puntal a su amigo junto al bajista Nick Olivieri que recién se uniría a partir de su segundo trabajo, donde luego de un primer disco homónimo Queens of the Stone Age (1998) donde se ganaron las buenas criticas, conseguirían llegar a la masividad recién con su segundo trabajo Rated R (denominación que en Estados Unidos indica que las letras son inoportunas para personas de edad temprana) editado en Junio del 2000.

Este trabajo contó con las colaboraciones ilustres de varios artistas como Rob Halford,
ex vocalista de Judas Priest, Gene Trautman, batería de Desert Sessions, Chriss Goss (productor de la banda) tocando todos los instrumentos posibles y Mark Lanegan, cantante de Screaming Trees.

Rated R es un disco mas complejo y mas ecléctico que su debut, para destacar se encuentran su primer single, «The Lost Art of Keeping a Secret” que se convirtió en todo un éxito a nivel mundial y su canción mas popular hasta el momento, «Feel Good Hit of the Summer» fue el tema de la polémica para le prensa Norteamericano con una letra que repite constantemente «Nicotine, valium, vicodin, marihuana, ecstasy y alcohol» seguido por «c-c-c-c-c-cocaine» un coctel de drogas explosivo incluso para Pity Alvarez, “Monsters in the Parasol”, “Leg of Lamb” y la favorita de Homme “I Think I Lost My Headache” no se quedan atrás y van en sintonía con las feroces guitarras que engloban el sonido de los Queens y “Better Living through Chemistry” merece una mención aparte al ser el tema mas psicodélico y que logra diferenciarse del disco inspirado en la canción “Crying” de la talentosa islandesa Bjork.

La experimentación implementada en el sonido de las guitarras principalmente por Homme en este trabajo seria tomado por la prensa especializada en su momento como ejemplo como el sonido que se vendría en esta década y los colocaría como una de las bandas que mas influencia generan en estos tiempos.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
The Killers

The Killers – Day & Age (2008)

3 comentarios

Puntaje del Disco: 7

  1. Losing Touch: 8
  2. Human: 9
  3. Spaceman: 8,5
  4. Joy Ride: 6
  5. A Dustland Fairytale: 7,5
  6. This Is Your Life: 6,5
  7. I Can’t Stay: 6,5
  8. Neon Tiger: 6,5
  9. The World We Live In: 7
  10. Goodnight, Travel Well: 7

En los últimos años hay grupos que se instalaron con justicia por su capacidad. Pero también están aquellas bandas que son más una moda que un derroche de talento. The Killers forma parte de esta última gran elite.

The Killers en sus trabajos iniciales había demostrado ser un grupo decente, agrandado, si escuchamos declarando a su líder Brandon Flowers, y también un poco inflado por la crítica. Esta naturaleza no la perdieron, sino que también tuvieron ganas de mostrarse como lo más “copado” de la actualidad. ¿Y cómo lo hicieron? Componiendo música más bailable. Sí, The Killers se transformó en una banda de baile, de boliche. Y esto ya se podía prever desde que Flowers anunció que su tercer álbum tendría el estilo dance de Stuart Price, reconocido por colaborar con Madonna.

Sin embargo, esto no es un defecto. La nueva onda que adoptaron en Day & Age les permitió alejarse menudamente de lo que venían haciendo, pero ayudando a consolidar su propio sonido. Es como Brandon Flowers diría: «Sentíamos que Sam’s Town era como la continuación de Hot Fuss, y también sentimos que este álbum es una continuación de Sam’s Town. Pero al mismo tiempo, Day & Age es totalmente diferente a los dos álbumes. Es un poco como mirar a Sam’s Town desde Marte».

Ahora bien, el problema en sí fue el resultado que dejó Day & Age. Es un disco más endeble que sus predecesores, repleto de ensayos dance de distinta índole, que preponderan su ridícula ambición, pero sin gran suceso. Por ejemplo, aparecen experimentos bailables con cierto aire caribeño (con saxofón y todo) como “I Can’t Stay” y “Joy Ride” que apenas funcionan.

Lo rescatable de Day & Age es, por más payasezco que resulte, que hacen prevalecer su estilo sin preocuparse tanto por la grandilocuencia de sus temas como sí pasó en Sam’s Town. Y es así como aparecen hits como “Human” y “Spaceman” que lo favorecen, e incluso son mejores que varios de las canciones de sus discos anteriores. Solo faltaría que el resto del material cumpla un papel más relevante que decorar el disco… como las palmeras que ponen en sus presentaciones.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 3)
Happy Mondays

Happy Mondays – Bummed (1988)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Country Song: 8,5
  2. Moving in With: 8
  3. Mad Cyril: 9
  4. Fat Lady Wrestlers: 8,5
  5. Performance: 9
  6. Brain Dead: 8
  7. Wrote for Luck: 8
  8. Bring a Friend: 8,5
  9. Do It Better: 8
  10. Lazyitis: 9

Para su segundo trabajo Bummed publicado a fines de 1988 los Happy Mondays evidenciaron un progreso notorio tanto en la calidad de sus composiciones y en la solides y consistencia con que sonaban. Sin una canción verdaderamente floja el disco comenzaría a mostrar la importancia que luego adquiriría la banda en el rock del Reino Unido y en la movida conocida como Madchester más precisamente.

Martin Hammet, famoso productor de Manchester y especialmente reconocido por estar junto a  Joy Division y New Order en su mejor momento, trabajo en Bummed poniendo su marca y cristalizando el sonido de la banda con guitarras acidas sobre bases bailables que años mas tarde serian remixadas por el famoso DJ Paul Oakenfold bajo el titulo de “Wrote For Luck”.

Canciones con el sello bailable característico de los Mondays como “Mad Cyril”, “Country Song”, “Performance” y la inspirada en “Ticket to Ride” de los Beatles “Lazyitis” son los momentos mas destacados en un disco parejo, llevadero y accesible de escuchar.

Lo mejor del grupo de Manchester estaba por venir con su siguiente trabajo Pills ‘n’ Thrills and Bellyaches y un gran futuro se auguraba para Shaun Rider y los suyos a principios de los noventa, pero lamentablemente fueron victimas de su propio éxito y de todo tipo de excesos que los llevo insoslayablemente a la decadencia y desintegración.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Iron Maiden

Iron Maiden – Piece of Mind (1983)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Where Eagle Dare: 9
  2. Revelations: 8,5
  3. Flight of Icarous: 9
  4. Die With Your Boots On: 8
  5. The Trooper: 10
  6. Still Life: 7,5
  7. Quest for Fire: 7,5
  8. Sun and Steel: 7,5
  9. To Tame a Land: 8

“The Number of The Beast” no fue para Iron Maiden precisamente el de Lucifer, sino el número uno en los charts británicos y la posibilidad de cruzar el Atlántico y desafiar a los sectores más conservadores de Norteamérica con sus aparentes referencias satánicas. El éxito y los problemas para la banda se alternaron y luego del suceso que causó aquel disco, debieron enfrentar un nuevo alejamiento; en esta oportunidad la del baterista Clive Burr. Como todo cambio es una oportunidad, la incorporación de Nikko  McBrain en las filas de la Dama de Hierro terminó por mejorar los sonidos de la banda y permitieron que se lograra una mayor unidad con las guitarras y el bajo.

En 1983 se lanzó “Piece of Mind”, el cuarto disco de Maiden, que según palabras de Steve Harris fue el mejor material de estudio que han grabado. El álbum estuvo inspirado básicamente en diversos libros y películas bélicas, de ciencia ficción y mitológicas. “Where Eagle Dare”, basada en la novela y largometraje del mismo nombre que se sitúa en la Segunda Guerra Mundial, es considerada una de las más famosas y difíciles interpretaciones de batería de McBrian.

En “Revelations” la letra está inspirada en un libro de Aleister Crowley con la combinación de una oda de G. K. Chesterton. “Fligh of Icarous” hace clara evidencia en el mito griego de Icaro, quien intentó escapar de la prisión de Creta con su padre Dédalo, mediante unas plumas de cera que terminaron derritiéndose debido a la proximidad al sol. Una gran canción para una fantástica alegoría de lo que Dickinson comparó con la rebeldía adolescente.

Una de las pocas canciones en las que se pueden oír los coros del guitarrista Adrian Smith y el bajista Steve Harris es en “Die With Your Boots On”, una especie de “morir con honor”. El destacado del disco es sin dudas “The Trooper”, considerada entre las mejores canciones de Iron Maiden. Basada en la Batalla de Balaclava de 1854, desde la primera frase “You’ll take my life but I’ll take yours too” y luego con el solo de guitarra y “Ohh Ohhh” preparan el escenario ideal para una confrontación bélica.

Concluyendo el disco “Sill Life”, “Quest for Fire” y “Sun and Stell” mantienen la estructura clásica de la banda, con poderosos bateos, muy buenos solos de guitarra con los vibrantes dotes vocales de Dickinson. Por último “To Tame a Land”, inspirada en la novela de ciencia ficción “Dune” de Frank Herbert,  se caracteriza por las inusuales modulaciones que hacen de ésta una interesante pieza, aunque sin alcanzar el brillo de las anteriores composiciones, no opaca este magnífico disco de heavy metal.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Rage Against The Machine

Rage Against The Machine – The Battle of Los Angeles (1999)

2 comentarios

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Testify: 9
  2. Guerrilla Radio: 10
  3. Calm Like a Bomb: 8
  4. Mic Check: 7,5
  5. Sleep Now in the Fire: 8
  6. Born of a Broken Man: 9
  7. Born as Ghosts: 8
  8. Maria: 7,5
  9. Voice of the Voiceless: 8,5
  10. New Millennium Homes: 8,5
  11. Ashes in the Fall: 8
  12. War Within a Breath: 8,5

Rage Against The Machine encontró a comienzos de los 90’ una fórmula musical que le valió el reconocimiento de críticos, fans y compañeros. Un inconfundible color musical, vocal y político tiñe toda su producción. The Battle of Los Angeles es una fiel muestra de lo que R.A.T.M. puede montar: guitarras estridentes, metal pesado funkizado, letras políticamente comprometidas, canciones pegadizas y un clima general de exaltación que incita a salir a la calle para apedrear la comisaría más cercana.

Entrando con un sólido “Testify”, en el cual Morello se luce tocando la guitarra con más creatividad que virtuosismo (lo que, hablando de Morello, roza con la ridiculez), De la Rocha invade el éter con voz de protesta con fuertes referencias a 1984 de George Orwell, y Michael Moore hace lo propio dirigiendo un clip especialmente para este tema, que termina siendo una odisea rap-metalera.

Pero pronto nos topamos con “Guerrilla Radio”, una de las canciones más conocidas de R.A.T.M. y, coincidentemente, la mejor del disco. Ha sido usada hasta el cansancio en videojuegos y películas, y hasta Alanis Morisette hizo un cover del tema. Su escucha es imperativa.

Podríamos escribir páginas enteras sobre cada canción, ya que Zach de la Rocha tiene una escritura muy densa y con varias capas, y el resto del grupo intenta generar un nuevo sonido acorde a la letra en cada ocasión. Baste decir que es un tanto complicado diferenciar este disco del resto: la producción de R.A.T.M. forma un todo homogéneo y consistente, musicalmente lúdico y exploratorio, difícil de encerrar en una categoría (metal, rap, funk, indie, rock).

Nos encontramos, por supuesto, con lo que esperábamos luego de sus lanzamientos anteriores. Riffs enloquecedores, sutilezas auditivas rodeadas de una violencia sonora sistémica, y una fuente de energía inacabable para cualquier actividad que involucre “poner el pecho”.

Sin dudas es claro que la banda está atravesada por una tensión entre la búsqueda del cambio social o la “revolución” y su éxito comercial masivo, que fácilmente invalida o por lo menos desvaloriza a lo primero. Sin embargo, The Battle of Los Angeles mantiene su lugar de epopeya musical matizada con una conciencia político-social más profunda que cualquier otra banda contemporánea.

La curiosidad: La tapa del álbum es un mural hecho por Joey Krebs en Los Ángeles, especialmente a pedido de la banda. Joey Krebs (también conocido como Joel Jaramillo o el fantasma de Los Ángeles) es un conocido artista que ha expuesto en numerosas galerías de arte en Estados Unidos.

Barba

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(Votos: 2 Promedio: 4.5)